Friday, October 27, 2017
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27
October 2017
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  Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Location:
Maison Chloé
28, rue de la Baume
5, avenue Percier
75008 Paris
M° Miromesnil
France
Phone : +33 (0)1 44 94 33 33
Internet Site : www.chloe.com/fr/labaume/index
Description:
du 4 juillet au 6 septembre 2017, puis du 18 octobre au 18 novembre
Horaires : 11h30 - 18h30
Visite gratuite sur réservation préalable sur www.chloe.com/bourdin

Chloé dévoile un nouvel espace culturel : la Maison Chloé. Situé à quelques pas de son siège parisien, cet immeuble haussmannien accueillera tout au long de l'année les expressions de différentes féminités, avec un programme d'expositions et d'événements mettant à l'honneur 65 ans de créations et d'histoires, de la fondatrice de la maison, Gaby Aghion, aux filles Chloé d'aujourd'hui. Ces expressions artistiques donneront vie à cette féminité unique célébrée par Chloé et refléteront la mission qui a toujours été celle de la maison : donner aux femmes la liberté d'oser être elles-mêmes.

« Chloé a toujours cru en une féminité naturelle. A la fois chic et désinvolte, une attitude qui place Chloé à l'intersection du savoir-faire de la couture parisienne et du savoir-être de la jeunesse - qui fait de Chloé une marque unique », précise Geoffroy de la Bourdonnaye, Président de Chloé.

A l'occasion de l'inauguration de la Maison Chloé, le 2 juillet 2017, Judith Clark, commissaire d'exposition et scénographe de renom, a créé un parcours singulier. Grâce à une circulation originale conduisant de l'entrée rue de La Baume aux showrooms, ou des salons VIP au patrimoine situé au cinquième étage ; mais aussi au gré d'une sélection riche d'objets, vêtements et photographies retraçant sept décennies de mode, les visiteurs pourront s'immerger dans l'univers de la fille Chloé.

Pour sa première exposition temporaire, la Maison Chloé met à l'honneur Guy Bourdin. Un lien particulier les unit. Le photographe français a en effet créé le plus grand nombre d'éditoriaux de mode mettant en lumière les créations Chloé. Par un jeu de mise en scène habile, Judith Clark oppose deux types de féminité, soulignant le contraste entre les images explosives et controversées de l'un des principaux photographes de mode et les vêtements au chic bohème représentés dans ces mêmes images. Avec ces photographies et ces pièces d'archives inédites, l'exposition offrira un nouveau regard sur l'œuvre de Guy Bourdin.

« J'adore l'idée que dans une salle les gens découvrent des pièces extraites des archives », dit Judith Clark, « puis que ces objets 'débordent' dans la salle à côté et conduisent le visiteur vers une galerie emplie de magnifiques tirages. La robe Chloé se faufile dans l'histoire mais aussi à travers le bâtiment, qui lui-même donne l'impression d'être habité par le regard unique de Guy Bourdin. »

L'exposition trouve son point de départ dans une salle baptisée « Chloé Girls - The Anthology A-Z », une installation permanente conçue à partir des créations iconiques de la maison. L'histoire commence en 1952, lorsque Gaby Aghion fonde une maison dédiée au prêt-à-porter de luxe et invente une attitude qui allie joie de vivre, audace, liberté et élégance.
Cette installation interactive pensée par Judith Clark, associe de manière ludique des objets de la fondatrice aux créations des directeurs artistiques qui ont œuvré chez Chloé : une photo de Gaby sautant au milieu des dunes du désert égyptien est placée non loin du fameux « maillot de bain ananas » signé Stella McCartney. Ailleurs, un motif peint sur les murs de la cuisine de Gaby vient trouver sa place près d'un croquis noir et blanc de Karl Lagerfeld.

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
01. Guy Bourdin, Paris Vogue 1975, Chloé Autumn-Winter 1975 collection

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
02. Guy Bourdin, Paris Vogue 1973, Chloé Spring-Summer 1973 collection

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1979 - Chloé collection printemps-été 1979 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1971, Chloé collection automne-hiver 1971 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1970, Chloé collection printemps-été 1970 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1956, Chloé collection printemps-été 1956 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Location:
Galerie Karsten Greve
5, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 37
Fax : +33 (0)1 42 77 05 58
Mail : galerieparis@karstengreve.fr
Internet Site : www.galerie-karsten-greve.com
Description:
14 octobre - 23 décembre 2017

Être un naufragé, c'est être un point au milieu d'un cercle, perpétuellement. [...] Quand vous élevez le regard, vous vous demandez parfois [...] s'il n'y aurait pas quelqu'un d'exactement comme vous qui élève lui aussi le regard, lui aussi coincé dans cette géométrie, lui aussi en train de lutter contre la peur, la rage, la folie, la désespérance et l'apathie.
L'histoire de Pi, Yann Martel

La Galerie Karsten Greve a le plaisir de présenter Perpetually at the Centre, nouvelle exposition de Claire Morgan. Plasticienne d'origine irlandaise, elle est parmi les plus recherchés et talentueux artistes de la scène internationale. Cette exposition dévoile au public les œuvres récentes de l'artiste, spécialement réalisées pour cet espace. Nourrie de préoccupations écologiques et étiques, l'exposition est constituée de quatre nouvelles installations monumentales, où domine la dynamique des corps d'animaux taxidermisés qui semblent être contenus dans des environnements étrangers, mais aussi par de récentes sculptures sous-verre où l'écriture s'ajoute au dramatisme des compositions. Un corpus de délicats dessins permet de découvrir le minutieux travail de conception de l'artiste, en contraste avec le geste ardent et instinctif de la surprenante série de toiles grand format.

