Friday, March 10, 2017
Public Access


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Category: All

10
March 2017
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  Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Location:
Espace Oscar Niemeyer
Siège national du Parti Communiste Français
2, place du Colonel Fabien
6, avenue Mathurin Moreau
75019 Paris
M° Colonel Fabien
France
Phone : +33 (0)1 40 40 12 12
Internet Site : www.pcf.fr
Description:
Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Affiche de l'exposition

Du 21 février au 7 juin 2017
Lundi au vendredi 11h à 18h30
Samedi et dimanche 13h à 18h
Fermé les jours fériés

Entrée libre

Le Musée de La Poste propose l'exposition Rancillac Rétrospective du 21 février au 7 juin 2017 à l'espace Niemeyer.

Commissaire de l'exposition : Josette Rasle
Scénographe : Jean-Claude Salliou

Bernard Rancillac est l'un des grands noms de la peinture contemporaine. Il est l'inventeur d'une « nouvelle figuration » attentive aux réalités de la vie quotidienne et aux images dont les médias sont friands pour les faire accepter.

Peintre rebelle, il est aussi celui qui a décidé de rendre compte à sa manière de l'actualité de notre monde, histoire de déranger notre confort tiédasse et la bienséance du petit monde feutré de l'art.

La rétrospective de Bernard Rancillac proposée à l'Espace Niemeyer par le Musée de La Poste, actuellement fermé pour rénovation, réunit sur plus de 1300 m2 une centaine de pièces : peintures, objets, affiches, installations, collages... s'étalant de 1961 à 2015. Elle permet une approche complète et représentative du parcours de l'artiste né en 1931 et grande figure de la Figuration Narrative.

Dans le climat politique international des années 60, extrêmement tendu, il entame une réflexion sans concession sur la société de consommation, la culture populaire et l'actualité la plus brûlante.

Il partage alors sa vision de l'art et du monde avec un groupe de jeunes peintres en rupture avec l'abstraction, de nationalités diverses, aux aspirations pas toujours communes mais aux inspirations similaires. En 1964, avec le peintre haïtien Hervé Télémaque et le soutien du critique d'art Gérald Gassiot-Talabot, il organise au Musée d'art moderne de la ville de Paris, l'exposition Mythologies quotidiennes. Réunissant trente-quatre artistes, elle marque les esprits par l'utilisation qu'ils font de l'image à la fois banale et toute puissante. La Figuration narrative est née.

Profondément concerné par son époque, Bernard Rancillac puise dans un répertoire d'images très variées (cinéma, photographie, publicité, bande dessinée, roman-photo...) pour aborder les sujets qui lui tiennent le plus à cœur. Il les traduit par de grands aplats acryliques vivement colorés et d'inventions formelles d'une grande force plastique.

Exigeante, cohérente et subversive, son œuvre accessible au plus grand nombre, composée de séries sur lesquelles il a opéré et opère parfois encore de nombreuses variations (Mickey, musiciens de jazz, stars de cinéma...), témoigne selon Bernard Ceysson « de la volonté délibérée du peintre de miner la réalité, après avoir miné l'histoire de l'art ». Bien que l'effet plastique prévale sur toute autre préoccupation et que son combat premier soit avant tout la peinture, Bernard Rancillac utilise son pinceau comme un coup de poing non pour défendre une quelconque idéologie mais pour forcer le regard de celui qui ne veut pas voir.

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Jeune égorgée, 1998
Acrylique sur toile, 165 x 250 cm, coll. de l'artiste, Paris Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Notre Sainte Mère La Vache n°2, 1972
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Acrylique sur toile, 116 x 89 cm, Musée des beaux-arts, Dole

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Section rythmique de Miles Davis, 1974
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Acrylique sur toile, 162 x 162 cm, coll. privée

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Belfast, 1977
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Acrylique sur toile, 146 x 114 cm, coll. Martine et Michel Brossard, Paris

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Le Muezin, 2013,
Acrylique sur toile, 130 cm x 197 cm, coll. de l'artiste, Paris Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Les Afghanes, 2004, Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017
Acrylique sur toile, 130 cm x 195 cm, coll. de l'artiste, Paris

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Où es-tu, que fais-tu ?, 1965
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Huile sur toile, 178 x 195 cm, Centre Pompidou, MNAM-CCI

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Enfer-Paradis, 2007,
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Acrylique sur toile, 230 x 500 cm

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Gilda (Cinémonde n°56), 1989
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Acrylique sur toile, 195 x 130 cm, coll. privée

Exposition "Rancillac, Rétrospective"
Sakeo, (camp de réfugiés Khmers), 1996
Bernard Rancillac © Adagp, Paris, 2017 Acrylique sur toile,200x200 cm, coll. La Croix-Rouge monégasque - Don de l'artiste

Exposition "Du dessin au tableau au siècle de Rembrandt"
Location:
Atelier Néerlandais
Fondation Custodia
121, rue de Lille
Hôtel Turgot
75007 Paris
M° Assemblée Nationale, Invalides
France
Phone : +33 (0)1 53 59 12 40
Fax : +33 (0)1 45 56 00 77
Mail : info@institutneerlandais.com
Internet Site : www.institutneerlandais.com
Description:
Du 4 février au 7 mai 2017
Tous les jours sauf le lundi, de 12h à 18h

