Saturday, November 11, 2017
Public Access


Category:
Category: All

11
November 2017
Mon Tue Wed Thu Fri Sat Sun
30 31 1 2 3 4 5
6 7 8 9 10 11 12
13 14 15 16 17 18 19
20 21 22 23 24 25 26
27 28 29 30 1 2 3

  Salon de la Photo 2017
Location:
Paris Expo - Porte de Versailles
Parc des Expositions de Paris
1, place de la Porte de Versailles
75015 Paris
M° Porte de Versailles
France
Phone : +33 (0)1 43 95 37 00
Fax : +33 (0)1 43 95 30 31
Internet Site : www.viparis.com/viparisFront/do/centre/paris-expo-porte-de-versailles/Accueil
Description:
Pavillons 5.1 et 5.2

Du jeudi 9 au lundi 13 novembre 2017
De 10h à 19h (lundi jusqu'à 18h)

Le rendez-vous de toute la chaîne de l'image

Cinq journées pendant lesquelles professionnels de l'image, amateurs éclairés et grand public se sont rencontrés, ont échangé et ont partagé leur passion pour la photographie.
Cinq journées faites : de grandes rencontres avec des photographes professionnels et de renommée internationale, d'animations et d'ateliers pratiques, de conférences sur les aspects multiples des métiers de la photographie, une librairie, un village de vente...

Le Salon de la Photo s'installe comme le rendez-vous annuel incontournable de tout ce qui fait la photographie, de la prise de vue à l'impression, pour tous ceux qui en font.⠀

>> invitation (code : FHEYE17 ou LNC17 ou CPCE17)

#SalonPhotoParis

Salon de la Photo 2017

Armistice du 11 novembre 1918
Location:
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
Description:
Armistice du 11 novembre 1918

Fête nationale de l'Angola
Location:
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
Description:
Jour de l'Indépendance vis-à-vis du Portugal (1975)

Fête nationale de Pologne
Location:
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
Description:
Anniversaire de l'Indépendance

Exposition de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Location:
Galerie Karsten Greve
5, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 37
Fax : +33 (0)1 42 77 05 58
Mail : galerieparis@karstengreve.fr
Internet Site : www.galerie-karsten-greve.com
Description:
14 octobre - 23 décembre 2017

Être un naufragé, c'est être un point au milieu d'un cercle, perpétuellement. [...] Quand vous élevez le regard, vous vous demandez parfois [...] s'il n'y aurait pas quelqu'un d'exactement comme vous qui élève lui aussi le regard, lui aussi coincé dans cette géométrie, lui aussi en train de lutter contre la peur, la rage, la folie, la désespérance et l'apathie.
L'histoire de Pi, Yann Martel

La Galerie Karsten Greve a le plaisir de présenter Perpetually at the Centre, nouvelle exposition de Claire Morgan. Plasticienne d'origine irlandaise, elle est parmi les plus recherchés et talentueux artistes de la scène internationale. Cette exposition dévoile au public les œuvres récentes de l'artiste, spécialement réalisées pour cet espace. Nourrie de préoccupations écologiques et étiques, l'exposition est constituée de quatre nouvelles installations monumentales, où domine la dynamique des corps d'animaux taxidermisés qui semblent être contenus dans des environnements étrangers, mais aussi par de récentes sculptures sous-verre où l'écriture s'ajoute au dramatisme des compositions. Un corpus de délicats dessins permet de découvrir le minutieux travail de conception de l'artiste, en contraste avec le geste ardent et instinctif de la surprenante série de toiles grand format.

Le travail de Claire Morgan explore l'ambivalence de l'être humain dans son rapport avec la nature qui l'entoure. La réflexion autour de la présence de l'homme dans le monde, qui a comme conséquence la progressive destruction de l'environnement naturel, est objectivée par l'artiste dans ses installations, où les animaux taxidermisés semblent s'adapter à un monde de gaspillage consumériste qui tente de les engloutir. Dans la suspension temporelle qui caractérise ces sculptures aériennes, où les corps sont figés dans un mouvement perpétuel, le conflit se joue entre la vie et la mort, entre l'organique et l'artificiel.

Le projet de cette exposition est né de la contemplation du pouvoir de la nature, ainsi que de l'exploration du soi, de l'égo et de la condition mortelle de l'être humain. L'immensité de la mer, des forêts et de la nuit qui se manifestent comme un abîme, ont été l'objet d'une méditation profonde jusqu'à en devenir métaphore de l'existence entière, révélant à l'homme sa vulnérabilité. Cette réflexion n'est pas sans considérer la crise humanitaire en cours en Méditerranée, où la mer peut basculer d'espoir de vie à tombeau pour des milliers de migrants, ou la récente tragédie de la Grenfell Tower où les habitants ont vu leurs appartements se transformer en vision cauchemardesque. Les extrêmes changements climatiques, signaux d'alarme de futures crises humanitaires, font aussi partie des préoccupations qui inspirent l'artiste.

Les animaux naturalisés sont aussi symbole des batailles intimes de l'artiste, ils sont témoins de la prise de conscience de ses propres passions. Le besoin de chacun d'exister est pour Claire Morgan fortement lié à la passion et à la violence, à travers lesquelles s'expriment les nécessités humaines. La lutte fait partie du paysage intérieur de l'homme : qu'elle soit physique ou psychologique, elle engendre des cas de conscience. Ces questionnements guident aussi l'organisation de l'exposition, qui se déroule en suivant des couples d'idées spécifiques: le soi et la violence, le passage du temps et la transcendance, la peur du noir et de se noyer, le feu et la mort.

Le principe même de la taxidermie, que Claire Morgan exécute de sa propre main, repose sur une contradiction, ayant pour objectif de donner une apparence vivante à ce qui est mort. Cette ambivalence est propre à toute son œuvre : dans les dessins comme dans les peintures, des résidus du processus de taxidermie sont utilisés comme matériaux graphiques. Des éléments comme les os ou le sang, ainsi que des corps entiers d'animaux, sont intégrés dans les œuvres et leur donnent alors un caractère symbolique et rituel.

Dans le travail de l'artiste la nature est stupéfiante, parfaite dans son immobilité. L'ambiguë présence vitale de ces animaux taxidermisés contraste avec les fragiles formes géométriques créées par cette « vertueuse assemblagiste » à l'aide de fils de nylon auxquels sont suspendus graines de pissenlit ou fragments de plastique. Le monde de Claire Morgan est un univers où la nature, menacée par la présence envahissante et cynique de l'être humain, résiste dans toute sa beauté. Elle s'incarne dans la perfection d'un scénario géométrique et minimaliste, mais aussi dans la fragilité de structures si légères qu'elles pourraient disparaître par le simple souffle du vent.


