Thursday, February 8, 2018
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08
February 2018
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  Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

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16:00 [16:00-21:00] Vernissage de l'exposition "I am what I am"
Location:
ICI.GALLERY
8, rue Jouye-Rouve
75020 Paris
M° Pyrénées, Belleville
France
Phone : +33 (0)9 87 38 67 63
Mail : contact@ici.gallery
Internet Site : www.ici.gallery
Description:
sur une proposition de Julie Crenn

du 8 février au 17 mars

L'exposition "I am what I am" sur une proposition de Julie Crenn réunit les artistes Soufiane Ababri, Lahouari Mohammed Bakir, Virginie Barré, Joachim Biehler, Julian Burgos, Coraline De Chiara, Guillaume Constantin, Bady Dalloul, Gaston Damag, Aurélie De Heinzelin, Mathilde Denize, Damien Deroubaix, Hervé Di Rosa, Noël Dolla, Léo Dorfner, Edi Dubien, Charlotte El Moussaed, Esther Ferrer, Thierry Fontaine, Pélagie Gbaguidi, Rohan Graeffly, Charles Hascoët, Stéphanie Hoareau, Anne Horel, Lydie Jean-Dit-Pannel, Carlos Kusnir, Arnaud Labelle Rojoux, Matthieu Laurette, Natacha Lesueur, Claude Lévêque, Pascal Lièvre, Michèle Magema, Gabrielle Manglou, Roberta Marrero, Philippe Mayaux, Myriam Mechita, Fabien Mérelle, Marie-Claire Messouma Manlanbien, Marlène Mocquet, Orlan, Cécile Paris, Françoise Pétrovitch, Raphaëlle Ricol, Damien Rouxel, Smith, Apolonia Sokol, Michèle Sylvander, Abel Techer, Agnès Thurnauer, Delphine Trouche, Erwan Venn, Amina Zoubir.

Vernissage le 08 février à partir de 16h.

I am, I am, good / I am, I am, strong / I am, I am somebody / I am I do belong / I am, I am, good/ Iam,Iam,strong/Iam,Iamsomebody/IamIdobelong/Iam,Iam,useful /Iam, I am true / I am, I am worthy / I am as good as you.
Gloria Gaynor - I am what I am (1984)

Un autoportrait est une manifestation politique de l'artiste qui se rend présent face à nos yeux.
Julie Crenn (2017)

Vernissage de l'exposition "I am what I am"

[16:00-19:00] Victoires des Acteurs Publics
Location:
Assemblée Nationale
Palais Bourbon, Hôtel de Lassay
126, rue de l'Université
33, quai d'Orsay
75355 Paris 07 SP
M° Assemblée Nationale
France
Phone : +33 (0)1 40 63 60 00
Fax : +33 (0)1 45 55 75 23
Mail : infos@assemblee-nationale.fr
Internet Site : www.assemblee-nationale.fr
Description:
Victoires des Acteurs Publics



[18:00-20:00] Finissage de Richard Dailey "Popup Poetry"
Location:
sometimeStudio
hub créatif: conseille, conçoit, produit, édite, diffuse, expose
26, rue Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)9 51 07 13 74
Mail : contact@sometimestudio.org
Internet Site : www.sometimestudio.org
Description:
SometimeStudio a le plaisir d'inviter l'artiste pluridisciplinaire Richard Dailey pour une semaine de performances sous l'égide de la poésie et d'expérimentations visuelles et audios en tout genre ...

Richard Dailey est un poète, romancier, cinéaste et artiste multidisciplinaire américain qui vit et travaille à Paris depuis de nombreuses années. Cette exposition pop-up d'une semaine présentera de nouvelles pièces inédites, ainsi qu'une sélection d'œuvres antérieures: c'est l'occasion de découvrir le travail de Richard Dailey à travers une variété de médias, des objets et des images aux livres, en passant par la vidéo, les enregistrements sonores et des oeuvres éphémères.

L'exposition se déroulera du 1er au 8 février, venez vous joindre à nous pour prendre un verre de vin à l'ouverture, le 1er février, et écouter Richard Dailey lire des extraits de ses derniers projets tout au long de la soirée.

Vernissage Jeudi 1er Février 18h - 21h
Finissage Jeudi 8 Février 18h - 20h

Ouverture de la galerie sur la durée de l'exposition de 14h - 19h et sur rendez vous !

Vernissage de Richard Dailey "Popup Poetry"

[18:00-22:00] Vernissage d'Oscar Liber "Récit d'un Regard"
Location:
Le Yono
Bar Cocktails Tapas
37, rue Vieille du Temple
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 74 31 65
Mail : contact@leyono.fr
Internet Site : www.leyono.fr
Description:
Cette exposition retrace mes observations de voyage au travers de 18 photos grand format. Les photos seront exposées jusqu'au samedi 3 mars.

Un petit site Tumblr est dédié à cette exposition :
https://recitdunregard.tumblr.com

Des versions miniatures des photos y seront publiées après le vernissage.

Vernissage d'Oscar Liber "Récit d'un Regard"

[18:00-21:00] Vernissage d'exposition collective
Location:
Galerie Monod
16, rue d'Ouessant
75015 Paris
M° La Motte-Picquet - Grenelle
France
Phone : +33 (0)1 56 58 24 72
Mail : artgaleriemonodparis@gmail.com
Internet Site : www.artgaleriemonodparis.com
Description:
avec :
Ronnie Matthey, Artiste Peintre, et Makcik Tenny Schneider, Photogaphe
Florence Melocco & Marcus Kupferschmidt, artistes peintres

Du 05 Février 2018 au 17 Février 2018
Vernissage le jeudi 08 Février 2018 de 18h à 21h

En partenariat avec Beautiful Indonesia et Radio Courtoisie

Vernissage d'exposition collective

[18:00-21:00] Vernissage d'exposition collective
Location:
Galerie Gimpel et Müller
12, rue Guénégaud
75006 Paris
M° Odéon, Mabillon, Pont Neuf, Saint-Michel
France
Phone : +33 (0)1 43 25 33 80
Mobile : +33 (0)6 16 81 71 49
Fax : +33 (0)1 73 73 33 64
Mail : info@gimpel-muller.com
Internet Site : www.gimpel-muller.com
Description:
René Gimpel, Berthold et Gabriel Müller
vous présentent leurs meilleurs vœux
et vous invitent au vernissage

jeudi 8 février 2018 de 18 à 21 heures

de l'exposition de groupe dans nos deux galeries, avec

Ivan Contreras-Brunet
José Heerkens
Krochka
Denise Lioté
Antoine de Margerie
Miriam Prantl
Daniel de Spirt
Muneki Suzuki
Victor Vasarely
Irène Zack
Léon Zack
Ode Bertrand
Joël Besse
Horacio Garcia Rossi
René Guiffrey
Vera Molnár
Christian Parquet
Marie-Thérèse Vacossin

exposition jusqu'au 17 mars 2018
du mardi au samedi de 14 à 19h30 et sur RDV

[18:00-22:00] Vernissage de François Calvat
Location:
Galerie Pascal Vanhoecke
14 bis, rue du Docteur Gosselin
94230 Cachan
M° RER B Arcueil - Cachan
France
Mobile : +33 (0)6 84 07 57 00
Mail : contact@galeriepascalvanhoecke.com
Internet Site : www.galeriepascalvanhoecke.com
Description:
Pour sa 91ème année, François Calvat nous surprend à nouveau avec une série d'oeuvres attaquées à la hache et brûlées au chalumeau.

En avant première d'Art Paris 2018, se sera l'occasion de découvrir avant tout le monde quelques une des nouvelles pièces qui seront présentés.

[18:00-21:00] Vernissage de Marie Bovo "СТАНСЫ / STANCES"
Location:
Galerie Kamel Mennour (rue du Pont de Lodi)
6, rue du Pont de Lodi
75006 Paris
M° Odéon, Mabillon, Pont Neuf, Saint-Michel
France
Phone : +33 (0)1 56 24 03 63
Fax : +33 (0)1 40 46 80 20
Mail : galerie@kamelmennour.fr
Internet Site : www.kamelmennour.fr
Description:
8 février - 10 mars 2018
Vernissage le jeudi 8 février de 18h à 21h

Vernissage de Marie Bovo "СТАНСЫ / STANCES"

[18:00-22:00] Vernissage de Rémy Brière "Elvis kisses"
Location:
Arnaud Deschin galerie
18, rue des Cascades
75020 Paris
M° Pyrénées, Jourdain, Gambetta, Ménilmontant
France
Mobile : +33 (0)6 75 67 20 96
Mail : rdv@arnauddeschingalerie.com
Internet Site : www.arnauddeschingalerie.com
Description:
09.02-25.03.2018
Ouverture du vendredi au dimanche de 14h à 19h ou sur rdv

Avec le soutien aux galeries/première exposition du CNAP, Centre national des arts plastiques

Rémy Brière est artiste et set designer. Il va sans dire que la relation dialogique entre l'art et la publicité est ambiguë et qu'elle pointe du doigt une certaine passivité collective... une question se glisse donc d'emblée entre l'harmonie visuelle de ses installations et les narrations qu'elles dessinent: sommes nous à l'endroit de simulacres scéniques employés à désacraliser l'histoire de la représentation?