Le travail de Claire Morgan explore l'ambivalence de l'être humain dans son rapport avec la nature qui l'entoure. La réflexion autour de la présence de l'homme dans le monde, qui a comme conséquence la progressive destruction de l'environnement naturel, est objectivée par l'artiste dans ses installations, où les animaux taxidermisés semblent s'adapter à un monde de gaspillage consumériste qui tente de les engloutir. Dans la suspension temporelle qui caractérise ces sculptures aériennes, où les corps sont figés dans un mouvement perpétuel, le conflit se joue entre la vie et la mort, entre l'organique et l'artificiel.

Le projet de cette exposition est né de la contemplation du pouvoir de la nature, ainsi que de l'exploration du soi, de l'égo et de la condition mortelle de l'être humain. L'immensité de la mer, des forêts et de la nuit qui se manifestent comme un abîme, ont été l'objet d'une méditation profonde jusqu'à en devenir métaphore de l'existence entière, révélant à l'homme sa vulnérabilité. Cette réflexion n'est pas sans considérer la crise humanitaire en cours en Méditerranée, où la mer peut basculer d'espoir de vie à tombeau pour des milliers de migrants, ou la récente tragédie de la Grenfell Tower où les habitants ont vu leurs appartements se transformer en vision cauchemardesque. Les extrêmes changements climatiques, signaux d'alarme de futures crises humanitaires, font aussi partie des préoccupations qui inspirent l'artiste.

Les animaux naturalisés sont aussi symbole des batailles intimes de l'artiste, ils sont témoins de la prise de conscience de ses propres passions. Le besoin de chacun d'exister est pour Claire Morgan fortement lié à la passion et à la violence, à travers lesquelles s'expriment les nécessités humaines. La lutte fait partie du paysage intérieur de l'homme : qu'elle soit physique ou psychologique, elle engendre des cas de conscience. Ces questionnements guident aussi l'organisation de l'exposition, qui se déroule en suivant des couples d'idées spécifiques: le soi et la violence, le passage du temps et la transcendance, la peur du noir et de se noyer, le feu et la mort.

Le principe même de la taxidermie, que Claire Morgan exécute de sa propre main, repose sur une contradiction, ayant pour objectif de donner une apparence vivante à ce qui est mort. Cette ambivalence est propre à toute son œuvre : dans les dessins comme dans les peintures, des résidus du processus de taxidermie sont utilisés comme matériaux graphiques. Des éléments comme les os ou le sang, ainsi que des corps entiers d'animaux, sont intégrés dans les œuvres et leur donnent alors un caractère symbolique et rituel.

Dans le travail de l'artiste la nature est stupéfiante, parfaite dans son immobilité. L'ambiguë présence vitale de ces animaux taxidermisés contraste avec les fragiles formes géométriques créées par cette « vertueuse assemblagiste » à l'aide de fils de nylon auxquels sont suspendus graines de pissenlit ou fragments de plastique. Le monde de Claire Morgan est un univers où la nature, menacée par la présence envahissante et cynique de l'être humain, résiste dans toute sa beauté. Elle s'incarne dans la perfection d'un scénario géométrique et minimaliste, mais aussi dans la fragilité de structures si légères qu'elles pourraient disparaître par le simple souffle du vent.


Claire Morgan est née en 1980 à Belfast (Irlande) et habite et travaille à Gateshead, Newcastle upon Tyne (Angleterre). Très vite, ses œuvres sont exposées à travers toute l'Europe et son travail a fait l'objet de nombreuses commissions publiques et privées. En 2010, après avoir exposé au Palais de Tokyo, Claire Morgan a inauguré sa première exposition personnelle française à la Galerie Karsten Greve. À cette occasion elle a présenté pour la première fois ses « dessins au sang », œuvres sur papier témoignant du processus de taxidermie. Depuis, son travail a été présenté aussi bien en Europe qu'aux Etats Unis, où elle a participé à des nombreuses expositions collectives. Les installations et les dessins de l'artiste ont intégré des prestigieuses collections internationales publiques et privées, parmi lesquelles figurent le Museum of Old and New Art (MONA) en Australie, la Fondation ALTANA en Allemagne et la Collection Guerlain en France. En 2017 le FRIST Center for Visual Arts à Nashville a organisé sa première exposition personnelle aux États-Unis. La fondation Francès à Senlis, en collaboration avec la Galerie Karsten Greve, dédie à Claire Morgan une exposition personnelle visible jusqu'au 23 décembre 2017.