Claire Morgan est née en 1980 à Belfast (Irlande) et habite et travaille à Gateshead, Newcastle upon Tyne (Angleterre). Très vite, ses œuvres sont exposées à travers toute l'Europe et son travail a fait l'objet de nombreuses commissions publiques et privées. En 2010, après avoir exposé au Palais de Tokyo, Claire Morgan a inauguré sa première exposition personnelle française à la Galerie Karsten Greve. À cette occasion elle a présenté pour la première fois ses « dessins au sang », œuvres sur papier témoignant du processus de taxidermie. Depuis, son travail a été présenté aussi bien en Europe qu'aux Etats Unis, où elle a participé à des nombreuses expositions collectives. Les installations et les dessins de l'artiste ont intégré des prestigieuses collections internationales publiques et privées, parmi lesquelles figurent le Museum of Old and New Art (MONA) en Australie, la Fondation ALTANA en Allemagne et la Collection Guerlain en France. En 2017 le FRIST Center for Visual Arts à Nashville a organisé sa première exposition personnelle aux États-Unis. La fondation Francès à Senlis, en collaboration avec la Galerie Karsten Greve, dédie à Claire Morgan une exposition personnelle visible jusqu'au 23 décembre 2017.

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Claire Morgan, Tine To Die, 2017, waxwing (taxidermy), dandelion seeds, nylon, in vitrine, 88 x 51,6 x 51,6 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
To an End, 2017, Pencil and watercolour on paper, 41 x 31 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Lo (detail), 2017, Tawny owl (taxidermy), polythène, nylon, in vitrine, 98,5 x 71,6 x 71,5 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Pedestal
2011
Aigrettes de pissenlit, aigrette (taxidermie), nylon, plomb, acrylique
270 x 60 x 60 cm
CM/S 11

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Location:
Maison Chloé
28, rue de la Baume
5, avenue Percier
75008 Paris
M° Miromesnil
France
Phone : +33 (0)1 44 94 33 33
Internet Site : www.chloe.com/fr/labaume/index
Description:
du 4 juillet au 6 septembre 2017, puis du 18 octobre au 18 novembre
Horaires : 11h30 - 18h30
Visite gratuite sur réservation préalable sur www.chloe.com/bourdin

Chloé dévoile un nouvel espace culturel : la Maison Chloé. Situé à quelques pas de son siège parisien, cet immeuble haussmannien accueillera tout au long de l'année les expressions de différentes féminités, avec un programme d'expositions et d'événements mettant à l'honneur 65 ans de créations et d'histoires, de la fondatrice de la maison, Gaby Aghion, aux filles Chloé d'aujourd'hui. Ces expressions artistiques donneront vie à cette féminité unique célébrée par Chloé et refléteront la mission qui a toujours été celle de la maison : donner aux femmes la liberté d'oser être elles-mêmes.

« Chloé a toujours cru en une féminité naturelle. A la fois chic et désinvolte, une attitude qui place Chloé à l'intersection du savoir-faire de la couture parisienne et du savoir-être de la jeunesse - qui fait de Chloé une marque unique », précise Geoffroy de la Bourdonnaye, Président de Chloé.

A l'occasion de l'inauguration de la Maison Chloé, le 2 juillet 2017, Judith Clark, commissaire d'exposition et scénographe de renom, a créé un parcours singulier. Grâce à une circulation originale conduisant de l'entrée rue de La Baume aux showrooms, ou des salons VIP au patrimoine situé au cinquième étage ; mais aussi au gré d'une sélection riche d'objets, vêtements et photographies retraçant sept décennies de mode, les visiteurs pourront s'immerger dans l'univers de la fille Chloé.

Pour sa première exposition temporaire, la Maison Chloé met à l'honneur Guy Bourdin. Un lien particulier les unit. Le photographe français a en effet créé le plus grand nombre d'éditoriaux de mode mettant en lumière les créations Chloé. Par un jeu de mise en scène habile, Judith Clark oppose deux types de féminité, soulignant le contraste entre les images explosives et controversées de l'un des principaux photographes de mode et les vêtements au chic bohème représentés dans ces mêmes images. Avec ces photographies et ces pièces d'archives inédites, l'exposition offrira un nouveau regard sur l'œuvre de Guy Bourdin.

« J'adore l'idée que dans une salle les gens découvrent des pièces extraites des archives », dit Judith Clark, « puis que ces objets 'débordent' dans la salle à côté et conduisent le visiteur vers une galerie emplie de magnifiques tirages. La robe Chloé se faufile dans l'histoire mais aussi à travers le bâtiment, qui lui-même donne l'impression d'être habité par le regard unique de Guy Bourdin. »

L'exposition trouve son point de départ dans une salle baptisée « Chloé Girls - The Anthology A-Z », une installation permanente conçue à partir des créations iconiques de la maison. L'histoire commence en 1952, lorsque Gaby Aghion fonde une maison dédiée au prêt-à-porter de luxe et invente une attitude qui allie joie de vivre, audace, liberté et élégance.
Cette installation interactive pensée par Judith Clark, associe de manière ludique des objets de la fondatrice aux créations des directeurs artistiques qui ont œuvré chez Chloé : une photo de Gaby sautant au milieu des dunes du désert égyptien est placée non loin du fameux « maillot de bain ananas » signé Stella McCartney. Ailleurs, un motif peint sur les murs de la cuisine de Gaby vient trouver sa place près d'un croquis noir et blanc de Karl Lagerfeld.

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
01. Guy Bourdin, Paris Vogue 1975, Chloé Autumn-Winter 1975 collection

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
02. Guy Bourdin, Paris Vogue 1973, Chloé Spring-Summer 1973 collection

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1979 - Chloé collection printemps-été 1979 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1971, Chloé collection automne-hiver 1971 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1970, Chloé collection printemps-été 1970 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"

Exposition "Femininities - Guy Bourdin"
Guy Bourdin, Vogue Paris 1956, Chloé collection printemps-été 1956 ©The Guy Bourdin Estate, 2017 / Courtesy A + C

08:00  
09:00 [09:30] Petit-déjeuner des artistes de la galerie Clémentine de la Féronnière
Location:
Galerie Clémentine de la Féronnière
51, rue Saint-Louis-en-l'Île
deuxième cour
75004 Paris
M° Pont Marie
France
Phone : +33 (0)1 43 54 07 79
Mobile : +33 (0)6 50 06 98 68
Mail : mail@galerieclementinedelaferonniere.fr
Internet Site : www.galerieclementinedelaferonniere.fr
Description:
Petit-déjeuner des artistes de la galerie Clémentine de la Féronnière