À première vue, les œuvres semblent en filiation avec l'Arte Povera: le refus d'une assignation d'identité, la valorisation de processus qui mettent en relation des matériaux pauvres et sophistiqués, naturels, culturels... Mais dans une lecture distanciée qui investit la notion d'image.
Toutes ces catégories sont-elles bien en jeu?
Non. Rémy Brière me répond avec une sensibilité et une décomplexion désarmante. Il préfère que l'on sépare ses deux pratiques. Elles n'ont rien à voir. Il me parle de sa passion pour les lignes claires, les cintrages de métaux qui « esquissent des narrations, tout en convoquant le maniérisme ». Il cherche des glissements de référence « difficiles à assumer »: Elvis par exemple, un fétiche? tout autant qu'un « lieu commun »! C'est précisément ce trouble qui l'intéresse. Il ne veut pas avoir à se heurter à un art conceptuel pensé comme un « art savant », son travail est plutôt une « gymnastique de pensée » dont les étirements renversent les protocoles.
Sa pratique est avant tout processuelle: fabriquer des contenants, floquer, faire disparaitre l'objet, n'en garder qu'une silhouette, se livrer à des « gestes premiers ». Une tige de laiton? une fleur? Un diamant? Une pastèque? Qu'est ce qu'un « rapport immuable »? Celui qui permet à « une porosité » de résister à « un quadrillage de références »... celui qui fait vivre une « gestation » à l'endroit même de son « arrêt ».
De plus, il accorde une légitimité aussi grande au temps du plaisir qu'au temps de la conceptualisation: quelles sont les durées engagées dans une pratique? Il n'est surtout pas question d'efficacité, mais de corps qui vibrent dans leur relation à « l'espace », un espace à entendre comme l'endroit d'un « doute ». Car il est d'abord question de rapports de distance qui ne seront « jamais d'actualité », toujours antidatés, incernables, « mais sans aucun obscurantisme »: juste des signes ouverts.
Pour "Elvis Kisses", il détermine « un terrain de jeu dans le terrain de jeu », avec de la moquette et du sable coloré, puis y dépose un extincteur dont les instructions effacées font place à un poème. Plus loin, sur un passe-partout, il dessine une ligne enlevée au crayon puis s'emploie à la retrouver en studio avec un serpent sous son objectif. Ce sera au serpent d'adopter la pose, là ou une logique classique aurait suivi le rapport inverse, c'est à dire le mouvement d'un serpent et sa reproduction. Plus loin encore, une partition gravée d'un morceau de House, Artists with attitudes. Une « attitude »? Un faux ami pour les anglicistes. Le problème de traduction l'intéresse: non il ne s'agit pas de « mesquinerie » juste de « danse ».
Alors que le climat artistique nous pousse à penser chaque forme en terme de visualité médiatique, Rémy Brière, placé au centre de l'ouragan, ne vibre qu'en terme de processus, d'expériences de durées et d'espaces. Il débine ainsi l'enjeu politique du regard contemporain: celui d'un positionnement par rapport à l'image. À la manière d'un jeu spontané qui, envers et contre tout, déroute la perception pour livrer une réalité métaphorique.
Texte de Lucille Uhlrich

Rémy Brière vit et travaille à Paris.
Il est actuellement exposé à la Arnaud Deschin galerie pour son exposition personnelle "Elvis Kisses" qui a le soutien aux galeries/première exposition du CNAP, Centre national des arts plastiques (jusqu'au 25 mars 2018), ainsi qu'à La Maison des Arts de Créteil, dans le cadre de l'exposition collective Inspiration-transpiration organisée par le Syndicat Magnifique (jusqu'au 17 février 2018).
Diplômé de l'Ecole Supérieure d'Art de Clermont en 2010, il réalise une première exposition personnelle en 2011 à Qasba, à Brescia en Italie ainsi qu'à L'Espace d'En Bas, à Paris. En 2012, il réalise l'exposition Un bégonia vaut mieux que deux tu l'auras, à De La Charge, à Bruxelles.
Il participe à plusieurs expositions collectives, signées notamment par les curateurs Camille Azaïs, Axelle Blanc, Marc Geneix ou encore Joel Riff.
Son travail est présenté à la Biennale de Mulhouse en 2012, au salon Jeune Création en 2013, à la FIAC aux côtés de la galerie Florence Loewy en 2014, au Salon de Montrouge en 2016 et nommé aux Révélations Emerige en 2018.

Vernissage de Rémy Brière "Elvis kisses"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Accrochage"
Location:
Galerie Emmanuel Hervé
6, rue Jouye-Rouve
75020 Paris
M° Pyrénées, Belleville
France
Phone : +33 (0)9 51 10 96 58
Mail : bonjour@emmanuelherve.com
Internet Site : www.emmanuelherve.com
Description:
avec Roxane Borujerdi, Charles-Henri Monvert, Marielle Paul, Sérgio Sister, Derek Sullivan

8 - 24 Février 2018
vernissage 8 Février 18 - 21h

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Je t'épaule tu me respires"
Location:
Galerie Marcelle Alix
4, rue Jouye-Rouve
75020 Paris
M° Pyrénées, Belleville
France
Phone : +33 (0)9 50 04 16 80
Mail : demain@marcellealix.com
Internet Site : www.marcellealix.com
Description:
Je t'épaule tu me respires
avec Anne Bourse, Elise Carron, François Lancien-Guilberteau, Liz Magor, Jean-Charles de Quillacq, Gino Sarfatti, Natsuko Uchino
cur. Marcelle Alix, Franck Balland et Aurélien Mole

8.02 - 31.03.2018
vernissage jeudi 8 février, 18h-21h

Ce que veulent les œuvres, nous voulons l'entendre et veiller à ce que les visiteur·euse·s de cette exposition puissent y être eux·elles aussi attentif·ve·s, même s'il est difficile de se guider soi-même entre cette envie de toucher ce qui nous attire ou nous questionne et la position souvent instable du·de la spectateur·rice habitué·e à garder une certaine distance, vérifiée par une scénographie aussi explicite que les regards des surveillant·e·s. Si sa présentation pousse l'œuvre à se dérober, comment aller à la rencontre de sa réalité, de son mouvement, de sa généalogie formelle, de sa vie présente et du temps qui nous unit ? « Prière de toucher » lisait-on dans les années 60, pour des œuvres aujourd'hui d'autant plus intouchables que leur présentation elle-même ne permet pas l'aveu tranquille d'une forme enviable de vulnérabilité. Nous avons toujours souligné l'avantage de concevoir des expositions dans un espace proche de celui de l'appartement où le rapport aux œuvres est plus détendu. Chaque artiste ajoute ici à cette idée de vivre avec des œuvres dont l'image importe moins que la sensation de percevoir une présence et une existence fortes, auxquelles nous répondons de bien des façons.

CB: Du plus loin que je me souvienne, cette éthique du "prendre soin" que l'exposition met en pratique, s'est manifestée alors que je tentais de construire une relation tout en énergie et tout en mouvement face aux œuvres d'art. Ma première idée fut de me diriger vers la conservation et la restauration de tableaux. Je voulais agir vis-à-vis d'une œuvre elle-même agissante. Le plus important me semblait l'attitude responsable que je pouvais avoir en protégeant des œuvres d'art qui pourraient être détruites de bien des façons, souvent par mécompréhension. Avec le temps, d'autres métiers qui permettaient de toucher les œuvres m'apparurent appeler un amour à la fois extraordinaire et évident. Cette exposition est moins un commissariat collectif que l'affirmation de nos positions respectives envers les formes que nous regardons et manipulons tous les jours, pas seulement pour les exposer. S'il y a protection, il y a aussi un rapport moins théorique, plus physique parfois, qui nous met d'une certaine façon du côté de ce que veulent les objets. Comment s'éloigner de l'exposition pour se laisser influencer par l'œuvre? J'imagine que nous le ferons par le dialogue amoureux, celui-là même que défendirent Chris Marker et Alain Resnais dans le film Les statues meurent aussi (1963). L'œuvre est notre égale, qu'elle nous précède ou nous survive, son temps est compté et sa faiblesse le plus beau signe ou le meilleur des miroirs, il me semble, pour résoudre nos problèmes de spectateurs.