Tarifs : Plein tarif 10 € / Tarif réduit 7 €

Pour la première fois après quatre siècles de séparation, sont réunis des tableaux des plus grands artistes hollandais du Siècle d'Or avec leurs dessins préparatoires. Après son succès à la National Gallery of Art de Washington pendant l'automne 2016, la Fondation Custodia est heureuse de présenter à Paris vingt-et-une peintures et une centaine de dessins, au nombre desquels deux rares carnets d'esquisses et un exceptionnel album offrant une immersion dans les ateliers du XVIIe siècle.

L'exposition dévoile le fruit des années de recherche de plusieurs spécialistes, qui se sont penchés sur la façon dont les artistes néerlandais utilisaient le dessin dans leur processus pictural. Sur les quelques milliers de dessins ayant traversé les siècles jusqu'à nous, ils ont réussi à en mettre certains en rapport avec une peinture identifiée. L'exposition bénéficie de prêts de nombre des plus grands musées et cabinets d'arts graphiques du monde. Aux côtés des œuvres de la Fondation Custodia et de la National Gallery of Art de Washington, on peut voir entre autres des peintures et des dessins du Metropolitan Museum of Art de New York, du Fogg Art Museum de Boston, du Rijksmuseum d'Amsterdam, de l'Albertina Museum de Vienne, de l'Ashmolean Museum d'Oxford, du British Museum de Londres, de la Gemäldegalerie ou encore du Kupferstichkabinett de Berlin.

Une section introductive illustre la pratique du dessin des peintres hollandais au XVIIe siècle. Avec leurs études esquissées d'après des modèles, leurs croquis exécutés dans la nature - capturant paysages, arbres et bâtisses pittoresques, animaux... -, leurs études de mains, de bras, de têtes... les artistes se constituaient un répertoire de motifs dans lequel ils pouvaient puiser à loisir pour créer leurs tableaux.

Cette plongée dans les coulisses des ateliers permet de comprendre les méthodes de création d'une quarantaine des plus grands peintres hollandais et de passer en revue tous les genres picturaux : de la nature morte aux marines, des intérieurs d'églises aux scènes mythologiques et bibliques.

Si Rembrandt (1606-1669) fut un formidable dessinateur, on connaît très peu de feuilles directement préparatoires pour ses tableaux. L'un de ces très rares exemples est cependant présent dans l'exposition : pour la composition complexe de son Saint Jean-Baptiste prêchant, le maître hollandais a étudié dans différents dessins le personnage central et la foule assemblée pour écouter le saint. On peut suivre l'artiste dans sa recherche d'une posture, d'une expression ou du détail d'un costume.

Scènes de genre et portraits jalonnent le parcours de l'exposition. Le public peut notamment admirer les études de compositions d'Adriaen van Ostade (1610-1685) qui les multipliait et détaillait ensuite certaines de ses figures dans des dessins à la pierre noire dont plusieurs exemples sont exposés.

Après les « reportages » de batailles en mer et « portraits » de navires des célèbres peintres de marines Willem van de Velde père et fils, le visiteur pourra se pencher sur les méthodes de création de plusieurs des meilleurs paysagistes hollandais. La vue plongeante sur Amsterdam que Jacob van Ruisdael (1628/29-1682) réalisa sans aucun doute sur le motif, depuis les échafaudages d'un bâtiment en construction, a été le point de départ d'un remarquable tableau. La feuille, quoique de facture très enlevée, fournit d'infinis détails pour la description de la ville au premier plan, tandis que Ruisdael extrapole la moitié supérieure avec un ciel nuageux dont il avait le secret.

L'exposition et le catalogue sont le résultat d'une étroite collaboration d'un groupe international de spécialistes, sous la houlette de Ger Luijten, directeur de la Fondation Custodia, Peter Schatborn, ancien directeur du Cabinet d'arts graphiques du Rijksmuseum, Amsterdam, et Arthur K. Wheelock Jr., conservateur des peintures nordiques à la National Gallery of Art, Washington. Le catalogue, disponible en français et en anglais, constitue la première étude sur le sujet et offre un panorama complet du XVIIe siècle hollandais.