10:00  
11:00  
12:00  
13:00  
14:00  
15:00 [15:00-21:00] Finissage de l'exposition collective "Paris"
Location:
Le Lavo//matik
arts urbains
20, boulevard du Général Jean Simon
75013 Paris
M° Tram 3a Avenue de France, Bibliothèque François Mitterrand
France
Phone : +33 (0)1 45 83 69 92
Mail : benoit.maitre@wanadoo.fr
Description:
82 artistes participants, 82 visions de la capitale

avec :
Adey
Al Tatou
Anis
Anne Laure Colmon
Anne-Laure Maison
Anton Hydrocomics Wanoash
Ardif
Artiste Ouvrier
Atomist
Barny
Beerens
Ben Spizz
Boldy
Christophe Verdon (A côté de la plaque)
Diane D
Die as Trash
Docteur Bergman
Don Matéo
ECK
Elminou
Eric Lee
Erudiorf
FKDL
Fé ta Vie
Freak the fab
Grem
Grégos
Guy Denning
Hécate
Hydrane
Inti ansa
Jana & JS
Jef Aérosol
Jérome mesnager
Joko
Jolek
JPM
Kekli
KLG
KristX
KTY
Kwan
Le Baron
Lébénist
Léo Scalpel
Locéphale
Lolie Darko
Lou Hopop
Mademoiselle Berthelot
Maest
Man Blue
Marlène Ehrhard
MG la Bomba
Mr Lolo
Nad Thiry
Néa Borgel
Nedi
Néfast
Next
Nice art
Nubu
Obi Hood
Paella
Polar Bear
RAF Urban
RNST
Rougerune
S7TH VIXI
SE BD
Sena
Shadee K
Son J
Sophie Lambda
SST Division
Stew
Stoul Clément Duquenne
Titi from Paris
Tona
Valérie Maho
Vincent Bargis
Zabou
Zag
Zapata
Zonenkinder

Finissage de l'exposition collective "Paris"

[15:00-18:00] Vernissage de l'exposition "Automne-Hiver"
Location:
Galerie Vanessa Rau
Art contemporain et antiquités du Japon
110, rue des Rosiers
Marché Serpette - Allée 3 Stand 11
Puces de Paris Saint-Ouen
93400 Saint-Ouen
M° Porte de Clignancourt, Garibaldi
France
Mobile : +33 (0)7 86 51 97 62
Mail : contact@galerievanessarau.com
Internet Site : www.galerievanessarau.com
Description:
Collection Automne-Hiver 2017
Aki to Fuyu 2017
Exposition de peintures et sculptures de 9 artistes japonais

Du Samedi 11 Novembre au Lundi 11 Décembre 2017
Vernissage le Samedi 11 Novembre de 15h00 à 18h00

Depuis toujours, les artistes japonais célèbrent la nature à travers leurs œuvres où les décors font référence aux saisons. Les saisons, kisetsu en japonais, restent un thème majeur pour les artistes contemporains.
Nous avons donc invité neuf artistes japonais à partager leurs visions de l'automne et de l'hiver.
Venez découvrir la Collection Automne-Hiver2017, « Aki to Fuyu », à la Galerie Vanessa Rau avec les artistes : Masashi ANRAKU, Makiko BERRY, Masato FUJIOKA, Sadanori FUKUI, Naondo FUKUMOTO, Ryoko KIMURA, Go SEGAWA, Yuko TAKEBAYASHI et Rika TERAMURA.

Du Samedi 11 Novembre au Lundi 11 Décembre 2017
Jours et heures d'ouverture :
Samedi de 9h à 18h
Dimanche de 10h à 18h
Lundi de 11h à 16h
Sur rendez-vous le reste de la semaine

Vernissage de l'exposition "Automne-Hiver"

[15:00-17:00] Visite guidée de l'exposition "Résilience" par Eric Antoine
Location:
Laurence Esnol Gallery
7 & 22, rue Bonaparte
75006 Paris
M° Saint-Germain des Près
France
Phone : +33 (0)1 46 33 47 01
Fax : +33 (0)1 43 26 23 14
Mail : info@laurenceesnolgallery.com
Internet Site : www.laurenceesnolgallery.com
Description:
Visite guidée de l'exposition "Résilience" par Eric Antoine suivie d'une dédicade du livre livre "ensemble seul"

Du 3 novembre au 2 décembre

Depuis près de 7 ans, Éric Antoine se consacre à la pratique du collodion humide et place ainsi la question de la matérialité de l'image au coeur de ses recherches.

Le travail de l'artiste est indissociable de sa vie, dans ses aspects les plus quotidiens comme dans ses quêtes essentielles. Il questionne la fuite du temps, la mémoire, la cicatrisation des plaies et l'espérance, discrète et immuable. Symboles et allégories dessinent la géographie de l'esprit du photographe.

La sensation d'isolement, fil conducteur de son oeuvre, révèle le choix d'une vie au coeur de la nature. L'immobilité et le silence des photographies d'Eric Antoine contrastent avec les images d'un monde de concurrence et de rythmes imposés. Tout en suggestion et subtilité, les images de l'artiste dénoncent fermement la quête du sensationnel.

De cette réflexion nait une quête d'épure toujours plus poussée. La simplicité de ses natures mortes, la pureté de ses paysages reflètent un minimalisme obsessionnel. Le regard, débarrassé de ce trop plein perturbateur, se pose enfin sur la beauté d'une tache de lumière, la délicatesse d'une pile de papiers oubliés ou un reflet sur la peau...

Résilience met en scène la guérison des corps pour révéler celle de l'esprit. Dans ces photographies les bandages dissimulent les blessures que l'on refuse de voir. Le tissu protège, de la vue, et du temps. Là, à l'abri, ce dernier oeuvre. Les souvenirs s'empilent, strates de mémoires apaisées qui écrasent le mal. Les corps apparaissent dans des positions absurdes. Les paysages varient, plus ouverts, plus divers. Une nouvelle vie commence.

