Saturday, February 10, 2018
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10
February 2018
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  Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

08:00  
09:00  
10:00  
11:00  
12:00 [12:00-14:00] Déjeuner des Nommés des César 2018
Location:
Fouquet's
99, avenue des Champs-Elysées
46, avenue George V
75008 Paris
M° George V
France
Phone : +33 (0)1 40 69 60 50
Fax : +33 (0)1 40 69 60 55
Mail : fouquets@lucienbarriere.com
Internet Site : www.lucienbarriere.com/localized/fr/restaurants/nos_restaurants/fouquets.htm
Description:
en présence de Julie Gayet, Guillaume Canet

13:00
14:00 [14:30] Rencontre avec Hoël Duret
Location:
Ecole municipale des beaux-arts de Gennevilliers
Galerie Edouard Manet
3, place Jean Grandel
92230 Gennevilliers
M° Asnières - Gennevilliers Les Courtilles, RER C Gennevilliers
France
Phone : +33 (0)1 40 85 67 40
Fax : +33 (0)1 47 99 33 30
Mail : embamanet@ville-gennevilliers.fr
Internet Site : www.ville-gennevilliers.fr/culture/ecole-municipale-des-beaux-arts-galerie-edouard-manet/
Description:
dans le cadre de l'exposition d'Hoël Duret "Too Dumb To Fail" Commissaire : Lionel Balouin

Exposition du 18 janvier au 17 mars 2018
Rencontre avec l'artiste le samedi 10 février

Je m'appelle Harvey, j'ai 34 ans, je suis journaliste.
Le 11 décembre dernier, j'ai embarqué sur le paquebot MS Lagoon Princess pour 8 jours en mer des Caraïbes. J'étais envoyé par H. Magazine pour pondre une nouvelle, autant vous dire que ça me faisait royalement chier. Si Nancy de la rédac n'avait pas insisté avec ses «ton style néo-gonzo est le seul qui puisse saisir ce qui se passe à bord » croyez bien que je ne serais pas là. Bref, le programme de la croisière Southern Caribbean Retro 5★, tiré sur papier glacé, était simple, un combo de plages de rêves pour touristes malades et difformes, de paradis fiscaux dégueulasses et de souvenirs merdiques.

L'exposition Too Dumb To Fail est une immersion en volume dans le nouveau scénario développé par Hoël Duret.

Projet soutenu par
Escal'Atlantic - Saint-Nazaire
BBC Scotland

Vernissage d'Hoël Duret "Too Dumb To Fail"
Too Dumb to Fail, Hoël Duret © Adagp, Paris, 2017

15:00 [15:00-16:30] Live painting de Joachim Romain "Out of canvas"
Location:
Galerie Art&Craft
32, boulevard du Général Jean Simon
75013 Paris
M° Tram 3a Avenue de France, Bibliothèque François Mitterrand
France
Phone : +33 (0)1 58 89 05 56
Mail : galerie.artcraft@gmail.com
Internet Site : www.galerie-artandcraft.com/wp
Description:
Du 19 janvier au 17 février

Depuis la création de la Galerie Art&Craft, Vincent Tiercin met en lumière une ligne artistique urbaine, ethnique et contemporaine.
Pour cette rentrée 2018, il invite l'artiste plasticien Joachim Romain à investir sa galerie pour son exposition personnelle «Out of Canvas».
Dans la lignée du Nouveau Réalisme et du pop art, Joachim Romain transforme le paysage médiatique dans lequel nous sommes conditionné. Il nous fait prendre conscience de la place que prend la surenchère de l'information dans notre quotidien pour en laisser apparaître par un geste vengeur, une critique de notre société de consommation . L' accumulation, l'érosion, l'usure sont autant de marqueurs de temps que l'artiste utilise dans son travail comme un ennoblissement.

Vernissage de Joachim Romain "Out of canvas"

Vernissage de Joachim Romain "Out of canvas"
Joachim Romain - eve - 73 x 60 cm - 2017

[15:00-18:00] Rencontre avec Anne Commet et Olivia de Saint-Luc
Location:
Galerie Exit Art Contemporain
2, place Denfert-Rochereau
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès
France
Mobile : +33 (0)6 80 45 23 01
Mail : contact@exit-art.fr
Internet Site : www.exit-art.fr
Description:
Les deux artistes, chercheuses de l'abstraction, confrontent leurs expériences et leurs gestes, leur force et leur douceur, là où l'espace est une trame marquée de nœuds et d'étoiles.