Catalogue
Du dessin au tableau au siècle de Rembrandt
Fondation Custodia, Paris, National Gallery of Art, Washington, Skira editore, Milan, 2016
318 pp., 31 x 24,5 cm, ca. 300 illustrations couleur, relié
ISBN 978-88-572-3345-1
Prix : 59,00 €

Exposition "Du dessin au tableau au siècle de Rembrandt" - Dirck Hals
Dirck Hals (1591-1656)
Études d'un homme assis, fumant la pipe, et de deux jambes, 1622-1627
Pinceau et encre brune, peinture brune, rehauts de gouache blanche, sur une esquisse à la pierre noire, 277 x 178 mm
© Rijksmuseum, Amsterdam

Exposition "Du dessin au tableau au siècle de Rembrandt"

08:00  
09:00  
10:00  
11:00 [11:00] Inauguration de l'exposition "Jeunes Générations"
Location:
Gare de Lyon
Place Louis Armand
75012 Paris
M° Gare de Lyon
France
Description:
Inauguration de l'exposition « Jeunes Générations », commande photographique nationale

A 11h, rendez-vous en gare de Lyon Paris pour le vernissage de l'exposition "Jeunes-Génération", résultat de la commande photographique lancée par le ministère de la Culture et de la Communication (projet porté par le Centre national des arts plastiques - CNAP en partenariat avec l'Association CéTàVOIR).

12:00  
13:00  
14:00  
15:00  
16:00  
17:00 [17:00-20:00] Vernissage de l'exposition collective "Printemps"
Location:
Galerie NMarino
Galerie Nery Mariño
8, rue des Coutures Saint-Gervais
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Saint-Paul, Chemin Vert
France
Phone : +33 (0)1 48 87 49 75
Mobile : +33 (0)6 72 51 99 92
Mail : galerienmarino@gmail.com
Internet Site : www.artameriquelatine.com
Description:
Exposition du vendredi 10 mars au samedi 8 avril 2017

Cinq femmes dans l'abstraction géométrique : Françoise Aubry, Martha Boto, Geneviève Claisse, Isabelle de Gouyon Matignon, Aracelis Ocante

Vernissage de l'exposition collective "Printemps" - Cinq femmes dans l'abstraction géométrique : Françoise Aubry, Martha Boto, Geneviève Claisse, Isabelle de Gouyon Matignon, Aracelis Ocante

[17:00-21:00] Vernissage des expositions de la Paris Ass Book Fair
Location:
Arts Factory / Bastille
27, rue de Charonne
75011 Paris
M° Ledru-Rollin, Bastille
France
Mobile : +33(0)6 22 85 35 86
Mail : artsfactory@free.fr
Internet Site : www.artsfactory.net
Description:
La Paris Ass Book Fair est une foire réunissant une vingtaine d'éditeurs indépendants, de zine makers et d'artistes invités par Arthur Dumpling (Cock au soleil) et Vincent Simon (Septembre éditions) à présenter leurs créations au public parisien.

La Paris Ass Book Fair rassemble des artistes et éditeurs qui considèrent les publications imprimées comme un médium à part entière. Les formats de leurs publications sont multiples : fanzines, livres d'artistes, bande dessinée, littérature. Ils ont en commun d'explorer le sexe, le genre, leurs troubles et leurs représentations, comme des sujets ludiques, poétiques, politiques.

La Paris Ass Book Fair est une foire internationale. Les artistes et éditeurs présents viennent de France, d'Europe et d'Amérique du Nord et du Sud. Plus de la moitié d'entre eux ont moins de 30 ans. Tous ont créé leurs propres structures de production et de diffusion.

La Paris Ass Book Fair est un lieu de rencontre entre artistes, éditeurs, amateurs. Elle vise à stimuler les échanges et la création dans un esprit de liberté, d'invention et de respect mutuel.

La Paris Ass Book Fair investit tous les espaces de la galerie Arts Factory où seront présentées également deux expositions :
- QUEER ZINES
une exposition conçue par AA Bronson et Phil Aarons, pour la première fois en France ;
- TOM DE PEKIN + TWOTOM
une présentation parallèle des œuvres graphiques de ces deux artistes et illustrateurs.

Horaires
VENDREDI 10 MARS 17h - 21h
SAMEDI 11 MARS 13h - 21h
DIMANCHE 12 MARS 13h - 19h

ENTREE LIBRE

organisé par Septembre éditions
www.parisassbookfair.fr

Vernissage des expositions de la Paris Ass Book Fair


[18:00] Art Inspires, Fashions Tells, Streets Act
Location:
Musée des Arts Décoratifs
Union centrale des arts décoratifs - UCAD
107, rue de Rivoli
75001 Paris
M° Palais Royal - Musée du Louvre, Tuileries
France
Phone : +33 (0)1 44 55 57 50
Internet Site : www.lesartsdecoratifs.fr
Description:
Fashion Show during HeForShe Arts Week

Press Contact: Yannis Sioudan
yannisioudan@gmail.com

Art Inspires, Fashions Tells, Streets Act

[18:00] Remise des diplômes « Ingénieur Télécom ParisTech 2017 »
Location:
Ministère de l'économie, de l'industrie et de l'emploi
Ministère du budget, des comptes publics et de la fonction publique‎
139, rue de Bercy
75012 Paris
M° Bercy, Gare de Lyon
France
Internet Site : www.minefi.gouv.fr
Description:
Remise des diplômes « Ingénieur Télécom ParisTech 2017 »

[18:00-21:00] Vernissage de Fatima Ouriachet
Location:
Office de Tourisme de Nanterre
4, rue du Marché
92000 Nanterre
M° RER A Nanterre - Ville
France
Phone : +33 (0)1 47 21 58 02
Fax : +33 (0)1 47 25 99 02
Mail : info@ot-nanterre.fr
Internet Site : www.ot-nanterre.fr
Description:
peinture

Vernissage de Fatima Ouriachet

[18:00-20:00] Vernissage de Richard Deacon "Thirty Pieces"
Location:
Galerie Thaddaeus Ropac
7, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 72 99 00
Fax : +33 (0)1 42 72 61 66
Mail : galerie@ropac.net
Internet Site : www.ropac.net
Description:
11 mars - 15 avril 2017

La galerie Thaddaeus Ropac présente "Thirty Pieces", une exposition monographique du sculpteur anglais Richard Deacon.