Vernissage d'Eric Antoine "Résilience"


[16:00-19:00] Signature de Satoshi Saïkusa "Artworks"
Location:
Galerie Da-End
17, rue Guénégaud
75006 Paris
M° Odéon, Mabillon, Pont Neuf, Saint-Michel
France
Phone : +33 (0)1 43 29 48 64
Mail : galerie@da-end.com
Internet Site : www.da-end.com
Description:
A l'occasion du finissage de l'exposition personnelle "No-Zarashi" de Satoshi Saïkusa :
Rencontre et signature de l'ouvrage SATOSHI SAIKUSA - ARTWORKS
Textes de Viet Thanh Nguyen & Ramus del Rondeaux
244 pages - Éditions Da-End




21 septembre - 11 novembre 2017
Vernissage Jeudi 21 septembre 18:00 - 21:00
Vernissage de l'exposition 'NO-Zarashi' à la Galerie Da-End, 17 rue Guénégaud Paris 6è
Satoshi Saïkusa présentera en parallèle 'White Devils' une exposition axée sur sa carrière de photographe de mode et de portrait à la Galerie Just Jaeckin-2Art Angels

La Galerie Da-End présente cet automne 'No-Zarashi', une exposition personnelle du photographe japonais Satoshi Saïkusa.

Installé à Paris depuis le début des années 1980, ce dernier y débute rapidement une carrière internationale de photographe de mode et de portrait. Reconnu pour sa maîtrise de la lumière qui vient magnifier le sujet, il règle chaque prise de vue dans le moindre détail à la manière du metteur en scène cherchant l'instant parfait.

Depuis une dizaine d'années, Satoshi Saïkusa se tourne vers une approche plasticienne de la photographie où les thèmes de la mémoire et la fragilité de l'existence paraissent de manière récurrente, nous éclairant sur ses propres préoccupations. Décliné sous la forme de dessins, compositions photo-entomologiques, vidéo ou encore sculptures, le concept bouddhiste d'impermanence semble engager un dialogue incessant avec celui de memento-mori.

L'artiste n'échappe pas en effet à cette méditation philosophique sur le sens de la vie, comme en témoigne le corpus d'œuvres présenté ici, où l'on repère une iconographie riche de symboles tels que la fleur, le crâne ou le papillon. Au Japon, l'usage impose de ne pas expliquer entièrement les choses mais plutôt d'indiquer une direction sémantique et inviter l'autre à livrer sa propre interprétation. Partisan de cette maïeutique de l'esprit, Saïkusa préfère dans ses œuvres soulever des interrogations plutôt que de délivrer quelconque message. Puisant son inspiration dans la nouvelle "Dans le fourré" du célèbre auteur nippon Ryūnosuke Akutagawa (1892-1927), l'artiste détourne le medium photographique, supposément vériste, pour nous conter ses propres histoires.

A la suite des attentats parisiens de 2015, il se rend notamment sur les différents lieux de commémoration, muni de son appareil photo, et immortalise les monceaux de fleurs et dessins déposés par la population. Ce sont ces témoignages-là que l'on retrouve au centre de la plupart des œuvres de l'exposition, baroques montages kaléidoscopiques ou pastilles circulaires aux couleurs aussi chatoyantes que leur portée est sombre.
Partagé entre sa culture japonaise de naissance et sa culture française d'adoption, Satoshi Saïkusa scrute le monde actuel et ses bouleversements avec un détachement mêlé de curiosité. Empreinte de ce syncrétisme, sa production artistique voit s'amalgamer le spectre des conflits idéologiques avec ceux d'Eros et Thanatos.

Vernissage de Satoshi Saïkusa "No-Zarashi"
Satoshi Saïkusa, No-Zarashi, 2017
Tirage pigmentaire digital archive et papillon - 103,5 × 83 × 10 cm
Courtesy of the artist & Galerie Da-End, Paris

[16:00-21:00] Vernissage d'Alex Cecchetti "Tamam Shud"
Location:
La Ferme du Buisson
Scène nationale de Marne-la-Vallée
Allée de la Ferme
77186 Noisiel Cedex 2
M° RER A Noisiel
France
Phone : +33 (0)1 64 62 77 77
Fax : +33 (0)1 64 62 77 99
Mail : contact@lafermedubuisson.com
Internet Site : www.lafermedubuisson.com
Description:
du 11 nov 2017 au 25 fév 2018

Embarquez pour un voyage passionnant au coeur de l'imagination ! Alex Cecchetti s'empare d'un étrange fait divers et propose d'enquêter avec lui sur les traces d'une mystérieuse disparition. Pour le vernissage de l'exposition, celle-ci est activée par un musicien synesthète, des danseuses classiques et contemporaines, un dîner d'exception et le lancement d'un livre d'entretien avec l'artiste.

"Je suis mort sans identité. Les étiquettes des vêtements, les empreintes digitales, la taille des chaussures ont été décousues, supprimées, lavées, blanchies, et livrées à l'oubli. Seul indice, un petit morceau de papier caché dans une poche secrète du pantalon. Écrit-là, les derniers mots d'une poésie persane : Tamam Shud. Ceci c'est la fin. Tout ce que je suis." S'emparant d'un étrange fait divers, et invoquant la musique, la littérature et la danse, Alex Cecchetti interroge les mystères de l'identité et de la disparition.

"Tamam Shud" - "C'est la fin" en persan - est pourtant le point de départ d'une aventure où performance et poésie s'entrelacent. Alex Cecchetti y déploie son imaginaire à travers des installations dans les différents espaces du centre d'art, conçues comme autant de chapitres d'une narration à la fois lyrique et fantasque.

Ces multiples langages se répondent de salle en salle pour nous plonger dans un univers mobilisant tous les sens. Espace intime et cadre d'un mystérieux récit, l'exposition est pensée comme une grande partition musicale et devient le lieu où se mêlent le fictionnel et le réel. Danseurs, chanteurs et musiciens viennent habiter les installations et nourrir les récits du poète au cours de l'exposition.

Programme du vernissage :

16h-19h30
Exposition
"Je suis mort sans identité. Les étiquettes des vêtements, les empreintes digitales, la taille des chaussures ont été décousues, supprimées, lavées, blanchies, et livrées à l'oubli. Seul indice, un petit morceau de papier caché dans une poche secrète du pantalon. Écrit-là, les derniers mots d'une poésie persane : Tamam Shud. Ceci c'est la fin. Tout ce que je suis." S'emparant d'un étrange fait divers, et invoquant la musique, la littérature et la danse, Alex Cecchetti interroge les mystères de l'identité et de la disparition... lire la suite.

16h-19h - Music Room
Concert synesthésique
Le musicien polonais Natan Kryszk donne un concert unique dans l'exposition. Grâce à ses dons de synesthésie, il interprète des peintures de l'artiste et les transforme en partition pour piano.

16h-19h - Dance Room
Classe de danse les yeux fermés
Deux danseuses exceptionnelles, Hanna Hedman et Shihya Peng, sont invitées à activer la Dance Room de l'exposition et à accompagner le spectateur dans des expériences chorégraphiques imaginées par l'artiste.

