Wednesday, December 20, 2017
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20
December 2017
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  Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Location:
Galerie Karsten Greve
5, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 37
Fax : +33 (0)1 42 77 05 58
Mail : galerieparis@karstengreve.fr
Internet Site : www.galerie-karsten-greve.com
Description:
14 octobre - 23 décembre 2017

Être un naufragé, c'est être un point au milieu d'un cercle, perpétuellement. [...] Quand vous élevez le regard, vous vous demandez parfois [...] s'il n'y aurait pas quelqu'un d'exactement comme vous qui élève lui aussi le regard, lui aussi coincé dans cette géométrie, lui aussi en train de lutter contre la peur, la rage, la folie, la désespérance et l'apathie.
L'histoire de Pi, Yann Martel

La Galerie Karsten Greve a le plaisir de présenter Perpetually at the Centre, nouvelle exposition de Claire Morgan. Plasticienne d'origine irlandaise, elle est parmi les plus recherchés et talentueux artistes de la scène internationale. Cette exposition dévoile au public les œuvres récentes de l'artiste, spécialement réalisées pour cet espace. Nourrie de préoccupations écologiques et étiques, l'exposition est constituée de quatre nouvelles installations monumentales, où domine la dynamique des corps d'animaux taxidermisés qui semblent être contenus dans des environnements étrangers, mais aussi par de récentes sculptures sous-verre où l'écriture s'ajoute au dramatisme des compositions. Un corpus de délicats dessins permet de découvrir le minutieux travail de conception de l'artiste, en contraste avec le geste ardent et instinctif de la surprenante série de toiles grand format.

Le travail de Claire Morgan explore l'ambivalence de l'être humain dans son rapport avec la nature qui l'entoure. La réflexion autour de la présence de l'homme dans le monde, qui a comme conséquence la progressive destruction de l'environnement naturel, est objectivée par l'artiste dans ses installations, où les animaux taxidermisés semblent s'adapter à un monde de gaspillage consumériste qui tente de les engloutir. Dans la suspension temporelle qui caractérise ces sculptures aériennes, où les corps sont figés dans un mouvement perpétuel, le conflit se joue entre la vie et la mort, entre l'organique et l'artificiel.

Le projet de cette exposition est né de la contemplation du pouvoir de la nature, ainsi que de l'exploration du soi, de l'égo et de la condition mortelle de l'être humain. L'immensité de la mer, des forêts et de la nuit qui se manifestent comme un abîme, ont été l'objet d'une méditation profonde jusqu'à en devenir métaphore de l'existence entière, révélant à l'homme sa vulnérabilité. Cette réflexion n'est pas sans considérer la crise humanitaire en cours en Méditerranée, où la mer peut basculer d'espoir de vie à tombeau pour des milliers de migrants, ou la récente tragédie de la Grenfell Tower où les habitants ont vu leurs appartements se transformer en vision cauchemardesque. Les extrêmes changements climatiques, signaux d'alarme de futures crises humanitaires, font aussi partie des préoccupations qui inspirent l'artiste.

Les animaux naturalisés sont aussi symbole des batailles intimes de l'artiste, ils sont témoins de la prise de conscience de ses propres passions. Le besoin de chacun d'exister est pour Claire Morgan fortement lié à la passion et à la violence, à travers lesquelles s'expriment les nécessités humaines. La lutte fait partie du paysage intérieur de l'homme : qu'elle soit physique ou psychologique, elle engendre des cas de conscience. Ces questionnements guident aussi l'organisation de l'exposition, qui se déroule en suivant des couples d'idées spécifiques: le soi et la violence, le passage du temps et la transcendance, la peur du noir et de se noyer, le feu et la mort.

Le principe même de la taxidermie, que Claire Morgan exécute de sa propre main, repose sur une contradiction, ayant pour objectif de donner une apparence vivante à ce qui est mort. Cette ambivalence est propre à toute son œuvre : dans les dessins comme dans les peintures, des résidus du processus de taxidermie sont utilisés comme matériaux graphiques. Des éléments comme les os ou le sang, ainsi que des corps entiers d'animaux, sont intégrés dans les œuvres et leur donnent alors un caractère symbolique et rituel.

Dans le travail de l'artiste la nature est stupéfiante, parfaite dans son immobilité. L'ambiguë présence vitale de ces animaux taxidermisés contraste avec les fragiles formes géométriques créées par cette « vertueuse assemblagiste » à l'aide de fils de nylon auxquels sont suspendus graines de pissenlit ou fragments de plastique. Le monde de Claire Morgan est un univers où la nature, menacée par la présence envahissante et cynique de l'être humain, résiste dans toute sa beauté. Elle s'incarne dans la perfection d'un scénario géométrique et minimaliste, mais aussi dans la fragilité de structures si légères qu'elles pourraient disparaître par le simple souffle du vent.


Claire Morgan est née en 1980 à Belfast (Irlande) et habite et travaille à Gateshead, Newcastle upon Tyne (Angleterre). Très vite, ses œuvres sont exposées à travers toute l'Europe et son travail a fait l'objet de nombreuses commissions publiques et privées. En 2010, après avoir exposé au Palais de Tokyo, Claire Morgan a inauguré sa première exposition personnelle française à la Galerie Karsten Greve. À cette occasion elle a présenté pour la première fois ses « dessins au sang », œuvres sur papier témoignant du processus de taxidermie. Depuis, son travail a été présenté aussi bien en Europe qu'aux Etats Unis, où elle a participé à des nombreuses expositions collectives. Les installations et les dessins de l'artiste ont intégré des prestigieuses collections internationales publiques et privées, parmi lesquelles figurent le Museum of Old and New Art (MONA) en Australie, la Fondation ALTANA en Allemagne et la Collection Guerlain en France. En 2017 le FRIST Center for Visual Arts à Nashville a organisé sa première exposition personnelle aux États-Unis. La fondation Francès à Senlis, en collaboration avec la Galerie Karsten Greve, dédie à Claire Morgan une exposition personnelle visible jusqu'au 23 décembre 2017.