Comme le titre de l'exposition le laisse entendre, 30 œuvres seront montrées : 20 nouvelles sculptures réalisées à partir de matériaux divers et 10 œuvres sur papier. Selon l'artiste : « Il s'agit de ma quatrième exposition dans cet espace et j'ai délibérément souhaité qu'il n'y ait pas une ou deux œuvres qui dominent les autres mais plutôt une installation multiforme dans laquelle le spectateur doit frayer son propre chemin». Exposées sur des tables de deux hauteurs différentes, ces sculptures ouvrent de nouvelles possibilités d'expression dans le travail de l'artiste. Par le passé, Richard Deacon a toujours envisagé l'utilisation du sol comme une surface à part entière ; l'introduction de deux hauteurs différentes dans la présentation des œuvres engendre cette fois-ci un sentiment d'incertitude et de flottement.

À bien des égards, l'installation révèle la porosité entre le studio de l'artiste et l'espace d'exposition. « Je pense que montrer ce que vous faites est inclus implicitement dans l'acte artistique et il existe des modèles pour le faire. L'exposition est actuellement l'un des modèles prédominants. Pour l'artiste, faire une exposition est dans une certaine mesure un prolongement de ce qui se passe dans le studio » [1].

Travailler à l'échelle domestique a également permis à l'artiste de repousser les limites de sa virtuosité dans la sculpture du bois, de la pierre ou de l'acier tout en expérimentant de nouveaux matériaux comme le béton réfractaire vernissé. Deacon demeure fidèle aux techniques de construction artisanale qui ont guidé sa pratique depuis le début de sa carrière. Par exemple, ses œuvres en pierre sont toutes réalisées à partir d'une concrétion de débris de béton et de pierre provenant des rebuts d'un constructeur professionnel.

Réparties en sous-groupes, les sculptures peuvent être appréhendées indépendamment ou dans leur globalité. Bien qu'aucune raison spécifique n'ait poussé l'artiste à exposer précisément 30 œuvres, le titre de l'exposition a plusieurs connotations. Il s'inscrit d'une part dans une démarche d'auto-référentialité héritée du minimalisme mais peut aussi évoquer les 30 pièces d'argent offertes à Judas en échange de sa trahison. L'épisode, rapporté dans l'Évangile selon Saint-Matthieu, a été représenté maintes fois dans la peinture religieuse. Au cours de sa carrière, Deacon a accordé autant d'importance au langage qu'à la matière. Cela reflète son intérêt profond pour la lecture de textes poétiques et philosophiques.


Né en 1949 au Pays de Galles, Richard Deacon vit et travaille à Londres. Il est présent à l'avant-garde de la sculpture britannique depuis le début des années 1980. Ses travaux combinent des formes organiques avec des éléments d'ingénierie. Les débuts de sa carrière étaient déjà marqués par des expérimentations avec divers matériaux ainsi que par de multiples formes d'expression artistique : performance, photographie et dessin. Son intérêt prononcé pour les potentialités spécifiques des matériaux qu'il utilise - bois lamellé, béton, PVC, acier inoxydable ou encore céramique - caractérise sa démarche. Les sculptures de Deacon apparaissent comme autant de structures complexes, d'entrelacements rythmiques ou d'objets organiques, impressionnants dans leur interpénétration de la forme, de la surface et de l'espace. Deacon se décrit lui-même comme un « fabricant », insistant sur le processus de construction qui mène à l'objet fini.

L'œuvre de Richard Deacon a récemment fait l'objet d'expositions monographiques à la Fondation Langen, Neuss, Allemagne (2016-17) ; au Musée Folkwang, Essen, Allemagne (2016) ; au Kunstmuseum, Winterthour, Suisse (2015) ; à la Tate Britain, Londres, GB (2014), au Sprengel Museum, Hanovre, Allemagne (2011), au Musée de la Ville de Strasbourg, France (2010) ; au Portland Art Museum, Oregon, États-Unis (2008) et au PS1 Contemporary Art Center, New-York, États-Unis (2001). Richard Deacon a reçu le Turner Prize en 1987. Il a participé à Documenta 9 (Kassel, Allemagne) en 1992 et a représenté le Pays de Galles à la Biennale de Venise en 2007.
Le prix Ernst Franz Volgelmann pour la sculpture lui a été décerné en janvier 2017 et le Stadtische Museen d'Heilbronn présentera une nouvelle exposition monographique à l'automne 2017. Le San Diego Museum of Art en Californie organise la première grande exposition institutionnelle de l'artiste aux Etats-Unis du 25 mars au 25 juillet 2017.