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Claire Morgan, Tine To Die, 2017, waxwing (taxidermy), dandelion seeds, nylon, in vitrine, 88 x 51,6 x 51,6 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
To an End, 2017, Pencil and watercolour on paper, 41 x 31 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Lo (detail), 2017, Tawny owl (taxidermy), polythène, nylon, in vitrine, 98,5 x 71,6 x 71,5 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Pedestal
2011
Aigrettes de pissenlit, aigrette (taxidermie), nylon, plomb, acrylique
270 x 60 x 60 cm
CM/S 11

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"

08:00 [08:30] Découvrez Les Mots autour d'un petit-déjeuner !
Location:
Les Mots
4, rue Dante
75005 Paris
M° Cluny - La Sorbonne, Maubert - Mutualité
France
Mail : info@lesmots.co
Internet Site : www.lesmots.co
Description:
Vous avez des questions sur le fonctionnement de l'école, sur les genres littéraires proposés, sur les écrivains, sur les modalités d'inscriptions, ou simplement envie de rencontrer l'équipe des Mots ?
Nous organisons pour cela, des sessions d'information pour répondre à toutes vos questions, en présence d'un des deux fondateurs, Elise Nebout et/ou Alexandre Lacroix ou de l'équipe des Mots.
Nous serons là pour tout vous raconter et recueillir vos précieuses impressions, suggestions, envies sur le programme proposé...

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09:00  
10:00  
11:00  
12:00  
13:00  
14:00  
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16:00  
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18:00 [18:00-21:00] Finissage de Lyazid Chikdene "Kabylie"
Location:
Association de Culture Berbère
ACB Paris
37 bis, rue des Maronites
75020 Paris
M° Ménilmontant, Couronnes
France
Phone : +33 (0)1 43 58 23 25
Mail : contact@acbparis.org
Internet Site : www.acbparis.org
Description:
« Kabylie »
femmes, maisons, paysages

du 18 septembre au 27 octobre 2017
Vernissage le mercredi 20 septembre, 18h

[18:00-21:00] Vernissage de HIROE
Location:
Galerie Métanoïa
56, rue Quincampoix
75004 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 42 65 23 83
Mail : marc.higonnet@gmail.com
Internet Site : www.galerie-metanoia.com
Description:
Vernissage de HIROE

[18:00-21:00] Vernissage de Julia Levitina
Location:
I-Gallery
12, rue Durantin
75018 Paris
M° Abbesses
France
Mail : contact@i-gallery.fr
Internet Site : www.i-gallery.fr
Description:
Du 27 octobre au 14 novembre 2017
de 16 à 19 heures et sur rendez-vous
Vernissage Vendredi 27 octobre de 18.00 `a 21.00

Exposition de Julia LEVITINA
NE REVEILLEZ PAS JUNIPERE et quelques conversations implicites avec A. Rodin à l'occasion de son centenaire.
SCULPTURES ET DESSINS

L'histoire de l'art n'est qu'un discours entre les œuvres des grands artistes. C'est une conversation transcendante, située au-delà des siècles et des limitations temporelles et géographiques dont le résultat est une source inépuisable de créativité qui pose un fondement solide pour le développement de l'art qui suivra. Il s'agit d'une espèce d'une généalogie artistique, reconnue par Auguste Rodin, qui fut au départ fortement imprégné de l'héritage classique de Phidias et de Michel-Ange. Sculpteur figuratif contemporain d'inspiration classique, je me sens liée à cette évolution esthétique, qui cherche à transcrire dans la matière le caractère héroïque, universel et en même temps tragique de la condition humaine.
Je suis passionnée par la figure humaine, par le corps que j'étudie sans cesse. J'espère communiquer à travers mes œuvres la beauté de la vie et la puissance qu'on y retrouve. Le corps chez Rodin est un vecteur dont la fonction est d'exprimer l'âme par la tension, le mouvement de la ligne du corps entier, la palpitation imperceptible des chairs. C'est le corps entier qui traduit, jusque dans le moindre de ses muscles, un reflet des émotions intérieures de l'homme, le véritable sujet de Rodin qu'il a su replacer au centre de la représentation. C'est là que son héritage restera un point d'ancrage, la dernière leçon possible entre deux siècles de sculpture et pour moi une présence informative implicite dans mon œuvre.
Mes sculptures se vivent du début à la fin comme une révélation. Cette révélation est un moment d'intense réflexion qui invite la beauté du réel à se présenter à l'imagination. J'essaie de capter ces instants de la vie qui sont à la fois éphémères et transcendants, qui paraissent insignifiants mais qui s'avèrent en fait avoir une portée universelle. Elles nous permettent de remettre en question les habitudes, les certitudes et les normes usuelles afin de parvenir à une expérience humaine plus riche, plus profonde. L'art ne va que dans un sens : d'un être humain à un autre. Il reste la forme supérieure de l'espoir.