Il y a dans les travaux des deux artistes une volonté de dialectique entre l'action, la tension, le désir de montrer les limites et dans le même temps de les dépasser ; une détermination à chercher l'équilibre entre poids et légèreté chez Olivia de Saint-Luc, entre visible et invisible chez Anne Commet.


dans le cadre de l'exposition d'Anne Commet et Olivia de Saint-Luc "DE NŒUDS ET D'ETOILES"

VERNISSAGE JEUDI 25 JANVIER DE 18H30 À 22H00
en présence des artistes
ET JUSQU'AU SAMEDI 3 MARS

La galerie Exit art contemporain est heureuse de présenter DE NŒUDS ET D'ETOILES, conversation poétique entre la peinture d'Anne Commet et la sculpture d'Olivia de Saint-Luc.
Les deux artistes, chercheuses de l'abstraction, confrontent leurs expériences et leurs gestes, leur force et leur douceur, là où l'espace est une trame marquée de nœuds et d'étoiles.

Il y a dans les travaux des deux artistes une volonté de dialectique entre l'action, la tension, le désir de montrer les limites et dans le même temps de les dépasser ; une détermination à chercher l'équilibre entre poids et légèreté chez Olivia de Saint-Luc, entre visible et invisible chez Anne Commet.

Vernissage d'Anne Commet et Olivia de Saint-Luc "DE NŒUDS ET D'ETOILES"

[15:00-20:00] Vernissage de Bertrand Gadenne "Arborescences"
Location:
Galerie Bernard Jordan
77, rue Charlot
75003 Paris
M° Filles du Calvaire, Temple, République
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 61
Mail : galerie.bernard.jordan@wanadoo.fr
Internet Site : www.galeriebernardjordan.com
Description:
10 FÉVRIER - 10 MARS 2018
VERNISSAGE 10 FÉVRIER À PARTIR DE 15H

Vernissage de Bertrand Gadenne "Arborescences"
Bertrand Gadenne, L'Écrevisse, 2016, installation vidéo, 77 x 47 x 13 cm, exemplaire N.1/3 + 1 HC

[15:00-21:00] Vernissage de Dominique Blais "La fin du contretemps"
Location:
Galerie Xippas
108, rue Vieille du Temple
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 40 27 05 55
Fax : +33 (0)1 40 27 07 16
Mail : paris@xippas.com
Internet Site : www.xippas.com
Description:
10 février - 7 avril 2018
Vernissage Samedi 10 février 15:00 - 21:00

Les œuvres de Dominique Blais, toujours technologiques au sens introduit par Umberto Eco1, se trouvent entre deux polarités paradoxalement liées car souvent complémentaires - la magie et la science - et explorent les potentialités d'entités sensibles comme le son, la lumière et le mouvement en y recherchant des noyaux conceptuels et poétiques.

Pour sa quatrième exposition personnelle à la galerie Xippas, l'artiste cherche à faire s'épanouir les réflexions sensorielles et techniquement complexes qu'il mène depuis une décennie, et propose, d'une part, de redécouvrir - jeter un coup d'œil en arrière, ou encore revenir sur ses pas - les pièces, produites entre 2014 et aujourd'hui, et d'autre part, de découvrir des productions inédites qui, inspirées par les mêmes obsessions poétiques, ouvrent vers des horizons ou bien des médiums inattendus. Ce double mouvement de la pensée - le regard en arrière se transformant en regard en avant - crée une mise en abîme et inscrit l'exposition dans un cycle pour qu'elle devienne encyclopédique au sens étymologique du terme (en grec ancien enkuklios signifie un cercle ou encore un mouvement circulaire) et referme la circonférence d'une réflexion mûrie au cours des années. C'est précisément l'image d'un cercle rejoignant l'idée d'un cycle temporel ou encore d'une boucle obsessionnelle qui devient ici transversale : après être passée par plusieurs étapes, celles d'une spirale qui, en s'élargissant graduellement sur les virages, se dirige vers l'achèvement de sa forme palindromique, la boucle se referme et est enfin bouclée.

Le cercle se dessine d'abord en une forme fantomatique et volontairement interrompue à travers une nouvelle pièce de la série Revolution, dont le quatrième opus in situ était visible à la Sucrière pour l'exposition Les Mondes flottants de la Biennale de Lyon en 2017. Des ampoules disposées selon une ligne courbe s'allument succinctement et prestement les unes après les autres suivies d'une période d'extinction appuyée. Elles forment une ellipse qui n'est visible qu'en partie ; le segment se prolongeant au delà de l'espace demeure invisible. L'œuvre invite le spectateur à participer à son activation - reconstruire sa forme, soit par la nécessité géométrique de compléter la figure à partir d'un fragment, soit à partir du souvenir des versions antérieures, en basculant entre ce qui est vu (ou déjà-vu) et le non-vu, afin de refermer virtuellement la circonférence d'une ellipse mi-présente, mi-hypothétique. Ici, le mouvement circulaire (revolutio au sens propre) ne s'achève que dans l'imagination en communiquant à la pièce un statut proche de celui d'un fantôme ou encore d'un fantasme qui s'apprête à s'échapper d'une fiction de white cube vers le monde extérieur dit "réel".