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Claire Morgan, Tine To Die, 2017, waxwing (taxidermy), dandelion seeds, nylon, in vitrine, 88 x 51,6 x 51,6 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
To an End, 2017, Pencil and watercolour on paper, 41 x 31 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Lo (detail), 2017, Tawny owl (taxidermy), polythène, nylon, in vitrine, 98,5 x 71,6 x 71,5 cm

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"
Pedestal
2011
Aigrettes de pissenlit, aigrette (taxidermie), nylon, plomb, acrylique
270 x 60 x 60 cm
CM/S 11

Vernissage de Claire Morgan "Perpetually at the Centre"

08:00  
09:00  
10:00  
11:00 [11:00-13:00] Projection presse du film "Veronica" de Paco Plaza
Location:
Cinéma Elysées Lincoln
Circuit Multiciné - Indépendant - Art & Essai
14, rue Lincoln
75008 Paris
M° George V, Franklin D. Roosevelt
France
Phone : +33 (0)1 42 25 45 80
Mail : salledepresse@lelincoln.com
Internet Site : www.lelincoln.com
Description:
RSVP youssef.lemhouer@cartel-com.com

Projection presse du film "Veronica" de Paco Plaza

[11:00-20:00] Un Cartier de Paris
Description:
Atrium Saint-Germain
76 Rue des Saints-Pères
75007 Paris

Pour les fêtes, du 16 au 24 décembre, Cartier vous convie dans un lieu éphémère, rue des Saints-Pères au cœur de Saint Germain des Prés.

On y retrouve les lignes incontournables de la Maison, Trinity, Love, Juste Un Clou, Tank ou Panthère.

On s'y donne rendez-vous à la pâtisserie de Cyril Lignac.

On y tente sa chance au calendrier et à la Roue de l'avent pour tirer au sort un écrin.

On prend l'ascenseur d'un grand hôtel, machine à remonter le temps sous forme de discussions et d'anecdotes avec le liftier.

On fait un stop au photo call : portrait ludique au milieu de celui des icônes-amies de la Maison. Le tirage est offert.

On va au cinéma voir le film du réalisateur Loïc Prigent sur les clients mythiques de la Maison, icônes de Saint-Germain-des-Prés.

De jour et de nuit... tout l'esprit de la fête Cartier.

Vous êtes les bienvenus.

Un Cartier de Paris

Un Cartier de Paris




[14:30] Vernissage "Hibakusha. Dessins des survivants d'Hiroshima et de Nagasaki"
Location:
Pierrefitte-sur-Seine
Pierrefitte-sur-Seine
93380 Pierrefitte-sur-Seine
M° RER D Pierrefitte - Stains, Saint-Denis - Université, Tramway T5
France
Internet Site : www.mairie-pierrefitte93.fr
Description:
Archives Nationales
Site de Pierrefitte-sur-Seine

Hibakusha. Dessins des survivants d'Hiroshima et de Nagasaki

Du 8 décembre 2017 au 31 mars 2018

Les Archives nationales et le Centre Joë Bousquet et son temps ont organisé conjointement cette exposition qui s'est tenue au cours de l'été 2017 à Carcassonne et ouvre au public à Pierrefitte-sur-Seine à partir du 8 décembre 2017.

L'exposition présente au public plus de 150 reproductions de dessins réalisés par des hibakusha, terme qui désigne au Japon les survivants des bombardements nucléaires d'Hiroshima et de Nagasaki.
De rares photographies montrèrent l'ampleur des destructions en marquant de façon indélébile la conscience historique mondiale. Mais elles avaient leurs limites : toute présence humaine, de blessés ou de morts, avait été évacuée de la prise de vue, focalisée sur les champs de ruines.
Il a fallu le temps d'une génération pour libérer les souvenirs et la parole.
En savoir plus

Vernissage pédagogique
Mercredi 20 décembre à 14h30
Ouvert aux enseignants de tous les niveaux et de toutes les disciplines.
Inscription obligatoire auprès du service éducatif






[16:30-21:00] Inauguration de la fresque "L'attrape-Cœurs" + Vernissage de Kristof Kiger
Location:
La Ville a des Arts
15, rue Hégésippe Moreau
75018 Paris
M° La Fourche
France
Mail : la.ville.a.des.arts@gmail.com
Internet Site : www.lavilladesarts.org
Description:
Double événement de ces fêtes de fin d'année :

Inauguration d'une œuvre de Street-art monumentale,
L'attrape-Cœurs
le mercredi 20 décembre à 16H30
au 11 rue pierre Ginier,
en présence du Maire du 18e arrondissement et des artistes, ZAG & SIA, des élus, de la direction des Affaires Culturelles de Paris, du Conseil de Quartier Grandes Carrières - Clichy et de toutes les personnes à l'initiative de ce projet

Cette œuvre gigantesque a vu le jour grâce à la Direction des Affaires Culturelles de Paris, le Conseil de Quartier Grandes Carrières - Clichy, la mairie du 18e et la Villa des Arts dans le cadre du budget participatif.

Inauguration de la fresque "L'attrape-Cœurs"

Vernissage de Kristof Kiger "La Genèse de ZAG & SÌA"
Une série de photographies de Kristof Kiger sera exposée du 18 au 31 décembre 2017 à la Galerie sous le titre « Genèse de ZAG & SÌA ».

Inauguration de la fresque "L'attrape-Cœurs"







[17:00-19:00] Joyeuses Fêtes de la Galerie Chantal Crousel
Location:
Galerie Chantal Crousel
10, rue Charlot
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 38 87
Fax : +33 (0)1 42 77 59 00
Mail : galerie@crousel.com
Internet Site : www.crousel.com
Description:
À cette occasion, la galerie vous invite à partager un vin chaud mercredi 20 décembre 2017 de 17h à 19h.








