Saturday, December 16, 2017
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16
December 2017
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  Fête nationale du Bahreïn
Location:
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
Description:
Intronisation de l'émir Isa ibn Salman Al Khalifah en 1961

Exposition de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Location:
Galerie Karsten Greve
5, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 37
Fax : +33 (0)1 42 77 05 58
Mail : galerieparis@karstengreve.fr
Internet Site : www.galerie-karsten-greve.com
Description:
14 octobre - 23 décembre 2017

Être un naufragé, c'est être un point au milieu d'un cercle, perpétuellement. [...] Quand vous élevez le regard, vous vous demandez parfois [...] s'il n'y aurait pas quelqu'un d'exactement comme vous qui élève lui aussi le regard, lui aussi coincé dans cette géométrie, lui aussi en train de lutter contre la peur, la rage, la folie, la désespérance et l'apathie.
L'histoire de Pi, Yann Martel

La Galerie Karsten Greve a le plaisir de présenter Perpetually at the Centre, nouvelle exposition de Claire Morgan. Plasticienne d'origine irlandaise, elle est parmi les plus recherchés et talentueux artistes de la scène internationale. Cette exposition dévoile au public les œuvres récentes de l'artiste, spécialement réalisées pour cet espace. Nourrie de préoccupations écologiques et étiques, l'exposition est constituée de quatre nouvelles installations monumentales, où domine la dynamique des corps d'animaux taxidermisés qui semblent être contenus dans des environnements étrangers, mais aussi par de récentes sculptures sous-verre où l'écriture s'ajoute au dramatisme des compositions. Un corpus de délicats dessins permet de découvrir le minutieux travail de conception de l'artiste, en contraste avec le geste ardent et instinctif de la surprenante série de toiles grand format.

Le travail de Claire Morgan explore l'ambivalence de l'être humain dans son rapport avec la nature qui l'entoure. La réflexion autour de la présence de l'homme dans le monde, qui a comme conséquence la progressive destruction de l'environnement naturel, est objectivée par l'artiste dans ses installations, où les animaux taxidermisés semblent s'adapter à un monde de gaspillage consumériste qui tente de les engloutir. Dans la suspension temporelle qui caractérise ces sculptures aériennes, où les corps sont figés dans un mouvement perpétuel, le conflit se joue entre la vie et la mort, entre l'organique et l'artificiel.

Le projet de cette exposition est né de la contemplation du pouvoir de la nature, ainsi que de l'exploration du soi, de l'égo et de la condition mortelle de l'être humain. L'immensité de la mer, des forêts et de la nuit qui se manifestent comme un abîme, ont été l'objet d'une méditation profonde jusqu'à en devenir métaphore de l'existence entière, révélant à l'homme sa vulnérabilité. Cette réflexion n'est pas sans considérer la crise humanitaire en cours en Méditerranée, où la mer peut basculer d'espoir de vie à tombeau pour des milliers de migrants, ou la récente tragédie de la Grenfell Tower où les habitants ont vu leurs appartements se transformer en vision cauchemardesque. Les extrêmes changements climatiques, signaux d'alarme de futures crises humanitaires, font aussi partie des préoccupations qui inspirent l'artiste.

Les animaux naturalisés sont aussi symbole des batailles intimes de l'artiste, ils sont témoins de la prise de conscience de ses propres passions. Le besoin de chacun d'exister est pour Claire Morgan fortement lié à la passion et à la violence, à travers lesquelles s'expriment les nécessités humaines. La lutte fait partie du paysage intérieur de l'homme : qu'elle soit physique ou psychologique, elle engendre des cas de conscience. Ces questionnements guident aussi l'organisation de l'exposition, qui se déroule en suivant des couples d'idées spécifiques: le soi et la violence, le passage du temps et la transcendance, la peur du noir et de se noyer, le feu et la mort.

Le principe même de la taxidermie, que Claire Morgan exécute de sa propre main, repose sur une contradiction, ayant pour objectif de donner une apparence vivante à ce qui est mort. Cette ambivalence est propre à toute son œuvre : dans les dessins comme dans les peintures, des résidus du processus de taxidermie sont utilisés comme matériaux graphiques. Des éléments comme les os ou le sang, ainsi que des corps entiers d'animaux, sont intégrés dans les œuvres et leur donnent alors un caractère symbolique et rituel.

Dans le travail de l'artiste la nature est stupéfiante, parfaite dans son immobilité. L'ambiguë présence vitale de ces animaux taxidermisés contraste avec les fragiles formes géométriques créées par cette « vertueuse assemblagiste » à l'aide de fils de nylon auxquels sont suspendus graines de pissenlit ou fragments de plastique. Le monde de Claire Morgan est un univers où la nature, menacée par la présence envahissante et cynique de l'être humain, résiste dans toute sa beauté. Elle s'incarne dans la perfection d'un scénario géométrique et minimaliste, mais aussi dans la fragilité de structures si légères qu'elles pourraient disparaître par le simple souffle du vent.