L'idée du cercle revient dans Entropê (l'une des œuvres issue de la résidence de l'artiste au CIRVA2 à Marseille entre 2013 et 2015, et présentée dans l'exposition personnelle Le Temps matériel au Frac Franche-Comté en 2016) où la forme de la sculpture en verre reprend celle de la toupie renvoyant à la notion de rotation qui, à son tour, s'imprime déjà dans le titre - étymologiquement entropê c'est "tourner", "faire se retourner", "se préoccuper" - tandis que le socle, un guéridon en chêne massif d'une forme épurée, y ajoute une touche atemporelle. Le mouvement reste en suspension, figé en une forme qui fonctionne comme un signe ou bien un symbole transitif, et joue du paradoxe antique pensé à l'envers : comme la flèche en mouvement de Zénon3 reste toujours immobile, la toupie ne bouge pas bien qu'elle ne cesse potentiellement de tourner, en suggérant que le mouvement n'est pensable ni conceptualisable que lorsqu'il est immobilisé.

Le motif du cercle s'épuise avec Empyrée, une série de quatre "tableaux", créée à partir de carreaux de mosaïque en matière plastique réfléchissante choisie par l'artiste pour son caractère iridescent. La lumière, se reflétant sur la surface, explore ses propres limites et dévoile graduellement en fonction des déplacements du spectateur toutes les couleurs du disque de Newton. Cette pièce, construite selon le principe d'un puzzle, cherche à capturer l'unité, ou la nature même de la lumière, à travers la multiplicité, multiplicité des parties mais aussi des couleurs. Elle invite le spectateur à sortir d'une boucle qui se forme à travers les œuvres qu'il vient de découvrir, afin de remonter métaphoriquement jusqu'aux cieux paradisiaques : aux empyrées, à ces sphères illuminées par la force créatrice où les poètes retrouvent l'inspiration.

1 Umberto Eco, "Science, Technology and Magic" dans "Turning Back The Clock", Mariner Books, 2008.
2 Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Plastiques.
3 Aristote, "Physique", VI:9, 239b5.

Vernissage de Dominique Blais "La fin du contretemps"
Dominique Blais, Phases of the Moon (Harvest), 2017
Studio view © Simon Muller / Arcam-Glass


[16:00] Showcase de Melody Gardot
Location:
Fnac Paris - Ternes
26-30, avenue des Ternes
75017 Paris
M° Ternes
France
Phone : 0 825 020 020
Fax : +33 (0)1 44 09 18 01
Mail : etoile@fnac.com
Internet Site : rendezvous.fnac.com/home_magasin.asp?SHP=42
Description:
Forum de rencontres, niveau 4

Avis à tous les fans de Melody Gardot ! L'artiste américaine de jazz, qui sera en concert à l'Olympia au mois de juillet 2018, sera auparavant de passage à Paris au mois de février et fera notamment escale à la Fnac Des Ternes pour y présenter son nouvel album baptisé "Live in Europe".

A cette occasion, elle offrira à son public un showcase gratuit et unique à ne pas manquer le samedi 10 février 2018.

Concernant "Live in Europe", cet opus regroupera tous ses succès de "Baby I'm a fool" à "My One and Only Thrill", de "Les Etoiles" à "Who Will Confort Me", de "Lisboa" à "Morning Sun".

La sélection de ce double album a été faite par Melody elle-même. Plus de 300 concerts enregistrés entre 2012 et 2016, écoutés et sélectionnés par Melody, pour en retirer les versions les plus émouvantes !

Showcase de Melody Gardot

[16:00-20:00] Vernissage de Loris Gréaud "Ladi Rogeurs"
Location:
Galerie Max Hetzler
57, rue du Temple
75004 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 57 40 60 80
Mail : info@maxhetzler.com
Internet Site : www.maxhetzler.com
Description:
10 février - 31 mars 2018

A l'occasion de sa première exposition personnelle à la Galerie Max Hetzler, Paris, Loris Gréaud reconfigure l'espace comme une esquisse.

L'esquisse est une étape très importante dans l'élaboration d'un tableau, d'une sculpture ou d'un livre. C'est en effet à travers ce dessin que l'auteur va tenter de figer les principaux traits et lignes de force de son ouvrage.

Ample, vibrante, dissipée, l'esquisse, dans le projet de Loris Gréaud, a pour vocation d'arrêter en quelques gestes, de façon brute et décomplexée, la structure formelle et conceptuelle de l'œuvre : l'essentiel des intentions de travail y est donné. Elle est à ce titre, une mémoire à la fois schématique et transitoire.