[18:00-21:00] Finissage : 11 saisons d'art contemporain à la galerie du Haut-Pavé 2007/2017
Location:
Galerie du Haut-Pavé
3, quai de Montebello
75005 Paris
M° Maubert - Mutualité, Saint-Michel
France
Phone : +33 (0)1 43 54 58 79
Mail : contact@haut-pave.org
Internet Site : www.haut-pave.org
Description:
EXPOSITION événement
Sortie du catalogue 2007/2017 : 11 saisons
Petits formats des 67 artistes

EXPOSITION DU 7 AU 20 DÉCEMBRE 2017
VERNISSAGE JEUDI 7 DÉCEMBRE 2017 DE 18H A 21H

Alexia Antuofermo / Claire Barbier / Élise Beaucousin / Laurent Belloni / Maya Benkelaya / Mélanie Berger / Élise Berimont / Lucie Bitunjac / Valérie Blin-Ravenet / Jean Bonichon / Élodie Boutry / Jean Philippe Brunaud / Marjorie Brunet / Olivier Cans / Benoît Carpentier / Claude Cattelain / Marine Class / Estelle Contamin / Flavie Cournil / Olivier de Coux / Nathalie Da Silva / Sébastien Dartout / Margaret Dearing / Marine Duboscq / Anne Gaiss / Benoit Gehanne / Clarence Guéna / Lotte Günther / Sophie Hasslauer / Anne Houel / Matthieu Jacquemin / Marion Jannot / Charlotte Jankowski / Cathy Jardon / Hélène La Forge / Julien Laforge / Cédric Landivaux / Oscar Malessène / Colombe Marcasiano / Elissa Marchal / Mickaël Marchand / Maud Maris / Cécile Meynier / Hélène Milakis / Richard Negre / Laurence Nicola / David Ortsman / Laurence Papouin / Matthieu Pilaud / Sébastien Pons / Étienne Pottier / Delphine Pouillé / Boris Raux / Lydie Regnier / Anne Marie Rognon / Xavier Rognoy / Mathilde Roussel / Sivan L. Rubinstein / Lucas Ruiz / Emmanuelle Samson / Clément Santos / Julie Savoye / Julia Scalbert / Régis Sénèque / Wilson Trouvé / Sophie Truant / Cécile Wautelet

[18:00-21:00] Vernissage : Nicolas Delay, Boris Foscolo, Sémine Yang
Location:
Galerie Beautiful Sea
Galerie BS
2, rue Thorel
75002 Paris
M° Bonne Nouvelle, Strasbourg - Saint-Denis
France
Mobile : +33 (0)6 15 11 69 97
Mail : wdecaux@beautiful-sea.com
Internet Site : www.galeriebs.com
Description:
VERNISSAGE : mercredi 20 décembre, 18h-21h30
OPENING RECEPTION : Wednesday, 20 December, 18h-21h30

14 au 22 décembre (le jeudi et vendredi de 14h à 19h ou sur rendez-vous)
26 au 30 Décembre (uniquement sur rendez-vous)

Vernissage : Nicolas Delay, Boris Foscolo, Sémine Yang
© Sémine Yang - Fleur sauvage - Photographie

Vernissage : Nicolas Delay, Boris Foscolo, Sémine Yang
© Nicolas Delay - 2017

Vernissage : Nicolas Delay, Boris Foscolo, Sémine Yang
© Boris Foscolo - 2017
"Pearl", 2017, huile sur toile et fusain / Oil on canvas and charcoal

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Etoiles & Stars"
Location:
Le cabinet d'amateur
12, rue de la Forge Royale
75011 Paris
M° Faidherbe - Chaligny, Ledru-Rollin, Charonne
France
Phone : +33 (0)1 43 48 14 06
Mail : contact@lecabinetdamateur.com
Internet Site : www.lecabinetdamateur.com
Description:
Vernissage le mercredi 20 décembre 2017 à partir de 18 heures
Exposition du 20 décembre 2017 au 14 janvier 2018

Pour terminer l'année 2017, vingt-cinq artistes stars sont réunis sous un ciel étoilé. Le cabinet d'amateur vous invite à une exposition évolutive, des petits formats, des événements, des trésors à découvrir chaque jour...

Avec la participation de : Agrume, Alo, Ardif, Arnaud Boisramé, Fred Calmets, Codex Urbanus, Nadège Dauvergne, Epi2mik, Joanna Flatau, Catherine Garrigue, Patrick Jannin, Kamlaurene, Levalet, Matt_tieu, Mimi The Clown, Mosko, Ricardo Mosner, Murmure, Nosbé, Simon Pradinas, Retro, Jordane Saget, Jean-Marc Scanreigh, Tetar Max, Zariel...

Horaires :
Jeudi 21, vendredi 22, samedi 23 décembre de 14 à 19 h
Fermé du dimanche 24 au mercredi 27 décembre 2017 inclus

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Le Noël des Alternatifs"
Location:
59Rivoli
L'Aftersquat - Collectif d'artistes « Chez Robert, électrons libres »
59, rue de Rivoli
75001 Paris
M° Châtelet
France
Mail : rivoli59@gmail.com
Internet Site : www.59rivoli.org
Description:
L'association Alternatives organise dans la galerie du 59 Rivoli une exposition collective.
Des artistes peintres, sculpteurs et photographes

VERNISSAGE LE 20 DÉCEMBRE À partir de 18h

Un concert de Pépin et ses Pomettes à 21h (Ukuleliste déjantée)
https://www.facebook.com/PepindeUkulele/

Ambiance marché de noël assuré !!
Tatouage en direct

Artistes exposants :

Alex le Pirate

Anbecastyle : https://www.facebook.com/Anbeca-Style-908195422639923/

Antoine Rigal : http://antoine-rigal.com/

Betty Meissonnier : http://www.c4xrien.fr/Blog/

Chester : https://www.facebook.com/chest.blood

Gina Sister Leather : https://www.facebook.com/profile.php?id=610811533

Joko : https://www.facebook.com/jokojamablunt.latour

Krix'in : https://www.facebook.com/Krixin-252256284877833/

Lamenace : https://www.facebook.com/Jean-Yves-Lamenace-Photography-1724182794558188/

