Saturday, April 7, 2018
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07
April 2018
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  Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

08:00  
09:00 [09:00-23:00] Première édition du Vogue Expérience
Location:
Hôtel du Duc
22, rue de la Michodière
29, boulevard des Italiens
75002 Paris
M° Quatre-Septembre, Opéra, Chaussée d'Antin - Lafayette
France
Mobile : +33 (0)6 08 21 18 67
Mail : xavinacattan@gmail.com
Internet Site : www.hotelduduc.com
Description:
Cet évènement a été imaginé pour faire vivre à la communauté du magazine des expériences inédites imaginées par des marques comme DIM, Dyson, Galeries Lafayette, Guerlain, Nike, NYX Professional Makeup, Lierac, Levi's, René Furterer, Vestiaire Collective, Leica ou encore Ladurée.

Le temps d'une journée, le Vogue Expérience propose une immersion dans l'écosystème mode et beauté, à la découverte des dernières innovations et tendances. Cet évènement s'adresse principalement aux millennials passionnés de mode et de beauté en quête d'inspiration.

https://www.vogue.fr/vogue-experience

Première édition du Vogue Expérience

[09:30-17:30] 27ème Journée du Livre Politique
Location:
Ministère des Affaires étrangères et européennes
Quai d'Orsay
37, quai d'Orsay
1, rue Robert Esnault-Pelterie
75351 Paris
M° Invalides, Assemblée Nationale
France
Phone : +33 (0)1 43 17 53 53
Internet Site : www.diplomatie.gouv.fr
Description:
A l'occasion de la 27ème Journée du Livre Politique qui aura lieu le samedi 7 avril 2018 à l'Assemblée nationale, l'association Lire La Politique souhaite ouvrir le débat sur l'évolution du paysage politique français. Cette année, la journée a pour thème : « Les nouveaux enjeux de la République ». Plusieurs tables-rondes accueilleront des personnalités politiques, économiques, écrivains, philosophes (programme ci-dessous). Elles seront ponctuées par la remise de plusieurs Prix : Le Prix du Livre Politique, le Prix des Députés, le Prix Etudiant du Livre Politique et le Prix Etudiant de la BD Politique, en partenariat avec France Culture. Les ouvrages primés devront favoriser l'analyse, la réflexion, la revalorisation du discours et de la pensée politique.

A l'occasion de cette journée, la librairie de la Documentation Française sera ouverte de 13h à 17h30 et des séances de dédicaces des lauréats, finalistes, auteurs politiques incontournables sont prévues.

Cette année, le jury du Prix du Livre Politique est présidé par Frédéric Mitterrand, ancien ministre, écrivain, cinéaste. Il est composé d'une vingtaine de journalistes et éditorialistes politiques.

Le jury du Prix Etudiant du Livre Politique et le Prix Etudiant de la BD Politique est, présidé par David Amiel, économiste, composé d'une quinzaine d'étudiants des Universités françaises et des Grandes Ecoles.

Les lauréats de chaque prix seront connus samedi 7 avril. Ci-dessous la liste des finalistes :

Prix du Livre Politique (par ordre d'alphabétique d'auteurs)
- Le Grand détournement, Fatiha AGAG-BOUDJAHLAT, Editions du Cerf
- La Communauté, Ariane CHEMIN et Raphaëlle BACQUE, Albin Michel
- Fille de révolutionnaires, Laurence DEBRAY, Stocks

Prix des Députés
- Macron, un président philosophe, Brice Couturier, L'observatoire
- Fille de révolutionnaires, Laurence DEBRAY, Stocks
- Angela Merkel, l'ovni politique, Marion VAN RENTERGHEM, Les Arènes

Prix Etudiant du Livre Politique
- Chaque jour compte - 150 jours à Matignon, Bernard CAZENEUVE, Stock
- La Communauté, Ariane CHEMIN et Raphaëlle BACQUE, Albin Michel
- Fille de révolutionnaires, Laurence DEBRAY, Stocks

Prix Etudiant de la BD Politique
- 50 nuances de Grecs, Jul et Charles PEPIN, Dargaud
- Peyi an nou, Jessica OUBLIE et Marie-Ange ROUSSEAU, Steinkis
- Paroles d'honneur, Leïla SLIMANI et Laetitia CORYN, Les Arènes


Programme de la journée : « Les nouveaux enjeux de la République »

9h30 - Mot de bienvenue - Luce Perrot, Présidente de Lire la Politique et Etienne Gernelle, directeur du journal Le Point

9h35- Hommage à Simone Veil, par Marie-Pierre Rixain, Présidente de la délégation aux droits des femmes et à l'égalité des chances entre les femmes et les hommes de l'Assemblée Nationale, Députée de la 4ème circonscription de l'Essonne (LREM).

Débat n° 1 - 10h : « Le retour des violences en politique ? » animé par Elizabeth Martichoux, chef du service politique, RTL, avec :
- Géraldine Bannier, députée (MoDEM) de la 2ème circonscription de la Mayenne ;
- Marie-Christine Dalloz, députée (LR) de la 2ème circonscription du Jura ;
- Gilles Finchelstein, directeur de la Fondation Jean Jaurès, directeur des études de Havas Worldwide ;
- Michel Wieviorka, sociologue, écrivain, directeur d'études à l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Président de la Fondation Maison des Sciences de l'homme

Débat n° 2- 11h : « Mai 58, Mai 68, Mai 2018 : des révolutions françaises ? » animé par Françoise Fressoz, éditorialiste, Le Monde, avec :
- Laurence Debray, journaliste, écrivain ;
- Anne Levade, Professeur de droit constitutionnel, président de l'Association française de Droit Constitutionnel ;
- Franck Riester, Député de la 5ème circonscription de Seine-et-Marne, Coprésident du groupe UDI, Agir et Indépendants à l'Assemblée nationale, Délégué national d'Agir
- Henri Weber, directeur des études européennes (PS)

12h Remise des Prix animée par Valérie Brochard - LCP-AN

12h : Remise du Prix des Députés avec le Jury du Prix des Députés

12h20 : Remise du Prix du Livre Politique, avec le jury du Prix du Livre Politique

12h40 : Discours de Frédéric Mitterrand, ancien ministre, écrivain, cinéaste, Président du jury du Prix du Livre Politique 2018

12h50 - Discours de François de Rugy, Président de l'Assemblée nationale

13h-17h30 : Librairie de la Documentation Française #LivrePol

14h - Hommage à Jean d'Ormesson, par Jean-Marie Rouart de l'Académie Française

14h15 - Présentation du sondage Lire La Politique - IPSOS, par Gérard Courtois, éditorialiste, Le Monde, et Brice Teinturier, directeur général délégué, IPSOS France

Débat n° 3- 14h45 : « Nouveaux clivages politiques, nouvelles formes de mobilisation citoyenne : du parti aux mouvements, quel avenir pour les partis traditionnels ? » animé par Arlette Chabot, éditorialiste, LCI, avec :
- Nicolas Colin, Co-fondateur de The Family
- Hugues Renson, député (LREM) de la 13ème circonscription de Paris, Vice-président de l'Assemblée nationale
- Myriam Revault d'Allonnes, philosophe, professeur des universités, chercheur associé au CEVIPOF

Débat n° 4 -15h45 : « Les Etats-Nations sont-ils menacés d'implosion ? Quelles conséquences pour la France et l'Europe ? » animé par Michèle Cotta, éditorialiste, essayiste, avec :
- Dominique Reynié, professeur des universités à Sciences Po, directeur général de la Fondation pour l'innovation politique
- Manuel Valls, député (apparenté LREM) de la 1ère circonscription de l'Essonne ancien Premier Ministre

16h45 - Remise du Prix Etudiant du Livre Politique - France Culture et du Prix Etudiant de la BD Politique - France Culture animée par Emilie Aubry, France Culture avec :
Frédérique Vidal, Ministre de l'Enseignement supérieur, de la Recherche et de l'Innovation, et Vincent Lemerre, conseiller au programme, France Culture et le Jury du Prix Etudiant du Livre Politique.