IA : il y a une évidence pour nous à aller vers cette question du soin, qui rejoint en effet une forme d'éthique, ou même de choix politique dans le rapport qu'il sous-entend avec les œuvres mais aussi entre humains. Il ne s'agit pas d'en faire un thème, mais plutôt de la traduire en une énergie collective et généreuse qui agisse dans l'espace de la galerie, des bureaux au bar d'à côté où nous organisons le pot de vernissage. J'aime penser que notre rapport aux œuvres et aux personnes sont du même ordre, que les œuvres agissent sur nous comme les personnes, à des moments divers de leurs vies propres. C'est à ce titre que la présence de Liz Magor dans l'exposition avec deux nouvelles pièces travaillées à partir de couvertures récupérées, raccommodées et préservées dans des films plastiques s'est imposée. Reprenant un principe déjà présent dans son travail, elle pousse le soin apporté à ces lainages troués ou tachés à l'extrême en se penchant avec minutie sur chacun des accidents, les intégrant à une composition d'ordre pictural. En l'observant installer ses œuvres comme on accueille des ami·e·s dans un nouveau lieu, ce rapport horizontal et affectif à l'œuvre nous est paru essentiel. Nous avons déjà évoqué dans plusieurs textes notre goût pour une pensée non duelle, d'ordre holistique, qui permet de repenser notre relation à l'inanimé en-dehors d'une hiérarchie humain/non-humain, sujet/objet. C'est ce qui fait je crois, la vulnérabilité, la précarité et le caractère peu définitif de ce qui constitue cette exposition.

AM : Qu'il ne s'agisse pas d'un thème mais d'une éthique me semble une chose importante. La mise en scène du "prendre soin" est par trop démonstrative, alors que, fondamentalement, elle se doit d'être tellement intégrée dans nos rapports aux artistes, aux œuvres et à l'autre qu'elle en devienne indiscernable. Au cœur de cette disposition à prendre soin, il y a la notion d'attention qui me semble être, de mon point de vue, l'attitude la plus importante. L'attention est à la fois le point de départ de tout ce qui suivra mais aussi un résultat : celui d'une ouverture au monde. Dans la pratique de Gino Sarfatti, l'idée d'une lampe part la plupart du temps de la forme de l'ampoule ou du néon. A partir d'un objet industriel, parfaitement fonctionnel mais adressé à personne en particulier, il s'agit pour Gino de penser des formes capables d'accueillir et de mettre en valeur les caractères formels et lumineux d'ampoules qui deviennent alors indissociables des lampes pensées pour elles. Ces lampes sont des interfaces entre l'usine et le foyer. Elles adressent des ampoules standardisées à des activités particulières comme la lecture, un diner entre amis, une veillée. Essayer de favoriser les conditions d'attention c'est aussi renforcer l'impact qu'une œuvre d'art peut avoir sur notre vie. Ce peut être un accrochage au cordeau comme celui pensé par John Dewey et Albert C. Barnes pour la collection de ce dernier, ce peut être un texte de médiation signé, ce peut-être ce voyage que l'on fait pour aller voir spécifiquement telle ou telle œuvre d'art que ce soit le retable de Matthias Grünewald ou la maison sur la cascade de Franck Lloyd Wright... L'attention est ce moment où l'on se fond et se confond dans l'adresse initiale de l'œuvre désirée par l'artiste (que l'on se l'imagine ou non). Au cœur de la pratique de François Lancien-Guilberteau il y a une forme d'attention particulière. Dans ses images, par exemple, la relation au modèle, la façon de le préparer, compte autant que le moment de la captation. C'est comme si tout l'investissement sentimental était orienté vers ce hors champ de l'image. A ce titre, aiguiser et maquiller sont deux actions qui précèdent la découpe et le paraître. La poudre démaquillante constituée de fientes séchées utilisée pour enlever le blanc de plomb toxique du visage de la Geisha, a une carnation si particulière qu'elle figure la peau sous le maquillage.

FB : Il me semble également nécessaire de souligner que cette exposition s'est construite comme une série d'invitations qui ne relient pas seulement un certain nombre d'objets entre eux, mais suivant davantage le cours d'intuitions et de désirs. Parmi ceux-ci, il y a évidemment cette notion d'adresse dont parle Aurélien. Chez Anne Bourse, le travail trouve sa place à l'endroit où une relation existe déjà : sur une serviette aux motifs géométriques appartenant à son père ou dans un catalogue de Jimmie Durham, dont les pages ont été progressivement caviardées, puis augmentées de commentaires et de dessins. Il ne s'agit pas tant d'un geste d'appropriation que de la poursuite d'une conversation dense et silencieuse, étirée dans le temps, dont les termes disent l'intimité qui s'est établie avec cet objet et tout l'imaginaire qu'il abrite. Les formes tourbillonnantes, envahissantes presque, qui caractérisent son trait traduisent le mouvement continu d'un langage personnel né de la quête de l'autre. Rien d'iconoclaste pourtant dans ces lignes aux airs de « gribouillages », et à l'image des œuvres de Jean-Charles de Quillacq avec lesquelles ces objets fraternisent au sous-sol de la galerie, ils nous parlent d'une liaison incessante avec une matière désirable. Le soin que les pièces de Jean-Charles attendent de nous est quant à lui plus ambigu : suintantes et érectiles, récalcitrantes à occuper sagement leur rôle d'objets d'art, elles tentent de nous soumettre à leurs propres besoins, sans que l'on sache vraiment si elles souhaitent être soulagées, excitées ou ignorées. Pour Anne comme pour Jean-Charles, quelque chose de fondamental se joue dans la nécessité de réduire les distances avec les œuvres ; elles agissent alors comme des intermédiaires à la fois humbles et puissants permettant de maintenir une relation active aux regardeurs.

IA : Une galerie est généralement envisagée comme l'espace neutre destiné à accueillir l'expression d'un désir envers des objets d'art fétichisés, afin de favoriser leur acquisition. Notre envie avec cette exposition, est, je crois, de rendre évidente la multi-directionnalité des désirs qui y sont à l'œuvre : non simplement celui du·de la collectionneur·euse potentiel·le vers l'objet, mais aussi la capacité désirante des objets eux-mêmes, le désir des artistes envers leurs objets et ceux des autres, et le désir que nous avons d'être ensemble. L'enjeu pour moi est de rendre toujours plus visibles nos inclinaisons personnelles, pour faire de la galerie un lieu plus incarné que l'écrin neutre designé dans l'unique but d'encourager le désir d'acquisition. L'invitation faite à Elise Carron d'intervenir le jour du vernissage au moyen d'un « Buffet fortune » est liée à l'arrivée de Barbara Quintin à la galerie en novembre et de leurs collaborations récentes au Quadrilatère de Beauvais et à La Panacée à Montpellier. Comme pour Natsuko Uchino, avec qui Elise avait déjà fait œuvre commune, le travail artistique consiste ici à brouiller les pistes entre l'objet utilitaire, l'œuvre, l'accessoire de performance, l'exposition et son traditionnel événement d'ouverture. Il ne s'agit pas « d'activer » des œuvres mais plutôt d'imaginer que tous les objets puissent être chargés du même désir et que nous ne puissions faire autrement que de les utiliser comme tapis, table, nappe, carafe, vêtement. Natsuko reconduit dans ses propositions du rez-de-chaussée une énergie liée à l'action dont ses céramiques et ses pièces en sequoia ne se départissent jamais. Les modes de vie des artistes nous auront permis d'aller au-delà de simples discussions pour pénétrer la matière et la laisser parler à son tour.

Anne Bourse est née en 1982, elle vit à Paris.
Elise Carron est née en 1988, elle vit à Paris.
François Lancien-Guilberteau est né en 1985, il vit à Paris.
Liz Magor est née en 1948, elle vit en ce moment à Berlin, en résidence au DAAD.
Jean-Charles de Quillacq est né en 1979, il vit à Paris et Sussac.
Gino Sarfatti, né en 1912, est mort en 1985.
Natsuko Uchino est née en 1983, elle vit à Saint-Quentin-la-Poterie.