Claire Morgan est née en 1980 à Belfast (Irlande) et habite et travaille à Gateshead, Newcastle upon Tyne (Angleterre). Très vite, ses œuvres sont exposées à travers toute l'Europe et son travail a fait l'objet de nombreuses commissions publiques et privées. En 2010, après avoir exposé au Palais de Tokyo, Claire Morgan a inauguré sa première exposition personnelle française à la Galerie Karsten Greve. À cette occasion elle a présenté pour la première fois ses « dessins au sang », œuvres sur papier témoignant du processus de taxidermie. Depuis, son travail a été présenté aussi bien en Europe qu'aux Etats Unis, où elle a participé à des nombreuses expositions collectives. Les installations et les dessins de l'artiste ont intégré des prestigieuses collections internationales publiques et privées, parmi lesquelles figurent le Museum of Old and New Art (MONA) en Australie, la Fondation ALTANA en Allemagne et la Collection Guerlain en France. En 2017 le FRIST Center for Visual Arts à Nashville a organisé sa première exposition personnelle aux États-Unis. La fondation Francès à Senlis, en collaboration avec la Galerie Karsten Greve, dédie à Claire Morgan une exposition personnelle visible jusqu'au 23 décembre 2017.

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Claire Morgan, Tine To Die, 2017, waxwing (taxidermy), dandelion seeds, nylon, in vitrine, 88 x 51,6 x 51,6 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
To an End, 2017, Pencil and watercolour on paper, 41 x 31 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Lo (detail), 2017, Tawny owl (taxidermy), polythène, nylon, in vitrine, 98,5 x 71,6 x 71,5 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Pedestal
2011
Aigrettes de pissenlit, aigrette (taxidermie), nylon, plomb, acrylique
270 x 60 x 60 cm
CM/S 11

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

08:00  
09:00  
10:00  
11:00 [11:00-20:00] Inauguration de la boutique Boulevard 173
Location:
Boulogne-Billancourt
Boulogne-Billancourt
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès, Marcel Sembat, Billancourt
France
Internet Site : www.boulognebillancourt.com
Description:
Au 263 boulevard Jean Jaurès
92100 Boulogne-Billancourt

Pour fêter votre nouvelle boutique, nous vous invitons à son inauguration le Samedi 16 Décembre de 11h à 20h !

Venez découvrir nos nouveautés et profitez-en pour faire vos courses de Noël.

Au programme :
-Champagne et petit fours
-Bon d'achat et réductions
-Cadeaux offerts tout au long de la journée

Inauguration de la boutique Boulevard 173

[11:00-20:00] Un Cartier de Paris
Description:
Atrium Saint-Germain
76 Rue des Saints-Pères
75007 Paris

Pour les fêtes, du 16 au 24 décembre, Cartier vous convie dans un lieu éphémère, rue des Saints-Pères au cœur de Saint Germain des Prés.

On y retrouve les lignes incontournables de la Maison, Trinity, Love, Juste Un Clou, Tank ou Panthère.

On s'y donne rendez-vous à la pâtisserie de Cyril Lignac.

On y tente sa chance au calendrier et à la Roue de l'avent pour tirer au sort un écrin.

On prend l'ascenseur d'un grand hôtel, machine à remonter le temps sous forme de discussions et d'anecdotes avec le liftier.

On fait un stop au photo call : portrait ludique au milieu de celui des icônes-amies de la Maison. Le tirage est offert.

On va au cinéma voir le film du réalisateur Loïc Prigent sur les clients mythiques de la Maison, icônes de Saint-Germain-des-Prés.

De jour et de nuit... tout l'esprit de la fête Cartier.

Vous êtes les bienvenus.

Un Cartier de Paris

Un Cartier de Paris





[15:00-18:00] Rencontre avec Fabien Verschaere
Location:
Galerie RX
Rodrigue & Dereumaux
16, rue des Quatre-Fils
75003 Paris
M° Rambuteau, Saint-Paul, Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 71 19 47 58
Mobile : +33 (0)6 37 88 04 98
Mail : info@galerierx.com
Internet Site : www.galerierx.com
Description:
Le Noël de Fabien

Accrochage d'une série récentes d'aquarelles et encres

Rencontre avec Fabien Verschaere

[15:00-18:00] Rencontre avec Sabine Pigalle
Location:
Galerie RX
Rodrigue & Dereumaux
16, rue des Quatre-Fils
75003 Paris
M° Rambuteau, Saint-Paul, Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 71 19 47 58
Mobile : +33 (0)6 37 88 04 98
Mail : info@galerierx.com
Internet Site : www.galerierx.com
Description:
dans le cadre de l'exposition de Sabine Pigalle "Generic code"
Photographies & Sculptures

30 novembre 2017 - 12 janvier 2018
VERNISSAGE - JEUDI 30 NOVEMBRE l 18H-21H

AVEC UNE PERFORMANCE D'OLIVIER MARTINAUD ET SABINE PIGALLE
JEUDI 30 NOVEMBRE - 19:00 - 20:00

Pour sa première exposition personnelle à la Galerie RX, Sabine Pigalle présentera une série inédite intitulée « Generic code » et des bas reliefs en marbres gravés de la série « Sloganus ».

Sabine Pigalle, artiste visuelle, s'inscrit dans le courant de la Post-photographie regroupant une nouvelle génération d'artistes qui naviguent aux frontières perméables de la réalité et de la fiction. Au fil de ses travaux, l'artiste renouvelle la rencontre entre les territoires de la peinture et de la photographie, mais aussi entre l'art ancien et l'art contemporain, entre la figuration et l'abstraction.