La notion de transition revêt d'ailleurs ici une dimension particulière. Ce passage infime, ou plutôt cet aller-retour permanent qui réside entre pensée et formalisation, entre le programme et sa trajectoire, est pour Loris Gréaud l'endroit véritable de l'œuvre. C'est à ce titre qu'il embrasse l'espace de la Galerie Max Hetzler, Paris comme un paysage global, un incubateur au sein duquel de multiples propositions interagissent.

Ce dispositif nébuleux, composé d'un nouveau corpus d'œuvres, deviendra paradoxalement la matrice pour les futurs développements de Ladi Rogeurs.

Pensée comme un canevas, l'exposition laisse apercevoir le souffle pétrifié d'explosions, la lueur de paysages opioïdes, les stigmates de lieux irrésolus, l'agitation nerveuse d'une arborescencemachine dont le langage semble inaccessible ou encore la voix plurale d'un maître de Khöömei qui résonne en échos avec le chant d'étoiles mortes... L'exposition de Loris Gréaud à la Galerie Max Hetzler, entame le dernier volet de la trilogie amorcée par l'artiste depuis 2008 avec Cellar Door (2008-2011) et The Unplayed Notes (2012-2017).


Loris Gréaud est né en 1979 à Eaubonne en banlieue parisienne où il vit et travaille. Depuis le début des années 2000, Loris Gréaud dessine une trajectoire atypique dans le champ de la création contemporaine.

Son œuvre laisse entièrement place au « projet » qui seul fait autorité, redéfinissant dans son sillage les espaces, la temporalité, les modes d'apparition et de disparition de l'art. Tout cela est mis au service d'une seule volonté : systématiquement effacer et tenter de confondre les limites et frontières qui persistent entre fiction et réalité.

Les projets de Loris Gréaud ont donné lieu à d'importantes expositions personnelles. Il est notamment le premier artiste à avoir investi l'intégralité des espaces d'exposition du Palais de Tokyo avec son projet Cellar Door (2008-2011) qui se développera par la suite à l'ICA (Londres), la Kunsthalle de Vienne, la Kunsthalle de St Gall (Suisse) ou encore au musée de la Conservera de Murcia (Espagne). Il a également fait l'objet d'une double-exposition au Musée du Louvre et au Centre Georges Pompidou avec un projet acclamé : [I] (2013). En 2015, il s'empare de l'ensemble des espaces du Dallas Contemporary (États-Unis) avec son projet toujours à l'œuvre The Unplayed Notes Museum, qui marquera les esprits par son aspect radical et étrangement équivoque. En 2016, il produit le projet Sculpt spécifiquement pour le LACMA à Los Angeles. Enfin, son dernier projet en date The Unplayed Notes Factory à Murano (Italie) dont le commissariat était assuré par Nicolas Bourriaud, durant la 57e édition de la Biennale de Venise.

Il a par ailleurs pris part à de nombreuses expositions collectives parmi lesquelles : A Certain State of the World? au Garage Center (Moscou, 2009), The Wizard of Oz au CCA Wattis (San Francisco, 2009), Altermodern à la Tate Triennal (Londres, 2010), ILLUMInations à la 54e Biennale de Venise (2011), The World Belongs to You au Palazzo Grassi - Fondation Pinault (Venise, 2011), X_Sound : John Cage, Nam June Paik and After au Nam June Paik Art Center (Corée, 2012), Prima Materia à la Pointe de la Douane - Fondation Pinault (Venise, 2013), ou encore Art or Sound à la Fondation Prada (Venise, 2014).

Les œuvres de Loris Gréaud font partie de nombreuses collections publiques parmi lesquelles le Centre Georges Pompidou, le LACMA (Los Angeles) ; le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ; Collection François Pinault (Venise) ; Fondation Louis Vuitton (Paris) ; Musée d'Israël (Jérusalem) ; Collection Margulies (Miami) ; Collection Goetz, (Munich) ; Rubell Family Collection (Miami), Nam June Paik Art Center (Korea).

Ladi Rogeurs se poursuivra jusqu'en 2020 à travers différentes occurrences et stations dans le monde, faisant de ce premier geste la promesse d'une destination potentielle que complètera l'exposition Ladi Rogeurs : Glorius Read (27 avril - 2 juin 2018) à la Galerie Max Hetzler, Berlin, qui débutera lors du Gallery Weekend.