17h - Reading Room
Collection Digressions
Lancement du livre d'entretien avec l'artiste Alex Cecchetti et signature.

17h30 - Dinner Room
Dîner aux poèmes
Alex Cecchetti propose de vous délecter de poésie et d'en apprécier les saveurs au cours d'un dîner d'exception au sein même de l'exposition préparé par la cheffe Chloé Charles.

entrée gratuite pour tous !
sauf "Dîner aux poèmes", 18 € sur réservation au 01 64 62 77 77

Vernissage d'Alex Cecchetti "Tamam Shud"

[16:00-20:00] Vernissage de Keita Mori "Templates"
Location:
Galerie Catherine Putman
40, rue Quincampoix
75004 Paris
M° Rambuteau, Les Halles, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 45 55 23 06
Fax : +33 (0)1 47 05 61 43
Mail : contact@catherineputman.com
Internet Site : www.catherineputman.com
Description:
11 novembre - 23 décembre 2017
Du mardi au samedi de 14h à 19h
Vernissage samedi 11 novembre de 16 à 20 heures

La galerie Catherine Putman présente "Templates", la première exposition personnelle de Keita Mori.
Keita Mori tire des fils, au sens propre, pour faire ses œuvres mais aussi au sens figuré, une expérience en amène une autre, les espaces, supports et matières évoluent.

La singularité du travail de Keita Mori tient à sa technique de dessin au fil, de soie ou de coton, qu'il fixe avec un pistolet à colle, sur papier, sur toile ou directement sur les murs. Il exécute ses œuvres à la manière d'un musicien de jazz par l'improvisation et la récurrence de thèmes dans son tracé - maisons, espaces en suspens, architectures, perspectives.

Le choix du titre de l'exposition « Templates », anglicisme informatique pour dire gabarits ou modèles, a été choisi par l'artiste dans le même registre que « Bug report », titre générique de la majorité de ses œuvres. « Bug report » est le résultat de l'éclatement des réseaux virtuels comme celui des espaces et des architectures de la société urbaine moderne. Ce qui intéresse l'artiste dans cette idée du rapport d'erreur, c'est l'accident, qui perturbe l'espace et la construction, et finalement donne autre chose.
Les dessins de la nouvelle série de Keita Mori se fondent dans des images abstraites, photographies de détails de bâtiments d'architecture du Modernisme. Les « templates » de Keita Mori sont des fragments d'architecture, pris comme cellules souches pour le développement de ses propres dessins vers un paysage moderne. Ces prélèvements effectués à la manière d'un biologiste lui permettent d'ancrer son rapport à ce mouvement qu'il voit comme le modèle des principes architecturaux et sociaux de la société contemporaine. Deux constructions se superposent alors, l'artiste projette sur ces images l'évolution future du Modernisme, un paysage alternatif possible. Cette série de dessins inédits fait l'objet d'une publication, accompagnée d'un texte de M. Akira Tatehata, directeur du nouveau musée Yayoi Kusama à Tokyo. (1)

Le désir d'expérimentation de Keita Mori se manifeste également par l'emploi de nouveaux matériaux pour l'installation qu'il va réaliser sur les murs de la galerie.

Le dessin exploratoire et improvisé se fera toujours en fils mais cette fois-ci de cuivre et d'argent.
Enfin, l'exposition présente des œuvres dans lesquelles le rapport à l'espace de l'artiste se complexifie, dessinant sur des formes moins habituelles. Les œuvres sur papier blanc jouent du détournement du support classique de la feuille blanche, hexagones irréguliers, rectangles superposés.

Exposition réalisée avec le soutien aux galeries / première exposition du CNAP Centre national des arts plastiques

(1) Akira Tatehata : critique d'art et poète japonais, président de l'université des beaux-arts Tama de Tokyo et directeur du musée d'art moderne de Saitama.


Keita Mori est né en 1981 à Hokkaido, au Japon. Il vit et travaille à Paris.

Diplômé de l'université des beaux-arts Tama de Tokyo en 2004 (sous la direction de Kosei Ishii, Akira Tatehata), de ENSBA-École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris, en 2007 (Atelier Jacky Chriqui, Christian Boltanski) et d'un Master en Arts Plastiques, nouveau média à Paris VIII, en 2011 (sous la direction de Phillipe Nys).

En 2017 il a inauguré le Drawing Lab à Paris avec l'exposition personnelle Strings, commissariat : Gaël Charbau, et participé à de nombreuses résidences et expositions collectives, dont Le dessin, autrement, commissaire : Philippe Piguet, Galerie de l'Étrave - Espace d'art contemporain, Thonon-les-Bains.

La galerie Catherine Putman a présenté à plusieurs reprises le travail de Keita Mori : à Drawing Now Paris en 2016 et 2017, à Paréiodolie, Château de Servières, Marseille, en 2016 et à la galerie où il a réalisé une installation in situ lors de l'exposition des lauréats Fid Prize 2015 et en 2013 comme lauréat du Fid Prize 2012 (ex-aecquo avec Andreea Ciobica et Juliette Mogenet).

Prix (sélection) : Lauréat du Prix Matsutani en 2017, nominé pour la "Bourse révélation Emerige 2014", et pour le "Prix Découverte-Palais de Tokyo" par Les Amis du Palais de Tokyo & le Tokyo Art Club, France en 2015, Lauréat du prix international de dessin Fid Prize en 2012 (grand prix ex-aequo avec Andreea Ciobica et Juliette Mogenet).

Vernissage de Keita Mori "Templates"
Keita Mori Template (corpus), 2017
Fil de coton et fil de soie sur photographie - 60 × 80 cm

Vernissage de Keita Mori "Templates"
Keita Mori, Template (catenary), 2017
Fil de coton et fil de soie sur photographie - 60 × 80 cm

Vernissage de Keita Mori "Templates"
Keita Mori, Template, 2017
Fil de coton et fil de soie sur photographie - 80 × 60 cm

Vernissage de Keita Mori "Templates"
Keita Mori, Template, 2017
Fil de coton et fil de soie sur photographie - 80 × 60 cm



[17:00-19:00] Patti Smith dédicace "Just Kids"
Location:
Librairie Gallimard
15, boulevard Raspail
75007 Paris
M° Rue du Bac
France
Phone : +33 (0)1 45 48 24 84
Fax : +33 (0)1 42 84 16 97
Mail : gallimard@librairie-gallimard.com
Internet Site : www.librairie-gallimard.com
Description:
Rencontre avec Patti Smith pour une séance de dédicace à l'occasion de la parution de l'album illustré "Just Kids", éditions Gallimard