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "La liberté de Laubiès"
Location:
Galerie Alain Margaron
5, rue du Perche
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Rambuteau, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 42 74 20 52
Fax : +33 (0)1 42 74 20 89
Mail : amargaron@wanadoo.fr
Internet Site : www.galeriealainmargaron.com
Description:
"La liberté de Laubiès" : liberté dans sa vie, dans son oeuvre, pour la nôtre

du 8 février au 17 mars

Vernissage de l'exposition "La liberté de Laubiès"
René Laubiès

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Seuils"
Location:
La Galerie du C.R.O.U.S. de Paris
11, rue des Beaux-Arts
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés, Odéon, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 43 54 10 99
Fax : +33 (0)1 43 54 10 99
Mail : galerie@crous-paris.fr
Internet Site : www.crous-paris.fr/article.asp?idcat=AABD
Description:
Célia Coëtte, Martin Faure, Alexandre Korzeniovski, Suni Prisco, Lucy Ralph, Tanguy Roussel, Théophile Stern

EXPOSITION // du 06 au 17 février 2018
VERNISSAGE // jeudi 08 février de 18h à 21h

Au départ, il y a la sensation que quelque chose nous unit, une attraction qui parait évidente dans la rencontre de nos personnalités et dans ce qui sous-tend notre travail artistique. L'exposition collective intervient alors comme une concrétisation de ces sympathies.

Parmi ces liens, nommons l'attention aux formes du quotidien, dont chacun s'empare pour en sublimer les débris ou en soulever les nœuds. Il s'agit toujours de faire se rencontrer des concepts et objets qui n'auraient pas forcément été mis en relation. Ces rapprochements s'opèrent par la création d'une architecture des sensations, qu'elle soit physique, en composant les matières dans l'espace et les formes dans la toile, ou mentale, en s'appuyant sur des auteurs.

Nos œuvres relèvent de plusieurs durées. D'abord, il y a le temps accordé aux objets ou à leur création, puis celle d'un récit hypothétique qui se placerait entre un événement qui a eu lieu, et celui qui pourrait advenir. Dans chacune de nos pratiques, il en résulte la sensation qu'un corps s'est absenté. on en perçoit la trace, les restes, au travers des objets présents, qui s'organisent dans des sortes de scénographies autonomes.

Pour sortir de cette autonomie, nous avons décidé de structurer la galerie comme un appartement habité par nos œuvres. Un espace commun, un lieu domestique, une cohabitation où l'on passe entre nos pratiques comme on passerait d'une pièce à l'autre. Ce passage pourrait alors être matérialisé par les seuils des portes, limite où coexiste encore l'espace d'avant et celui d'après.

Le seuil c'est aussi, pour reprendre les mots de Vilém Flusser, « un point de convergence [...] entre le grand royaume extérieur où s'accomplit la vie, et le petit royaume intérieur, où elle advient à elle même ». C'est une façon pour nous de rappeler, comme l'évoquait Gaston Bachelard, que la maison « est cellule et elle est monde » ; elle est intimité et onirisme, besoin de confort et désir de voyage, et qu'ainsi, en passant le seuil, l'échappatoire et l'ailleurs sont toujours proches. Réunir notre travail dans cet espace rendu intime devient alors - peut-être - la meilleure façon de s'extraire du monde pour en créer de nouveaux.

Vernissage de l'exposition collective "Seuils"

[18:00-21:00] Vernissage du collectif Hic Sunt "Anxiété cartographique"
Location:
Arondit
98, rue Quincampoix
75003 Paris
M° Rambuteau, Etienne Marcel, Les Halles, Châtelet
France
Mail : contact@arondit.com
Internet Site : www.arondit.com
Description:
Anxiété cartographique
Une exposition du collectif HIC SUNT

Vernissage le Jeudi 8 février 18h - 21h

Avec les artistes Lucile Bertrand, Katrin Gattinger, Valentine Gouget et Anna Guilló

Dans une approche contemporaine de la cartographie comme mode de représentation de l'espace, il faut peut-être faire la distinction entre ce qui participe de la production, en utilisant le terme dynamique tracer (mapping) et ce qui fait référence à une forme plus statique, la cartographie (cartography).

Les quatre artistes du collectif Hic Sunt sont toutes préoccupées par ces notions de tracés et cartographie et les abordent à travers dessins, performances, installations, sculptures et vidéos.

Leurs productions artistiques ont en commun d'explorer ce que les cartes disent des limites de notre monde, afin, justement, d'offrir une autre manière de l'appréhender, de le « ré-ouvrir » et de le remettre en partage. Et si les œuvres questionnent la représentation des frontières - politiques, spatiales, mentales, langagières, etc. -, elles ne cherchent pas nécessairement à y répondre. Il s'agit d'abord de provoquer poétiquement, et même, d'ouvrir à de nouvelles questions et problématiques.

En cela, Hic Sunt explore aussi bien la finalité que la finitude des cartes.

Vernissage du collectif Hic Sunt "Anxiété cartographique"

[18:30-21:00] Eau Palimpseste
Location:
Fondation d'entreprise Ricard
12, rue Boissy d'Anglas
75008 Paris
M° Concorde
France
Phone : +33 (0)1 53 30 88 00
Fax : +33 (0)1 40 06 90 78
Internet Site : www.fondation-entreprise-ricard.com
Description:
Dans le cadre de l'exposition personnelle de Julien Creuzet "Toute la distance de la mer (...)", Mawena Yehouessi propose un cycle de lectures, conversations et performances.

« Sur une invitation de Julien Creuzet à proposer peut-être un écho au ressac de ses oeuvres et de ses mots, j'ai souhaité activer un cycle de lectures, conversations et performances qui chacune à leur manière viendraient relayer/délayer cette parole : Il y a des histoires d'eau entre nous ». Mawena Yehouessi

CONVERSATION
lanmè a gwonde : à nos fantômes résistant-e-s.
Pascale Monnin et Célia Sadai

PERFORMANCE
SANG - Bocar Niang

[18:30-23:00] Minimal - Museum live
Location:
Centre Pompidou
Musée National d'Art Moderne - Beaubourg
Place Georges Pompidou
19, rue Beaubourg
75191 Paris Cedex 04
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 44 78 12 33
Fax : +33 (0)1 44 78 13 03
Internet Site : www.centrepompidou.fr
Description:
FORUM, NIVEAU 0

Atelier « Le geste minimal »
Laissez-vous guider par nos médiateurs afin de retrouver le geste minimal en modelant de l'argile les yeux bandés
18h30-21h

Atelier mandal'art
Créez un mandala au sol uniquement avec des matières recyclées, par Art'Eco
18h30-21h

« Coupe sangs »
Œuvre lumineuse, Marc Ippon de Ronda produite par ATO Designs
18h30-23h

Dj set- concrete
Venez vibrer au rythme de DJs, le Forum se transformera en club pour l'occasion
En partenariat avec Concrete
21h-23h

Bar éphémère par Trésor food
21h-23h

Fotominimal
Prenez-vous en photo avec la pause la plus minimaliste possible, repartez avec vos clichés ou envoyez-les par mail !
En partenariat avec FotoBORNE
En continu de 19h à 23h


NIVEAU O, ACCUEIL DES GROUPES

Atelier « Plastic vortex »
Créez une oeuvre collective et lumineuse à partir de bouteilles recyclées, par Art'Eco
18h30-21h


MUSÉE, NIVEAU 4

Théâtre et danse, « Less is more »
Venez jouer et danser, jouer à danser, autour de Less is More inspiré de Sol LeWitt : Une invitation à voyager dans un espace chorégraphique singulier où normalité et différence fusionnent et tissent un labyrinthe de sensations. Danseurs et spectateurs, s'accordent pour nouer un univers subtil où le moins est porteur d'évocation, entre silence et sourire, ordre et désordre, vide et plein, pour s'affranchir de tous les préjugés.
Rendez-vous en galerie 0 à 19h et 20h

Visites « Le minimalisme »
Visites théâtralisées par des conférencières du Musée, Catherine Lascault et Patricia Mincent pour découvrir le minimalisme à travers des oeuvres et des textes choisis.
Rendez-vous à l'entrée du Niveau 4 à 18h45, 19h15, 19h45 et 20h15

Atelier « Bal du silence »
Sur inscription, dans la limite des places disponibles, sur le mail : contact@agencegibraltar.com
L'agence Gibraltar vous invite à participer à une expérience unique : faire connaissance avec des inconnus dans le silence absolu. Installez-vous dans une salle du Musée et laissez faire la magie du silence avec un papier et un crayon.
RV à 18h30 et 19h45 en haut des escaliers au Niveau 5, vous serez accompagnés jusqu'à la salle 24 du Niveau 4

Rencontre avec Ghislain Mollet Vieville
Expert reconnu de l'art minimal, agent d'art, conférencier, il vous fera découvrir sa vision du minimalisme lors d'une conférence
Rendez-vous salle 8 à 19h30