Юлия Левитина
«НЕ БУДИТЕ ЮНИПЕРУ»
и некоторые другие подсознательные беседы с О. Роденом в связи со столетним его юбилеем.
СКУЛЬПТУРЫ И РИСУНКИ

История и процесс развития искусства со времён его зарождения и до наших дней является, в своей сущности, беседой между крупными произведениями великих художников. Этот разговор, происходящий вне исторических и географических ограничений, раскрывает неисчерпаемый творческий источник, который в свою очередь создаёт фундамент для развития будущих течений в искусстве. Так образуется своего рода художественная генеалогия, признанная Огюстом Роденом, чьи творческие корни лежат в реализме и романтизме времён великих скульпторов Фидия и Микеланджело. Как современный фигуративный скульптор с классическим художественным наследием, я рассматриваю значение и место собственных работ как исходящих из подобной эстетической эволюции, главной задачей которой является достижение виртуозного мастерства в передаче художественными средствами самого существенного в человеческой природе, героический и трагический её образ.

Я стремлюсь к глубокому познанию и проникновенному изображению человеческого тела со всеми присущими ему, зачастую спорными, мироощущениями: радостным восприятием жизни, оптимизмом, вдумчивостью, глубиной переживаний. Роден достиг мастерства в передаче движения и эмоциональных порывов своих героев. Его творчество отличается убедительным отображением духовного состояния, переданного в каждом мускуле, в напряжении всего тела, в руках, вплоть до пальцев ног. Возвращение неповторимого и сокровенного человеческого образа на передовые художественные позиции имело огромное воздействие на всю последующую скульптуру. Это и есть главное наследие Родена, которое продолжает подсознательно информировать своим присутствием моё творчество.

Мои работы стремятся постигнуть и утвердить в воображении, путём своего рода одухотворённого интеллектуализма, лирическую красоту, цельность натуры, волевую активность личности, присутствующих в обыденности. Очень важно не упустить подобные жизненные моменты, на первый взгляд скоропостижные, но приобретающие универсальную значимость тем, что позволяют вслушаться в таинственное, рассмотреть первоисточник, ближе подойти к разрешению загадки бытия человека, его духовного потенциала. Бескорыстное отношение к творчеству выражается в единственном его направлении: от человека к человеку. Так, искусство является высшего рода воплощением всечеловеческой надежды.

Vernissage de Julia Levitina

[18:00-21:00] Vernissage de Mathis Gasser "Le musée et la planète"
Location:
Centre Culturel Suisse de Paris
32 & 38, rue des Francs-Bourgeois
75003 Paris
M° Saint-Paul, Hôtel de Ville, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 42 71 44 50
Fax : +33 (0)1 42 71 51 24
Mail : ccs@ccsparis.com
Internet Site : www.ccsparis.com
Description:
Exposition du 28 octobre au 17 décembre 2017
expositions du mardi au dimanche : 13h - 19h / entrée libre

Pour Le musée et la planète, Mathis Gasser (1984, Zurich, vit et travaille à Londres) présente une sélection de collages et deux sculptures qui superposent passé, présent et futur en jouant des similarités formelles et conceptuelles entre lieux institutionels et imagerie de la science-fiction.

Les collages montrent, d'un côté, des navires, des vaisseaux spatiaux et des motifs issus de l'univers SF ; de l'autre, des salles du siège des Nations Unies à New York et des musées d'art à travers le monde. Ces collisions d'images déclenchent des réflexions sur les inspirations réciproques entre la science-fiction, le design « spéculatif » et l'architecture des institutions : la fiction alimente la réalité autant que la réalité alimente la fiction.

> Lors du vernissage, projection à 20h30 de In the Museum 3 (2015-2017, 23'), film mettant en scène la marionnette de Christopher Walken en lutte avec des zombies dans les salles d'un musée.

Vernissage de Mathis Gasser "Le musée et la planète"

[18:30] Insignes de chevalier de la Légion d'Honneur à Amos Gitaï
Location:
Ministère de la culture et de la communication
182, rue Saint-Honoré
3, rue de Valois
75001 Paris
M° Palais Royal - Musée du Louvre, Louvre - Rivoli
France
Phone : +33 (0)1 40 15 80 00
Internet Site : www.culture.gouv.fr
Description:
Remise des insignes de chevalier de la Légion d'Honneur à Amos Gitaï, cinéaste israélien

[18:30-21:00] Vernissage de Hrant Minas Keshishian
Location:
La Galerie des Arts Plastiques
28, rue Darcet
75017 Paris
M° Place de Clichy
France
Mail : Contact@La-GALERIE-Des-Arts-Plastiques.org
Internet Site : www.La-GALERIE-Des-Arts-Plastiques.org
Description:
peintre et compositeur égyptien Hrant Minas Keshishian

En tant que peintre, il a inventé le style néo-pharaonique en 1975 et en tant que compositeur, il a développé un style, des techniques modernes d'entreprise et des idiomes traditionnels du Moyen-Orient.

Son exposition se poursuivra pendant trois semaines jusqu'au jeudi 16 novembre.