Vernissage de Sabine Pigalle "GENERIC CODE"

Vernissage de Sabine Pigalle "Generic code"

[15:00-20:00] Vernissage de Michel Lascault et Elise Kim
Location:
Galerie 89
Eyety nine
89, avenue Daumesnil
Viaduc des Arts
75012 Paris
M° Gare de Lyon
France
Phone : +33 (0)9 51 75 12 53
Mobile : +33 (0)6 08 80 99 33
Mail : 89euni@gmail.com
Internet Site : www.galerie89.com
Description:
La trace de la ligne par Elise Kim
La Peinture contre nature de Michel Lascault

du 5/12/2017 au 06/01/2018
Vernissage le 16 décembre 15h-20h

Vernissage de Michel Lascault et Elise Kim
Vernissage de Michel Lascault et Elise Kim






[16:00-19:00] Dédicaces d'estampes avec Jo Di Bona, Philippe Hérard, Lek & Zenoy
Location:
Joël Knafo Art Gallery
21&24, rue Véron
75018 Paris
M° Abbesses, Pigalle
France
Mobile : +33 (0)7 81 61 21 57
Mail : galerie@joelknafo-art.com
Internet Site : www.joelknafo-art.com
Description:
JO DI BONA - Philippe Hérard - LEK - ZENOY
4 artistes issus de la scène urbaine vous donnent rendez-vous pour une séance de dédicaces autour d'œuvres d'art signées et numérotées à petits prix !

Estampes numériques imprimées sur Museum Etching 350g
- Formats 30x30cm - 20ex - signés et numérotés - 75€
- Format 50x50cm - 33ex - signés et numérotés - 150€
- Format 50x50cm - 33ex - signés, numérotés et rehaussés (chaque exemplaire est unique) - 400€
- Format 70x70cm - 33ex - signés, numérotés et rehaussés (chaque exemplaire est unique) - 450€

Les originaux ayant servi à réaliser les estampes de la collection seront exposés et disponibles à la vente.

JO DI BONA - Philippe Hérard - LEK - ZENOY seront présents à la galerie ce samedi 16 décembre à partir de 16h00 pour présenter et dédicacer leurs nouvelles créations.

Commande et réservation :
http://joelknafo-art.com/etiquette-produit/collection-graffiti/

Dédicaces d'estampes avec Jo Di Bona, Philippe Hérard, Lek & Zenoy

[16:00-20:00] Vernissage de l'exposition collective "Star Wars"
Location:
La Baule
La Baule
44500 La Baule
M° Gare SNCF de la Baule Escoublac
France
Internet Site : www.labaule.fr
Description:
GalerieBobinoLanglais
8, avenue Pavie - La Baule

Expo jusqu'au 25/01

Vernissage de l'exposition collective "Star Wars"







[17:00-19:00] Dédicace de Miss.Tic
Location:
Galerie Lélia Mordoch
50, rue Mazarine
75006 Paris
M° Odéon, Saint-Germain-des-Prés, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 53 10 88 52
Fax : +33 (0)1 53 10 88 49
Mail : lelia.mordoch.galerie@wanadoo.fr
Internet Site : www.leliamordoch.com
Description:
À l'occasion de l'exposition Muses et Hommes et de la parution du catalogue aux Éditions Lélia Mordoch

Dédicace de Miss.Tic

dans le cadre de son exposition "Muses et Hommes"

Pendant le parcours PhotoSaintGermain

Exposition du 3 Novembre au 12 Janvier 2017
Vernissage le 2 Novembre | 18h - 21h

Ne manquez pas la parution de "Muses et Hommes" aux Éditions Lélia Mordoch.

Avec Muses et Hommes, Miss.Tic revisite l'Histoire de l'art.

19 tableaux mythiques de la Renaissance au Fauvisme sortent des musées pour faire peau neuve sur le grain des murs de Paris. L'artiste prête ses mots aux modèles souvent anonymes, muses muettes dont les peintres n'expriment que le corps. Sur les tableaux qu'a choisis Miss.Tic, elles sont toutes dépouillées de leur identité. Nobles, bourgeoises, courtisanes elles deviennent déesses, madones, figures héroïques. Miss.Tic dessine une anthologie de la femme dans tous ses états dans la peinture occidentale pour l'offrir aux passants comme autant de miracles de la vie quotidienne.

Vilipendées par la société, les putains se retrouvent adulées au musée. Il suffit d'un coup de pinceau pour idéaliser le bordel. Le modèle s'efface mais son visage nous hante... L'église refuse une sépulture à la Judith de Caravage. Mona Lisa ton sourire nous poursuit rue de Bagnolet.

Avec Muses et Hommes, Miss.Tic ouvrait au Street Art la porte des institutions, bien avant les expositions du Grand Palais ou de la Fondation Cartier, en présentant les photographies de son travail à l'Espace Paul Ricard grâce à Colette Barbier.

C'était en l'an 2000, il y a presque vingt ans aujourd'hui. Depuis longtemps l'encre des bombes s'est effacée sur les murs mais l'oeuvre n'est pas perdue, il en demeure ces photographies dont Miss.Tic est l'auteur et que nous vous invitons à voir ou à revoir.