Les clefs du feu : https://www.facebook.com/clefsdufeu/

Mme Gruiikk : https://www.facebook.com/Mme-Gruiikkk-42869413026/

Miss Fuck : https://www.facebook.com/lamissfk/

Q-Tanné : https://www.facebook.com/1qtanne/

Samy Boussard : http://leblogdu5.blogspot.fr/?m=1

Scylla Joffrain : https://www.facebook.com/scylla.joffrain

Séverine Lepéculier : http://severinelepeculier.over-blog.com/

Silence : https://www.facebook.com/silence.the.art.of/

Taga : https://www.facebook.com/TagaFan/

Vernissage de l'exposition "Le Noël des Alternatifs"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Un Seul Grain de Riz"
Location:
Galerie Métanoïa
56, rue Quincampoix
75004 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 42 65 23 83
Mail : marc.higonnet@gmail.com
Internet Site : www.galerie-metanoia.com
Description:
Vernissage de l'exposition collective "Un Seul Grain de Riz"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "format de poche"
Location:
Abstract Project
Espace des Arts Abstraits
5, rue des Immeubles Industriels
75011 Paris
M° Nation
France
Mobile : +33 (0)6 82 89 14 16
Mail : contact@abstract-project.com
Internet Site : www.abstract-project.com
Description:
#56 - format de poche

Vernissage mercredi 20 décembre de 18h à 21h

Exposition du 21 décembre 2017 au 6 janvier 2018
ouvert du mercredi au samedi de 14h à 19h

David Apikian
Gilles Armand
Joanick Becourt
Roger Bensasson
Joël Besse
Christine Boiry
Guillaume Brinas
Frédérique Bussillet
Susan Cantrick
Pola Carmen
Marilyn Chapin Massey
Jeanne Charton
Isabelle De Gouyon Matignon
Delnau
Olivier Di Pizio
Gaëtan Di Pizio
Philippe Henri Doucet
Michel-Jean Dupierris
Hélène Durdilly
Marion Harduin
Sylvie Jorajuria
Danielle Lescot
Sylvie Mary
Mitsouko Mori
Ana Pérez Ventura
Alexandra Renne
Philippe Rips
Claudine Sallenave
Madeleine Sins
Bogumila Strojna
Richard Van der Aa
Jacques Weyer

Depuis le 5 décembre 2014, jour du premier vernissage à la galerie Abstract Project, nous avons eu pour projet de promouvoir des artistes, de créer des rencontres et des échanges fraternels entre les artistes, mais aussi des rencontres avec les collectionneurs et le public d'amateurs.

L'exposition « Format de poche » que propose la galerie Abstract Project pour cette fin d'année n'est pas dédiée à la littérature et sa diffusion, ni à la bande dessinée et à son histoire, mais à la réunion d'artistes plasticiens autour de l'exposition d'œuvres de petits formats n'excédant pas la dimension de 30 cm x 30 cm. Les artistes à qui nous avons proposé cette rencontre ont tous déjà exposé à la galerie ou y exposeront bientôt.

Les expositions collectives de cette ampleur, avec un accrochage plus dense qu'à l'accoutumée, participent pleinement à cette dynamique. Outre la proposition purement artistique, elles favorisent évidemment les rencontres et les collaborations futures. Pour l'amateur éclairé ou le collectionneur, c'est aussi comme cela que commence ou se constitue une collection, en acquérant des œuvres à des prix très abordables et en faisant la rencontre d'un travail et d'une ou d'un artiste.









[19:00] Fête nationale du Kazakhstan
Location:
Pavillon Royal
Route de Suresnes
croisement avec la route de la Muette à Neuilly
Bois de Boulogne
75016 Paris
M° Porte Dauphine
France
Phone : +33 (0)1 58 01 11 11
Mail : info@pavillon-royal.paris
Internet Site : www.pavillon-royal.paris
Description:
Fête nationale du Kazakhstan

[19:00-22:00] Inauguration du restaurant Big Fernand Bastille
Description:
36 rue de la Roquette, Paris 11ème

Big Fernand ouvre à Paris Bastille !

S'ils n'ont pas de pain (ni de brioche), qu'ils mangent des Hamburgés !

Big Fernand fait sa révolution en installant son 40e atelier à quelques pas seulement de la Place de La Bastille.

Un lieu haut en couleurs avec une superbe façade de 11 mètres de long, qu'on ne pourra pas manquer en passant dans le quartier.

Big Fernand a vu grand et accueillera ses clients sur deux étages avec 55 places assises à l'intérieur et une belle terrasse de 30 places en extérieur.

Ceux qui voudront déguster leur Hamburgé au calme du tumulte de la rue de la Roquette pourront se réfugier à l'étage dans une ambiance cosy comme à la maison !

Rendez-vous à partir du 21 décembre 2017, au 36 rue de la Roquette, Paris 11ème.

L'Atelier sera ouvert de 12h à 23h en continu les lundi, mardi, mercredi et dimanche et de 12h à 23h30 du jeudi au samedi.

Inauguration du restaurant Big Fernand Bastille

Inauguration du restaurant Big Fernand Bastille

[19:00-21:00] Lancement de la monographie de Karina Bisch, "Karina Bisch. Elle peint."
Location:
Fondation d'entreprise Ricard
12, rue Boissy d'Anglas
75008 Paris
M° Concorde
France
Phone : +33 (0)1 53 30 88 00
Fax : +33 (0)1 40 06 90 78
Internet Site : www.fondation-entreprise-ricard.com
Description:
Avec : Karina Bisch, les graphistes Experimental Jetset (Marieke Stolk, Danny van den Dungen et Erwin Brinkers), Joana Neves et Nicolas Chardon de la maison d'édition Connoisseurs.

La discussion se tiendra principalement en anglais.

Le travail de Karina Bisch est connu pour ne sembler connaître aucune frontière formelle, l'artiste passant de la vidéo à la scène, de l'installation au tableau... Pourtant c'est bien la peinture, comme modèle historique et comme pratique, qui irrigue et unifie l'ensemble de son œuvre. C'est ce que montre et analyse l'ouvrage KARINA BISCH. ELLE PEINT., à travers un long entretien de l'artiste avec la critique Joana Neves et le véritable essai graphique d'Experimental Jetset qui transforme pratiquement un livre de peintures en livre peint.