Vernissage de Hrant Minas Keshishian

[18:30-21:00] Vernissage de Lucie Mach "Whenever, Wherever"
Location:
Point Ephémère
centre de dynamiques artistiques
200, quai de Valmy
75010 Paris
M° Jaurès, Louis Blanc
France
Phone : +33 (0)1 40 34 02 48
Fax : +33 (0)1 40 34 02 58
Mail : info@pointephemere.org
Internet Site : www.pointephemere.org
Description:
Vernissage de Lucie Mach "Whenever, Wherever"

Du 27 octobre au 9 novembre

dans le cadre de l'Année France-Colombie et des Rencontres Photographiques du 10e

Dans la ville musicale de Barranquilla en Colombie, Lucie Mach suit le destin de jeunes chanteurs dans leurs vies quotidiennes et révèle leur environnement à la recherche de ce qui pourrait être leurs sources d'inspiration.

Née à Caen en 1988, Lucie est membre du Studio Hans Lucas et travaille en tant que photographe indépendant en France et à l'étranger.
Elle a étudié la photographie documentaire au «Septante-cinq» à Bruxelles et a obtenu un master à l'Académie Royale des Beaux-arts de Gand (KASK) avec son projet «Whenever Wherever» réalisé entre 2014 et 2016.

www.luciemach.fr

Vernissage de Lucie Mach "Whenever, Wherever"

Vernissage de Lucie Mach "Whenever, Wherever"

Vernissage de Lucie Mach "Whenever, Wherever"

[18:30-21:00] Vernissage de Sophie Degano "Grâce à elles"
Location:
Venise
Venezia - Venice
Venise
30100 Venise
Italia
Internet Site : www.comune.venezia.it
Description:
Casino Venier (San Marco 4939)
Ponte dei Baretteri, 4939, 30124 Venezia VE, Italie

Vernissage de Sophie Degano "Grâce à elles"


[19:00] Célébration de Diwali
Location:
Hôtel de Ville de Paris
5, rue Lobau
75004 Paris
M° Hôtel de Ville, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 42 76 40 40
Internet Site : www.paris.fr
Description:
La Fête des Lumières dite « Diwali » se déroulera dans les salons de l'Hôtel de Ville, ce vendredi 27 octobre, à partir de 19h.

La Ville de Paris accueille pour la deuxième fois la Fête des Lumières dite « Diwali » à l'Hôtel de Ville. Cette fête est la plus grande fête indienne, et est célébrée dans le nord de l'Inde, mais aussi en Outre-Mer, à la Réunion, aux Antilles et en Guyane.

Lors de cette soirée, des artistes animeront le spectacle : la troupe Andhranatyam (danse pratiquée par des danseurs de temple et qui présenteront cette danse pour la première fois en France), Shiamak Davar London Dance Team (danse rythmée chère à Bollywood), et l'artiste Nitish Bharti, conteur d'animation de sable indien.

Déroulé
19h00 : Discours
19h15 : Spectacle

>> invitation

[19:00-22:00] ROUGE - VERT - BLEU par Franck Ancel
Location:
SCAM
Société Civile des Auteurs Multimedia
5, avenue Vélasquez
75008 Paris
M° Villiers, Monceau
France
Phone : +33 (0)1 56 69 58 58
Fax : +33 (0)1 56 69 58 59
Mail : webmaster@scam.fr
Internet Site : www.scam.fr
Description:
ROUGE - VERT - BLEU est un triptyque poétique et amoureux de Franck Ancel, avec Vladimir Maïakovski Remix en 2006 sur une musique de Luc Ferrari, puis Yves Klein Remix en 2007 sur la voix de Natacha Lejeune, et Joseph Beuys Remix en 2015 sur une musique d'Éliane Radigue. La soirée unique du vendredi 27 octobre 2017 à la SCAM est dédiée à la mémoire d'Élisabeth Chojnacka (1939-2017). Cette projection monochromatique est une expérience corporelle dans la matière-mémoire du dernier siècle.

>> RSVP

[19:00-21:00] Rencontre avec Ian Bertram
Location:
Galerie Glénat
22, rue de Picardie
75003 Paris
M° Temple, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 71 46 86
Mail : galerie@glenat.com
Internet Site : www.galerie-glenat.com
Description:
A l'occasion du Paris ComicCon 2017

Considéré comme l'un des talents les plus prometteurs de sa génération, Ian Bertram publie régulièrement pour le magazine INK, et travaille pour DC, Marvel, Dark Horse et Image Comics.
Après un premier album « Bowery Boy », Glénat publie « Dans l'antre de la pénitence », une histoire fantastique et envoûtante qui pose Ian Bertram en héritier direct de Mœbius.

Ne manquez pas la rencontre avec ce prodigieux auteur vendredi 27 octobre de 19h à 21h.

Rencontre avec Ian Bertram

[19:00] Vernissage d'Yves Hayat "Le Parfum, cet obscur objet du désir"
Location:
Cannes
Cannes
06400 Cannes
M° Gare SNCF de Cannes
France
Internet Site : www.cannes.com
Description:
Musée International de la Parfumerie Grasse

28 octobre 2017 > 7 janvier 2018

Le Musée International de la Parfumerie de Grasse (capitale mondiale du parfum) a invité l'artiste Yves Hayat à exposer dans son magnifique lieu, juste après l'exposition actuelle dédiée à Christian Dior. Cette exposition "Le Parfum, cet obscur objet du désir" présentera une vingtaine d'oeuvres ainsi que trois installations.