Vernissage de Loris Gréaud "Ladi Rogeurs"
Loris Gréaud, Study for a Solipsism, 2018 (detail)
© Loris Gréaud, Galerie Max Hetzler, Berlin | Paris
Crédit photo: Gréaudstudio

[16:30-18:00] Signature du "Travel Book Mexico" par Nicolas de Crécy
Location:
Instituto Cultural de México à Paris
119, rue Vieille du Temple
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 44 61 84 44
Fax : +33 (0)1 44 61 84 45
Mail : idemexfra@sre.gob.mx
Internet Site : icm.sre.gob.mx/francia/
Description:
dans le cadre de l'exposition de Nicolas de Crécy "Carnet du Mexique"

Aquarelles originales réalisées pour le Travel Book Mexico
(Editions Louis Vuitton)

du 9 février au 31 mars 2018
du lundi au vendredi de 10h à 13h et de 14h à 18h, le samedi de 15h à 19h
fermé le dimanche et les jours fériés

Signature du "Travel Book Mexico" par Nicolas de Crécy

Après son succès auprès du public mexicain au Musée national d'Art Moderne de Mexico, où l'exposition a été vue par plus de 33 000 visiteurs, "Carnet du Mexique" de Nicolas de Crécy est présentée à Paris dès le 9 février, enrichie d'une dizaine d'œuvres inédites.

Puissance du dessin, expressivité des couleurs, fourmillement de détails et influences multiples... L'auteur du Bibendum céleste offre une vision baroque et poétique de la capitale mexicaine qui exalte à la fois sa riche architecture et la vivacité de sa foisonnante population, résumant ainsi l'éclectisme de la ville et de ses environs, Oaxaca, Tepozlán, Cuetzalan... Une variété qui se retrouve dans les différentes techniques utilisées par Nicolas de Crécy : aquarelle, gouache, encres, acrylique.

« Je ne trouve pas, je cherche ! », ironise Nicolas de Crécy en inversant la célèbre maxime de Picasso. Scénariste et dessinateur, peintre et écrivain depuis plus de vingt-cinq ans, Nicolas de Crécy signe une œuvre protéiforme, aussi insolite que poétique. Dans ses livres, nourris par la philosophie, la littérature et le surréalisme, il multiplie les expériences graphiques et stylistiques, revisite les genres (bande dessinée, manga, carnets de voyage ou de dessins...) et les techniques (encre de Chine, aquarelle, crayon, gouache, stylo, craie...), tout en composant conjointement à ses travaux éditoriaux une œuvre plasticienne à part entière - peintures, sculptures, gravures. Autant d'expérimentations qui se nourrissent les unes des autres et renouvellent la pensée comme le geste du créateur.


Né à Lyon en 1966, cet artiste aux modes d'expression multiples s'est fait connaître par la bande dessinée.

En 1991, Les Humanoïdes Associés publient son premier album, un Foligatto empreint de la pensée de Beckett, couronné par divers prix. Dès lors, Nicolas de Crécy n'aura de cesse d'élargir les cadres et de brouiller les pistes pour explorer librement tous les modes narratifs et formels. Du scénario baroque et onirique (Le Bibendum céleste, qui court sur trois volumes) au récit satirique et grinçant (la série des Léon la Came, dont le deuxième volume a reçu l'Alph-Art du meilleur album 1998), de la fable muette (Prosopopus) au conte loufoque (Salvatore), Nicolas de Crécy investigue aussi bien la bande dessinée que l'illustration jeunesse (La Nuit du grand méchant loup, Le Roi de la piste), le carnet de voyage (Carnets de Kyoto), le texte illustré plus personnel (New York-sur-Loire, Des gens bizarres, Cafés moulus), le récit autobiographique en dessins (Journal d'un fantôme) ou encore le manga (La République du catch, publié dans le magazine japonais Ultra Jump en 2015)... Il est également le premier auteur à signer une bande dessinée sur le Louvre (Période glaciaire, 2005), dont les planches originales ont été présentées dans l'enceinte de l'illustre institution en 2009.

Pensionnaire en résidence d'artiste à la Villa Kujoyama, à Kyoto, en 2008, Nicolas de Crécy prolonge depuis l'aventure nippone en multipliant projets et collaborations avec des artistes japonais, à l'instar d'Artbook (2014), exécuté avec son complice Taiyō Matsumoto.

Son travail fait l'objet de traductions et d'expositions en Europe, aux États-Unis et au Japon. Une monographie a ainsi été publiée chez MEL Publisher en 2016, alors que l'artiste plasticien investissait la même année Le Quartier - centre d'art contemporain de Quimper - pour une plongée dans la fabrique du dessin, ses techniques et ses processus, et dans Le Manchot mélomane, un hommage à Paul Wittgenstein (1887-1961), célèbre pianiste virtuose amputé de la main droite, qui lui a inspiré un portrait en creux... « Se laisser surprendre et se surprendre soi-même », résume l'artiste.

Signature du "Travel Book Mexico" par Nicolas de Crécy
Plaza Santo Domingo, Centro Histórico, Mexico City. © Nicolas de Crécy

Signature du "Travel Book Mexico" par Nicolas de Crécy
© Nicolas de Crécy

Signature du "Travel Book Mexico" par Nicolas de Crécy
© Nicolas de Crécy



[17:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Desk Set"
Location:
CAC Brétigny
Centre d'art contemporain de Brétigny
Espace Jules Verne
rue Henri Douard
91220 Brétigny-Sur-Orge
M° RER C Brétigny-Sur-Orge
France
Phone : +33 (0)1 60 85 20 76
Fax : +33 (0)1 60 85 20 90
Mail : info@cacbretigny.com
Internet Site : www.cacbretigny.com
Description:
Edition, film, installations, nouveaux médias...