17h15- Discours de clôture par Frédérique Vidal, Ministre de l'Enseignement supérieur, de la Recherche et de l'Innovation


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#LivrePol / @lirelasociete

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[11:00] Vernissage de l'exposition "La Porte des Rêves, un regard symboliste"
Location:
Propriété Caillebotte
8, rue de Concy
91330 Yerres
M° RER D Yerres
France
Phone : +33 (0)1 69 49 76 27
Internet Site : www.proprietecaillebotte.com
Description:
L'exposition se tiendra du 7 avril au 29 juillet à la Ferme Ornée dans le parc de la propriété.

7 avril - 29 juillet 2018

Découvrez une collection privée symboliste de quelques 170 oeuvres (peintures, sculptures, dessins, lithographies et objets d'art) d'une cinquantaine d'artistes.
Jamais exposée depuis l'an 2000, l'exposition revêt un caractère exceptionnel quant à la sélection rigoureuse des œuvres les plus importantes de la collection.
La Propriété Caillebotte souhaite faire découvrir au plus grand nombre les artistes symbolistes et leurs questionnements et quête d'idéal : la défiance envers le matérialisme, la volonté d'un retour à la nature, la quête de sens et de spiritualité.

Vernissage de l'exposition "La Porte des Rêves, un regard symboliste"

Cette exposition présente une collection privée qui réunit une sélection exceptionnelle de peintures, sculptures, dessins, lithographies et objets d'art d'une cinquantaine d'artistes français ou étrangers, qui vivaient et travaillaient en France entre 1890 et 1914 et appartenaient à deux générations du mouvement symboliste français et européen.

Profondément singulières, d'une grande densité poétique et parfois visionnaires, les quelques 150 oeuvres exposées mettent en lumière les préoccupations idéalistes, mystiques ou philosophiques de ces artistes en proie aux interrogations, aux doutes et aux aspirations qui surgissent à la fin du XIXe siècle, et dont beaucoup se révèlent très influentes dans l'art du XXe siècle et de ses « avant-garde » (l'abstraction, le surréalisme, jusqu'aux dessins animés de manga ou à l'univers de la bande dessinée).

Vernissage de l'exposition "La Porte des Rêves, un regard symboliste"
Visuels, de haut en bas et de gauche à droite : Alphonse Osbert (1857-1939), Le Mystère de la nuit, 1897 ; Romaine Brooks (1874-1970), Le Printemps, 1911-1913 ; Camille Claudel (1856-1943), La Valse, 1905, Collection privée © Thomas Hennocque






[14:00-18:00] L'Aquarium tropicale fait peau neuve
Location:
Aquarium de la Porte Dorée
Palais de la Porte Dorée - Aquarium Tropical
293, avenue Daumesnil
75012 Paris
M° Porte Dorée, T3a Porte Dorée
France
Phone : +33 (0)1 53 59 58 60
Fax : +33 (0)1 43 43 27 53
Internet Site : www.aquarium-portedoree.fr
Description:
INVITATION EN FAMILLE

l'Aquarium tropical fait peau neuve !
Samedi 7 avril 2018 de 14h à 18h
visites - ateliers - goûter

RSVP : portedoree@pierre-laporte.com
>> invitation

Dans la limite des places disponibles

Habit de tortues - 14h30 et 16h
A partir de 6 ans
Durée : 1h
Bienvenue chez les Matamata, les tortues « à nez de cochon » et les tortues de Floride ! Toutes les tortues de l'Aquarium tropical sont de sortie pour un carnaval un peu spécial... Après une rencontre avec ces tortues, les enfants pourront imaginer et décorer leur carapace avec de la laine !

Chasse au trésor à l'Aquarium tropical - 14h30 et 17h
A partir de 6 ans et en famille
Durée : 45 minutes
Un trésor est caché quelque part dans l'Aquarium tropical ! Saurez-vous résoudre les énigmes pour le retrouver ? En observant les poissons et les milles richesses de la faune et la flore de l'Aquarium, vous pourrez certainement le retrouver...

Ouvrez grand les yeux ! 1, 2, 3 clown - 16h et 17h
3-5 ans (présence d'un parent obligatoire)
Durée : 45 minutes
Connaissez-vous le fameux poisson-clown ? Êtes-vous sûr de savoir pourquoi il porte ce nom ? Pour le savoir, venez le découvrir à l'Aquarium tropical ! Dans un deuxième temps, les enfants pourront décorer et personnaliser leur propre poisson clown !

Exposition Cyclops, explorateur de l'océan
L'Aquarium tropical de la Porte Dorée invite les familles et le jeune public à explorer et mieux comprendre le monde marin qui couvre près de 70 % de la surface de notre planète. Imaginée pour les enfants de 6 à 10 ans, l'exposition propose un voyage sensoriel et interactif dans les écosystèmes marins en compagnie de Cyclops, un copépode planctonique, le plus abondant de notre planète. Ludique, pédagogique et scientifique, l'exposition éveille la curiosité et suscite le questionnement des plus jeunes. Debouts, assis ou couchés, les enfants investissent les espaces d'exposition pour devenir de véritables explorateurs d'un voyage planctonique, polaire, abyssal, tropical, littoral, cartographique qui les mènera jusqu'au laboratoire de l'exposition. Dispositifs interactifs, jeux, manipulations et expérimentations ludiques qui ponctuent le parcours, invitent à découvrir l'océan et ses mystères, et sensibilisent les jeunes visiteurs.

[14:00-19:00] Rencontre avec Sophie Bocher
Location:
Galerie Grès
9, rue du Pont Louis-Philippe
75004 Paris
M° Pont Marie, Saint-Paul, Hôtel de Ville
France
Mobile : +33 (0)6 83 84 36 23
Description:
Dans le cadre de l'exposition de Sophie Bocher "matières essentielles"

Vernissage de Sophie Bocher "matières essentielles"

[14:00-18:00] Vernissage d'Emanuel Rossetti "Developments"
Location:
Sundogs
10, boulevard de Strasbourg
75010 Paris
France
Mobile : +33 (0)6 44 29 11 73
Mail : hello@sundogs.paris
Internet Site : sundogs.paris
Description:
Emanuel Rossetti
Developments

Opening Weekend
7-8 April 2-6pm
By Appointment until 6 May 2018

New Sundogs Sunglasses

Mitchell Anderson, Olga Balema, Will Benedict, Juliette Blightman, Kaucyila Brooke, Victoria Colmegna, Raul de Nieves, Piero Golia, Karl Holmqvist, Calla Henkel & Max Pitegoff, Bernhard Hegglin, Melike Kara, Ho King Man, Marie Matusz, Greg Parma Smith, Marta Riniker-Radich, Anina Troesch, Seyoung Yoon

[14:00-20:00] Vernissage de Abelardo
Location:
Art Symbol Gallery
21 & 24, place des Vosges
75003 Paris
M° Chemin Vert, Saint-Paul, Bastille
France
Phone : +33 (0)1 40 27 05 75
Fax : +33 (0)1 40 27 84 64
Mail : info@artsymbol.com
Internet Site : www.artsymbol.com
Description:
7 - 30 Avril 2018

Vernissage de Abelardo







[15:00-21:00] Le Lavo//matik a 4 ans
Location:
Le Lavo//matik
arts urbains
20, boulevard du Général Jean Simon
75013 Paris
M° Tram 3a Avenue de France, Bibliothèque François Mitterrand
France
Phone : +33 (0)1 45 83 69 92
Mail : benoit.maitre@wanadoo.fr
Description:
En ce moment nous fêtons l'anniversaire des 4 ans du Lavo, autour de cette très belle édition des Murs Ouverts, la vingt-cinquième déjà ! 84 artistes au rendez-vous, impressionnant ! Merci encore à eux et à vous de nous suivre depuis tout ce temps :)

Du coup nous vous invitons à jouer avec nous, aux dés ou à la roue du bonheur, pour bénéficier de remises jusqu'à 12% sur tous vos achats, et même 15% sur tous les t-shirts Obey ! Autant dire que c'est le moment de passer nous voir !!!