"J'ai beaucoup travaillé sur les rapports luxe/violence, essentiel /superficiel, indifférence/fanatisme, ce qui a fortement intéressé le musée. Comme l'écrit son conservateur Olivier Quiquempoi, "Offrir de nouvelles perspectives, proposer d'autres parcours mentaux, envisager des univers différents, tel est notre but lorsque nous invitons un artiste plasticien contemporain au MIP. Le résultat final n'est jamais acquis mais c'est aussi cette interrogation, cette mise en danger intellectuelle qui donne tout son sens à ce projet."

YVES HAYAT, LE PARFUM, CET OBSCUR OBJET DU DESIR

Yves HAYAT, comme tout artiste, comme tout philosophe, transcrit dans ses oeuvres une compréhension du monde personnelle et unique. Les images qu'il propose à notre regard, dans cette exposition intitulée « Le Parfum, cet obscur objet du désir », ne superposent pas deux univers, elles se répondent et sont, en fait, la représentation vraie ainsi que complexe d'une seule et même humanité. On peut parler d'étrange unité, d'association instinctive primaire même si l'utilisation du parfum renvoie à la civilité des relations humaines. L'exposition est, en tous cas, une initiation à l'étrange vérité de la vie, vérité qui ne part plus, pour reprendre la réflexion d'Edgar Morin, d'un sol ferme mais plutôt d'un sol qui s'effondre.

Le travail d'Yves HAYAT sur l'euphémisme de la menace permanente explore tous les mystères humains. Son originalité est d'amalgamer la sublimation artistique avec le règne de la violence : aucune célébration de la cruauté mais, plutôt, la mise en abyme, à travers une présentation de l'exaltation de la vie, du regard cynique que nous avons quand nous acceptons l'inacceptable, pour nous faire prendre conscience de ce que nous vivons.

Il s'agit de rendre la beauté tragique de notre monde tel qu'il est et de saisir le ressentiment humain toujours à l'oeuvre.

Bien que le parfum semble être une senteur d'éternité au-dessus des drames humains, des contingences de notre barbarie, les flacons « Place de la Révolution » nous montrent à quel point, sur une courte période, nous traversons des changements de paradigmes. Loin de nous tromper et loin d'embellir la dureté, le cynisme et la froideur du processus de déshumanisation que nous constatons dans notre société, Yves HAYAT ne nous berce pas d'illusions avec des images inspirées de l'ère de la communication et de la tendance à la surmédiatisation, il détourne subtilement l'image et c'est à ce niveau que se situe le travail de l'artiste, il se débarrasse de tous les formatages, il se plonge dans les arrière-mondes et parvient à faire advenir l'étrange réalité de la misère de l'existence, avec un sens démiurgique qui lui est propre. Il réhabilite notre monde.

Même si notre planète semble en proie à toutes les atrocités, elle reste habitée également, spirituellement et amoureusement, par le désir.

Cette saisie de la réalité n'est pas un artifice nécessaire de l'oeuvre d'Yves HAYAT, elle en est la substantifique moelle. Chacun des flacons imaginés par lui renferme nos mondes et leur ensemble fait de l'exposition une explosion de contrastes, de nuances où l'unité est plurielle. Il s'agit d'un grand voyage d'odeurs, loin d'une « odeur de sainteté » au cours duquel on ne cesse jamais de visualiser, de ressentir la vie et la mort, le plaisir et la souffrance, le masculin et le féminin, la lumière et les ténèbres et ainsi de suite, non en termes d'opposition mais comme étant une seule et même chose avec toute sa complexité.

Dans notre monde qui engendre souffrance et mort, ce sont les flacons de parfum qui renferment les exaltations de la vie définies par Nietzche, dominées par les jeux d'Eros et de Thanatos. Ces parfums renferment des anges et des démons. Par la présentation, en série, de ces alambics à distiller le parfum, expression de la création, du raffinement, de l'élégance, de la sensualité, Yves HAYAT nous amène aussi à nous interroger sur la valeur et la portée de la technique.

Comprendre le sens du titre de l'exposition : « Le Parfum, cet obscur objet du désir », nécessite une disposition particulière de l'esprit pour percevoir l'idée selon laquelle l'art peut nous révéler les déclinaisons de la beauté qui demeure la force génératrice de toute notre vie.
Yves HAYAT remplit sa fonction en instaurant le dialogue avec vous, en vous permettant d'accéder à une interprétation de notre univers anxiogène, en exprimant la nature humaine malgré l'inhumanité des actes et en mettant en exergue l'intensité vitale malgré la présence de la mort dans ses oeuvres. À travers l'étrangeté du jeu de superposition, de confusion, de cohabitation des univers, vous pourrez contempler un travail artistique qui repose sur un échange entre le réel et le symbolique comme mode privilégié d'exploration de l'altérité, d'autrui et de soi-même.

Malgré les apparences, vous aurez donc compris que c'est, en fait, une exposition pleine de foi en l'existence, car ce qui est mis en avant, ce ne sont pas les abominations marketées de notre monde mais une éthique (1) contre les inquiétudes de notre conscience qui, trop longtemps, a pris l'habitude de se complaire dans une sorte d'illusion de la mélancolie ou de solitude de la dépression narcissique qui ne correspond, bien souvent, qu'à une phobie de la liberté.