Lélia Mordoch

Vernissage de Miss.Tic "Muses et Hommes"
Quand l'amour sort de sa coquille la beauté tombe des nues, 2000, Tirage sur aluminium, 160 x 120 cm © Miss.Tic

[17:00-20:00] Finissage : Didier HAMEY, Olivia ROLDE, Pascale PROFFIT
Location:
Fondation Taylor
1, rue La Bruyère
75009 Paris
M° Saint-Georges
France
Phone : +33 (0)1 48 74 85 24
Fax : +33 (0)1 48 78 13 54
Mail : contact@fondationtaylor.com
Internet Site : www.fondationtaylor.com
Description:
Didier HAMEY, graveur
Olivia ROLDE, peintre
Pascale PROFFIT, sculpteur

Exposition du 23 novembre au 16 décembre 2017

[17:00-18:00] Rencontre autour de l'exposition "Irving Penn, A Flavour of France"
Location:
Galerie Thaddaeus Ropac
7, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 72 99 00
Fax : +33 (0)1 42 72 61 66
Mail : galerie@ropac.net
Internet Site : www.ropac.net
Description:
Rencontre exceptionnelle autour de l'exposition 'Irving Penn, A Flavour of France' entre:
- Laurie Hurwitz, commissaire d'exposition à la Maison Européenne de la Photographie
- Clémentine Mercier, journaliste spécialisée en photographie à Libération
- Christoph Wiesner, Directeur artistique de Paris Photo

L'exposition se concentre sur trois séries majeures de l'artiste : les Nus, les Petits Métiers et les Portraits d'artistes. Réalisées entre 1947 et 1950, chacune explore à sa façon la relation étroite qu'Irving Penn a entretenu avec la France au cours sa vie, tant par ses visites fréquentes que par leur souvenir idéalisé.


dans le cadre de l'exposition "Irving Penn - The Flavour of France"

19 octobre 2017 - 6 janvier 2018
Vernissage : Jeudi 19 October 2017, 18-20h

La Galerie Thaddaeus Ropac a l'honneur d'annoncer The Flavour of France, sa première exposition consacrée au photographe américain Irving Penn (1917-2009) du 19 octobre 2017 au 6 janvier 2018 à Paris. Intitulée d'après un essai photographique publié par Irving Penn en 1960, dans lequel celui-ci célèbre ce qu'André Gide appelait « l'horreur de l'à-peu-près » indissociable du charme français, l'exposition se concentre sur trois séries majeures de l'artiste : les Nus, les Petits Métiers et les Portraits d'artistes. Réalisées entre 1947 et 1950, chacune explore à sa façon la relation étroite qu'Irving Penn a entretenu avec la France au cours sa vie, tant par ses visites fréquentes que par leur souvenir idéalisé. L'exposition coïncide avec la célébration du centenaire de l'artiste et la rétrospective organisée à cette occasion par les Galeries Nationales du Grand Palais du 21 septembre 2017 au 29 janvier 2018, à l'initiative du Metropolitan Museum of Art de New York.

Depuis septembre 2017, la Galerie Thaddaeus Ropac représente la Irving Penn Foundation in France en collaboration avec Pace/MacGill Gallery, New York.

Portraits, Paris-New York, 1947-50

Irving Penn a acquis une renommée internationale grâce à la composition élégante et à la profondeur psychologique de ses portraits. Réalisées à la demande d'Alexander Liberman, directeur artistique de Vogue et mentor de Penn, les œuvres frappent par leur simplicité graphique et leur impact visuel, des qualités essentielles à l'impression sur papier glacé. Les portraits de Penn sont le résultat de séances exigeantes, au cours desquelles le photographe essaie de « trouver des moyens de fendre la carapace de ses modèles et les incite à baisser leur garde », comme le commente Maria Morris Hambourg, commissaire de l'exposition du centenaire au Metropolitan Museum de New York.

Afin de mieux révéler la personnalité de ses modèles et d'éviter une lecture trop narrative de leur pose, Penn accompagne cette méthode pseudo-psychanalytique de l'utilisation d'un arrière-plan dépouillé.

Le manque de contexte perturbe la notion d'échelle et met l'accent sur ce que révèle le langage corporel du modèle, mais également sur ce qu'il cache, qu'il s'agisse de la présence caverneuse du Père Couturier ou de la mystérieuse silhouette de Marlene Dietrich.

En 1947 Irving Penn commença à photographier des portraits dans un angle étroit formé à partir de deux panneaux. Selon ses propres mots : « il en résulta une série de photographies très intéressantes. Contre toute attente, la sensation de confinement semblait les mettre à l'aise, les apaiser. Les murs devenaient des surfaces sur lesquelles s'appuyer ou se redresser. » Certains, comme Marcel Duchamp, tournaient le dispositif à leur avantage, d'autres s'en tenaient aux instructions.

Penn développa ce style anti-narratif jusqu'à la fin de sa vie, toujours à la recherche d'un style pondéré et résolu habituellement dédié à la peinture.

Vernissage de l'exposition "Irving Penn - The Flavour of France"
Marcel Duchamp, New York, 1948

Nus, New York, 1950

En parallèle de son travail pour Vogue dans les années 1940, Penn initie le projet personnel de photographier le corps féminin d'une manière inédite. Cela allait devenir, selon ses propres mots, l'expérience artistique majeure de sa vie. Dégagé des exigences commerciales, il commence une série de nus dans son studio privé situé au 480 Lexington Avenue. Des heures durant, Penn scrute les moindres changements de pose à travers la fenêtre de son Rolleiflex.