[15:00-18:30] Rencontre avec Alice Grenier-Nebout
Location:
Galerie Exit Art Contemporain
2, place Denfert-Rochereau
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès
France
Mobile : +33 (0)6 80 45 23 01
Mail : contact@exit-art.fr
Internet Site : www.exit-art.fr
Description:
dans le cadre de l'exposition d'Anne Kuhn et Alice Grenier-Nebout "Made for Love"

Made for Love
Héroïnes, Guerrières, Putes ou Reines

jusqu'au Samedi 21 Avril 2018

La galerie Exit art contemporain est heureuse de présenter "Made for Love I Héroïnes, Guerrières, Putes ou Reines" avec la photographie inébriante d'Anne Kuhn et la peinture sensuelle d'Alice Grenier- Nebout.

Scruter les sentiments de la femme et de l'homme avec le désir de construire une culture de liberté et d'égalité. S'approprier des existences de reines, de courtisanes, d'anonymes de tous les temps ou de femmes brisées par la vie, et les aimer ...

Tout simplement pour leurs qualités de femmes, qui espèrent ou qui provoquent, qui s'engagent, qui dérangent et qui s'obstinent à la recherche de leur but. C'est la leçon que la galerie Exit art contemporain veut tirer de l'œuvre de ces deux artistes.

Vernissage d'Anne Kuhn et Alice Grenier-Nebout "Made for Love"

[15:00-18:00] Rencontre et goûter avec Hyperbaudet
Location:
SERGEANT PAPER ARTSTORE
38, rue Quincampoix
75004 Paris
M° Rambuteau, Les Halles, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 71 32 81 89
Mail : contact@sergeantpaper.com
Internet Site : www.sergeantpaper.com
Description:
Samedi 7 avril, le Sergeant vous invite à découvrir les nouvelles oeuvres de l'artiste Marie Baudet aka Hyperbaudet.
De 15h à 18h, l'artiste sera présente au 38, rue Quincampoix, pour une séance de dédicace. Vous pourrez alors échanger avec Hyperbaudet, le tout autour d'un petit goûter.
A cette occasion, le Sergeant vous offrira -20% de réduction sur ses oeuvres, samedi 7 avril seulement.

Marie Baudet est originaire de la Rochelle. Vivant désormais à Paris, elle travaille dans la production audiovisuelle et passe son temps libre à illustrer. A l'aide de ses pinceaux et crayons, elle dresse des portraits de famille à partir de vieilles photos. Une ambiance très vintage dans laquelle sont figés des instants de vie de personnages à la particularité de n'avoir de visage. Une manière pour l'artiste de laisser chacun imaginer sa propre histoire...

Rencontre et goûter avec Hyperbaudet

[15:00-20:00] Vernissage de Catherine Wilkening & Alina Alamorean
Location:
IBU Gallery
166, galerie de Valois
Jardins du Palais Royal
75001 Paris
M° Palais Royal - Musée du Louvre
France
Phone : +33 (0)1 42 60 06 41
Fax : +33 (0)1 42 60 05 31
Mail : cyril@ibugallery.fr
Internet Site : www.ibugallery.fr
Description:
Vernissage de Catherine Wilkening & Alina Alamorean

[15:00-18:00] Vernissage de Clare Strand "The Discrete Channel with Noise"
Location:
Centre Photographique d'Ile de France
CPIF
107, avenue de la République
77340 Pontault-Combault
M° RER Emerainville Pontault-Combault
France
Phone : +33 (0)1 70 05 49 80
Fax : +33 (0)1 70 05 49 84
Mail : contact@cpif.net
Internet Site : www.cpif.net
Description:
Exposition du 8 avril au 8 juillet 2018
Ouverture du mercredi au vendredi de 13h à 18h, le samedi et dimanche de 14h à 18h.
L'exposition sera exceptionnellement fermée les 9, 10 et 20 mai, et fermera à 16h30 le 19 mai.

Vernissage public le samedi 7 avril, à 15h
suivi d'une rencontre dialoguée avec Pascal Beausse, critique d'art et commissaire d'exposition
Navette gratuite
Départ de Paris, Bastille, à 14h10
Retour estimé à 19h
Renseignements et réservation : contact@cpif.net

Pour sa première exposition personnelle en France, l'artiste britannique Clare Strand donne forme aux recherches développées lors de sa résidence au CPIF en 2017. Utilisant la photographie, la peinture, l'installation avec des machines et du son, l'artiste traite ici avec humour de la perte et du brouillage dans la communication.

Elle y dévoilera notamment - à côté de travaux plus anciens - ses premières peintures, des grands formats réalisés à distance, selon un protocole mis en place avec son mari.
Tout à la fois espiègle et sérieuse, populaire et savante, banale et mystérieuse, son œuvre se joue des oppositions pour mieux saisir la complexité de notre présent et s'en amuser. Elle est aussi en lien avec le quotidien, plus précisément avec la part d'inattendu qui s'y joue, ce dont témoigne le blog qu'elle a créé lors de sa résidence.
Si les idées sont fondamentales dans la pratique de Clare Strand et qu'elle ne se cantonne pas à un style, c'est bien la photographie, qui constitue le cœur de son travail. Elle met ainsi en scène la fragilité des images, leur élaboration, leur destruction, la transmission et les modifications dont elles font l'objet. Pour ce faire, elle s'appuie notamment sur ses archives, des photos anciennes - souvent pseudo-scientifiques - collectées depuis 20 ans.
Le titre de l'exposition, qui pourrait se traduire par « Communication intime avec interférences », fait aussi bien écho à la première théorie de l'information du mathématicien Claude Shannon (1916-2001), qu'aux mésaventures de Mike Teavee, personnage du roman de Roald Dahl Charlie et la Chocolaterie (1964).
« Mon objectif, disait Clare Strand en 2013, est de prendre à partie la photographie en soulignant ses multiples usages et limitations : je me tiens en permanence à la limite entre l'évidence et l'absurde. »


Née en 1973 à Brighton, Clare Strand a étudié au Royal College of Art, Londres et vit au Royaume-Uni. Elle a notamment exposé au Museum Folkwang d'Essen où elle a connu en 2009 sa première exposition personnelle d'envergure, au Victoria and Albert Museum à Londres en 2012, aux Rencontres d'Arles en 2013 et au CPIF en 2014. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections importantes : Arts Council England ; The National Collection ; The British Council ; le Museum Folkwang ; la banque Unicredit ; la New York Library ; le Victoria and Albert Museum ; le Centre Pompidou et depuis peu le MoMA de New York et le Mead Museum, Massachusetts. Elle est représentée par la Galerie Parrotta (Stuttgart).
Trois publications sont consacrées à son travail : Clare Strand Monograph (Steidl, 2007), Skirts ( GOST, 2013) and Snake (MACK, 2016).

Exposition réalisée avec le soutien du programme Fluxus art projects et de l'Institut Français.

Vernissage de Clare Strand "The Discrete Channel with Noise"

[15:00-18:00] Vernissage de Keymi
Location:
Galerie Artima
4, rue du Pas de la Mule
75003 Paris
M° Chemin Vert, Bastille
France
Phone : +33 (0)1 48 04 39 70
Fax : +33 (0)1 48 04 39 79
Mail : info@galerie-artima.com
Internet Site : www.galerie-artima.com
Description:
Pour cette cinquième exposition personnelle à la galerie, Keymi (Mickey en verlan) ne cesse de nous surprendre par ses œuvres Street Art, mélange de graffitis classiques et d'influences Pop Art.
Quand il commence à peindre au début des années 1990, il se contente des murs qui l'entourent.
Très vite cependant, il a su développer un style propre, notamment par l'utilisation du polystyrène résiné comme support.
Il joue ainsi avec les formes : figures géométriques, bulles de bande dessinées ou puzzles sur lesquels il décline depuis quelques années ses fameuses Pin up, ses calligraphies abstraites ou dernièrement ses cacophonies (mélange d'influences Pop, Manga, graff ou typographie).

Venez découvrir ses nouvelles œuvres qui renouvellent avec fraîcheur et originalité le Street Art.