Depuis une quinzaine d'années, Karina Bisch développe un travail, principalement de peinture, qui met en perspective l'héritage moderniste et ses usages, présents ou fantasmés, dans le monde des formes contemporaines. Chez elle, la peinture se défie des supports et de la spécificité, et bien souvent concourt à mixer les genres, les époques et les standards. Ainsi, tout participe, hors format et hors catégorie, de l'entreprise qui est la sienne de réactivation d'un certain esprit de l'Avant-Garde et de la relation entre les Beaux-Arts et les Arts Appliqués.

KARINA BISCH. ELLE PEINT. est la quatrième monographie consacrée au travail de Karina Bisch, après « KB » en 2003, « Karina Bisch » en 2005 et « Karina Bisch. Album » en 2008. Le nouvel ouvrage analyse plus exactement sa pratique de la peinture. Il montre comment l'artiste a développé une picturalité tout à fait originale, débordant largement le cadre du tableau pour conquérir l'espace de la performance, du théâtre, de l'objet usuel, du vêtement, bref, de la vie. Le livre de 152 pages comporte un grand nombre de reproductions d'œuvres et d'images d'expositions marquantes de l'artiste. Si le format, 16 x 18 cm, s'inspire de la fameuse collection SKIRA des années 50 « Le Goût de notre temps », le design de l'ouvrage propose une approche radicalement contemporaine, produit d'un échange complice et soutenu entre Karina Bisch et les graphistes d'Amsterdam. Comme le format, la reliure, couverture dure en tissu et carton, évoque les livres d'art modernes, ainsi que les reproductions photographiques en noir et blanc. Pourtant KARINA BISCH. ELLE PEINT. est un livre entièrement en couleur, comme si, en quittant l'illusion de la représentation, la couleur des reproductions avait envahi le livre lui-même, tout entier.

Comme l'écrit Marieke Stolk, de Experimental Jetset, dans nos échanges : « Pour la reproduction des photos, nous nous sommes inspirés de quelques vieux livres qui utilisent la photographie en noir et blanc en combinaison avec des champs de couleurs audacieux. Ces champs de couleurs en gras doivent être imprimés dans des couleurs PMS / Pantone "pure", solide (non raster) (en anglais, ces encres sont appelées "Spot colours"). Le système de champs colorés à travers le livre forme presque une langue, ou une phrase, ou un code, tout au long du livre. Ainsi, les couleurs du livre seront des couleurs concrètes - pas les « fausses » couleurs de la reproduction, mais les couleurs « réelles » des encres imprimées réelles. »

Un même goût et une même quête de la réalité guident les réponses de Karina Bisch à Joana Neves dans le long entretien qu'elles ont réalisé ces deux dernières années. Evoquant des formes du modernisme devenues appropriables, l'artiste énonce quelque chose qui sonne presque comme un programme, sinon un projet, que l'on peut voir à l'oeuvre dans l'ouvrage KARINA BISCH. ELLE PEINT. : « [à ces formes] Je dois leur donner un nouveau corps. Et je crois que c'est par ce travail d'incarnation dans le réel que ces formes peuvent se révéler à nouveau efficaces, opératoires. »

Edité par Connoisseurs
Graphisme : Experimental Jetset
Imprimeur: Tienkamp
Interview: Joana Neves
Text editing: Alessandra Bellavita, Nicolas Chardon
Traduction: David Malek
152 pages.
Format : 160 x 180 mm.
1000 copies
Collector : 30 collages originaux, signés, numérotés
ISBN: 978-2-490191-00-0
Karina Bisch, Adagp, 2017

Publication réalisée grâce au soutien de :
Centre national des arts plastiques (soutien à l'édition imprimée)
Fondation d'entreprise Ricard
Micro Onde, centre d'art de L'Onde, Vélizy-Villacoublay
Le Quadrilatère - Ville de Beauvais
Palette Terre, Paris

Lancement de la monographie de Karina Bisch, "Karina Bisch. Elle peint."

[19:00] Pop-up store marin "L'Attitude Manche"
Location:
Showroom Crèmerie de Paris
Hôtel de Villeroy
15, rue des Halles
9/11, rue des Déchargeurs
75001 Paris
M° Les Halles
France
Phone : +33 (0)1 42 33 01 64
Mail : info@cremeriedeparis.com
Internet Site : www.cremeriedeparis.com
Description:
Le département de la Manche organisera un workshop à l'attention des professionnels du tourisme le 20 décembre 2017 dans le cadre de son opération "Pop-up" store marin "L'Attitude Manche" qui se déroulera à Paris du 14 au 23 décembre 2017.

Pop-up store marin "L'Attitude Manche"

[19:00-21:00] Vernissage de l'exposition Schwartz "Spirou et Fantasio"
Location:
Galerie Daniel Maghen
Société Arts Graphiques
36, rue du Louvre
75001 Paris
M° Louvre - Rivoli, Châtelet - Les Halles
France
Phone : +33 (0)1 42 84 37 39
Mobile : +33 (0)6 07 30 31 66
Fax : +33 (0)1 42 22 77 86
Mail : info@danielmaghen.com
Internet Site : www.danielmaghen.com
Description:
Vernissage de l'exposition Schwartz "Spirou et Fantasio"

La Galerie Daniel Maghen est fière de présenter l'exposition « Spirou et Fantasio » dédiée à Olivier Schwartz du 21 décembre 2017 au 20 janvier 2018.

Depuis 8 ans, Olivier Schwartz et Yann offrent un nouveau souffle à Spirou, personnage phare du 9e Art. Mêlant humour mordant et impertinence, le duo a déjà signé trois albums à succès de la série Le Spirou de... éditée chez Dupuis : Le Groom vert-de-gris en 2009 (T.05), La Femme Léopard en 2014 (T.07) et Le Maître des hosties noires en 2017 (T.11).