Penn commence par photographier des modèles minces dans des poses contorsionnées, puis, s'écartant des canons de la mode, il se met à photographier les femmes aux formes rondes que l'on retrouve dans la plupart des tirages originaux.

Comme l'affirme Maria Morris Hambourg : « La charge érotique de ces clichés est très élevée, mais, comme lors des séances elle-mêmes, celle-ci est contenue dans une distance esthétique. Son musée imaginaire était plutôt rempli des contours et surfaces veloutés des nus d'Arp, de Brancusi, de Maillol, de Moore, de Picasso et de Matisse qui fleurissaient dans les magazines artistiques européens des années 1930. »

La qualité sculpturale du travail de Penn, où le corps apparaît souvent tronqué, déformé et presque abstrait, est renforcée par l'attention portée à la tactilité de l'image elle-même. Pour le tirage de ses Nus, Penn utilise un procédé expérimental afin de créer ces images éthérées où les détails s'estompent et les courbes s'aplanissent en des plans abstraits d'ombre et de lumière.

Aujourd'hui considérée comme un aspect essentiel de son travail artistique, cette série est demeurée en grande partie inédite avant de faire pour la première fois l'objet d'une exposition à la Malborough Gallery de New York en 1980.

Vernissage de l'exposition "Irving Penn - The Flavour of France"
Nude No. 62, New York, 1949-1950 ca.

Petits Métiers, Paris, 1950

À la fin du mois de juillet 1950, Irving Penn revient à Paris photographier les collections de haute-couture pour Vogue avec l'idée de débuter une nouvelle série autour des petits métiers. Influencé autant par les portraits réalisés par Eugène Atget au début du siècle que par l'œuvre engagée de Walker Evans, il développe sa propre vision. Choisissant d'isoler le sujet dans un studio loué par Vogue rue de Vaugirard, il s'éloigne du décor vernaculaire de la rue.

En 1991, il se remémorerait : « un flot constant de travailleurs, de vendeurs de rue, de marginaux grimpaient les six étages jusqu'au studio où ils prenaient la pose entre une séance de mode et un portrait d'une célébrité. »

Les travailleurs posent devant l'objectif avec leurs outils dans l'espace neutre du studio qui procure un semblant d'éternité à leur portrait. Dans Moments Preserved (1960), Penn confie « comme tous ceux qui se sont intéressés à l'aspect des travailleurs, j'étais motivé par le fait que ce qui distingue un individu et la fierté qu'il tire de son activité semblaient en déclin. » Il poursuivit ensuite cette série à Londres et à New York jusqu'à établir progressivement une sorte de typologie. Celle-ci finit par constituer son corpus le plus important.

Devenue l'un des jalons majeurs de la photographie moderne, cette série peut être considérée comme un manifeste de la méthode photographique de Penn. Comme il l'a lui-même affirmé au cours d'un séminaire organisé par Edward Steichen au MoMA en 1950 : « Le photographe moderne apporte la même attention et le même soin à son sujet, qu'il s'agisse d'une reine, d'une chaise, d'un mannequin, d'un soldat, d'un cheval. Il trouve toujours quelque chose de lui dans son sujet, et inversement. »

Vernissage de l'exposition "Irving Penn - The Flavour of France"
Les bouchers

A propos d'Irving Penn

Né en 1917 à Plainflied dans le New Jersey dans une famille russe d'origine juive, Irving Penn étudie à la Philadelphia Museum School of Industrials Arts de 1934 à 1938 où il suit l'enseignement d'Alexey Brodovitch dans son Design Laboratory.

Le travail de Penn a d'abord été publié dans les pages de Vogue, ce qui lui a permis d'être reproduit et largement diffuse. En 1943, le nouveau directeur artistique de Vogue, Alexander Liberman, engage Penn pour préparer la maquette du magazine et suggérer des idées pour les couvertures. Liberman, également un russe immigré, se penche sur les planches contact réalisées par Penn au cours de ses derniers voyages, et reconnaît là "un esprit, un regard qui savait ce qu'il voulait voir".

Après la seconde Guerre Mondiale, alors que Penn se forge une réputation pour ses natures mortes et ses portraits au style saisissant, Liberman l'envoie autour du monde pour effectuer des séries de mode et des portraits. Ces expériences formatrices confirment la préférence de Penn pour la photographie dans l'environnement contrôlé du studio où il écarte tout ce qui n'est pas essentiel à ses compositions et peut se concentrer uniquement sur son modèle. De 1964 et 1971 Penn voyage de plus en plus pour le compte de Vogue, au Japon, en Crète, en Espagne, au Dahomey, au Népal, au Cameroun, en Nouvelle Guinée et au Maroc. Penn est de plus en plus libre de porter son intention sur ce qui l'intéresse vraiment: réaliser des portraits de gens en lumière naturelle.

Au début des années 1970, Penn quitte son studio de Manhattan pour s'immerger dans le laboratoire qu'il a construit dans la ferme familiale de Long Island afin de réaliser des tirages platine. Cette expérience le conduit à concevoir trois de ses séries les plus emblématiques: Cigarettes, 1972 (présentée au MoMA en 1975), Street Material (1975-76, exposée au Metropolitan en 1977), Archeology (1979-80, montrée à la Malborough Gallery en 1982). Tout comme sa série précédente des Nus, ces travaux tranchent radicalement avec les usages prédominants de la photographie.