Vernissage en présence de l'artiste samedi 7 avril 2018 de 15 à 18h
Exposition jusqu'au 13 mai dans les deux galeries

Vernissage de Keymi

[15:00-19:00] Vernissage de l'exposition "De(s)rives"
Location:
Île Saint-Louis
75004 Paris
M° Pont Marie, Sully - Morland, Maubert - Mutualité
France
Description:
DE(S)RIVES
une itinérance dans l'île Saint-Louis
12 lieux
12 artistes

Avec:
Benoît Pype, Thibault de Gialluly, Philippe De Gobert, herman de vries, Honoré δ'O, Patrick Everaert, Stéphane Thidet, Miquel Mont, Lucien Pelen, Sigurdur Arni Sigurdsson, Nobuko Tsuchiya, Elika Hedayat

Vernissage
Samedi 7 avril 15h-19h

Point d'information au Studio B - Graines de photographes
2 rue de Bretonviliers, 75 004 Paris

Vernissage de l'exposition "De(s)rives"

[15:00-19:00] Vernissage de l'exposition "Kodomo No Kuni - Enfance et aires de jeux au Japon"
Location:
L'Onde Théâtre Centre d'art
Micro Onde - Centre d'art contemporain de l'Onde
8 bis, avenue Louis Breguet
78140 Vélizy-Villacoublay
M° RER C Chaville - Vélizy
France
Phone : +33 (0)1 78 74 38 60
Mobile : +33 (0)6 19 77 32 89
Mail : microonde@londe.fr
Internet Site : www.londe.fr
Description:
Kodomo No Kuni
Enfance et aires de jeux au Japon

commissaire invité : Vincent Romagny

du 7 avril au 30 juin

Vernissage samedi 7 avril, 15h
Navette disponible depuis Paris-Concorde, à 14h. Réservez vite vos places !
Contact : 01 78 74 39 17 / 06 19 77 32 89 / microonde@londe.fr

En partenariat avec La Maréchalerie à Versailles et le FRAC Grand Large - Hauts-de-France à Dunkerque

Après l'exposition Aires de jeux - Contre-emplacements en 2010, le Centre d'art de l'Onde invite de nouveau le commissaire indépendant Vincent Romagny à poursuivre ses réflexions sur les liens entre les aires de jeux pour enfants et certaines formes présentes dans l'art contemporain.

« Kodomo No Kuni » (« le pays des enfants » en japonais) est le nom d'un parc dont l'inauguration en 1965 a été l'occasion d'une déclaration du gouvernement japonais, mettant un terme officiel aux reconstructions de l'après Seconde Guerre mondiale. « Kodomo No Kuni » est ainsi, métaphoriquement, le signe du recours à l'enfance suite aux destructions qu'ont pu occasionner l'histoire ou des catastrophes naturelles.

L'exposition éponyme propose une traversée sélective dans l'histoire des formes de l'aire de jeux de l'après-guerre, et dans l'art contemporain au Japon. Elle nous propose de découvrir des jeunes artistes japonais qui portent une attention particulière aux questions de l'enfance et de la mémoire.

Avec les œuvres de Kasumi FUJISAWA, Le Gentil Garçon, Fujio KITO, Isamu NOGUCHI, Tadashi ONO, Kohei SASAHARA, Mitsuru SENDA, SHIMABUKU, Mayu SOEDA, Constance SOREL, Soni TAKEURA, Mutsumi TSUDA et Yohei YAMAKADO.

#kodomonokuni

Vernissage de l'exposition "Kodomo No Kuni - Enfance et aires de jeux au Japon"

[15:30-19:00] Inauguration festive des Jolies Choses
Location:
Boulogne-Billancourt
Boulogne-Billancourt
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès, Marcel Sembat, Billancourt
France
Internet Site : www.boulognebillancourt.com
Description:
Les Jolies Choses
Boutique sympathique
39, rue Yves Kermen - 92100 Boulogne-Billancourt
01 41 13 92 88
Mardi - Mercredi - Jeudi - Vendredi : 11h - 19h00
Samedi : 10h - 19h30
Email : lesjolieschoses@lesjolieschoses-boutique.fr
Site : www.lesjolieschoses-boutique.fr

L'inauguration des Jolies Choses aura lieu le Samedi 7 Avril de 15h30 à 19h !

Pour ce jour particulier, ce sera la fête avec la présentation de la sélection de la boutique (jolie papeterie, petits objets et articles autour de l'enfance : jeux, jouets, décoration, éveil, naissance, livres), des bons d'achats à gagner.

Tout ceci accompagné d'un cocktail d'inauguration (surprises salées et surprises sucrées, boissons) élaboré par notre partenaire boulonnais créateur de mets Labo M.

INAUGURATION festive et culinaire donc le samedi 7 avril entre 15h30 et 19h ! Venez nombreux !

Inauguration festive des Jolies Choses

[15:30-21:00] Vernissage de l'exposition "FlowerPunKs"
Location:
Galerie Akiza
3, rue Tholozé
75018 Paris
M° Abbesses, Blanche
France
Mail : akiza@akizashop.net
Internet Site : www.akizashop.net
Description:
Œuvres récentes de
- - - - QUITTER ODESSA
- - - - VIZA (Saint-Étienne)
- - - - DOCTEUR BERGMAN
- - - - et le tout jeune POW !

VERNISSAGE LE SAMEDI 7 AVRIL 2018
- - - - en présence des quatre artistes.
15h30 ouverture des portes - jusqu'à 21h00

Vernissage de l'exposition "FlowerPunKs"








[16:00-19:00] Dédicaces de Romain Froquet
Location:
Joël Knafo Art Gallery
21&24, rue Véron
75018 Paris
M° Abbesses, Pigalle
France
Mobile : +33 (0)7 81 61 21 57
Mail : galerie@joelknafo-art.com
Internet Site : www.joelknafo-art.com
Description:
Romain Froquet sera présent à la galerie samedi 7 avril pour dédicacer le catalogue de l'exposition "Above the Line" et ses deux nouvelles estampes.

Estampes numérotées et signées en 25 exemplaires sur Museum Etching 350g - format 24x30cm
Prix : 60 euros avec un catalogue numéroté et signé.


dans le cadre de l'exposition de Romain Froquet "Above the Line"

du 5 au 28 avril 2018
Vernissage jeudi 5 avril à partir de 18h en présence de Romain Froquet

Première exposition personnelle de Romain Froquet à la galerie Joël Knafo Art, "Above the Line" explore les limites de l'équilibre à travers l'enchevêtrement de lignes et de mouvements courbes.
Nourri par diverses influences dont les créations de Hans Hartung, Romain Froquet propose un ensemble d'œuvres dont "dépassement" serait le maître mot.

Dépassement de soi d'abord :
Tant l'artiste vit chaque création comme une performance, un concentré d'énergie, de vie.
Chaque ligne est l'aboutissement d'années d'expérimentation, de tracés répétés avec application, obstination parfois, à la recherche du geste parfait.

Puis dépassement des limites :
D'abord pour Romain Froquet, avec cette volonté de sortir du cadre sans rompre l'harmonie et l'ambition de renouveler les sources d'inspiration sans altérer l'écriture originel.
L'exposition Above The Line, résonne aussi comme une promesse pour le spectateur.
Plongé au cœur de l'œuvre, son regard parcourt chaque ligne et se laisse guider par les multiples variations.
L'esprit s'évade, les liens se tissent, les flux véhiculent l'énergie dont chacun se nourrit pour aller plus loin. Les couleurs de l'exposition participent à ce voyage en s'inspirant directement du coucher de soleil observé par Romain Froquet depuis son atelier.

Puis de multiples interactions interrogent le spectateur :
L'écriture organique ou végétale, les traces humaines ou spirituelles, la part du visible et de l'invisible sont autant d'indices qui convergent vers la volonté de l'artiste de créer du lien par un ensemble de signes à voir comme un langage universel.

Pour "Above The Line" Romain Froquet écrit une ode à la VIE.