1- Pierre Reverdy écrivait dans « Le Livre de mon bord » que : « l'éthique, c'est l'esthétique du dedans ». C'est une réflexion sur ce qui peut améliorer spirituellement notre existence : les valeurs auxquelles nous sommes attachés et qui déterminent notre comportement, les conditions d'une vie plus conformes à ce que nous pensons être « le bien ».

Texte de François Birembaux, 2017

Exposition réalisée avec l'aimable collaboration de la GALERIE MARK HACHEM
PARIS / BEIRUT / NEW YORK

Relations Presse
Muriel Courché
Directrice de communication
Tél. +33 (0) 4 97 05 22 03 - Port. +33 (0)6 68 93 02 42
mcourche@paysdegrasse.fr

Vernissage d'Yves Hayat "Le Parfum, cet obscur objet du désir"

Vernissage d'Yves Hayat "Le Parfum, cet obscur objet du désir"
Fleurs blessées - Copyright Yves Hayat

Vernissage d'Yves Hayat "Le Parfum, cet obscur objet du désir"
Les larmes de Coco - Copyright Yves Hayat

[19:00-21:00] Vernissage de Wadis Dedoncker & Jean-Jacques Lascaux
Location:
Galerie Jean-Baptiste Claudot
CECAS - Espace des Arts
144, avenue Jean Jaurès
Place Charles de Gaulle
93320 Les Pavillons-sous-Bois
M° Tram T4 Les Pavillons-sous-Bois
France
Phone : +33 (0)1 41 55 12 80
Fax : +33 (0)1 48 02 15 30
Mail : espacedesarts@wanadoo.fr
Internet Site : www.espace-des-arts.fr
Description:
jusqu'au 12 novembre

[19:00] Vernissage de l'exposition "Simbolismo mistico / Mystical Symbolism"
Location:
Venise
Venezia - Venice
Venise
30100 Venise
Italia
Internet Site : www.comune.venezia.it
Description:
Peggy Guggenheim Collection
Palazzo Venier dei Leoni
Dorsoduro 701
I-30123 Venezia

Simbolismo mistico. Il Salon de la Rose+Croix a Parigi 1892-1897
Mystical Symbolism: The Salon de la Rose+Croix in Paris, 1892-1897

28 ottobre, 2017-7 gennaio, 2018

Si tratta della prima esposizione museale mai realizzata dedicata all'arte dei Salon de la Rose+Croix organizzati a Parigi tra il 1892 e il 1897 dall'eccentrico autore e critico rosacrociano Joséphin Péladan. Immagini di femme fragile e fatale, creature androgine, chimere e incubi sono alla base delle opere in mostra. Un percorso espositivo che si snoda attraverso circa quaranta lavori, esposti nei diversi Salon, di vari artisti, che invitano a guardare e interpretare con occhi nuovi l'eredità artistica lasciata dal Simbolismo di fine Ottocento.

[19:30] Inauguration du Salon du Chocolat
Location:
Paris Expo - Porte de Versailles
Parc des Expositions de Paris
1, place de la Porte de Versailles
75015 Paris
M° Porte de Versailles
France
Phone : +33 (0)1 43 95 37 00
Fax : +33 (0)1 43 95 30 31
Internet Site : www.viparis.com/viparisFront/do/centre/paris-expo-porte-de-versailles/Accueil
Description:
Porte de Versailles - Pavillon 5

en présence de Camille Lou, Silvia Notargiacomo, Hapsatou Sy, Priscilla Betti, Tonya Kinzinger, Delphine Wespiser, Laurent Maistret, Richard Orlinski, Estelle Mossely

Inauguration du Salon du Chocolat

Inauguration du Salon du Chocolat - Tonya Kinzinger
Tonya Kinzinger

Inauguration du Salon du Chocolat - Silvia Notargiacomo
Silvia Notargiacomo

Du 28 Octobre au 1er Novembre

Inauguration du Salon du Chocolat

[19:30] Rencontre avec Richard Dumas
Location:
Silencio
144, rue Montmartre
75002 Paris
M° Bourse, Sentier, Grands Boulevards
France
Mail : contact@silencio-club.com
Internet Site : www.silencio-club.com
Description:
Le photographe Richard Dumas présentera son œuvre et son parcours au Silencio, à l'occasion de son exposition qui se tient à la galerie Polka jusqu'au 28 octobre 2017. Cette conversation sera accompagnée de la projection du film "S'Il n'en restait qu'une" d'Amaury Voslion, un véritable portrait du photographe, ainsi que de vidéos musicales co-réalisées par Richard Dumas et Amaury Voslion pour les groupes Valparaiso et Tindersticks.

CONCERT DE VALPARAISO A 21H30
Ses musiciens émanent de Jack the Ripper, des Hurleurs et d'Amorbelhom duo, des formations à la discographie remarquée et foisonnante. Amoureux des grands espaces, pratiquant un folk-rock aussi dantesque que poussiéreux, agrémenté d'expérimentations sonores en tous genres, Valparaiso semble avoir un idéal : être une usine à rêves, celle des musiques tristes qui se dansent, s'emmêlent et produisent autant de petits cinémas intérieurs. Avec une collaboration visuelle avec Richard Dumas.