Atelier « Le chemin des veilleurs »
Sur inscription à l'accueil Museum Live dans le Forum, dans la limite des places disponibles
Veiller une œuvre avec Claire Landais, c'est faire une expérience relationnelle sensible avec un tableau, une sculpture, tendre l'oreille et le regard jusque dans vos imaginaires... Munis de lanternes et habillés d'une combinaison, vous pourrez veiller une oeuvre de la collection.
Rendez-vous à l'accueil Museum Live pour vous inscrire dès 18h30 pour une procession silencieuse jusqu'aux salles 13 et 14 du Niveau 4 à 19h et 20h

Ecoute et dialogue « Le minimalisme »
Diffusion du documentaire Le minimalisme réalisé par Alexandre Bazin de l'Ina, et dialogue avec l'artiste.
Rendez-vous dans la salle nouveaux médias de 18h30 à 21h

Atelier « Happy art moment »
L'artiste ABK vous expliquera sa démarche et vous guidera dans la réalisation de dessins épurés et colorés sur des cartons, à distribuer ou à garder !
Rendez-vous derrière les escaliers de 20h à 21h


MUSÉE, NIVEAU 5

Mime et théâtre « minimal act»
Les élèves de seconde années de l'école Jacques Lecoq vous proposeront le fruit de leur inspiration face aux oeuvres de la collection à travers des micro-performances de 5 à 8 minutes.
Rendez-vous dans les allées centrales et en salles 6, 11, 19, 22, 26, 29, 39 et 40 du Niveau 5, de 18h30 à 20h

Rencontre « Happy art moment »
L'artiste ABK distribuera ses dessins dans les salles du Musée, une invitation au partage et au dialogue.

Conférence « Le trait minimal »
L'artiste Jochen Gerner projettera ses dessins, dont certains créés en exclusivité pour la soirée Museum Live et expliquera sa démarche artistique et humoristique.
Rendez-vous à 19h et 20h15 en salle 40

Atelier « Tattoominimal »
En partenariat avec TattooFab
Venez faire un tatouage éphémère d'un dessin de Jochen Gerner ou repartez avec pour l'offrir !
Rendez-vous au point Information de 18h30 à 21h


Remerciements :
Les médiateurs du groupe Art Session, bénévoles au Centre Pompidou : Pierre Berruer, Bernadette Kihm, Antoine Marchal, Marina Saburova, Bakary Sarambounou, Lila Torquéo, Mamadou Traoré, Camille Sauer, Christian A.T Chang, Bertille Sionneau, Justine Sebbag, Serena Ly, Margot Pageat, Sara Baumeister, Alice Rivoire, Maxime Leblanc, Bastien Waultier, Mickaël Camhaji, Mathieu Bonnafous
TattooFab
Concrete
L'école Jacques Lecoq

[18:30-20:30] Signature par Pierre et Gilles du catalogue "Le Temps imaginaire"
Location:
Centre Pompidou
Musée National d'Art Moderne - Beaubourg
Place Georges Pompidou
19, rue Beaubourg
75191 Paris Cedex 04
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 44 78 12 33
Fax : +33 (0)1 44 78 13 03
Internet Site : www.centrepompidou.fr
Description:
Librairie Flammarion

A l'occasion de la sortie du catalogue Le temps imaginaire, La librairie Flammarion Centre Pompidou et la Galerie Templon ont le plaisir de vous convier à une séance de signature d'ouvrage avec Pierre et Gilles le jeudi 8 février 2018 de 18h30 à 20h30 à la librairie Flammarion Centre Pompidou. Introduit par une préface de Charles Dantzig (écrivain, directeur de la revue internationale et de la collection Le Courage - Grasset), avec une nouvelle de l'écrivain Arthur Dreyfus, le catalogue de l'exposition publié par la Galerie Templon est disponible en librairie, à la galerie et en ligne.

L'exposition de Pierre et Gilles, Le temps imaginaire est visible à la Galerie Templon jusqu'au 10 mars 2018.


Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"

13 JANVIER - 10 MARS 2018
VERNISSAGE LE SAMEDI 13 JANVIER 2018 DE 12H00 À 20H00

Pierre et Gilles sont de retour à la galerie Templon avec Le temps imaginaire. Ode à la tolérance et à la liberté, l'exposition se déploie comme un parcours à travers l'univers des artistes dont la récente rétrospective (Bruxelles, Le Havre) a souligné toute la complexité.

L'univers de Pierre et Gilles, enchanteur mais hanté par l'actualité proche, joue avec un certain "esprit français" où la diversité, l'ouverture aux autres mais aussi la notion de résistance prennent une dimension à la fois grave et légère. A l'écoute de toutes les manifestations du monde, le travail de Pierre et Gilles parle de la différence. « Rien, chez Pierre et Gilles n'est jamais univoque. Il n'y a pas une vérité mais d'innombrables possibles », rappelle Sophie Duplaix, conservatrice en chef des collections du Centre Pompidou, qui considère les artistes comme les « gardiens éclairés de valeurs universelles que ne viennent entraver ni les considérations morales ni les discriminations politiques ».

En atelier, les artistes composent un décor illusionniste animé par un travail complexe de lumière et de cadrage. A cette première étape succède un travail précis de peinture directement sur la photographie tirée sur toile, dont le cadre original est conçu comme un prolongement. Si la plupart de leurs modèles sont des anonymes, on retrouve ici et là des visages familiers comme ceux de Isabelle Huppert, Dita Von Teese ou Jean-Paul Gaultier, mais la culture de la célébrité n'est pas ce qui intéresse les artistes. Metteurs en scène, ils sélectionnent leurs acteurs pour construire des histoires. Ils s'amusent à brouiller les pistes en mettant en scène un faux Gérard Depardieu ou Michael Jackson.

Mondialement reconnus, les artistes ont développé depuis 1976 une iconographie singulière. Leur travail a été consacré par de nombreuses expositions en institutions, notamment une rétrospective à la Maison Européenne de la Photographie en 1996, au New Museum de New York en 2000, au Museum of Contemporary Art de Shanghai en 2005 et au Jeu de Paume à Paris en 2007. En 2017 leur rétrospective Clair-Obscur, au Musée d'Ixelles (Bruxelles) puis au MuMa du Havre, a rencontré un succès public et critique spectaculaire.

Introduit par une préface de Charles Dantzig (écrivain, directeur de la revue internationale et de la collection Le Courage - Grasset), avec une nouvelle de l'écrivain Arthur Dreyfus, le catalogue de l'exposition publié par la Galerie Templon sera disponible en librairie et à la galerie à partir du 13 janvier 2018.

#PierreEtGilles

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Love From Paris (Nassim Guizani, Angèle Metzger, Lukas Ionesco), 2016
Photographie peinte à la main et encadrée - 128 × 176 cm, unique
© Pierre et Gilles. Courtesy Galerie Templon, Paris et Bruxelles

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Le bal des coccinelles (Jhona Burjack), 2017
PHOTOGRAPHIE PEINTE SUR TOILE ET ENCADRÉE
120 CM (DIAM.)
47 1/4 IN. (DIAM.)
UNIQUE

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Pierre et Gilles, Douce France (Nicolas Dax), 2017. Acrylique sur photo imprimée par jet d'encre sur toile et encadrée. 140 x 98,6 cm

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Pierre et Gilles, Fujiyama mon amour (Sylvie Vartan), 2017. Acrylique sur photo imprimée par jet d'encre sur toile et encadrée. 139,5 x 106,5 cm

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Le livre de la jungle (Jhona Burjack), 2017
PHOTOGRAPHIE PEINTE SUR TOILE ET ENCADRÉE
122 X 164 CM
48 X 64 5/8 IN.
UNIQUE

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Le rebelle du Dieu néon (Paul Lemaire), 2017
PHOTOGRAPHIE PEINTE SUR TOILE ET ENCADRÉE
138,5 X 105,5 CM
54 1/2 X 41 1/2 IN.
UNIQUE

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
De la rue aux étoiles (Jean-Paul Gaultier), 2014
PHOTOGRAPHIE PEINTE SUR TOILE ET ENCADRÉE
176,5 X 156,5 CM
69 1/2 X 61 5/8 IN.
UNIQUE

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Pierre et Gilles, Opération Sentinelle (Guillaume Thor), 2017. Acrylique sur photo imprimée par jet d'encre sur toile et encadrée. 156,5 x 107,5 cm

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Pierre et Gilles, La prière du soir, Al Icha (Saïd Oulali), 2017. Acrylique sur photo imprimée par jet d'encre sur toile et encadrée. 163,5 x 131,5 cm

Vernissage de Pierre et Gilles "Le Temps imaginaire"
Pierre et Gilles, La Mort de Bernard Buffet (Alexandre Guillaume), 2017
Huile sur photographie tirée sur toile et encadrée - 134,5 × 93,5 cm, unique
© Pierre et Gilles. Courtesy Galerie Templon, Paris et Bruxelles

[18:30-22:00] Vernissage de l'exposition "Chat fait 20 ans"
Location:
Galerie Brugier-Rigail
Art Partner Galerie
40, rue Volta
75003 Paris
M° Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 77 09 00
Mobile : +33 (0)6 99 42 10 50
Fax : +33 (0)1 42 77 09 00
Mail : contact@artpartnergalerie.com
Internet Site : www.artpartnergalerie.com
Description:
08/02/2018 - 28/02/2018
Vernissage le jeudi 8 février 2018 de 18h30 à 22h

CHAT FAIT 20 ANS

Nous l'avons tous découvert au coin d'une rue, sur les hauteurs d'un toit, ce curieux félin jaune au sourire malicieux. Nous nous sommes tous posé cette question : mais que fait ce chat-là ? Qu'a-t-il à nous révéler ? Au premier coup d'oeil, on lui découvre un côté enfantin qui entraîne les plus jeunes dans un imaginaire fantastique. Pour les plus grands, il suggère cette dimension issue tout droit de la figuration libre s'inspirant pleinement de la bande dessinée.