10 février - 28 avril 2018
Du mardi au samedi de 14h à 18h
Nocturnes les soirs de représentation au Théâtre Brétigny, scène conventionnée

Vernissage Samedi 10 février 17:00 - 21:00
Navette gratuite Paris-Brétigny sur réservation à reservation@cacbretigny.com. Rendez-vous à 17h au 104 avenue de France, 75013 Paris (métro Bibliothèque François Mitterrand).
Le soir du vernissage, Madison Bycroft propose The Infinite Dog, un geste d'ouverture de son installation tout autant que de l'exposition.

Commissaire: Céline Poulin

L'exposition Desk Set regroupe ensemble Madison Bycroft (1987, Australie), Marvin Gaye Chetwynd (1973, Royaume-Uni), Kelly Jazvac (1980, Canada) et Ayoung Kim (1979, Corée du Sud), dont la pratique consiste en la production d'une connaissance et la transmission d'informations impliquant affects et émotions.

« Petra Genetrix from Porosity Valley, date of birth unknown, gender non applicable. Welcome to the Immigration Data Center. » Arrivée par une porte dérobée, la machine commence à luire dans l'obscurité. Plus loin, quatre femmes entourées de livres palabrent, d'une porte à l'autre. Le téléphone sonne, dans le vide, encore. Triant des matières micro-plastiques, elles échangent sur les modes de protection contre la contamination humaine. D'autres, un poulpe perruqué sur la tête ou le visage grossièrement peint dans un costume de papier, transforment images, écritures et corps pour se faire traductrices lyriques. Toutes connaissent le poids de la terre et le nom des coutumes. Entre elles et la machine se joue la nature du savoir, émotionnel et objectif. Tel est le flux qui s'échange, mutant, mutique ou bavard, toujours répété, toujours ritualisé.

Un peu plus loin sur la gauche, une femme tricéphale observe, semblant indiquer différentes directions à suivre. Le choix incombe à l'observateur.trice, ses regards transmettant la tonalité du chemin à emprunter. Elle est de pierre, légèrement ruisselante, contrastant avec l'ensemble des corps laborieux en col Claudine classant, triant, empilant à l'autre bout de la salle.

L'obscurité facilite la vision, encore faut-il pouvoir passer, s'approcher suffisamment pour percevoir la précision des critères et déchiffrer une partie des codes. Le signal se brouille parfois, la machine s'enraye, à moins qu'il ne s'agisse d'un système de cryptage intentionnel. À force d'errance, la consistance du lieu, rhizomatique et difficile à cartographier, pénètre les chairs, oui, il devrait finalement être possible de le schématiser. Peut-être simplement s'asseoir là, à côté de ces pierres de plastique et de corail, sur la dalle composite, mêlée de vinyle et du sang des sacrifiés. Humant l'air qu'on a tenté d'aseptiser - mais dont s'échappent malgré tout des odeurs de colle, de poudre et de terre moisie, coudre les images et mélanger les sources pour en produire de nouvelles.

Céline Poulin


Madison Bycroft (1987, Australie) vit et travaille entre Adelaïde (Australie) et Rotterdam (Pays-Bas). Sa production se déploie sous forme de vidéos, de performances et de sculptures. Elle est titulaire d'un diplôme du Piet Zwart Institute of Fine Art de Rotterdam, qu'elle a notamment obtenu grâce au soutien de la bourse Anne and Gordon Samstag. Avec Natalia Sorzano et Kari Robertson, Madison Bycroft a fondé GHOST, une plateforme dédiée à la collaboration et à la «facilitation». Elle a récemment montré ses travaux dans le cadre du Liveworks performance act award (Trente, Italie) de la Biennale de Sharjah (Beyrouth, Liban), dans le cadre d'expositions à Adelaïde (Marseille) en association avec Triangle France où elle a effectué une résidence en 2017, à la Westfälischer Kunstverein (Münster, Allemagne), à Yellow Brick (Athènes, Grèce), à Physics room (Christchurch, Nouvelle-Zélande) et à l'International Studio & Curatorial Program (Brooklyn, New York, ÉtatsUnis). En Australie, elle a participé à des expositions au Museum of Contemporary Art Australia (Sydney, Australie), à l'Australian Experimental Art Foundation (Adélaïde) et au Contemporary Art Centre of South Australia (Adélaïde).