Les œuvres de cette exposition sont inspirées de photos satellites d'échangeurs autoroutiers et s'expriment sur différents matériaux.
La toile, bien sûr pour la noblesse du support, mais aussi la délicatesse du bois dont la référence à la terre, aux racines, à l'arbre de vie est une constante du travail de Romain Froquet.
Et pour la première fois l'artiste s'intéresse aux sacs de jute, symboles de connexions mondiales, et réalisera une installation à découvrir en galerie jusqu'au 28 avril.

L'exposition "Above the Line" de Romain Froquet sera visible Galeries Joël Knafo Art (21 et 24 rue Véron - 75018 Paris) et se prolongera par un parcours dans les rues de Montmartre pour se terminer à l'Hôtel Mercure Paris Montmartre (3 rue Caulaincourt) où quelques œuvres seront visibles.

Vernissage de Romain Froquet "Above the Line"

[16:00-19:00] Performances de Jean-François Guillon
Location:
Galerie Laure Roynette
20, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 42 71 06 35
Mobile : +33 (0)6 08 63 54 41
Mail : contact@laureroynette.com
Internet Site : www.galerie-art-paris-roynette.com
Description:
Performances de Jean-François Guillon :
"Tout dire du rien"
"En cas d'absence"

La galerie Laure Roynette présente le samedi 7 avril 2018 à 16h, deux performances de Jean-François Guillon, dans le cadre de l'exposition Wormholes #1, curatée par Clément Thibault et Mathieu Weiler.

« Tout dire du rien »
Dans cette performance silencieuse, de la série des P.C.M. (Performances à Choix Multiples), quelques mots simples sont distribués de manière aléatoire dans l'espace, formant un texte mouvant, à la manière d'un poème qui se constitue « in progress » sous nos yeux. En écho aux temporalités parallèles de l'hypothèse quantique des « wormholes », la performance se propose de déployer plusieurs textes possibles contenus dans un même objet.

« En cas d'absence »
En installant, déplaçant et rapprochant dans l'espace différents objets et mots, l'artiste propose des rapports de sens et de formes, autour des notions de temps et d'espace. En référence aux paradoxes logiques rencontrés parfois dans la physique quantique, il se joue avec humour de la figure du paradoxe et de l'absurdité de certaines formulations langagières.

Après des études aux Beaux-arts de Paris, Jean-François Guillon a développé un travail de sculpture traitant de l' « en-deça » de l'écriture dans les années 90. A travers une approche drolatique de la question du sens, il développe par la suite une pratique de dé-construction du signe, se situant à mi-chemin entre poétique et signalétique. Sculptures, installations, photographies, dessins, performances, chacune de ses productions envisage de façon sensible l'espace du texte et des idées. Le texte écrit a fait irruption dans son travail depuis les années 2000 : les mots y sont souvent articulés dans des poèmes visuels aléatoires, ou des dispositifs aux formes élémentaires conçus pour des interventions en milieu urbain, des expositions ou des performances.
Il a créé avec Pierre Ardouvin et Véronique Boudier le lieu d'exposition « A l'écart » en 1994 à Montreuil, puis, a dirigé avec Jean-François Courtilat la galerie Ipso Facto à Nantes de 1997 à 2005. Il a également conçu en tant que commissaire plusieurs expositions comme « Bancale » au POCTB à Orléans en 2008, ou « Obsédés textuels » à la galerie RDV à Nantes en 2012.
Plus récemment, son travail a été montré à la galerie Contexts (Belleville), au centre d'art Le 19 à Montbéliard, et au Musée des Arts Décoratifs, où il a scénographié l'exposition de jouets « Parade ». Enfin, il prend en charge la conception visuelle des spectacles du comédien et metteur en scène Didier Galas, avec qui il a fondé le collectif « Les Hauts Parleurs ». Leur prochain spectacle, « Ahmed revient », sur un texte d'Alain Badiou sera créé cet été au festival d'Avignon.

"A la surface de la pratique de l'artiste, on croit percevoir l'idéal d'un monde intelligible, d'un monde qui nous parlerait et que l'on pourrait lire. Des mots, des signes du quotidien peuplent ses photographies, qu'il s'agisse de signes, d'éléments de signalétique, de pancartes... Autant d'objets et de messages qui, au quotidien, nous aident à nous diriger, à comprendre notre environnement. Mais ce que l'on ressent à mieux y regarder - et à moins y comprendre - est que nous passons bien « à travers des forêts de symboles », à travers des bruissements, ceux de la ville et du monde. Les mots, les signes, les symboles ne sont pas transparents, ils ne désignent pas quelque chose qui passerait à travers eux. Au contraire possèdent-ils une matérialité, cachent-ils autant qu'ils montrent, et révèlent ainsi leur nature de signes, jusqu'à parfois ne plus rien désigner d'autre qu'eux-mêmes. Le travail de Jean-François Guillon se situe ainsi à la lisière du langage, là où la répétition, les bugs, les malentendus sont rois. (...)"

Julien Zerbone, Au commencement étalt le verbe.

Performances de Jean-François Guillon




dans le cadre de l'exposition "Wormholes #1"

La galerie Laure Roynette est heureuse de présenter du 15 mars au 21 avril 2018 le group show « Wormholes #1 » curaté par Clément Thibault et Mathieu Weiler avec la participation de Léo Dorfner, Hughes Dubois, Hippolyte Hentgen, Laurent Grasso, Emmanuel Régent, Tim Stokes, Nicolas Tourte, Mathieu Weiler et un capsule Show de Brankica Zilovic.

Wormholes est une double-exposition, dont la première occurrence se tiendra à la galerie Laure Roynette (Paris), la seconde à la Ruche (Paris), pensée comme une expérience sur le temps et l'espace.
Laure Roynette, Clément Thibault et Mathieu Weiler remercient l'ensemble des artistes et les galeries Perrotin, Sémiose et Smulders d'avoir accompagné ce beau projet.


Un wormhole (trou de ver), en physique, est un objet hypothétique qui relierait deux feuillets ou deux régions distinctes de l'espace-temps, comme une sorte de raccourci. Le physicien autrichien Ludwig Flamm (1885-1964) serait le premier à avoir suggéré, dès 1916, leur existence, mais la communauté scientifique s'accorde à en donner la paternité en 1935 à Albert Einstein et Nathan Rosen. Leur théorie précisait que l'on peut fabriquer n'importe quel type de géométrie spatio-temporelle, statique ou dynamique.

Le wormhole n'est qu'un objet mathématique théorique ; avec les connaissances et les outils actuels, il est impossible de confronter la théorie au réel, de l'expérimenter. L'idée, proche de celle de trou noir, a tout de même infusé la société, de la science à la pop culture. Dans la pratique artistique, on peut l'étendre à ceux qui mêlent consciemment, de manière tangible ou symbolique, différents espaces-temps dans leur œuvre, comme un raccourci liant deux espaces-temps distincts de l'art - ou plutôt des représentations humaines.

Certes, les traditions, les inspirations et les jeux de références ont tissé des liens subtils dans l'histoire des formes et les artistes se sont emparés depuis longtemps de la question du temps. Très tôt, certains ont multiplié les temporalités dans leurs tableaux pour construire des narrations ; d'autres ont considéré la dialectique de l'histoire, ont entrepris de rendre perceptible la durée, ont réhabilité des techniques anciennes, etc. Bref, ils ont trouvé des solutions pour évoquer le temps dans un espace en deux dimensions (la toile), l'histoire (l'idéologisation du temps), ou la durée (sa perception). Mais la volonté de mêler différents espaces-temps est récente ; elle se formalise par des jeux de superposition ou de métissage, des assemblages, des collages d'objets portant la charge symbolique d'un temps révolu ou d'un ailleurs, etc. Des wormholes.

Plastiquement, ce geste a deux grands-parents, le collage ou l'assemblage d'Hannäh Hoch (en tant que sélection et recomposition de contenus culturels préexistants, recontextualisés), et le ready-made de Duchamp (qui a amené les artistes à s'interroger plus profondément sur la symbolique propre aux objets qu'ils emploient). Mais s'il est si récent, c'est qu'il a trouvé son origine dans un contexte favorable. Tant, qu'il porte une réelle signification sur notre appartenance au monde, telle qu'elle se définit au début du XXIe siècle.