En 1984, une rétrospective organisée par John Starkowski lui est consacrée au Museum of Modern Art, celle ci est reprise dans le monde entier jusqu'en 1989. Après sa rétrospective, Penn se remet à peindre et à dessiner tout en incluant le tirage platine dans sa pratique.

Les dernières décennies de sa vie témoignent d'une créativité sans précédent. Déterminé à décider de l'œuvre qu'il laisserait derrière lui, il entreprend de structurer et de sélectionner ses archives avec soin. En 2009, Penn décède à New York à l'âge de 92 ans, après avoir établi de son vivant la Irving Penn Foundation.

Irving Penn est considéré aujourd'hui comme l'un des plus grands photographes du XXe siècle, tant pour l'impact de ses images que pour sa maîtrise du tirage photographique. A l'époque où la photographie était d'abord conçue comme un moyen de communication, il considéra le médium avec un œil d'artiste et repoussa les limites de son potentiel créatif tant dans son travail personnel que professionnel.

[17:00-20:00] Vernissage de Stanislas Marçais alias "Stan le punk"
Location:
Boutique Galerie
Habillement Créatif & Sobre
8, rue Lallier
75009 Paris
M° Pigalle, Anvers
France
Mobile : +33 (0)6 10 20 55 22
Mail : contact@hcsparis.com
Internet Site : www.hcsparis.com
Description:
HCS Boutique Galerie nichée entre Montmartre, Trudaine et Pigalle à la rencontre du 18e et du 9e arrondissements la Boutique Galerie, est implantée au 8, rue Lallier. Au croisement des rues des Martyrs, Trudaine et Condorcet, la Boutique Galerie est un petit espace, un lieu convivial, modulable, un lieu de shopping et d'expositions.

HCS présente l'exposition "Contre Attaque Génétique en mode Hardcore" de l'artiste Stan le punk, à la Boutique Galerie: 8 rue Lallier - 75009 Paris.

Vernissage :
Samedi 16 décembre, 17h-20h en présence de l'artiste et ensuite exposition du 16 dec. à la mi-Janv. 2018

Biographie de l'artiste :
Stan le Punk, est un artiste-codeur formé à la fin des années 90 à l'Ensad - École Supérieure des Arts Décoratifs de Paris - après une longue période en tant que graphiste, il part avec sa compagne, en 2007, pour un an pour un tour du monde du café. À son retour, il était de moins en moins question pour lui d'être graphiste, il est devenu petit à petit artiste et plus spécifiquement artiste-codeur. Aujourd'hui sa femme est devenue torréfactrice - Café 366 - et lui artiste génératif. La première exposition aura lieu en février 2017 à l'atelier Champsecret - Paris.

Vernissage de Stanislas Marçais alias "Stan le punk"








[18:00-21:00] Finissage de Bargeon "L'ombre des couleurs"
Location:
Vivienne Art Galerie
30, galerie Vivienne
75002 Paris
M° Bourse, Pyramides
France
Phone : +33 (0)9 50 84 09 54
Mobile : +33 (0)6 74 54 73 13
Mail : info@vivienneartgalerie.com
Internet Site : www.vivienneartgalerie.com
Description:
Exposition personnelle de Bargeon
du 04 au 17 décembre 2017

- Vernissage le mardi 05 décembre 2017, à partir de 18h
- Finissage le samedi 16 décembre 2017, à partir de 18h

Vernissage de Bargeon "L'ombre des couleurs"

[18:00-21:00] Finissage de Joël Hubaut
Location:
Ut Pictura Poesis
Studio des Poésies Expérimentales
45, rue de la Folie-Méricourt
75011 Paris
M° Oberkampf, Parmentier
France
Mail : poesieisnotdead@gmail.com
Description:
Le collectif Poésie is not dead vous invite au finissage de l'exposition de Joël Hubaut à Ut Pictura Poesis (Studio des Poésies expérimentales) au 45 rue de la Folie Méricourt 75011 Paris (Métro Oberkampf)

Finissage et Performance avec Joël Hubaut et les musiciens bricoleurs de sons Gauthier Keyaerts et Michel Bertier le 16 décembre de 18h à 21h - jauge limitée, merci de réserver à poesieisnotdead@gmail.com




Le collectif Poésie is not dead est fier d'annoncer que Joël Hubaut inaugurera « Ut Pictura Poesis », lieu alternatif dédié à la création et à la diffusion des poésies expérimentales. Situé à Paris dans le XIe arrondissement - au 45 rue de la Folie Méricourt - le lieu accueillera une exposition de ses œuvres du 11 novembre au 16 décembre.

Vernissage de Joël Hubaut

Joël Hubaut est né en 1947 à Amiens. Il vit à Paris. Joël Hubaut se présente comme grossiste en art, mixeur-remixeur=(installations, vidéos, dessins, peintures, performances, concerts, écriture, lecture...). Dès 1970, Joël Hubaut oriente son activité vers un mixage hybride et monstrueux qu'il qualifie avec humour de « Pest-Modern ».