Savez-vous que cela fait maintenant 20 ans qu'il nous attire dans son sillage, qu'il nous hypnotise de ses grands yeux et surtout nous transporte avec altruisme lors de ses innombrables et facétieux périples urbains ?

Pour notre plus grand plaisir, il a cette façon délicieusement provocante de se trouver au bon endroit au bon moment afin, peut-être, de déclencher un sourire. N'en déplaise à certaines institutions ferroviaires de transport d'usagers... qui elles, ont bien du mal à nous faire décrocher ce précieux rictus !

C'est une promenade à travers le monde que M. Chat a souhaité nous offrir pour célébrer ce magique et fantastique anniversaire. Il a réuni pour l'occasion une trace de son passage sur les différents continents de notre planète et c'est une réjouissance. C'est qu'il en a parcouru des kilomètres notre ami pour distribuer ce sourire enchanteur !

L'artiste possède ce grain de folie illusoire donnant à penser que rien n'est sérieux dans sa démarche. Détrompez-vous ! M. Chat maîtrise parfaitement ce qu'il fait et l'acte gratuit n'existe pas dans son oeuvre, son message est résolument optimiste, observez-le ! Il est tel l'ambassadeur de notre planète parfois hostile, il divulgue sur son chemin un message positif et authentique, un message d'espoir.

À l'occasion de cette magnifique exposition inédite, l'artiste, avec toute sa générosité et sa bienveillance, nous dévoile ses prodigieux carnets de voyage d'explorateur.

Nous répondons présents à cette invitation et lui souhaitons d'ores et déjà longue route et de belles aventures en perspective... nous l'accompagnerons, et bien entendu... joyeux anniversaire !

Laurent et Éric

Vernissage de l'exposition "Chat fait 20 ans"




[19:00-22:00] Dîner pour la Fondation d'entreprise Galeries Lafayette
Location:
Fondation d'entreprise Galeries Lafayette
Lafayette Anticipation
9, rue du Plâtre
75004 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 45 96 68 68
Mail : lafayetteanticipation@galerieslafayette.com
Internet Site : www.lafayetteanticipation.com
Description:
Pour toute information :
lafayetteanticipations@galerieslafayette.com

[19:00-21:00] Vernissage de Bettina Rheims "Détenues"
Location:
Château de Vincennes
Avenue de Paris
94300 Vincennes
M° Château de Vincennes, RER A Vincennes
France
Phone : +33 (0)1 48 08 31 20
Fax : +33 (0)1 48 08 31 20
Internet Site : www.chateau-vincennes.fr
Description:
en présence de Brigitte Macron et de la secrétaire d'Etat à l'égalité femmes-hommes, Marlène Schiappa

Vernissage de Bettina Rheims "Détenues"
Brigitte Macron et Marlene Schiappa au Vernissage de l'exposition de Bettina Rheims "Detenues"

du 9 février au 30 avril

Bettina Rheims expose ses « Détenues » dans les châteaux de Vincennes et de Cadillac.

Exposition « Détenues » de Bettina Rheims
au château de Vincennes du 9 février au 30 avril 2018
et au château de Cadillac du 1er juin au 4 novembre 2018
Encouragée par Robert Badinter, la photographe Bettina Rheims a réalisé en 2014 une série de portraits de femmes incarcérées, intitulée « Détenues ».

Ce projet, soutenu par l'administration pénitentiaire, confronte l'univers carcéral avec celui de la création artistique ; dans un dialogue complexe, il interroge la construction et la représentation de la féminité dans les espaces de privation de liberté et d'enfermement.

De ces rencontres, volontaires, sont nés des portraits saisissants qui nous renvoient au regard que nous portons sur la détention.

La série « Détenues » offre une fenêtre de conversation avec l'univers sensible et peu connu de la détention. Ces femmes photographiées en prison, dans un studio improvisé, ont pu s'engager avec la photographe dans une démarche de reconstruction de leur identité féminine et amorcer un travail de restauration de leur image.

« Il me fallait aller à la rencontre de femmes qui n'avaient pas fait le choix de vivre entre quatre murs. Nous avons beaucoup parlé. Elles se sont racontées, et j'ai tenté de leur offrir un moment hors de ce temps-là ». Bettina Rheims, novembre 2016.

Au total, une cinquantaine de photographies seront exposées au château de Vincennes et au château de Cadillac où l'installation photographique renouera avec le passé carcéral de ces deux monuments et l'histoire des prisons pour femmes en France.

Le donjon de Vincennes sert dès le XVe siècle de prison d'Etat, et reçoit notamment, jusqu'en 1784, des prisonnières politiques. A la Révolution française, le pavillon du Roi devient à son tour - brièvement - un lieu d'incarcération destiné aux femmes dites de mauvaise vie.

Le château de Cadillac quant à lui, est converti en prison pour femmes en 1818. Des femmes condamnées à des peines diverses y sont incarcérées. De 1890 jusqu'en 1952 le château de Cadillac devient « école de préservation de jeunes filles » où sont placées de jeunes mineures considérées comme délinquantes.


Informations pratiques

Exposition au château de Vincennes :
Date : du 9 février au 30 avril 2018
Tarif : 9€ / 7€

Exposition au château de Cadillac :
Date : du 1er juin au 4 novembre 2018
Tarif : 5€ / 6€

Le Centre des monuments nationaux proposera des visites guidées de l'exposition notamment à destination du jeune public et du public scolaire.

Un ouvrage regroupant les photographies accompagnées d'un avant-propos de Robert Badinter et d'un texte de Nadeije Laneyrie-Dagen est édité dans la prestigieuse collection Blanche - grand format - par les éditions Gallimard.


A propos de Bettina Rheims

De sa série sur les stripteaseuses de Pigalle (1980) qui marque le début de sa carrière, au cycle sur la vie de Jésus dans « I.N.R.I. » (1998), des portraits d'animaux empaillés dans la série « Animal » (1982) à son travail sur le genre dans « Gender Studies » (2011), la photographie de Bettina Rheims bouscule l'iconographie et les thèmes traditionnels.

L'une des séries majeures, « Chambre Close » (1990-1992) - la première en couleur - marque le début de sa collaboration avec le romancier Serge Bramly.

Plusieurs institutions ont consacré des expositions rétrospectives à son travail : le Kunsthal, Rotterdam et le Moscow House of Photography, Moscou (2006), le C/O Berlin et le FORMA, Milan (2008), la Maison Européenne de la Photographie de Paris et le Fotografiska Museet de Stockholm (2016).

Un ouvrage rétrospectif qui rassemble plus de 500 photographies réalisées durant 35 ans de sa carrière, a été publié par les Editions Taschen en 2016.

En 1995, Bettina Rheims a réalisé le portrait officiel du Président de la République Jacques Chirac. Il la décore des insignes d'officier de la Légion d'honneur pour l'ensemble de son travail en 2007.


Exposition réalisée avec le mécénat de Banijay Group, la Fondation M6 et Picto Foundation.



Vernissage de Bettina Rheims "Détenues"
Eve Schmit II, novembre 2014, Roanne © Bettina Rheims

Vernissage de Bettina Rheims "Détenues"
Niniovitch II, novembre 2014, Roanne © Bettina Rheims

Vernissage de Bettina Rheims "Détenues"
Vue de l'exposition "Détenues" de Bettina Rheims à la Sainte-Chapelle de Vincennes.
© Didier Plowy / CMN.

Vernissage de Bettina Rheims "Détenues"
La scénographie est signée Nicolas Hugon.
© Didier Plowy / CMN.