[1] Interview avec Pier Luigi Tazzi dans Richard Deacon, Londres, Phaidon, 2000

Vernissage de Richard Deacon "Thirty Pieces"
Richard Deacon, 30 pieces, exhibition view, 2017
Courtesy of the artist & Galerie Thaddaeus Ropac Marais, Paris

Vernissage de Richard Deacon "Thirty Pieces"
Richard Deacon Flat #29, 2016
Béton réfractaire émaillé. 35 x 57,4 x 45 cm (13,8 x 22,6 x 17,7 in)
© Richard Deacon. Photo: Mareike Tocha

[18:00-20:00] Vernissage de Robert Mapplethorpe "Objects"
Location:
Galerie Thaddaeus Ropac
7, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 72 99 00
Fax : +33 (0)1 42 72 61 66
Mail : galerie@ropac.net
Internet Site : www.ropac.net
Description:
11 mars - 29 avril 2017

La Galerie Thaddaeus Ropac présente "Objects", de Robert Mapplethorpe réunissant un ensemble d'œuvres rares et uniques exposées pour la première fois à Paris

Dès la fin des années soixante, Mapplethorpe commence à élaborer des objets tridimensionnels, de montages photographiques, des collages utilisant des matériaux souvent très diverses et hétéroclites. Par l'étendue des techniques qu'il utilise, ces œuvres démontrent son engagement dans une démarche créatrice et très personnelle qu'il développera tout au long de sa vie. Elles révèlent sa fascination pour des sujets tels que le mysticisme, l'ésotérisme et le fétichisme. Sur le plan du style et de l'iconographie, elles constituent un mélange étonnant entre les ready-mades de Marcel Duchamp et les divagations psychosexuelles de Dali. Passionné par les symboles et les motifs géométriques, Mapplethorpe réalise de nombreux collages et assemblages en recyclant -tout en les transgressant- des images religieuses. Il explore également des sujets plus sombres comme la magie noire ou l'art du Tantra et redessine des cartes de Tarot en remplaçant l'iconographie classique par des figures masculines tirées de magazines pornographiques masculins.

Sans jamais avoir peur d'enfreindre les règles ou de choquer, il a contribué à étendre la notion de ce qu'il est possible de faire en art. Ces objets et collages, d'une poésie inouïe, reflètent une approche radicale et souvent provocatrice, ancrée dans le contexte socioculturel du New York libertaire des années soixante-dix.

Parmi les œuvres présentées, Untitled (Madonna Medaillon), un rare collage de 1968 montre une image de la Vierge inscrite dans une architecture géométrique dessinée à la main. Dans un style rappelant le Surréalisme, la figure semble léviter sur une forme organique qui évoque à la fois un coquillage et une coupe anatomique des organes génitaux masculins. À l'extérieur du cadre, un emblème en feutre représentant le Sacré-Coeur de Jésus montre l'intérêt de Mapplethorpe pour l'intégration d'éléments religieux dans une composition à connotation sexuelle.

Jay Kiss (1973) souligne la dimension fétichiste de l'œuvre de Mapplethorpe. Sur une structure en bois peinte en rouge, un foulard de soie est accroché sous un portrait au polaroïd agrandi de son ami Jay Johnson. Relique d'un moment passé, le foulard correspond à celui que Jay porte dans l'image, où il est tendrement représenté les yeux fermés. La composition novatrice rappelle celle d'un ex-voto, habituellement offert en signe de gratitude ou de dévotion dans un contexte religieux.

Untitled, une pièce géométrique de forme triangulaire réalisée en 1983, révèle la fascination de l'artiste pour la perfection formelle, et notamment pour la symétrie. Comme il le raconte à la critique d'art Ingrid Sischy : « L'église est un endroit magique et mystérieux pour un enfant. Cela se voit encore dans la manière dont j'arrange les choses. Ça ressemble toujours à de petits autels. À chaque fois que j'essaie de mettre des choses ensemble, j'ai remarqué que je les plaçais de façon symétrique ; cela s'est toujours passé ainsi.»[1]

Mapplethorpe fait précéder son nom du symbole X, jouant ainsi sur l'ambivalence autant pornographique que religieux de ce symbole. La sobriété de la composition qui se décline en bandes de feutre coloré donne une dimension mystique à ce qui peut être lu comme un autoportrait abstrait.