Olivier Schwartz s'est approprié les héros de cette indémodable série qu'est Spirou et Fantasio en s'inspirant des auteurs franco-belges classiques tels que Jijé, Franquin ainsi que Morris. L'exposition-vente met à l'honneur une quarantaine de planches noir et blanc de ces trois albums. Elle révèle la virtuosité graphique de ce dessinateur capable d'élaborer les compositions les plus dynamiques et détaillées, alliant à la finesse de son trait un encrage fort. Des illustrations couleur spécialement réalisées pour l'événement raviront également les amateurs de la série. Enfin, l'exposition présente des planches et dessins publiés dans le Journal de Spirou en hommage à Gil Jourdan, Gaston Lagaffe, Johan et Pirlouit ainsi que des hommages à Morris et Uderzo.

Daniel Maghen, Olivier Schwartz et les Éditions Dupuis sont heureux de vous convier au vernissage de l'exposition le mercredi 20 décembre 2017 à partir de 19h.


Olivier Schwartz est né en 1963, à Nogent-sur-Marne. Dessinateur autodidacte, il débute sa carrière en 1983 dans le fanzine Plein la gueule pour pas un rond, puis réalise ses premières bandes dessinées jeunesse chez Milan. Parallèlement il ébauche, sur commande du magazine Astrapi, les enquêtes de l'inspecteur Bayard en 1988, principalement scénarisées par Jean-Louis Fonteneau, qu'il poursuit jusqu'en 2010. 18 albums sont édités. Repéré par Yann, le duo se lance dans la reprise des célèbres aventures de Spirou et Fantasio. Le Groom vert-de-gris publié en 2009 aux Éditions Dupuis est un tel succès que le tandem est appelé à signer deux albums supplémentaires : La Femme-Léopard (T.07) en 2014 et Le Maître des hosties noires (T.11) en 2017. Parralèlement, ils signent en 2012 le premier tome de Gringos Locos (éd. Dupuis) retraçant les aventures de Jijé, Franquin et Morris en Amérique. En 2016, Olivier Schwartz réalise une histoire courte pour le 60e tome de la série des Tuniques bleues (Les) (éd. Dupuis). Dernièrement, il a participé à l'album La Galerie des Gaffes (éd. Dupuis, 2017) spécialement publié à l'occasion des 60 ans de Gaston Lagaffe.

Vernissage de l'exposition Schwartz "Spirou et Fantasio"

Vernissage de l'exposition Schwartz "Spirou et Fantasio"

Vernissage de l'exposition Schwartz "Spirou et Fantasio"

[19:00-21:00] Visite de l'exposition de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
Location:
Galerie Almine Rech
64, rue de Turenne
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Chemin Vert
France
Phone : +33 (0)1 45 83 71 90
Fax : +33 (0)1 45 70 91 30
Mail : contact.paris@alminerech.com
Internet Site : www.alminerech.com
Description:
November 29 - December 21, 2017
Opening on November 29th, 2017 / 6 - 8 pm

Concurrently with his installation test pattern [13] during the Festival d'Automne in La Villette, Almine Rech Gallery is pleased to present π, e, ø, a solo exhibition by Ryoji Ikeda, organized with Olivier Renaud-Clement.

Au cours des vingt dernières années, Ryoji Ikeda a développé un corpus d'œuvres comprenant des installations audiovisuelles monumentales et des performances présentées aussi bien dans des musées, des salles de spectacles, que des lieux publics. Il a aussi produit des albums, sortes de livres d'artiste qui fonctionnent comme un enregistrement ou une mémoire analogique d'œuvres dématérialisées. Plus récemment, il a commencé à créer des œuvres de format plus réduit, usant de supports tels que le papier et le celluloïd.

Cette exposition tire son titre d'une des œuvres exposées, π, e, ø, et réfléchit aux notions d'infini et de permanence. Elle est organisée en deux « chapitres » : le premier, plus immersif, consiste essentiellement en de larges projections audiovisuelles ; le second présente des œuvres analogiques sur papier ainsi que d'autres réalisées à partir de pellicules de film 16mm.

Dans la grande salle, sont présentées data.tron (WUXGA version) et data.matrix (n°1-10), qui font toutes deux partie de la série phare datamatics initiée par Ikeda en 2006 ; leur contenu audiovisuel provient de l'incessant flux de données qui nous entoure, mais qui demeure invisible et silencieux jusqu'à leur décodage par l'un des appareils nous servant de récepteur (téléphones, portables, tablettes, ou encore ordinateurs). Les données en transit sont autant de signaux électriques qui se déplacent d'un bout à l'autre du monde à la vitesse de la lumière, avant de devenir elles-mêmes du contenu. Quelle que soit sa nature, l'information est donc en quelque sorte immatérielle la plupart du temps ; c'est toutefois une matière qui impacte profondément notre perception et notre compréhension du monde. Les installations audiovisuelles immersives de Ryoji Ikeda matérialisent cette profusion de données, ce qui permet de prendre conscience de la façon dont elles peuvent modifier notre perception du monde en temps réel. La carte et le territoire ne sont plus dissociables, lorsque les fils d'actualités, les médias sociaux et autres moyens de communication instantanée font chacun partie intégrante de la société d'information dans laquelle nous vivons aujourd'hui. Mêlant la réalité physique à la virtualité de l'architecture de l'information, Ikeda révèle comment ces deux niveaux de réalité créent ensemble une nouvelle condition parfois qualifiée de « réalité augmentée ».

Ryoji Ikeda joue souvent de forts contrastes perceptuels, en juxtaposant une salle obscure à une autre sur-illuminée dans le cadre d'une même exposition. Cette exposition est structurée de façon semblable, et consiste d'une part en un paysage de données immersif, et d'autre part en un espace accueillant des œuvres plus conventionnelles. Ces deux types de monstration relèvent toutefois de la même pensée sur les systèmes de représentation de données, ainsi que sur les problèmes liés à la présentation et l'interprétation de celles-ci.