Depuis 40 ans, qu'il s'attaque à la figure du lapin, des drapeaux, des saucisses, du camembert ou bien encore des couleurs, le travail de Joël Hubaut se matérialise au travers d'une écriture "épidémik" (flèches, croix, cercles, triangles, carré etc....) qu'il agglomère à des dessins, des photographies, des objets, des textes ou des actions.

L'écriture épidémik" se répand sur tous les supports : objets-corps humains-véhicules-sites- etc... développant un processus contaminant "rhizomique" intermédia. Plaçant l'épidémie et la contamination (acte prémonitoire) au centre d'une réflexion sur l'art et la société, son recours à la parodie et à la dérision peut alors prendre une dimension véritablement tragique. Joël Hubaut dérange souvent, c'est un constructeur de situations paradoxales et d'évènements hilarants, dionysiaques et jouissifs pas toujours compatible dans les contextes convenus. C'est un artiste de la démesure et du débordement.

Il a déjà réalisé de nombreuses installations et performances dans le monde et participé à beaucoup de festivals internationaux de poésie sonore, de performance, de musique expérimentale et d'évènements d'art contemporain. Il a aussi créé un espace alternatif « Nouveau Mixage à Caen de 1978 à 1985 (date de fermeture tirée au dé à l'inauguration d'ouverture en 1978 ), un groupe de non-rock « the New Mixage », crée et animé les soirées « Hiatus » au Frac de Basse-Normandie (sorte de cabaret/ café littéraire ) publiévdes livres aux Edition de la C.R.E.M. et enseigné de 1978 à 2011 à l'école des Beaux-arts de Caen.

Vernissage de Joël Hubaut

« Quand on a de la vie et de sa dynamique vitale une vision sans pitié et sans illusion, mais une vision qui veut en même temps conserver la générosité de l'amour pour les autres, on débouche très vite sur une situation sulfureuse. Il y a comme une sorte d'atmosphère de scandale liée à l'activité de Joël Hubaut. Je pense qu'il a été prophétique ou, en tout cas, qu'il a été un élément préfigurateur du chaos post- moderne dans lequel nous vivons. »

Pierre Restany in monographie de Joël Hubaut 1970/2005 : "Re-Mix épidémik- Esthétique de la dispersion", Edition des Presses du Réel.

Visites sur RDV : poesieisnotdead@gmail.com
Vernissage et Performance le 11 novembre de 18h à 21h / Finissage et Performance le 16 décembre de 18h à 21h - jauge limitée, merci de réserver.

[18:00-21:00] Vernissage d'Edgar Sarin "Dans son cou la main d'une mère"
Location:
Galerie Michel Rein
42, rue de Turenne
75003 Paris
M° Chemin Vert, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 42 72 68 13
Fax : +33 (0)1 42 72 81 94
Mail : galerie@michelrein.com
Internet Site : www.michelrein.com
Description:
Du 16 décembre 2017 au 3 février 2018

Lauréat du prix révélations EMERIGE 2016, dont Michel Rein était partenaire, Edgar Sarin est un plasticien, littérateur et compositeur français né à Marseille en 1989.
Il se fait remarquer dès ses débuts grâce à ses Concessions à Perpétuité, œuvres que le collectionneur n'est autorisé à ouvrir qu'à la mort de son créateur.

Le travail d'Edgar Sarin s'étire toujours dans le temps. À l'avance, l'artiste écrit les règles du jeu propres à chaque projet ou à chaque exposition.
En prenant le lieu d'exposition comme espace d'expérimentation collective, les protocoles d'Edgar Sarin visent toujours à structurer la matière première des accidents et des réflexes vers une forme d'harmonie.

Edgar Sarin a présenté au premier semestre 2017, deux expositions personnelles au Collège des Bernardins (cur. Gaël Charbau) et à la Konrad Fischer Galerie (Düsseldorf / Berlin).

Il présente une exposition personnelle au Centre de Création Contemporaine Olivier Debré (CCC OD) à Tours du 11 novembre 2017 au 4 février 2018.
L'exposition présentée à la galerie Michel Rein, Paris s'inscrit dans la suite logique de ses expositions précédentes.

Vernissage d'Edgar Sarin "Dans son cou la main d'une mère"

[18:00-21:00] Vernissage d'exposition collective
Location:
International Art Gallery
A.P.A.I. Association pour la Promotion des Artistes Indépendants
78, avenue de Suffren
Village Suisse
Cour Anglaise Galerie 19
75015 Paris
M° La Motte-Piquet - Grenelle
France
Phone : +33 (0)1 42 19 96 42
Mobile : +33 (0)6 62 48 50 98
Mail : contact@internationalartgallery.fr
Internet Site : www.businessart.org
Description:
Vernissage d'exposition collective

[18:00-21:00] Vernissage de Ruiz Stephinson "Rain of Personal Ecstasy"
Location:
Mannerheim Gallery
6, rue Notre Dame de Nazareth
75003 Paris
M° Temple, République
France
Mobile : +33 (0)7 70 46 19 13
Mail : info@mannerheimgallery.com
Internet Site : www.mannerheimgallery.com
Description:
Du 16 décembre 2017 au 13 janvier 2018

Mannerheim gallery est heureuse de présenter la nouvelle exposition de Ruiz Stephinson, Rain of Personal Ecstasy.