Robert Mapplethorpe (1946-89) est né dans le Queens à New York. Le troisième d'une fratrie de six enfants, il a grandi au sein d'une famille catholique de la classe moyenne. De 1963 à 1969, Mapplethorpe fréquente le Pratt Institute à Brooklyn où il étudie la peinture et la sculpture ; il en sort diplômé en Arts Graphiques. Au cours de ces années de formation, il produit de nombreux dessins et collages utilisant toutes sortes de matériaux. En 1971, il commence à utiliser un appareil Polaroid et inclut progressivement la photographie dans ses collages, ainsi que des extraits de livres et des coupures de magazines. Mapplethorpe aime l'instantanéité et l'intimité de ce nouveau medium qui contribuera à définir son vocabulaire. Ce n'est seulement qu'à partir de 1975 que Mapplethorpe commence à travailler exclusivement avec la photographie, lorsque le commissaire d'exposition et collectionneur averti Sam Wagstaff, également son mentor et amant, lui offre un appareil Hasselblad 500.

Considérée aujourd'hui comme une part essentielle de son œuvre, ces premiers travaux ont récemment fait l'objet d'une acquisition par le J. Paul Getty Museum et le Los Angeles Country Museum (LACMA). En 2016, les deux institutions ont organisé la plus grande rétrospective de l'artiste à ce jour. Le catalogue Robert Mapplethorpe: The Archive publié à cette occasion par le Getty Research Institute est le premier ouvrage entièrement consacré à ces Objets.

[1] Quoted in Ingrid Sischy, « A Society Artist » in Robert Mapplethorpe (Whitney Museum of American Art, 1990), 82

Vernissage de Robert Mapplethorpe "Objects"
Robert Mapplethorpe Jay - Kiss, 1973
Impression argentique, cadre de bois teinté sur mesure, poignée en verre,
fleur en résine pressée et écharpe en soie imprimée
119.4 x 43.2 x 5.5 cm (47.01 x 17.01 x 2.17 in)
© Robert Mapplethorpe foundation. Used with permission. Photo: Ulrich Ghezzi

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Sous couleur d'estampe"
Location:
Galerie l'Echiquier
16, rue de l'Echiquier
75010 Paris
M° Bonne Nouvelle, Château d'Eau
France
Mail : galerie.echiquier@gmail.com
Internet Site : www.galerie-echiquier.com
Description:
Gravures

avec Maxime Préaud, Médéric Bottin, Bernard Rémusat, Dominique Moindraut, José San Martin

Exposition du 11 mars au 8 avril 2017

L'art de l'estampe tend à se confondre avec l'art du noir et blanc, qu'il s'agisse d'en dénoncer l'austérité, pour les réticents, ou au contraire d'en louer la probité, pour les amateurs. Les peintres-graveurs dont l'histoire de l'art a sacralisé les noms, Dürer, Rembrandt, Piranèse ou Goya, sont autant de virtuoses de la dialectique du noir de l'encre et du blanc du papier.
La couleur, souvent accusée de séduction facile, est pourtant liée au médium dès les origines : d'abord sous la forme d'un simple coloriage des épreuves, puis par la gravure sur bois en deux ou plusieurs tons et enfin sous la forme de la trichromie mise au point au XVIIIe siècle. Elle s'impose dans l'estampe artistique, à la fin du XIXe siècle, pour se répandre, toutes techniques confondues, en subtiles superpositions et habiles combinaisons, dans des feuilles imprimées dont le public se délecte.
Que les adeptes du « beau nouâr » moqué par le graveur Félix Bracquemond, les inconditionnels du blanc immaculé, les traqueurs de la « manière grise » ne boudent pas leur plaisir devant le florilège d'effets chromatiques offert par la Galerie l'Échiquier avec les gravures sur bois de José San Martin et de Médéric Bottin, les linogravures et les eaux-fortes rehaussées à la gouache de Maxime Préaud, les lithographies de Bernard Rémusat et les gravures sur cartons de Dominique Moindraut ! De la couleur rien que de la couleur !

Valérie Sueur-Hermel, Paris février 2017

Conservateur en chef au département des Estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "AIR DE BERLIN"
Location:
Arnaud Deschin galerie
18, rue des Cascades
75020 Paris
M° Pyrénées, Jourdain, Gambetta, Ménilmontant
France
Mobile : +33 (0)6 75 67 20 96
Mail : info@arnauddeschingalerie.com
Internet Site : www.arnauddeschingalerie.com
Description:
avec Marcel Hüppauff, Maja Körner, Philipp Schwalb, Dimitri Susin

Vernissage le vendredi 10 mars 2017 de 18h à 21h
Exposition du 11 mars au 4 avril 2017
Ouverture du mercredi au samedi entre 14h et 20h,
Dimanche entre 14h et 19h, ou sur RDV

"La peinture d'aujourd'hui est super superficielle. Elle est chic, elle a son style. Elle a perdu sa religion depuis longtemps. Elle est organisée comme les médias. Elle aime bien les médias de notre époque et copie tout ça. Elle est géométrique, elle aime bien être imprimée et elle est souvent imprimée soi-même. La peinture d'aujourd'hui est non coloriste, et elle fait partie d'une vague critique intégrée. La peinture de cette exposition n'est pas du tout comme ça. En plus, elle n'est pas simplement le contraire."
Steffen Krüger

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Le Silence est d'or"
Location:
Aubervilliers
Aubervilliers
93300 Aubervilliers
M° RER B La Courneuve - Aubervilliers, Aubervilliers - Pantin - Quatre Chemins
France
Internet Site : www.aubervilliers.fr
Description:
3 allée Gustave Courbet dans un appartement de la Maladrerie
Metro Fort d'Aubervilliers
Renseignements 01 48 34 35 34 / 01 48 34 41 66

Vernissage vendredi 10 mars 2017 à 18h
du 11 mars au 2 avril de 15h à 20h et sur RV
entrée libre

Le Silence est d'or avec les artistes Virginie Descamps, Irina Rotaru et Gabrielle Wambaugh
Commissaire d'exposition Juliette Fontaine.