Plusieurs phénomènes ont permis son émergence. D'abord, un monde porté par le numérique et la mondialisation, où tout est proche, même ce qui est loin, à la fois dans l'espace et le temps. C'est aussi un monde occidental qui a glissé d'un régime de « vérité » à un régime de « relativité » et plus encore de « relation ». Du post-modernisme de Jean-François Lyotard à la « créolisation du monde » d'Édouard Glissant en passant par la French Theory, plus de vérité, que de la relation ; plus de racines, des rhizomes.

Ce glissement est d'ailleurs particulièrement perceptible dans l'institution qu'est le musée. Né au XIXe siècle, du fait des nationalismes et de la nécessité d'affirmer des identités, d'écrire des romans nationaux et de construire des certitudes immuables, le musée a progressivement glissé vers une certaine forme de relativisme culturel. Aujourd'hui, il y est admis qu'aucune culture ne surpasse une autre, donc que naissent des correspondances intéressantes en créant un dialogue adéquat et respectueux entre elles. Mêler les temps et les espaces, donc les cultures, n'a d'intérêt que dans un monde de relations. D'ailleurs, en les confrontant, les styles gagnent en radicalité, parce que mêler les espaces-temps, c'est aussi rendre plus prégnante la relativité des regards.

Clément Thibault


Wormhole.s #1 / temps /
Léo Dorfner, Hughes Dubois, Hippolyte Hentgen, Laurent Grasso, Emmanuel Régent, Tim Stokes, Nicolas Tourte, Mathieu Weiler.
On peut créditer Aby Warburg d'être le premier à développer une pensée « en tunnel », dans la première moitié du XXe siècle, notamment avec l'Atlas Mnémosyne où il décelait dans la Renaissance les survivances des formes du pathos issues de l'Antiquité. Un projet de cartographie mémorielle. Ces rapprochements sont devenus courants chez les artistes, qui emploient les images d'un ailleurs pour leur portée symbolique. Celles et ceux exposés pendant Wormhole.s créent des images d'images. Ils réalisent des jeux de superposition ou de métissage, des assemblages, collages ou empreintes. Ces rapprochements entre symboles d'un ailleurs, d'un temps révolu ou futur, le plus souvent sont opérés pour éclairer le présent. L'image est intrinsèquement liée au temps, et celles de ces artistes relatent le notre à partir d'autres. Sans prendre de risque, on peut présumer que ce geste relativement récent a été porté par la mondialisation des échanges, la multiplication des images et leur plus grande diffusion. Ces images d'images sont les témoins d'un devenir du monde, où l'identité devient liquide et plurielle, où l'histoire se fait rhizome plutôt que racine, où les hiérarchies (culturelles, de genre...) s'abolissent.

Wormhole.s #2 / temps et espaces /
Jean-Marc Cérino, Hughes Dubois, Léo Dorfner, Hippolyte Hentgen, Laurent Grasso, Fabien Leaustic, Caroline Le Méhauté, Emmanuel Régent, Mathieu Weiler, Aby Warburg, Brancica Zilovic.
Wormhole.s #2 poursuit cette investigation sur le temps et notre présent à la lumière d'un passé recomposé ou d'un futur prémonitoire. Elle approfondit surtout l'aspect spatial du wormhole. Les artistes exposés représentent, c'est-à-dire rendent présent, le cosmos et des espaces utopiques ou inexistants, hors du temps. Ainsi, Wormhole.s #2 s'ouvre à une relativité d'autant plus grande, celle de la place de notre histoire, de notre présent et du temps lui-même, bref la place de l'humain dans la réalité, et son mystère. Un mystère aussi grand qu'un passage à travers un trou de ver. »

Clément Thibault
co-commissaire d'exposition, février 2018

Vernissage de l'exposition "Wormholes #1"

[16:00-19:00] Signature d'Alex Varenne
Location:
15 Martel
15 curiosity + experiences
15, rue Martel
BAT.1 #4e étage
interphone - intercom : 15 martel
75010 Paris
M° Château d'Eau, Gare de l'Est, Poissonnière
France
Mobile : +33 (0)6 60 22 50 14
Mail : contact@15martel.com
Internet Site : www.15martel.com
Description:
+ présentation de "Osez la photographie érotique" de Jean-Louis Del Valle


Dans le cadre de l'exposition d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

du 15 mars au 30 avril 2018, prolongation jusqu'au 5 mai

Vernissage jeudi 15 mars 2018 à partir de 18H30 sur invitation
+Performance de Barbara Amorosa, chorégraphe et danseuse
+Concert avec la chorale « Le plaisir des Dieux »
+Présentation de son nouvel ouvrage « L'eau et la femme » aux éditions Zanpano
+Présentation d'un portrait d'Alex VARENNE, vidéo clip réalisé à cette occasion par la galerie

Programme
+Rencontre dédicaces avec Alex VARENNE
Samedi 17 mars 2018 à partir de 16H00

+Confidences et dédicaces avec Jean-Louis del VALLE
photographe, auteur de « Osez la photographie érotique »
Samedi 07 avril 2018 à partir de 16H00
Exposition vente de photographies

+Confidences* avec Alexandre DUPOUY
éditeur, collectionneur, historien de l'érotisme, présentation et signature de l'ouvrage « Casque d'Or »
Samedi 28 avril 2018 à partir de 16H00
*confidences au champagne sur réservation : 20 euros

+Le 15 curiosity + experiences accueille et donne la parole à Alex VARENNE, au parcours libertin totalement assumé. L'auteur interroge notre libre arbitre face aux normes du sexe, explorant le lien entre l'eau et la femme à travers l'histoire de l'Art. L'artiste rend hommage aux peintres classiques européens et aux auteurs d'estampes japonaises, ainsi qu'aux muses qui ont embelli sa vie et inspiré son parcours. Sa maîtrise des couleurs pop et de la ligne « chair » honore les courbes les plus sensuelles et nourrit les fantasmes masculins et féminins.

Alex Varenne rend hommage ci-dessous à la seconde école de Fontainebleau. Gabrielle d'Estrée remet sa bague de fiançailles à sa soeur, la duchesse de Villars, alors qu'elle est enceinte du Henri IV. Cette toile peinte vers 1595 est présentée au Musée du Louvre. Découvrez ce tableau dans l'émission d'Art d'Art.

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"
Femmes au bain - Ecole de Fontainebleau vers 1595 - Musée du Louvre. Interprétation par Alex Varenne, peinture acrylique, pop-art érotique

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

Vernissage d'Alex Varenne "L'eau et la femme"

[16:00-20:00] Vernissage d'Eric Rondepierre "F.I.J."
Location:
Galerie Isabelle Gounod
13, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 48 04 04 80
Fax : +33 (0)1 48 04 04 80
Mail : info@galerie-gounod.fr
Internet Site : www.galerie-gounod.com
Description:
7 avril - 12 mai 2018
Vernissage le samedi 7 avril 2018, de 16h à 20h

Signature par l'artiste de l'ouvrage f.i.j. (Eric Rondepierre, Nuit Myrtide Editions, 2018), à partir de 16h

Vernissage d'Eric Rondepierre "F.I.J."

Le visage est exposé, menacé, comme nous invitant à un acte de violence.1

Le visage d'une femme en face de moi.

Le regard se perd dans la cavité d'un front, ses dents semblent luire à côté de son visage ; son cou devient un chaos de formes sous un soleil confus de métamorphoses. Je n'ai rien oublié de ce que fait d'elle le clic de la souris. Ni la vitesse des catastrophes qui l'ont détruite, ni ma main réglant la distance qui la sépare du cadre, ni le point noir à l'horizon de son nez qui grossit jusqu'aux oreilles. Une brume liquide et blanchâtre stagne à l'intérieur, de chaque côté d'un mur qui se dresse dans le cuir chevelu. Nul être vivant ne saurait avoir un tel visage. De toute la moitié supérieure émerge une trame de chair ou l'enroulement d'une chevelure, qui sait ?