19:00
20:00
21:00
22:00  
23:00 [23:00] Vernissage de Neil Jenney
Location:
New York
New York
10007 New York
Etats-Unis
Internet Site : www.nyc.gov
Description:
Gagosian
821 Park Avenue
New York, NY 10021
T. 212.796.1228
parkand75@gagosian.com

OCTOBER 27 - DECEMBER 22, 2017
Opening reception:
Friday, October 27, 6-8PM

I had two striking realizations: one, that even if I produced the worst paintings possible, they would not be good enough; and two, that idealism is unavoidable.
-Neil Jenney

Gagosian is pleased to present drawings and paintings by Neil Jenney.

A maverick in twentieth century American art, Jenney shifted his focus from abstract painting and sculpture in order to pursue a new type of realism, adopting the binary of "bad" and "good" paintings. He began to make the Bad Paintings in the 1960s, referring to them as such after Marcia Tucker's exhibition "Bad Painting" at the New Museum in 1978. These purposefully sketchy, gestural works poked at preconceptions of taste and connoisseurship, and, according to Jenney, were "good concepts painted badly." With them, he sought to indicate narrative truth through the depiction of elementary relationships between people and things. The Good Paintings, ongoing since the 1970s, pursue this same goal, but through an opposite approach. Using oil paint on wood panel, Jenney produces flawless, heavily stylized studies of the North American landscape, each surface so detailed that it seems to surpass reality. And most recently, in the New Good Paintings, he has expanded his scope to include other geographic locations, creating vistas that are as disorienting as they are clear.

The current exhibition, his third with Gagosian since joining in 2011, includes one painting from each of these three key phases in Jenney's career, as well as a selection of drawings, which further reveal his social and artistic concerns. First, in Moms and Kids (1969)-a dichotomous title typical of the Bad Paintings-children play on swings and a seesaw while their mothers watch from a bench nearby. A fence separates the children from a black road, and the larger area of the canvas is filled in with fresh green acrylic paint, thinly applied in wayward, untidy strokes. Next is Ozarkia (2014), a late Good Painting, which shows, in smoothly blended oil paint, a long branch, rocks, and the gleaming surface of water, a horizonless view so crisp that one can almost feel the cool mountain air of the American Midwest to which the title refers. Lastly, a New Good Painting titled Modern Africa (2016) evokes the dry climate of northern Africa, depicting a staircase and a ramp-like fragment surrounded by sand, with footprints and a long shadow suggesting human presence. All of the paintings are displayed in heavy black wooden frames, designed and made by Jenney. The frames recall the crown moulding often used on window trims, alluding to Leon Battista Alberti's metaphorical window, which has guided artists' understanding of single-point perspective since the Renaissance. Jenney's frames, concurrent with the Good and New Good Paintings, and added to the Bad Paintings retrospectively, serve as theatrical foregrounds, while their respective titles, stenciled on in a capitalized serif font, help place the viewer by referring to specific locations.

In the Good Paintings and the New Good Paintings, "good" is both a formal and a conceptual label; Jenney's refined use of paint and color recalls that of the Hudson River School painters, whose natural vistas presented the virgin landscape as a spiritual, utopic realm. Similarly, Jenney's work addresses themes of universal significance, such as the artist's cultural role, climate change, and notions of societal progress. He communicates these topics in his drawings as well; in Liberty Contemplating the Nuclear Age (2003), a woman wearing a crown and holding a stone tablet, like the Statue of Liberty, sits in front of a curtain, staring into the future of the nation.

Neil Jenney was born in 1945 in Torrington, CT, and raised in Westfield, MA. Collections include the Metropolitan Museum of Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Museum of Modern Art, New York; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Louisiana Museum, Humlebæk, Denmark; and Tate, London. Solo institutional exhibitions include "Paintings and Sculpture 1967-1980," University of California Art Museum, Berkeley (1981, traveled to Contemporary Arts Museum, Houston; Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.; Stedelijk Museum, Amsterdam; Louisiana Museum, Denmark; and Kunsthalle Basel, Switzerland); "Collection in Context-Neil Jenney: Natural Rationalism," Whitney Museum of American Art, New York (1994); and "North America," Aldrich Contemporary Art Museum, CT (2007). Jenney's work has been featured in major group shows and biennials, including the Whitney Biennial (1969, 1973, 1981, 1987); "Representations of America" (1977-78, organized by the Metropolitan Museum of Art, New York, and the Fine Arts Museums of San Francisco for the Pushkin Museum, Moscow; the Hermitage, Saint Petersburg; and The Palace of Art, Minsk, Belarus); "New Image Painting," Whitney Museum of American Art, New York (1978); and "Bad Painting," New Museum of Contemporary Art, New York (1978).

Vernissage de Neil Jenney
Neil Jenney, Modern Africa, 2016, oil on canvas in artist's frame, 74 × 101 × 3 inches (188 × 256.5 × 7.6 cm) © Neil Jenney

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