Marvin Gaye Chetwynd (1973, Angleterre) vit à Glasgow, au Royaume-Uni. Sa pratique artistique entremêle performance, sculpture, peinture, installation et vidéo. Son travail incorpore des éléments issus du théâtre folklorique, du spectacle de rue, de la culture populaire et du cinéma surréaliste. Ses performances et vidéos emploient souvent des troupes de performeurs-recrutés parmi ses amis et ses proches-et mettent en scène des costumes et des marionnettes faites à la main. Elle a participé à des performances et à des expositions à l'international et a été nominée pour le Turner Prize en 2012. Ses projets personnels les plus récents ont eu lieu lors de l'Art Basel Parcours (Suisse, 2017), au frac île-de-france, le plateau (Paris, 2017 et à venir en 2018), au Centre for Contemporary Arts de Glasgow (Écosse, 2016), à Bergen Assembly, (Norvège, 2016), lors de la Biennale de Liverpool (Angleterre, 2016), à la Bonner Kunstverein (Allemagne, 2016), dans le cadre de l'Edinburgh Art Festival (Angleterre, 2015), à l'Open House Glasgow (Écosse, 2015), au Studio Voltaire à Londres (Angleterre, 2014), à Nottingham Contemporary (Angleterre, 2014). Elle a également pris part à de nombreuses expositions collectives, dont dernièrement, à la Walker Art Gallery de Liverpool (Angleterre, 2017), à la Tate Modern à Londres (Angleterre, 2017), à la Schirn Kunsthalle à Frankfurt (Allemagne, 2017). Elle est représentée par les galeries Sadie Coles HQ (Londres), Massimo de Carlo (Milan) et Gregor Staiger (Zürich).

Kelly Jazvac (1980, Canada) réalise des collages, des sculptures et des installations. Parallèlement, elle mène un travail de recherche interdisciplinaire sur la pollution plastique, en collaboration avec des scientifiques, des artistes et des écrivains. Cette recherche a abouti à la mise en évidence et l'étude du «plastigomérat», une pierre d'un nouveau genre faite de l'hybridation de débris de plastique fondu et de la sédimentation naturelle de sable, de bois et de roche. Son travail a récemment été présenté lors d'expositions à la TPW Gallery (Toronto, Canada), à la Galerie Fierman (New York, États-Unis), au Berman Museum (Philadelphie, États-Unis), à Koenig and Clinton (New York, États-Unis), au Prosjektrom Normanns (Stavanger, Norvège) et au musée d'art de l'Université de Toronto. Elle est représentée par la Fierman Gallery (New York).

Le travail d'Ayoung Kim (1979, Corée du Sud) expérimente différents modes d'écriture et de structure narrative à des niveaux visuels, sonores et linguistiques. Ayoung Kim s'est vu consacrer des expositions personnelles au Festival de Melbourne (Canada) en 2017 et au Palais de Tokyo (Paris) en 2016 et a créé une performance à l'Opéra Garnier en 2016. Elle a montré son travail lors de la Biennale de Venise (Italie) en 2015, au Maraya Art Centre (Dubai, Émirats Arabes Unis) en 2015, à la Künstlerhaus Bethanien (Berlin, Allemagne) en 2012, au Leeum Samsung Museum of Art (Seoul, Corée du Sud) en 2012, au Musée d'art moderne de Rio de Janeiro (Brésil) en 2011, au Museum of Arts and Design de New York (États-Unis), au 176/Zabludowicz Collection (Londres, Royaume-Uni) en 2011 et à la Royal Academy of Arts de Londres en 2010. Elle a été en résidence au Pavillon Neuflize OBC du Palais de Tokyo en 2015-2016 et à la Künstlerhaus Bethanien de Berlin en 2012. En 2010, elle a été lauréate du British Institution Award decerné par la Royal Academy of Arts de Londres, et du Young Artist of the Year Award remis par le Ministère de la Culture coréen en 2015.

Cette exposition est réalisée en partenariat avec l'Ilmin Museum of Art (Corée du Sud), l'Arts Council Korea, le Festival de Melbourne, l'INA, la TPW Gallery à Toronto, le frac île-de-france, le Théâtre Brétigny et la Médiathèque de Brétigny-sur-Orge.

Vernissage de l'exposition "Desk Set"
Ayoung Kim, Porosity Valley, Portable Holes, video still. Courtesy Ayoung Kim

[17:30] Rencontre avec Pierre Créac'h
Location:
La Mouette rieuse
17 bis, rue Pavée
75004 Paris
M° Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 43 70 34 74
Mail : lamouetterieuse.librairie@gmail.com
Internet Site : www.lamouetterieuse.fr
Description:
Pierre Créac'h est un auteur-illustrateur-compositeur de livres-disques pour la jeunesse. Cet homme de talent a effectivement beaucoup de cordes à son arc et beaucoup de passion à revendre... Le voilà qui débarque à La Mouette rieuse avec des lithographies en tirages limités sous le bras. Exposées dans la galerie, au 2ème étage, pendant un mois, elles vous en mettront plein les yeux, et videront peut-être un peu votre porte-monnaie. En tout cas, on vous met au défi de ne pas craquer devant tant de talent en noir et blanc !