Les places sont limitées et l'événement sera accessible uniquement sur réservation à l'adresse mail : pattismith.librairiegallimard@gmail.com

Patti Smith dédicace "Just Kids"

[17:00-21:00] Vernissage d'Arthur Dreyfus
Location:
Galerie Patrick Gutknecht
78, rue de Turenne
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 43 70 56 18
Mail : pg@gutknecht-gallery.com
Internet Site : www.gutknecht-gallery.com
Description:
Arthur Dreyfus
"Nous sommes peut-être passés à côté d'une belle histoire"

Vernissage samedi 11 novembre 2017, à partir de 17h
Exposition présentée du 11 novembre 2017 au 20 janvier 2018

Extrait d'un entretien avec Arthur Dreyfus
Propos libres de droit recueillis par William Miglore

On vous connaît d'abord comme écrivain...
"C'est vrai, mais j'ai toujours écrit avec des images dans la tête. Quand on me demande « quels auteurs » m'ont inspiré, je réponds que certaines œuvres musicales ou visuelles m'ont davantage inspiré que des livres. Si je ferme les yeux, je pense autant à un chapitre du Grand Cahier d'Agota Kristof qu'à un poème de Maurice Scève, autant à Arcangelo Corelli qu'à une photo de Bernard Faucon ou de Nan Goldin."

Comment est né votre travail photographique ?
"L'idée de la trace m'obsède depuis longtemps. Enfant, avec des caméscopes, des Kodak jetables, j'ai beaucoup photographié et lmé mes parents, mes grands-parents. Le cadre m'est apparu comme une chose naturelle : tracer quatre bords dans la réalité revenait à s'inventer une liberté. À vingt ans, un ami m'a offert un vieil argentique, que j'ai emporté partout. J'ai entrepris de cerner mes obsessions - tout en les limitant, à cause de la pellicule. Ensuite, comme chez nombre d'individus de ma génération, l'apparition des smartphones a changé mon rapport à l'image. Il devenait possible, à chaque seconde, de saisir quelque chose."

C'est ce que vous avez fait ?
"Oui et non. Cette omnipotence m'a laissé songeur : ne signait-elle pas la n de la photographie en tant que telle ? Qu'allait-il advenir des images élues, dans un monde d'images in nies ? Dès le départ, je me suis fixé comme règle de ne pas poster sur Internet les photographies qui comptaient. Née sur un écran, diffusée sur un écran, l'image se dévalorise. Toutefois la photo numérique a eu une autre conséquence : le déploiement de l'intime. Un téléphone est un objet tellement banal, tellement usuel, qu'il passe inaperçu - surtout chez des jeunes. Un matin, j'ai commencé à photographier les corps sous les draps, les visages de très près, les minuscules détails de l'amour ; toujours avec une pointe de mise en scène..."

Et c'est cela que vous exposez ?
"Non - du moins pas seulement. Il ne suffit pas à une photo d'être « jolie » pour pouvoir justifier une exposition, ni pour faire de son auteur un photographe. Justement peut-être parce que ce medium est devenu si facile qu'il est accessible à tous. Pendant des années, je ne me sentais pas prêt. J'ai attendu qu'une idée s'impose. Un dispositif, une chose qui m'appartienne ; et qui alors, serait capable de conduire l'ensemble, d'ouvrir le rideau du spectacle."

Né en 1986, Arthur Dreyfus est écrivain, journaliste et réalisateur.
Ses livres ont été traduits en anglais, en italien, en allemand ou en coréen. Lauréat du prix Orange pour Belle Famille et de la bourse Mottart de l'Académie française pour Histoire de ma sexualité, il a publié en janvier 2017 son quatrième roman aux éditions Gallimard : Sans Véronique _ et en octobre de la même année, un récit de voyage sur la Corée du Sud : Je ne sais rien de la Corée.
L'auteur intervient régulièrement dans la presse (Le Monde, Libération, L'Obs) sur la question des mœurs, de la parole publique ou de la sexualité. Chez Grasset, il livrait en 2016 un essai sur l'écriture de l'intime, Correspondance indiscrète, en duo avec Dominique Fernandez.
Traitant de cinéma, de peinture, de musique et d'art contemporain pour les magazines Vogue ou Holiday, il a présenté pendant plusieurs années des émissions sur France Inter et France Culture. Côté caméra, il est le réalisateur de «Contes d'acteurs», une série de documentaires expérimentaux diffusée sur Ciné+, avec Arielle Dombasle, Jean-Christophe Bouvet ou Françoise Fabian.
Nourri par les œuvres de Nan Goldin, de Bernard Faucon, ou de Hervé Guibert, la photographie occupe depuis toujours une place prépondérante dans son parcours créatif.
«Nous sommes peut-être passés à côté d'une belle histoire...» est sa première exposition personnelle. Toutes les photographies qui y figurent ont été réalisées sur iPhone.


Hier je ne te connaissais pas
Tu jouais aux voitures
Je chassais les pyrales
Sous l'oeil de nos mères
Ces plaisirs suffisaient

Aujourd'hui tu me donnes
Ton passé en héritage
Mais si petit, était-ce déjà toi ?
Celui que j'aime, était-il déjà là ?

J'invente dans ta poche un miroir
Pour savoir
Quand commence le trop tard
Où commence le regard

Puis une phrase
Résonne tout le soir
Nous sommes peut-être passés à côté d'une belle histoire...

Arthur Dreyfus

Vernissage d'Arthur Dreyfus "Nous sommes peut-être passés à côté d'une belle histoire"




[18:00-21:00] Vernissage de Joël Hubaut
Location:
Ut Pictura Poesis
Studio des Poésies Expérimentales
45, rue de la Folie-Méricourt
75011 Paris
France
Mail : poesieisnotdead@gmail.com
Description:
Le collectif Poésie is not dead est fier d'annoncer que Joël Hubaut inaugurera « Ut Pictura Poesis », lieu alternatif dédié à la création et à la diffusion des poésies expérimentales. Situé à Paris dans le XIe arrondissement - au 45 rue de la Folie Méricourt - le lieu accueillera une exposition de ses œuvres du 11 novembre au 16 décembre.

Vernissage de Joël Hubaut

Joël Hubaut est né en 1947 à Amiens. Il vit à Paris. Joël Hubaut se présente comme grossiste en art, mixeur-remixeur=(installations, vidéos, dessins, peintures, performances, concerts, écriture, lecture...). Dès 1970, Joël Hubaut oriente son activité vers un mixage hybride et monstrueux qu'il qualifie avec humour de « Pest-Modern ».