[19:00-22:00] Vernissage de Michèle Blond Vizzavona & Corinne Desaubliaux "Ensemble"
Location:
MJC de Neuilly-sur-Seine
Maison des Jeunes et de la Culture de Neuilly-sur-Seine
Place Parmentier
92200 Neuilly-sur-Seine
M° Porte Maillot, Sablons
France
Phone : +33 (0)1 46 24 03 83
Fax : +33 (0)1 46 37 06 94
Mail : mjc.neuilly-sur-seine@wanadoo.fr
Internet Site : www.mjcneuilly92.com
Description:
Michèle Blond Vizzavona & Corinne Desaubliaux présentent : Ensemble.

Une parfaite symbiose artistique entre univers poétiques et scènes de genre. Ces atmosphères figuratives se font support des expérimentations de ces deux amies.
Ce mois-ci, ne manquez pas de découvrir une exposition unique, qui vous plongera dans un conte onirique à la croisée des chemins.

Vernissage le jeudi 08 février 2018, à partir de 19h
Du lundi 05 au samedi 17 février.
Ouverture du lundi au vendredi de 10h00 à 20h00.
Le samedi de 10h00 à 18h00, fermé le dimanche

Vernissage de Michèle Blond Vizzavona & Corinne Desaubliaux "Ensemble"

[19:00-21:00] Vernissage de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"
Location:
Instituto Cultural de México à Paris
119, rue Vieille du Temple
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 44 61 84 44
Fax : +33 (0)1 44 61 84 45
Mail : idemexfra@sre.gob.mx
Internet Site : icm.sre.gob.mx/francia/
Description:
dans le cadre de l'exposition de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"

Aquarelles originales réalisées pour le Travel Book Mexico
(Editions Louis Vuitton)

du 9 février au 31 mars 2018
du lundi au vendredi de 10h à 13h et de 14h à 18h, le samedi de 15h à 19h
fermé le dimanche et les jours fériés

Vernissage de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"

Après son succès auprès du public mexicain au Musée national d'Art Moderne de Mexico, où l'exposition a été vue par plus de 33 000 visiteurs, "Carnet du Mexique" de Nicolas de Crécy est présentée à Paris dès le 9 février, enrichie d'une dizaine d'œuvres inédites.

Puissance du dessin, expressivité des couleurs, fourmillement de détails et influences multiples... L'auteur du Bibendum céleste offre une vision baroque et poétique de la capitale mexicaine qui exalte à la fois sa riche architecture et la vivacité de sa foisonnante population, résumant ainsi l'éclectisme de la ville et de ses environs, Oaxaca, Tepozlán, Cuetzalan... Une variété qui se retrouve dans les différentes techniques utilisées par Nicolas de Crécy : aquarelle, gouache, encres, acrylique.

« Je ne trouve pas, je cherche ! », ironise Nicolas de Crécy en inversant la célèbre maxime de Picasso. Scénariste et dessinateur, peintre et écrivain depuis plus de vingt-cinq ans, Nicolas de Crécy signe une œuvre protéiforme, aussi insolite que poétique. Dans ses livres, nourris par la philosophie, la littérature et le surréalisme, il multiplie les expériences graphiques et stylistiques, revisite les genres (bande dessinée, manga, carnets de voyage ou de dessins...) et les techniques (encre de Chine, aquarelle, crayon, gouache, stylo, craie...), tout en composant conjointement à ses travaux éditoriaux une œuvre plasticienne à part entière - peintures, sculptures, gravures. Autant d'expérimentations qui se nourrissent les unes des autres et renouvellent la pensée comme le geste du créateur.


Né à Lyon en 1966, cet artiste aux modes d'expression multiples s'est fait connaître par la bande dessinée.

En 1991, Les Humanoïdes Associés publient son premier album, un Foligatto empreint de la pensée de Beckett, couronné par divers prix. Dès lors, Nicolas de Crécy n'aura de cesse d'élargir les cadres et de brouiller les pistes pour explorer librement tous les modes narratifs et formels. Du scénario baroque et onirique (Le Bibendum céleste, qui court sur trois volumes) au récit satirique et grinçant (la série des Léon la Came, dont le deuxième volume a reçu l'Alph-Art du meilleur album 1998), de la fable muette (Prosopopus) au conte loufoque (Salvatore), Nicolas de Crécy investigue aussi bien la bande dessinée que l'illustration jeunesse (La Nuit du grand méchant loup, Le Roi de la piste), le carnet de voyage (Carnets de Kyoto), le texte illustré plus personnel (New York-sur-Loire, Des gens bizarres, Cafés moulus), le récit autobiographique en dessins (Journal d'un fantôme) ou encore le manga (La République du catch, publié dans le magazine japonais Ultra Jump en 2015)... Il est également le premier auteur à signer une bande dessinée sur le Louvre (Période glaciaire, 2005), dont les planches originales ont été présentées dans l'enceinte de l'illustre institution en 2009.

Pensionnaire en résidence d'artiste à la Villa Kujoyama, à Kyoto, en 2008, Nicolas de Crécy prolonge depuis l'aventure nippone en multipliant projets et collaborations avec des artistes japonais, à l'instar d'Artbook (2014), exécuté avec son complice Taiyō Matsumoto.

Son travail fait l'objet de traductions et d'expositions en Europe, aux États-Unis et au Japon. Une monographie a ainsi été publiée chez MEL Publisher en 2016, alors que l'artiste plasticien investissait la même année Le Quartier - centre d'art contemporain de Quimper - pour une plongée dans la fabrique du dessin, ses techniques et ses processus, et dans Le Manchot mélomane, un hommage à Paul Wittgenstein (1887-1961), célèbre pianiste virtuose amputé de la main droite, qui lui a inspiré un portrait en creux... « Se laisser surprendre et se surprendre soi-même », résume l'artiste.

Vernissage de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"
Plaza Santo Domingo, Centro Histórico, Mexico City. © Nicolas de Crécy

Vernissage de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"
© Nicolas de Crécy

Vernissage de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"
© Nicolas de Crécy

[19:00-21:00] Vernissage de Sébastien Leban "Les gardiennes de Kihnu"
Location:
Centre d'animation de la Grange-aux-Belles
55, rue de la Grange-aux-Belles
6, rue Boy Zelensky
75010 Paris
M° Colonel Fabien, Louis Blanc
France
Phone : +33 (0)1 42 03 40 78
Fax : +33 (0)1 42 03 47 67
Mail : information-gab@crl10.net
Internet Site : www.grange-aux-belles.com
Description:
Exposition du mardi 6 février au vendredi 16 mars

Au large de l'Estonie, perdue dans les eaux glaciales de la mer Baltique, une petite île abrite l'une des dernières sociétés matriarcales d'Europe aux traditions fortes. Depuis le XIXe siècle, les femmes gèrent cette communauté d'à peine 500 âmes tandis que les hommes, pêcheurs pour la plupart, partent en mer durant de long mois. La petite île de 16 km², classée en 2008 au patrimoine immatériel de l'UNESCO, est mise en avant par l'office du tourisme de Tallinn, et commence à attirer les curieux, ce qui n'est pas du goût de tous ses habitants. Pourtant, la saison estivale est essentielle à la bonne santé économique de l'île. Mare Mätas, 42 ans et quatre enfants, à la tête de la « Kihnu Cultural Space Foundation », défend les traditions, l'artisanat local et la tranquillité des insulaires.

www.sebastienleban.com

Dans le cadre de la Journée Internationale de lutte pour les Droits des Femmes

Vernissage de Sébastien Leban "Les gardiennes de Kihnu"

[19:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Entre Pierres & Mers"
Location:
Centre d'animation Sohane Benziane
20, rue Georges Duhamel
75015 Paris
M° Pernety
France
Phone : +33 (0)1 45 38 68 28
Mail : ca.sohane@wanadoo.fr
Internet Site : www.brancion-paris15.asso.fr/Sohane/hp_sohane.html
Description:
Cette exposition à l'initiative de Noël Rasendrason met en scène des travaux d'artistes, mais avant tout de femmes et d'hommes qui, à certains moments, ne peuvent faire autrement que de vivre par la pierre et/ou l'eau et d'en faire une constante presque instinctive dans leur travail, à l'aide de matières, de supports et de médiums toujours différents. Si nous avions voulu faire une exposition représentative d'un thème si extraordinairement vaste il aurait sans doute fallu réquisitionner le Louvre pour plusieurs années.
Au Centre Sohane Benziane, pour 15 jours - dont deux de projections -, voici, avec modestie et libre interprétation mais amour du sujet, des morceaux choisis permettant une vue d'ensemble.