Exposition du 9 février au 9 mars

Rencontrez Pierre Créac'h le 10 février !
Le samedi 10 février, pour lancer l'exposition, rendez-vous avec Pierre Créac'h à 17h30 pour une séance de dédicaces. Il vous accueillera avec toute la générosité et la passion qui le définissent et vous signera avec plaisir les trois ouvrages qu'il a publiés chez Sarbacane.

Pierre Créac'h
À n'en pas douter, les fantômes des grands maîtres se sont penchés sur son berceau. Après des études musicales au conservatoire national de Montpellier couronnées par une médaille d'or, Pierre Créac'h, né en 1977, entre à l'École supérieure d'arts graphiques de Paris. Il obtient cette fois une mention très bien. Il enseigne aujourd'hui le dessin. Le Silence de l'Opéra est né de ces talents multiples. S'il est l'auteur et l'illustrateur de ce livre d'exception, Pierre Créac'h en a également conçu la bande-son. Il s'inspire de la musique concrète dans laquelle toute source sonore (couacs d'instruments, vocalises, bruits de porte...) peut être utilisée comme matériau musical et poétique. (Sarbacane)

http://pierrecreach.com

Ses livres :

Le Silence de l'opéra
Louis, petit preneur de son vif et curieux, pousse un jour la porte de l'Opéra de Paris. Il découvre l'existence de grands personnages blancs, fantômes malicieux des œuvres jouées dans la prestigieuse salle, et engage avec eux une palpitante partie de cache-cache. Il rencontre ainsi le grand rideau rouge, les canards nés des « couacs » des instruments, une petite danseuse, un chef qui cuisine les musiciens « pour en tirer les meilleurs arômes » - puis il offre à son tour une surprise à ses nouveaux amis : vibrer au son de la guitare d'Electric Jon, la légende du rock'n'roll !
Le Silence de l'opéra, 112 pages + CD, 29€90, 2009

Le Château des pianos
Après Le Silence de l'Opéra, le nouveau conte musical de Pierre Créac'h : une aventure ludique au pays des pianos !
Rémi, jeune pianiste, doit passer le concours du Conservatoire. Affolé par le trac, il s'enfuit et tombe sur un mystérieux château abandonné. Il découvre alors une incroyable collection de vieux pianos, désaccordés, nostalgiques et gémissants. « Je ne savais pas que les pianos étaient aussi sensibles », s'étonne Rémi.
Il y a là le clavecin de Bach, le pianoforte de Mozart, ceux de Schubert et Beethoven, le pianino de Chopin et tant d'autres encore... Aidé par le chat Cluster, malicieux maître des lieux - clin d'œil au chat d'Alice -, Rémi entreprend d'écrire une musique pour redonner vie aux vieux pianos.
Les instruments sont ici des personnages co- casses et touchants, et le solfège, une aventure captivante peuplée d'êtres amusants et poétiques. Pour finir, la musique composée par Rémi fera réapparaître en personne Bach, Mozart, Schubert et les autres, sortant des pianos tels des génies de la lampe d'Aladin...
Le Château des pianos, 80 pages + CD, 29€90, 2014

Le Fantôme de Carmen
Bienvenue dans une nouvelle aventure à l'Opéra, où l'on retrouve Louis, le petit preneur de son du Silence de l'Opéra. Il est confronté cette fois au fantôme de Carmen. La Madré géante a perdu ses personnages et doit les retrouver pour une représentation exceptionnelle, le soir même, devant le roi et la reine d'Espagne : « Petits, petits ! », s'égosille-t-elle.
Au long d'une quête pleine de fougue et de rebondissements (avec chevaux, danseuses et même un taureau sur scène !), l'auteur déroule habilement toute l'intrigue de l'œuvre de Bizet, donnant à entendre au passage ses grands airs. C'est drôle, enlevé, de qualité... et populaire : comme cet opéra exaltant, le plus joué au monde !
Le Fantôme de Carmen, 112 pages + CD, 29€90, 2016

Rencontre avec Pierre Créac'h




[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "AFRICA APERTA - Part II"
Location:
Galerie Dominique Fiat
16, rue des Coutures Saint-Gervais
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Saint-Paul, Chemin Vert
France
Phone : +33 (0)1 40 29 98 80
Fax : +33 (0)1 40 29 07 19
Mail : info@dominiquefiat.com
Internet Site : www.dominiquefiat.com
Description:
Ndidi DIKE, Safâa ERRUAS, Nicola LO CALZO, Emo de MEDEIROS, Karin MILLER, Rowan SMITH

10 février - 28 avril 2018
Vernissage 10 février 18h-21h

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