Depuis 40 ans, qu'il s'attaque à la figure du lapin, des drapeaux, des saucisses, du camembert ou bien encore des couleurs, le travail de Joël Hubaut se matérialise au travers d'une écriture "épidémik" (flèches, croix, cercles, triangles, carré etc....) qu'il agglomère à des dessins, des photographies, des objets, des textes ou des actions.

L'écriture épidémik" se répand sur tous les supports : objets-corps humains-véhicules-sites- etc... développant un processus contaminant "rhizomique" intermédia. Plaçant l'épidémie et la contamination (acte prémonitoire) au centre d'une réflexion sur l'art et la société, son recours à la parodie et à la dérision peut alors prendre une dimension véritablement tragique. Joël Hubaut dérange souvent, c'est un constructeur de situations paradoxales et d'évènements hilarants, dionysiaques et jouissifs pas toujours compatible dans les contextes convenus. C'est un artiste de la démesure et du débordement.

Il a déjà réalisé de nombreuses installations et performances dans le monde et participé à beaucoup de festivals internationaux de poésie sonore, de performance, de musique expérimentale et d'évènements d'art contemporain. Il a aussi créé un espace alternatif « Nouveau Mixage à Caen de 1978 à 1985 (date de fermeture tirée au dé à l'inauguration d'ouverture en 1978 ), un groupe de non-rock « the New Mixage », crée et animé les soirées « Hiatus » au Frac de Basse-Normandie (sorte de cabaret/ café littéraire ) publiévdes livres aux Edition de la C.R.E.M. et enseigné de 1978 à 2011 à l'école des Beaux-arts de Caen.

Vernissage de Joël Hubaut

« Quand on a de la vie et de sa dynamique vitale une vision sans pitié et sans illusion, mais une vision qui veut en même temps conserver la générosité de l'amour pour les autres, on débouche très vite sur une situation sulfureuse. Il y a comme une sorte d'atmosphère de scandale liée à l'activité de Joël Hubaut. Je pense qu'il a été prophétique ou, en tout cas, qu'il a été un élément préfigurateur du chaos post- moderne dans lequel nous vivons. »

Pierre Restany in monographie de Joël Hubaut 1970/2005 : "Re-Mix épidémik- Esthétique de la dispersion", Edition des Presses du Réel.

Visites sur RDV : poesieisnotdead@gmail.com
Vernissage et Performance le 11 novembre de 18h à 21h / Finissage et Performance le 16 décembre de 18h à 21h - jauge limitée, merci de réserver.

[18:00-22:00] Vernissage de l'exposition "Watching You"
Location:
Lyon
Lyon
69000 Lyon
M° Gares SNCF, aéroport de Lyon-Saint-Exupéry
France
Internet Site : www.lyon.fr
Description:
Musée de Fourvière
8 place de Fourvière
69005 Lyon
http://www.fourviere.org

C'est avec une immense fierté que la Fondation Fourvière et Birdy kids présentent WATCHING YOU, une résidence artistique invitant une vingtaine d'artistes nationaux et internationaux à prendre possession d'un lieu habituellement réservé à la découverte de trésors religieux.

Durant 3 mois le musée de Fourvière ouvrira gratuitement ses portes au public pour une exposition réunissant graffeurs, sculpteurs ou photographes aux styles variés.
Les artistes laissent ici une trace forte de leurs visions du monde, inspirées par l'histoire et l'iconographie d'un quartier emblématique de la ville de Lyon.

Le vernissage, ouvert à tous et gratuit, aura lieu en présence des artistes le samedi 11 novembre 2017 entre 18h et minuit et pour que cette soirée soit parfaite, Grems prendra possession des platines pour offrir à nos visiteurs un DJ set qui saura stimuler le Boogie Boy qui sommeille en chacun de vous.

Artistes:
Grems / Kalouf / RNST / Black Messenger/ Brusk / Matthieu Dagorn / Birdy kids / Maxime Ivañez / Agrume / Stew / Mister Pee / Taroe / Nicolas Foray / Opéra / Rauky / Yandy / Monsieur Zero / Ema / Odamar Versolatto / Phil Reichsrath

DJ set:
Grems
Exodus
SaleGosse

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Grand Nu"
Location:
Untitled Factory
32, rue Gabrielle
75018 Paris
M° Abbesses
France
Description:
APPEL À CANDIDATURES

Le Grand Nu est une compétition d'art internationale organisée par Life Drawing Montmatre. L'objectif de ce concours est de promouvoir les artistes explorant le corps humain comme sujet principal et les oeuvres d'art de nu. Le concours est accessible à tous les artistes, sans limite d'âge, amateurs ou professionnels. Les techniques suivantes sont acceptées : acrylique, huile, aquarelle, crayon, collage, pastel et gravure. Le dossier de candidature au concours 2017 est en ligne sur lifedrawingmontmartre.com/contest (en version anglaise). Le dépôt de candidature est ouvert jusqu'au 23 octobre 2017. Quinze à vingt artistes seront sélectionnés. Les finalistes exposeront collectivement à la galerie Life Drawing Montmatre du 11 novembre au 22 novembre 2017 et le lauréat du prix 2017 aura la chance d'exposer individuellement en 2018 à la même galerie. Pour plus d'informations ou pour vous inscrire, visitez notre site lifedrawingmontmartre.com/contest où contactez-nous contact@lifedrawingmontmartre.com

Date limite d'inscription : 23 octobre 2017
Frais d'inscription - 15 €

CALENDRIER DU CONCOURS

Date limite d'inscription : 23 octobre 2017
Résultats announces : 25 octobre 2017
Exposition: du 11 novembre au 22 novembre 2017
Annonce du laureate : 11 novembre 2017

PLUS D'INFO ET ENREGISTREMENT
http://lifedrawingmontmartre.com/contest/

avec :
Alexandre Akar
Andrieux Morgann
Ben Brotherton
Bernadette Leclercq
Cardin Olivier
Catherine Johnson Jullian
Chris Gosley
Didier Graire
Eléonore Giraud
Isaure Perrin
John Gathercole
John Kelly
Josseline Erner
Lucile Travert
Michel Tamer
Patrick Fuvel
Ria Firth
Stéphane Plouviez
Yoann Paounoff

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition des Moderne Jazz "FFRRRRVUMVUMTACTAC"
Location:
Module
9, rue Cyrano de Bergerac
75018 Paris
M° Jules Joffrin, Lamarck - Caulaincourt
France
Mobile : +33 (0)6 59 11 51 70
Mail : contact@lemoduleparis.fr
Internet Site : www.lemoduleparis.fr
Description:
FFRRRRVUMVUMTACTAC

Rue Cyrano de Bergerac, XVIIIème arrondissement de Paris. La lumière froide de novembre inonde les façades sculptées qui entourent la galerie. Derrière les vitres de l'enseigne peinte d'un bleu dur nous achevons d'installer l'exposition.