Car dans ce monde habité par des corps en mutation, chaque geste est comparable à une avalanche que je déclare être une mâchoire ou un sourire de passage figé dans des entrailles de lèvres. Mais je n'en suis pas sûr. Car à quelque distance de ce sourire, une entaille profonde s'ouvre sur un œil à fleur de peau.

J'ai beau me répéter que rien n'égale la beauté originelle du visage, sa photogénie fascinante, tout devient pâteux et la structure imprécise, fictivement éminente, de l'ossature, se débat encore avec le chaos. C'est ce chaos que le visage rend visible, c'est ce chaos tendu, contenu, encerclé par le visage, que je voudrais montrer, voir, comme par inadvertance. J'aime à penser que le travail, sur lequel toutes les figures du désordre ont excellé à briller, soit rendu à lui-même, dépourvu de toute allégeance à quelque modèle vérifiable : le goût d'une destruction sans mesure réifiée dans la splendeur d'un accident après coup. Je souhaite que cet exercice d'admiration en creux soit capable de damer le pion aux figures tièdes et mornes d'un monde où chaque signe personnel aurait son pendant à l'intérieur d'une image de cinéma. Le suffrage à vue de ces dames me conférant un sauvage désir de sacrifice humain, il ne me vient pas à l'esprit de revêtir d'un tissu de chair le squelette d'un visage alors que j'ai à ma disposition la main des brigands et l'œil enchanté qui donneront des coups dans le système de l'image jusqu'à ce qu'il cède un peu de terrain.

Le système sait ce qu'il fait, il sait qu'il ne donne rien sans une demande forte où les coups s'enchaînent de plus en plus rapidement, plongeant le joueur dans un état second.

Le « travail » terminé (à considérer qu'obtenir l'impondérable est un travail), je m'éteins en un instant, pas vu pas pris, comme les phares d'une automobile. Je n'ai rien à redouter, rien à prévoir qui puisse amoindrir la fatalité de mon geste. Mon immunité de voleur me protège. Le personnage - visuellement, l'actrice - doit devenir autre, il doit se méconnaître, abdiquer.

Tous les jours, je me place devant l'imminence de son déclin avec cette ténébreuse boussole : un œil et un doigt aiguisés au couteau du désir, rompus à la fatigue de l'index, fixés sur le point médian d'une roue qui tourne dans le silence de l'ordinateur, comme une roulette de casino. L'illusion chaque jour renouvelée de ce manège anéantit tous mes patients espoirs de réussite. En même temps que je fais mon jeu, il se transforme en un rêve de plus en plus abscons. Je lis ce rêve - où des masques engendrent des masques - comme on entre dans un livre, fixé dans l'attente d'un dénouement. L'issue se dévoile lorsque la tension se relâche in extremis entre la conscience formelle d'une ressemblance et ce qui la pousse dans ses retranchements, la rongeant de petits feux nourris.

La grâce enfin, arrachée à la répétition du geste, peut disposer de l'œuvre.
Car, en définitive, c'est pour participer de la grâce, pour l'apercevoir fugacement, que l'on se donne et que l'on joue.

1 Emmanuel Levinas, Ethique et infini, entretien avec Philippe Nemo, Paris, Fayard, 1982, p. 80.

Eric Rondepierre (février 2018)

Vernissage d'Eric Rondepierre "F.I.J."
Eric Rondepierre, Anglaise, 2018
100 x 165 cm

[16:00-20:00] Vernissage de Franck Scurti "The Potato Eaters / Sunset Stories"
Location:
Galerie Michel Rein
42, rue de Turenne
75003 Paris
M° Chemin Vert, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 42 72 68 13
Fax : +33 (0)1 42 72 81 94
Mail : galerie@michelrein.com
Internet Site : www.michelrein.com
Description:
7 avril - 19 mai 2018

La galerie Michel Rein, Paris est heureuse de présenter la sixième exposition personnelle de Franck Scurti, après No Snow No Show (2011), My Creative Method (2012), Still Life, (2013, Bruxelles), Spirit of Dunois Street (2015), et Cloud Merchant (2017, Bruxelles).

Quel pourrait être le dénominateur commun entre un tableau de Van Gogh et l'image photoshopée d'un coucher de soleil, publiée sur Instagram ? L'exposition de Franck Scurti nous donne des éléments de réponse. Comme son titre, l'exposition « The Potato Eaters / Sunset Stories » est construite sur une double dialectique.

Vernissage de Franck Scurti "The Potato Eaters / Sunset Stories"

[16:00-20:00] Vernissage de Ziya Aydin
Location:
Institut kurde de Paris
106, rue La Fayette
75010 Paris
M° Poissonnière, Gare du Nord
France
Phone : +33 (0)1 48 24 64 64
Fax : +33 (0)1 48 24 64 66
Internet Site : www.institutkurde.org
Description:
Vernissage le samedi 7 avril à 16h
avec récit de contes de Dersim par Ziya Aydin,
accompagné en musique au bandonéon par
Annie Kouyoumdjian

Exposition ouverte au public
du vendredi 6 au samedi 28 avril 2018,
de 14h à 19h

Ziya Aydin est né à Dersim. Il est diplômé de l'École des Beaux-Arts d'Istanbul, titulaire d'une thèse en arts plastiques (Université Paris 8) sur « L'émergence de la notion de contrainte en Art».

Il a enseigné les arts plastiques à l'Université Paris VI ainsi qu'à Paris VII et Paris XIII. Actuellement, il poursuit cet enseignement à la Sorbonne.

Depuis 1990, il travaille à Paris et participe à de nombreuses manifestations artistiques.

Ziya Aydin nous parle depuis ses espaces intérieurs. Une vie où des semblants de perspectives se dessinent. Des portes s'ouvrent. Des langues antiques se découvrent sur les murs de son atelier. Il aborde aussi le thème des contes et des légendes qui se déroulent dans des villes mythiques, des épopées, des histoires, des récits mémorisés depuis l'enfance. Ziya Aydin les a retenus, retranscrits et traduits en différentes langues. Il les raconte dans des soirées, pour ses amis.

Vernissage de Ziya Aydin

[16:00-20:00] Vernissage de l'exposition collective "Angle Mort"
Location:
ICI.GALLERY
8, rue Jouye-Rouve
75020 Paris
M° Pyrénées, Belleville
France
Phone : +33 (0)9 87 38 67 63
Mail : contact@ici.gallery
Internet Site : www.ici.gallery
Description:
Du 7 avril au 19 mai 2018
Vernissage le samedi 7 avril à partir de 16h jusqu'à 20h

ANGLE MORT

Des civilisations détruites sous leurs cieux damnés... Les oiseaux eux-mêmes n'ont plus d'horizon et se figent dans leur géographie meurtrière.
Les guerriers ont enseveli leurs morts sous un tas de cendres noires, leur soleil a quitté le ciel et leurs étoiles les ont abandonnés avant l'aube. Ils sont désormais dans l'angle mort d'une cause qui ne sera jamais élucidée. Les vautours ont remplacé les rossignols qui trébuchent sur les frontières de l'intolérable.

Cora Djedoui

Avec :
Pierre Ardouvin
Gilles Balmet
Fabien Boitard
Bianca Bondi
Rebecca Bournigault
Laura Bottereau & Marine Fiquet
Damien Caccia
Nicolas Floc'h
Fabien Granet
Bertrand Lamarche
Claude Lévêque
Emeric Lhuisset
Jonathan Loppin
Tom de Pékin
Jeanne Susplugas
Erwan Venn
Jean-Luc Verna
Joel-Peter Witkin
Alicia Zaton

sur une proposition de Cora Djedoui et Nicolas Gimbert

Vernissage de l'exposition collective "Angle Mort"

[16:30] Visite de l'exposition d'Hélène Lhote "Volte-Facettes"
Location:
Maisons-Laffitte
Maisons-Laffitte
78600 Maisons-Laffitte
M° RER A Maisons-Laffitte
France
Internet Site : www.maisonslaffitte.fr
Description:
Ancienne Eglise-Centre Ianchelevici Maisons-Laffitte
Place de la Vieille Eglise
78600 Maisons-Laffitte

Du 24 mars au 8 avril 2018
Du mardi au dimanche de 14h30 à 18h30

Tél : 01 34 93 12 81
Mail : centre.culturel@maisonslaffitte.fr

Vernissage d'Hélène Lhote "Volte-Facettes"









[17:00-19:00] Finissage de Dominique Blais - performance de Nicolas Fenouillat
Location:
Galerie Xippas
108, rue Vieille du Temple
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 40 27 05 55
Fax : +33 (0)1 40 27 07 16
Mail : paris@xippas.com
Internet Site : www.xippas.com
Description:
Nicolas Fenouillat
Fin du contretemps

Samedi 7 avril 2018, 17h
Entrée libre

Artiste plasticien et performeur, Nicolas Fenouillat traduit de façon poétique et plastique sa recherche active de la création musicale et sonore.