Le Silence est d'or. L'œuvre d'art ne délivre pas un sens à la manière des messages que l'on échange en communiquant par le langage. Elle n'a pas prioritairement une fonction de communication car cela supposerait qu'il faudrait comprendre une oeuvre pour la recevoir et l'apprécier. Ce n'est pas le cas.

Le titre de cette exposition Le Silence est d'or n'est bien entendu pas littéral, mais déjà donne sens par l'aridité ronde de sa forme poétique : une ligne japonaise, un haïku. Il ne s'agit pas d'évaluer la présence du silence dans les oeuvres des trois artistes exposées, mais peut-être plutôt l'amplitude de leur rigueur toute voluptueuse qui les sous tend et en affecte l'évidence de la représentation qu'elles proposent. Et en effet que représentent-elles ? De l'espace ? Du temps ? Des corps ? De l'organique ? De l'animal ? Du végétal ? Du minéral ? De l'objet ? En fait, des agencements possibles de ces univers différents et qui les rendent intimement liés. Elles sont surtout des matières de la pensée en mouvement. Elles créent des espaces d'expériences sensibles multiples qui nous désorientent et nous ravissent dans leur duplicité de sens.

Exposition du CAPA Aubervilliers réalisée avec le soutien de la ville et de l'OPH d'Aubervilliers

Vernissage de l'exposition collective "Le Silence est d'or"

[18:30-22:00] Vernissage de Chanoir "#chanoir ADD IT !"
Location:
Galerie Exit Art Contemporain
2, place Denfert-Rochereau
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès
France
Mobile : +33 (0)6 80 45 23 01
Mail : contact@exit-art.fr
Internet Site : www.exit-art.fr
Description:
Pour la première fois chez la Galerie Exit art contemporain, l'œuvre d'un des graffeurs les plus connus et appréciés de la scène du Street Art : Alberto Vejarano, aka Chanoir.

Vernissage en présence de l'artiste le Vendredi 10 mars de 18h30 à 22h00
et jusqu'au 22 avril 2017

Street-artiste franco-colombien de renommée internationale, Alberto Vejarano est célébré pour l'énergie et l'optimisme de ses graffitis. Chanoir travaille avec un langage visuel universel, fondé sur la conviction que l'art et les artistes sont des agents de changement positif.

Le travail de Chanoir, qui nait de la fusion du Pop Art et de la Figuration Libre, fait appel à la connaissance de l'histoire de l'art et se nourrit d'humour populaire, mémoires d'enfance et sens de l'esthétique contemporaine. Il développe un style graphique marqué par des couleurs résolues, des plans plats et des figures aux formes simplifiées et immédiates.

Chanoir est né à Bogotá en 1976 et a grandi en France où il est diplômé des Beaux-Arts de Paris - studio Jean-Michel Aberola en 2002. Il vit et travaille à Paris. Il suit une carrière internationale entre Paris, Miami, Londres, Beijing, Rome...

Vernissage de Chanoir "#chanoir ADD IT !"

[18:30-22:00] Vernissage de Darco "Tie will tell"
Location:
Green Flowers Art Gallery
61, rue du Château
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès
France
Phone : +33 (0)6 85 82 94 01
Mail : galerie@greenflowersart.fr
Internet Site : www.greenflowersart.fr
Description:
Vernissage vendredi 10 mars de 18h30 à 22h
Exposition jusqu'au 22 avril 2017

Vernissage de Darco "Tie will tell"



[19:00-22:00] Vernissage de Patrick Le Hec'h "Women's light"
Location:
Concorde Art Gallery
179, boulevard Lefebvre
75015 Paris
M° Porte de Vanves
France
Phone : +33 (0)1 48 28 78 02
Mail : contact@concorde-art-gallery.com
Internet Site : www.concorde-art-gallery.com
Description:
Vernissage de Patrick Le Hec'h "Women's light"

[19:00] Vernissage de l'exposition "Paradigmes indécis"
Location:
Goethe-Institut
17, avenue d'Iéna
75116 Paris
M° Iéna, Boissière
France
Phone : +33 (0)1 44 43 92 30
Fax : +33 (0)1 44 43 92 40
Mail : info@paris.goethe.org
Internet Site : www.goethe.de/paris
Description:
PARADIGMES INDECIS - Dessin contemporain en Allemagne

Vendredi 10 mars 2017 dès 19h - Cocktail
La Galerie Suzanne Tarasieve et l'équipe de DRAWING NOW PARIS le salon du dessin contemporain seraient heureuses de vous retrouver au Goethe Institut autour de l'exposition Paradigmes indécis et d'un cocktail.