Les différentes œuvres sur celluloïd exposées dans la salle « en pleine lumière » réfléchissent au changement perceptuel qui se produit lorsque le film n'est plus projeté. La réalité physique de ce matériau habituellement dissimulé se présente comme le pendant naturel des projections numériques installées dans la salle obscure : ce qui généralement n'est qu'un support de données devient ainsi un objet en soi, dotée d'une nouvelle signification. Cela rappelle les albums d'Ikeda, et la manière dont ils fixaient le temps, matérialisant des œuvres autrement éthérées.

Présentée dans un cadre, comme le serait un paysage classique, 4'33" consiste en des séquences de pellicule 16 mm correspondant à la même durée que l'œuvre éponyme de John Cage, datant de 1952. Dans son cas, Ikeda a choisi de matérialiser le silence, cette condition insaisissable bien qu'essentielle à la vie humaine. Le film, qui a été conçu en mouvement, est maintenant immobile, figé comme une relique qui donnerait corps à l'infini. C'est d'ailleurs aussi l'objet d'une autre œuvre sur celluloïd, π, e, ø, dont le titre fait référence aux nombres irrationnels qui représentent différentes dimensions de l'infini. Les œuvres sur papier, dont le format évoque le pixel, fonctionnent de manière comparable : leur surface lisse, blanche, grise ou noire, contient des informations presqu'invisibles, qui se trouvent être des fragments de ces mêmes nombres.

La forme des données dans l'œuvre immersive d'Ikeda peut au premier abord laisser le visiteur penser qu'il leur reste encore à être décodées pour devenir une forme de contenu. Mais le son et l'image transcendent largement le codage binaire inaperçu. Ce que l'artiste suggère donc est bien plutôt le fait que les 1 et les 0 peuvent être interprétés de multiples façons. Son travail aborde dès lors la notion de synesthésie et s'intéresse aux manières dont différentes interprétations de mêmes données peuvent résulter en un changement cognitif. Par exemple, que pourrait être le son d'une image, que pourrait être l'aspect visuel d'un son, si ces données étaient traitées sans tenir compte de leur nature ?

Les œuvres analogiques d'Ikeda révèlent peut-être l'aspect le plus captivant de sa recherche. En effet, alors qu'il est évident que tout contenu numérique requiert un lecteur pour être perçu, on pourrait être amené à croire que l'œil suffit à lire et interpréter la surface d'un objet analogique inerte, comme par exemple les gravures ou « dessins de celluloïd » de l'artiste. Dès lors, même si un appareil n'est pas forcément nécessaire pour déchiffrer ces œuvres, cela n'implique pas qu'il ne faille recourir à un autre système d'interprétation - la culture, au sens large du terme - pour en comprendre le contenu. D'une certaine manière, ces nouvelles œuvres interrogent l'obsolescence culturelle, ou la façon dont le passage du temps ou le changement de contexte culturel affecte notre entendement. En l'occurrence, envisager le celluloïd comme une simple surface plutôt qu'un support de données nécessitant l'intermédiaire d'un projecteur mène à une compréhension toute autre de cet objet et de sa signification.

Ryoji Ikeda travaille en séries, nombre desquelles sont en cours depuis plusieurs années. Cette méthode ancre sa recherche dans la riche histoire des expérimentations menées dans les deux champs du son et de l'image au siècle dernier, le sérialisme comme procédé incarnant quant à lui parfaitement la modernité. Alors que la notion de série existait déjà au XIXème siècle, notamment avec les peintures de meules de foin et de cathédrales de Claude Monet, c'est au cours des années 1960 que des artistes tels que Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd ou encore Sol LeWitt la conceptualisèrent véritablement, s'inspirant alors de la théorie de la musique. Les compositeurs avaient en effet commencé à travailler en série, s'éloignant délibérément du romantisme et de la subjectivité pour arriver à une simplicité formelle. Leur esthétique dès lors réduite à l'essentiel et dépourvue d'aucune sorte d'ornementation faisait aussi semble-t-il écho au rationalisme de l'architecture moderne environnante. Non seulement Ryoji Ikeda décline ses œuvres en série sous des titres identiques, mais sa recherche d'un langage audiovisuel, qui tend à toujours plus de pureté et de restriction formelle, résulte aussi en des travaux qui pourraient être qualifiés de « sublimes », un mot usité par les Minimalistes américains.

La pratique multimédia de Ryoji Ikeda a pour origine sa collaboration avec Dumb Type, un collectif pluridisciplinaire formé au milieu des années 1980 à Kyoto, dont les installations performatives faisaient tout aussi bien référence à l'art, qu'au théâtre, au cinéma expérimental ou encore à la culture populaire. Ikeda a rejoint le groupe au milieu des années 1990 et en est rapidement devenu un membre incontournable. Il est probable que la dimension théâtrale de son oeuvre résulte de cette collaboration, qui a culminé fin des années 1990 avec OR[1], une œuvre scénique dans laquelle son vocabulaire audiovisuel à venir se laissait déjà entrevoir.

D'autres influences méritent toutefois d'être mentionnées, dans les champs de la musique comme de l'art. Par exemple, la musique bruitiste et plus spécifiquement la scène « japanoise » sont des références permettant d'appréhender les paysages sonores micromécaniques de Ryoji Ikeda. De manière plus générale, il semble que les compositeurs s'intéressant à la musique sans instrument, ou encore à la spatialisation du son, aient aussi été une source d'inspiration : John Cage, sans doute - 4'33" doit bien sûr être compris comme un hommage au maître, mais aussi La Monte Young, qui a lié directement l'expérience du son à celle de la lumière et de l'espace. De telles préoccupations ont aussi informé la série Polytope de Xenakis, pour qui les conditions d'écoute étaient de même intrinsèquement liées à la perception de l'espace et de la lumière. Tous ces compositeurs ont par ailleurs joué avec la notion du temps, en laissant le spectateur décider de la durée de son expérience. Enfin, une dimension immersive renseigne l'ensemble de ces œuvres, dans lesquelles l'espace, la lumière et l'image sont censées provoquer et éveiller les sens des visiteurs à de nouvelles conditions d'écoute.