Investissant l'espace de manière inédite et créant une circulation entre le sol et le plafond, les artistes développent un vocabulaire structurel et matériel qui déjoue les hiérarchies entre les médiums. Les œuvres présentes dans l'exposition sont connectées formellement aussi bien aux dessins d'une grotte rupestre qu'à des œuvres emblématiques empruntées à l'art moderne et contemporain et avec lesquels ils entretiennent un dialogue vivant. Rain of Personal Ecstasy désigne ces énergies vitales qui traversent les formes, par mouvements cycliques, infinis et fertiles.

« Vous voyez, malheureusement, je suis un explorateur. Les jeunes d'aujourd'hui vivent une période de crise mais aussi d'évolution ..., lança l'un d'un regard oblique.
- Ce n'est pas l'enveloppe extérieure qui est réelle, mais l'essence des choses, rétorqua l'autre. Par conséquent, il est impossible pour quiconque de produire quelque chose de réel en imitant simplement la forme extérieure d'un objet. »
Le sourcil froncé, grimaçant :
« J'ai essayé de casser la matière avec de la couleur, parce que ce qui m'ennuie, c'est d'être esclave de la matière.
- L'artiste devrait savoir déterrer et faire émerger l'être qui est dans le matériau et être l'outil qui fait ressortir son essence cosmique en essence visible, s'exclama l'autre.
- Je déteste les gens qui mystifient la technique, murmura l'un, en se détournant. La matière doit continuer sa vie naturelle après avoir été modelée par la main.
- Voulez-vous de l'eau ? proposa l'autre.
- Oui, mais seulement pour satisfaire le goût des collectionneurs. C'est une sorte d'extase de choses fragiles et de demi-tons. Je suis à la recherche d'autre chose. J'ai pris un gros morceau de plâtre, je lui ai donné la forme grossière d'un homme assis, puis j'ai jeté du goudron dessus. Juste comme ça, une réaction violente, répondit l'un.
- ... Je crois à une confrontation sans pitié entre la main et les matériaux, marmonna l'autre, à personne en particulier. »


Ruiz Stephinson est un duo d'artistes pluridisciplinaires composé de Coralie Ruiz (FR) et d'Anthony Stephinson (UK). Ensemble, ils explorent les relations entre les espaces et utilisent des bribes d'éléments principalement issus du champ de l'art qu'ils connectent et à partir desquels ils développent des formes en constante évolution, dans un courant sans fin. En parallèle à leur travail, ils ont créé Goswell Road, artist-run-space et maison d'édition fondés en 2016, dans leur atelier du 10e arrondissement de Paris.

Vernissage de Ruiz Stephinson "Rain of Personal Ecstasy"

Vernissage de Ruiz Stephinson "Rain of Personal Ecstasy"
Rain of Personal Ecstasy (detail), neon, aluminium, PVC coated steel cables, 2017

[18:00-22:00] Vernissage de l'exposition "How do you do ?"
Location:
The Community
65, rue du Château d'Eau
75010 Paris
M° Strasbourg - Saint-Denis, Jacques Bonsergent
France
Mail : info@thecommunity.io
Internet Site : www.thecommunity.io
Description:
The Community would kindly like to invite you to the opening of our new group exhibition "How do you do?".

Saturday, December 16th, 2017
18h00 - 22h00

David Bernstein's performance "Nappazoid" will take place at the opening at 20h00.

A group show with:
David Bernstein [www.yesyesdavid.com]
Paul Gagner [www.paulgagner.com]
Hermanni Saarinen [www.hermannisaarinen.com]

16.12.2017 - 14.1.2018
Wednesday - Saturday 12h00 - 20h00
Sunday 12h00 - 19h00

Vernissage de l'exposition "How do you do ?"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Ça Peinturlure"
Location:
Loft du 34
34, rue du Dragon
75006 Paris
M° Saint-Sulpice, Sèvres - Babylone
France
Mail : loftdu34@gmail.com
Description:
Ça Peinturlure, Group Show de 12 artistes au Loft du 34

Vernissage samedi 16 décembre à partir de 18h, entrée libre
Exposition du 16 décembre 2017 au 14 janvier 2018

Le LOFT DU 34 présentera sur ses murs les toiles des artistes
Brok - Dacruz - DXTR - Grisone - Maite Sant
Marko93 - Mondé - Reso - Shane - Sliks - Stom500 - Xare

Des éditions limitées à découvrir durant l'exposition
Astro - Marko93 - Reso - Shane - Stom500


Ça peinturlure

A l'image de votre sapin de Noël, le Loft du 34 se pare de ses plus beaux atours à l'occasion des fêtes. Et, en guise d'ornements scintillants, accroche les oeuvres des artistes les plus brillants de son catalogue.

En vitrine : Xare, Dacruz, Maite Sant, Marko93, Réso, Mondé, Brok... Mais aussi Stom 500, Shane et l'allemand DXTR, trio de choc qui a su conquérir le public de la galerie lors de la dernière exposition : « VITAMINE ». Sans oublier le Brésilien Sliks et le Colombien Gris One, dont les visites en France sont aussi rares que fulgurantes.

Si ça ce n'est pas un casting de luxe !

Vernissage de l'exposition "Ça Peinturlure"

12:00
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