Avec des collections graphiques de dessins renommés, des institutions, des galeries et une scène artistique extrêmement vivante, l'Allemagne est un des pays où la tradition graphique est très bien présentée.

En coopération avec Drawing Now et quatre galeries participantes - Galerie Michael Sturm (Stuttgart), la Galerie Heike Strelow, (Francfort), la Galerie Suzanne Tarasiève (Paris) et la Galerie Patrick Heide (Londres) - le Goethe-Institut Paris met l'accent sur la scène émergente en proposant une vitrine du dessin contemporain dans toutes ses déclinaisons. Avec des œuvres de Pius Fox, Astrid Köppe, Tim Plamper et Katrin Ströbel.

Commissaires : Tristan van der Stegen et Katharina Scriba

[19:00-22:00] Vernissage de l'exposition "because It's in my nature"
Location:
mi* gallery
23, rue Chapon
75003 Paris
M° Rambuteau, Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 40 09 76 61
Mobile : +33 (0)6 98 99 01 18
Mail : igor@miground.paris
Internet Site : www.miground.paris
Description:
En juin 2015, Urbanautica,une plate-forme photographique consacrée à l'anthropologie visuelle et au paysage culturel, a organisé des lectures de portfolios à Gand (Belgique). Parmi les vingt-cinq participants, trois ont été sélectionnés pour participer à une exposition à Paris organisée en collaboration avec le Paris College of Art et la Galerie mi*.

L'exposition "Because it's in my nature" (curateur Dieter Debruyne) met ainsi en avant le travail de trois artistes visuels belges (Lieven Lefere, Isabel Devos et Jasper Léonard) fascinés par la dualité symbolique de l'humain et de la nature.

Elle se poursuivra du 11 au 23 mars 2017

En hommage posthume à la vision de Le Corbusier, Lieven Lefere a construit un instrument de vision qui permet d'observer l'horizon différemment. Il veut ainsi souligner que le paysage, et donc l'horizon, sont le produit de l'interaction entre le construit et le non-construit, de la même façon que l'image photographique est toujours le résultat de l'interaction entre le cadre et l'objet ou entre l'appareil et la réalité.

Les ready-made d'Isabel Devos constitués de traces naturelles peuvent être perçus comme autant de paysages possibles. Ses abstractions peuvent être reliées à un questionnement centré sur la frontière explicite entre nature et culture humaine, mais aussi comme une recherche entre photographie et peinture

Enfin, par des interventions physiques au moment de la prise de vue, Jasper Leonard produit une imagerie psychédélique qui évoque la manipulation digitale. Il questionne ainsi la compréhension qu'a le spectateur de la photographie contemporaine à l'ère du numérique.

Isabel Devos (www.isabeldevos.be)
Lieven Lefere (www.lievenlefere.net)
Jasper Léonard (www.jasperleonard.be)

en collaboration avec :
Paris College of Art (www.paris.edu)
Urbanautica Belgium (www.urbanautica.com/belgium)

Vernissage de l'exposition "because It's in my nature"

[19:00] Vernissage de la 10ème Biennale Internationale Design Saint-Etienne 2017
Location:
Cité du design de Saint-Etienne
3, rue Javelin Pagnon
42000 Saint-Étienne
M° Tram T1 & T2, arrêt Cité du design, Gare de Carnot
France
Phone : +33 (0)4 77 49 74 70
Fax : +33 (0)4 77 49 74 71
Mail : info@citedudesign.com
Internet Site : www.citedudesign.com
Description:
du 9 mars au 9 avril

http://www.biennale-design.com




[20:00] Vernissage de Bertrand Robion "De L'Autre Côté De L'Ossuaire"
Location:
La Cantada II
13, rue Moret
75011 Paris
M° Couronnes, Ménilmontant, Parmentier, Rue Saint-Maur
France
Phone : +33 (0)1 48 05 96 89
Mail : contact@cantada.net
Internet Site : www.cantada.net
Description:
La Cantada présente "De L'Autre Côté De L'Ossuaire" une exposition de Bertrand Robion du 10 Mars au 13 Avril 2017.

Si vous êtes déjà passé par Denfert, vous avez sans doute aperçu cette longue file d'attente pour rentrer dans l'ossuaire de la ville de paris. Ossuaire créé dans les anciennes carrières, une vingtaine de mètres sous terre. Il représente une minuscule partie de ce qui est appelé le Grand Réseau Sud. Mais qu'est-ce qu'il y a voir derrière les grilles et les galeries murées ? Que cachent les empilements d'os ? Venez découvrir avec cette exposition l'autre face des catacombes, faite de couloirs, d'abris, de salles et d'escaliers pour le moins particulier. Venez de l'autre côté de l'ossuaire.

Vernissage de Bertrand Robion "De L'Autre Côté De L'Ossuaire"

18:00
19:00
20:00
21:00
22:00  
23:00  
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