La lumière et le signal sinusoïdal, autrement dit les bases de l'image et du son, sont essentiels au vocabulaire formel de Ryoji Ikeda. À partir de ces deux éléments, il a élaboré une méthode de travail reposant de plus en plus sur les mathématiques et considérant la recherche menée par les mathématiciens comme la forme d'activité intellectuelle ou d'esthétique la plus pure : une expression au plus proche de la rationalité et de la logique absolue. Les mathématiques sont aussi, et sans doute plus que l'art, une structure linguistique touchant à l'universalité. Si l'œuvre d'Ikeda peut être interprétée comme totalement ouverte, l'extrême précision formelle sous laquelle elle se décline tendrait à supposer l'inverse. Quoi qu'il en soit, sa force d'évocation et l'intensité perceptuelle qu'elle induit chez le spectateur suggèrent en fin de compte l'universalité d'un langage qui précéderait celui des mots.

Benjamin Weil
Directeur artistique du Centre Botìn, Santander

Traduit de l'anglais par Violaine Boutet de Monvel

[1] OR est une performance mise en scène qui a été présentée pour la première fois en 1997. Il s'agit d'une méditation sur l'espace entre la vie et la mort, qui a coïncidé avec le décès de Teiji Furuhashi, un autre membre majeur de Dumb Type.

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
data.matrix [nº1-10], 2009
Audiovisual installation
10 DLP projectors, computers, speakers
Ed 2/3 + 1 AP

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
data.tron [WUXGA version], 2011
DLP projector, computer, speakers
Ed 2/3 + 1 AP

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
π, e, ø [installation version], 2012
binary codes of π, e, ø, 16mm films, aluminum box
6,8 x 1000 cm
2 5/8 x 393 3/4 inches
Ed 1/5

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
4'33" [gray], 2014
Framed 16mm magnetic film for movie soundtrack
88 x 92,5 x 2,7 cm (framed)
34 5/8 x 36 3/8 x 1 1/8 inches (framed)
Ed 1/3

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
test pattern [film 14], 2014
Framed Super 16mm film (green), binary pattern
92,5 x 4,4 x 2,7 cm (framed)
36 3/8 x 1 3/4 x 1 1/8 inches (framed)

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
test pattern [film 19], 2017
Framed Super 16mm film
92,5 x 4,4 x 2,7 cm
36 3/8 x 1 3/4 x 1 1/8 inches

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
test pattern [film 7], 2014
Framed Super 16mm film (red)
92,5 x 4,4 x 2,7 cm (framed)
36 3/8 x 1 3/4 x 1 1/8 inches (framed)

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
π, e, ø, 2010
Framed 16mm film
92,5 x 5,8 x 2,7 cm (framed)
36 3/8 x 2 1/4 x 1 1/8 inches (framed)
Ed 2/8

Vernissage de Ryoji Ikeda "π, e, ø"
the irrational (ø) [nº1-c], 2017
Pigment print on paper, aluminium support
100 x 100 x 10 cm
39 3/8 x 39 3/8 x 3 7/8 inches
Ed 1/5










[20:30] Soirée de lancement de POST(porn)
Location:
L'OpenBach
6-8, rue Jean-Sébastien Bach
75013 Paris
M° Nationale, Olympiades
France
Mail : contact.labolic@gmail.com
Internet Site : labolic.tumblr.com
Description:
L'équipe de POST(blank) magazine a le plaisir de vous convier au lancement du troisième volume de la revue - POST(porn) le mercredi 20 décembre à l'Openbach à partir de 20h30.

Lors de cette rencontre, venez découvrir le troisième volume de la revue, rencontrer les artistes, écouter leurs performances, discuter autour d'un verre, partager vos passions, échanger collectivement.

Avec la participation de :

Raphaël Abitbol / Renan Astier / Thierry Ardaillon / Azel / Tamina Beausoleil / Louise Dumont / Fred FiLH Goudal / Mathieu Frappani / Stanislas Gourévitch / Hélène Gugenheim / Pole Ka / Lyyst / Marc Molk / Cloé Muro / Saint-Oma / Amelia Rabinovskaia / Magali Rifflart / Violette Villard / Frédéric Wieme / Joanna Wong / Vanda Spengler

Vous pouvez dès à présent réserver votre exemplaire avec le lien suivant : https://www.leetchi.com/c/projets-de-postporn

*POST(blank), c'est plus de 200 artistes et écrivains internationaux réunis autour de leurs passions communes pour l'art et la poésie dans un projet éditorial bilingue distribuée à Paris et à New-York.


"Les représentations du sexe en tant qu'art ou vice existent depuis que les humains ont été capables de simultanément pratiquer l'acte et de le questionner. Il y a à la fois du risque et de la sécurité dans le lâcher-prise. Dans la gratuité, il y a du vide, de la dépendance et de la disparition. Dans la compréhension que "ce n'est qu'une partie de baise", il y a l'anonymat et l'affection de la masturbation mutuelle. Dans un orgasme, il y a tout cela, et un multivers. Dans le vrai amour, il y a la certitude de la confiance, il y a aussi le chagrin de la trahison.

La pornographie ne connaît pas de limites et a autant de noms que Dieu. Si elle montre le sexe faisant partie de la culture dominante, on l'appelle simplement pornographie, ou porno. Si elle représente un sujet marginal, de niche, c'est un fétiche. Si elle est illégale, elle s'appelle contrebande, ou obscénité.

Ce numéro de POST(blank) n'est rien de tout cela. Ou peut-être tout cela. Vous trouverez ici des histoires érotiques, vivantes et morbides. Vous trouverez certainement du lâcher-prise. Et du raffinement. Vous trouverez la nudité sous toutes ses formes, de la bite, à la chatte, au trou du cul béant. Vous serez simultanément excité et dégoûté. Si vous devez vous masturber, faites-le, comme il vous convient. Si vous devez vomir, ne nous en voulez pas, puis recherchez un public pour observer cet acte violent. Surtout, embrassez tout le spectre de votre sexualité, même si le monde entier doit vous diaboliser et vous faire honte. Soyez téméraire. Méfiez-vous. Réveillez-vous. Vivez, maintenant.."

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