Vernissage le jeudi 1er février
Projections :
- Clip de Érosion (avant-première !) de Dew Town Mayor & Noël Rasendrason
- Sel Vivare de Pauline Charrière
- Abîmes de Arthur Baude
- Projet de TPE de Sani Sadji & Kamil Badeau
- D'autres surprises mystérieuses

Soirée de rattrapage le jeudi 8 février !

Aria Ann
Artiste-architecte-designer infiniment portée sur un travail graphique souvent minéral, toujours brut et, comme elle, multi-facettes.
http://www.ariaann.com/

B-gnet
Auteur de bandes dessinées le jour, illustrateur de paysages secrets la nuit et, qu'il le veuille ou non, de paysages faits de pierres et d'eaux.
http://b-gnet.blogspot.fr/

Arthur Baude
Artiste, designer, maker, photographe et vidéaste en profondeur, il montre les milieux marins et leur poésie évidente et impitoyable par tous les moyens qu'il peut. Ici en photos, vidéos et peut-être même en performance.
http://moireblanc.com/Frontieres-Liquides
http://arthurbaude.blogspot.fr/2018/01/abime.html

Sani Sadji & Kamil Badeau
Deux ambitieux qui viennent d'obtenir leur bac scientifique entre autres à l'aide d'un projet de TPE très réussi et porté sur ...les ricochets.

Pauline Charrière
Artiste plasticienne mais aussi chercheuse et raconteuse d'histoires. Ici elle nous conte avec contemplation une route par le prisme d'un paysage et d'une héroïne qu'elle connait bien.
https://www.lamaincollectif.fr/membre/pauline-charriere

Dew Town Mayor
Musicien planteur d'arbre, compositeur de la pièce de musique électronique Érosion mais aussi réalisateur du clip éponyme qui sera ici présenté en avant-première.
http://soundcloud.com/dewtownmayor

Noël Rasendrason
Artiste, illustrateur (et également voix et acteur du clip sus-cité), il nous montrera des îles tirées de son imaginaire rocailleux.
www.noelrasendrason.com
"Cette exposition n'est pas un prétexte" tenterait-il de dire après avoir été à son initiative, des galets plein les bras, mais nous ne sommes pas dupe.


Merci à LA MAIN collectif et à l'équipe du centre Benziane Sohane de permettre à cette exposition d'exister !

Vernissage de l'exposition collective "Entre Pierres & Mers"

[19:00-23:00] Vers la Marketplace RH : Modernisez votre offre façon Amazon !
Location:
6 Cité Roquette
Loft Bastille
6, Cité de la Roquette
75011 Paris
M° Bastille, Bréguet - Sabin
France
Description:
Le jeudi 8 février 2018, Althéa, en partenariat avec Salesforce, organise une soirée dédiée au futur des SIRH.

Dans un lieu d'exception - Le Lieu Privé - près du quartier de la Bastille, Althéa réunit des acteurs de l'écosystème de la HRTECH : notre partenaire Salesforce, le LAB RH et des Responsables Innovation RH de Grands Groupes pour une soirée d'échanges autour de la thématique "Vers la Marketplace RH : Modernisez votre offre RH façon Amazon !".

Avec nos partenaires et experts, nous vous donnerons un éclairage unique sur la mutation profonde que connaissent les SIRH, avec une mise en lumière des tendances d'une Marketplace RH.

Cette soirée agrémentée d'animations, s'articulera autour de 3 temps majeurs :

19h00 - 19h45 : Cocktail d'accueil

19h45 - 20h45 : Edition spéciale ALTHEA TV "Vers la Marketplace RH : Modernisez votre offre RH façon Amazon !". Nous aborderons de nombreuses questions :

Comment être en adéquation avec les nouveaux usages en proposant des services simples et ludiques et en exploitant la data ?

Quelles sont les clés d'une expérience collaborateur réussie pour générer l'adoption de ses outils RH ? Comment bousculer son organisation en intégrant les innovations start-up et leurs usages mobiles ?

Comment démontrer la valeur des services RH à la performance de l'entreprise ? Quels sont les résultats et la valeur perçue de ces nouveaux services RH dans son organisation ?

20h45 - 23h00 : Cocktail dînatoire et networking

>> RSVP





[20:00] Remise des prix du «Best of the Best Award»
Location:
Hôtel The Peninsula Paris
19, avenue Kléber
75116 Paris
M° Kléber
France
Phone : +33 (0)1 58 12 28 88
Fax : +33 (0)1 58 12 29 99
Mail : ppr@peninsula.com
Internet Site : paris.peninsula.com
Description:
Mieux qu'un Best of Show ? Le «Best of the Best Award» décerné par la chaîne d'hôtels Peninsula. La récompense suprême pour une automobile de collection.

En marge du salon parisien Rétromobile qui ferme ses portes dimanche 11, la chaîne d'hôtels Peninsula a procédé à la remise des prix du «Best of the Best Award» jeudi 8 au soir lors d'un dîner dans le cadre privé à l'hôtel Peninsula Paris. Ce prix, instauré en 2015, représente la plus haute distinction en matière de véhicules de collection. C'est un peu le concours des concours. La superfinale. Le principe de ce trophée considéré comme la plus haute distinction en matière de véhicules de collection est de départager les véhicules qui ont obtenu un Best of Show au cours de l'année écoulée dans l'un des principaux concours d'élégance de la planète. Cette année, la superfinale voyait s'affronter huit véhicules primés en 2017. C'est ainsi que le jury composé de sommités du monde de l'automobile a eu à départager des fleurons de la carrosserie française, italienne et anglaise.

Les véhicules en lice étaient:

- l'Alfa Romeo 8C 2900B Spider de 1939 produite par Touring et Best of Show au concours d'Amelia Island. Faisant partie d'une série de sept spiders Touring à châssis empattement long avec un moteur 2,9 litres, cette voiture représente la quintessence du grand tourisme au cours des années 1930.

La Ferrari 212 Export.
- la Ferrari 212 Export Cabriolet de 1951 exécutée par Vignale et primée lors du Cavallino Classic. Dessinée par Giovanni Michelotti, cette Ferrari à conduite à droite avait été commandée par Jorge da Cunha d'Almeida Araujo, ambassadeur du Portugal en France.

- l'Alfa Romeo Giulietta Sprint Speciale Prototipo de 1957 Bertone primée au Concorso d'Eleganza Villa d'Este. Chef d'oeuvre de Franco Scaglione, ce véhicule fut dévoilé lors du salon de l'auto de Turin en 1957. Il s'agit du prototype de l'Alfa Romeo SS et donc d'une voiture intermédiaire entre les légendaires Alfa Romeo Berlinetta Aerodinamica Tecnica de Franco Scaglione et la version de production des modèles Giulietta Sprint Speciale qui a suivi.

- la Lancia Astura Aerodinamica Coupé de 1933/35 signée Castagna et récompensée au Concours of Elegance Hampton Court Palace. Exemplaire unique, cette Lancia portant la signature d'un carrossier méconnu sort d'une restauration qui a duré sept ans.

- la Bugatti Type 57 SC Coupé Atlantic de 1936, conçue par Jean Bugattiet récemment auréolée du Chantilly Arts & Elégance Richard Mille. Pour beaucoup, ce coupé aérodynamique dessiné par Jean Bugatti est considéré comme la plus belle voiture au monde.

- la Ferrari 250 GT Cabriolet de 1957 Pinin Farina récompensée lors du Goodwood Cartier Style et Luxe Concours d'Elegance. Moins réputée que le Spider California, le cabriolet 57 représente un sommet d'élégance et de classicisme.

- la Mercedes-Benz S Roadster de 1929 signée Barker et Best of Show l'an dernier à Pebble Beach . Ce roadster propulsé par un moteur suralimenté de 7 litres a appartenu au pilote de course britannique Lord Howe.

L'ATS à V8 central.
- l'ATS 2500 GTS Coupé de 1964. Sans doute le modèle le plus méconnu de la sélection des huit lauréates, le coupé italien est le résultat de l'association d'anciens ingénieurs Ferrari limogés fin 1961 avec le comte Volpi. Dessinée par Franco Scaglione pour le compte d'Allemano, l'ATS est animée par un V8 2,5 litres placé en position centrale arrière.


Sans grand suspense, le jury a décerné la superfinale des Best of Show à la Bugatti 57 Atlantic appartenant à Peter et Mullin. C'est la deuxième fois que le Californien obtient cette récompense après le Best of the Best Award 2015 qui avait été décerné à son coupé Talbot-Lago T150-C SS, châssis n°90106, carrossé par Figoni & Falaschi» sous le label «Goutte d'Eau». En 2016, c'est une automobile italienne, la Maserati A6 GCS/53 exécutée en berlinette par Pinin Farina qui avait obtenu la récompense.

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