Moderne Jazz, collectif éclaté et actif depuis quatre années déjà s'installe au Module pour une nouvelle monstration, une occasion de dévoiler des objets mis en forme sans concertation ou presque. Acheminés en voiture, par train ou dans un sac dos, ces derniers prennent place et cohabitent comme autant d'entités distinctes livrées au sein d'un même espace

En 2015 déjà, dans la galerie Slika de Lyon, des objets se télescopaient par leur disparité. Alors liés par une logique simple, il s'agissait de donner corps dans l'espace d'exposition à une pièce peinte sur mur, usant de divers supports, matières ou techniques.

Disparité des peintures (Seul lien est la couleur des pots de peinture ou les outils partagés).

Autant que nos rencontres sur mur génèrent des tracés et des masses déposées sur une surface, nos rendez-vous en galerie, eux, voient naître des intentions en volume, un instinct signifié comme pour coller au contexte et s'adapter au lieu, offrir une dimension de plus .

Avec des pièces qui se rapprochent du vêtement, du jouet ou d'autres encore plus reliées au mobilier, la répartition hétérogène de ces éléments agît comme des prélèvements bruts de l'univers de chacun

FFRRRRVUMVUMTACTAC

Froissés, pliés, salis, remplis dans leur essence des sons et des senteurs de l'atelier, des dessins préparatoires sont joints aux objets et renseignent sur une logique propre à chacun, un document de travail où s'estompe la volonté stylistique liée à des graffitis et à l'identité stylisée de son auteur, révélateur d'un trait utilitaire, modeste, lié simplement à l'acte de faire objet.

Ainsi ces feuilles de route qui sont des témoins du moment du passage de l'idée à l'objet manipulable deviennent le lien entre les différents objets.

Douze modules, une présence matérielle de chacun, comme le visage imprimé de l'absent sur la photo de groupe. Invitation à une fête d'intérieur ; fête silencieuse........

Vernissage de l'exposition des Moderne Jazz "FFRRRRVUMVUMTACTAC"

[18:30-22:30] Finissage de Nadine Van der Straeten "Jeanne Hébuterne"
Location:
Galerie JPHT
Jean-Philippe Thérond
4, rue de Saintonge
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Mobile : +33 (0)6 08 25 45 97
Mail : contact@galeriejpht.com
Internet Site : www.galeriejpht.com
Description:
"Jeanne Hébuterne"
un souffle éphémère

Bandes dessinées
Vente de planches et d'illustrations certifiées

EXPOSITION
du Mardi 24 Octobre au Samedi 11 Novembre 2017

VERNISSAGE le Mardi 24 Octobre 2017
de 18h30 à 22h30 en présence de l'artiste
21h00 JAZZ avec Le Trio Cobalt
Marc Gramfort - Rémi Grenier - Pascal Cicero

Beaucoup connaissent l'artise singulier que fut Amedeo Modigliani, dont l'œuvre est désormais universelle. Quelques uns ont entendu parler de Jeanne Hébuterne, sa dernière compagne...
Jeanne Hébuterne, celle qui a silencieusement glissé ses 19 ans dans le fond de la scène, en arrière plan, comme pour s'excuser d'être là.
Voici son histoire...

Vernissage de Nadine Van der Straeten "Jeanne Hébuterne"





[19:00] Concert de flûte de Yasuko Suzuki
Location:
Galerie Hayasaki
ATELIER MIRE
12-14, rue des Jardins Saint-Paul
Village Saint-Paul
75004 Paris
M° Saint-Paul, Sully - Morland, Pont Marie
France
Phone : +33 (0)1 42 71 10 29
Mobile : +33 (0)6 89 38 19 48
Mail : kayokohayasaki@gmail.com
Internet Site : www.hayasaki.fr
Description:
Yasuko SUZUKI - Flûte
Tsukasa HIROSAWA - Flûte
Yukako YAMADA - Piano

PROGRAMME
Moyse / "Tone Development Through Interpretation"
Debussy / Bilitis - Flûte et Piano
Debussy / Syrinx- Flute seule
Schocker / Three Dances
Gaubert / Divertissement Grec
Jacques Ibert/ Deux Interludes
for Two Flutes and Piano






[20:00] Concert de Shakira
Location:
AccorHotels Arena POPB
POPB
8, boulevard de Bercy
75012 Paris
M° Bercy, Gare de Lyon
France
Phone : +33 (0)1 40 02 60 60
Internet Site : www.bercyarena.paris
Description:
Face à la demande, Shakira annonce une date supplémentaire à Paris, à l'AccorHotels Arena le samedi 11 novembre 2017 !

Superstar internationale et gagnante de douze Grammy Awards, Shakira présente les dates de sa tournée El Dorado World Tour. Elle sera l'occasion de retrouver tous ses plus grands hits et passera par la France pour quatre dates exceptionnelles les 10 novembre et 11 novembre 2017 à l'AccorHotels Arena de Paris, le 16 novembre 2017 à l'Arena de Montpellier et le 28 novembre 2017 à la Halle Tony Garnier de Lyon.

L'annonce de cette tournée fait suite à la sortie du 11e album studio de Shakira, El Dorado, qui s'est placé à la première place des TOP iTunes dans 37 pays dès sa sortie.
L'album certifié 5 fois disque de platine, portés par les succès mondiaux des titres "La Bicicleta" avec le colombien Carlos Vives, "Chantaje" avec Maluma, "Me Enamoré", et "Déjà Vu", occupe actuellement la première position du TOP Latin Albums de Billboard, faisant de cet album son sixième album numéro 1 de ce classement.

Son single "Chantaje" est également certifié 16 fois single de diamant. Le clip vidéo a été visionné plus de 1,4 milliards de fois, devenant au passage alors la 5e vidéo qui a le plus rapidement atteint les 1 milliard de vues dans le monde.

1ère partie de Shakira : Salva.

Concert de Shakira

16:00
17:00
18:00
19:00
20:00
21:00
22:00
23:00  
[Printer Friendly]



Investigations et photos
Abecedaire Parisien - Agenda - A propos - Contact

Agence Germain Pire tm - Investigation - Photo Hype - Renseignement de la nuit - © 2005-2015 - Tous droits réservés