Ses formations complémentaires : artistique aux Beaux-arts de Montpellier, musicale à l'école nationale de musique de Villeurbanne (ENM) comme élève du compositeur Fred Frith et curatoriale à l'école du Magasin de Grenoble l'ont amené vers un travail singulier autour du lien entre la musique et l'art. Son travail artistique composé de sculptures, installations, performances et dispositifs sonores et visuels, puise ses références dans différents domaines de création, architecture, culture populaire et contre-culture musicale. Métaphore d'un climat social, son travail crée une ambiance particulière, vaguement menaçante et propose une immersion dans l'espace afin de le transcender. Il conçoit des œuvres caractérisées par la puissance créatrice du son et par l'expression d'une certaine construction, présente dans les procédés de sculptures ou à travers les images et allégories.

Il propose ici une performance en écho à l'exposition personnelle de Dominique Blais à la galerie Xippas.

Finissage de Dominique Blais "La fin du contretemps" - performance de Nicolas Fenouillat

dans le cadre de l'exposition de Dominique Blais "La fin du contretemps"

10 février - 7 avril 2018
Vernissage Samedi 10 février 15:00 - 21:00

Les œuvres de Dominique Blais, toujours technologiques au sens introduit par Umberto Eco1, se trouvent entre deux polarités paradoxalement liées car souvent complémentaires - la magie et la science - et explorent les potentialités d'entités sensibles comme le son, la lumière et le mouvement en y recherchant des noyaux conceptuels et poétiques.

Pour sa quatrième exposition personnelle à la galerie Xippas, l'artiste cherche à faire s'épanouir les réflexions sensorielles et techniquement complexes qu'il mène depuis une décennie, et propose, d'une part, de redécouvrir - jeter un coup d'œil en arrière, ou encore revenir sur ses pas - les pièces, produites entre 2014 et aujourd'hui, et d'autre part, de découvrir des productions inédites qui, inspirées par les mêmes obsessions poétiques, ouvrent vers des horizons ou bien des médiums inattendus. Ce double mouvement de la pensée - le regard en arrière se transformant en regard en avant - crée une mise en abîme et inscrit l'exposition dans un cycle pour qu'elle devienne encyclopédique au sens étymologique du terme (en grec ancien enkuklios signifie un cercle ou encore un mouvement circulaire) et referme la circonférence d'une réflexion mûrie au cours des années. C'est précisément l'image d'un cercle rejoignant l'idée d'un cycle temporel ou encore d'une boucle obsessionnelle qui devient ici transversale : après être passée par plusieurs étapes, celles d'une spirale qui, en s'élargissant graduellement sur les virages, se dirige vers l'achèvement de sa forme palindromique, la boucle se referme et est enfin bouclée.

Le cercle se dessine d'abord en une forme fantomatique et volontairement interrompue à travers une nouvelle pièce de la série Revolution, dont le quatrième opus in situ était visible à la Sucrière pour l'exposition Les Mondes flottants de la Biennale de Lyon en 2017. Des ampoules disposées selon une ligne courbe s'allument succinctement et prestement les unes après les autres suivies d'une période d'extinction appuyée. Elles forment une ellipse qui n'est visible qu'en partie ; le segment se prolongeant au delà de l'espace demeure invisible. L'œuvre invite le spectateur à participer à son activation - reconstruire sa forme, soit par la nécessité géométrique de compléter la figure à partir d'un fragment, soit à partir du souvenir des versions antérieures, en basculant entre ce qui est vu (ou déjà-vu) et le non-vu, afin de refermer virtuellement la circonférence d'une ellipse mi-présente, mi-hypothétique. Ici, le mouvement circulaire (revolutio au sens propre) ne s'achève que dans l'imagination en communiquant à la pièce un statut proche de celui d'un fantôme ou encore d'un fantasme qui s'apprête à s'échapper d'une fiction de white cube vers le monde extérieur dit "réel".

L'idée du cercle revient dans Entropê (l'une des œuvres issue de la résidence de l'artiste au CIRVA2 à Marseille entre 2013 et 2015, et présentée dans l'exposition personnelle Le Temps matériel au Frac Franche-Comté en 2016) où la forme de la sculpture en verre reprend celle de la toupie renvoyant à la notion de rotation qui, à son tour, s'imprime déjà dans le titre - étymologiquement entropê c'est "tourner", "faire se retourner", "se préoccuper" - tandis que le socle, un guéridon en chêne massif d'une forme épurée, y ajoute une touche atemporelle. Le mouvement reste en suspension, figé en une forme qui fonctionne comme un signe ou bien un symbole transitif, et joue du paradoxe antique pensé à l'envers : comme la flèche en mouvement de Zénon3 reste toujours immobile, la toupie ne bouge pas bien qu'elle ne cesse potentiellement de tourner, en suggérant que le mouvement n'est pensable ni conceptualisable que lorsqu'il est immobilisé.

Le motif du cercle s'épuise avec Empyrée, une série de quatre "tableaux", créée à partir de carreaux de mosaïque en matière plastique réfléchissante choisie par l'artiste pour son caractère iridescent. La lumière, se reflétant sur la surface, explore ses propres limites et dévoile graduellement en fonction des déplacements du spectateur toutes les couleurs du disque de Newton. Cette pièce, construite selon le principe d'un puzzle, cherche à capturer l'unité, ou la nature même de la lumière, à travers la multiplicité, multiplicité des parties mais aussi des couleurs. Elle invite le spectateur à sortir d'une boucle qui se forme à travers les œuvres qu'il vient de découvrir, afin de remonter métaphoriquement jusqu'aux cieux paradisiaques : aux empyrées, à ces sphères illuminées par la force créatrice où les poètes retrouvent l'inspiration.

1 Umberto Eco, "Science, Technology and Magic" dans "Turning Back The Clock", Mariner Books, 2008.
2 Centre International de Recherche sur le Verre et les Arts Plastiques.
3 Aristote, "Physique", VI:9, 239b5.

Vernissage de Dominique Blais "La fin du contretemps"
Dominique Blais, Phases of the Moon (Harvest), 2017
Studio view © Simon Muller / Arcam-Glass

[17:00-22:00] Inauguration de l'espace d'art - vernissage des expos Relectures et Diversités
Location:
Espace d'art Chaillioux Fresnes 94‏
7, rue Louise Bourgeois
94260 Fresnes
M° RER C Gare de Chemin D'Antony
France
Mobile : +33 (0)6 89 91 47 00
Mail : contact@art-fresnes94.fr
Internet Site : www.art-fresnes94.fr
Description:
L'Espace d'art Chaillioux Fresnes 94 est heureux de vous inviter à son inauguration et au vernissage des expositions Relectures et Diversités.

Plus d'informations prochainement.

RDV sur le site de l'EAC Fresnes 94 :
http://www.art-fresnes94.fr

Inauguration de l'espace d'art - vernissage des expos Relectures et Diversités

[17:00-21:00] Vernissage de Kid Kreol & Boogie "Odyssée Insulaire"
Location:
Galerie Bomma
45, rue Saint-Honoré
75001 Paris
M° Châtelet, Les Halles
France
Mobile : +33 (0)6 61 61 88 39
Mail : contact@bomma.fr
Internet Site : www.bomma.fr
Description:
Du 7 au 15 Avril 2018
Ouverture : tous les jours de 14h - 19h
Vernissage : 7 Avril de 17h - 21h

Du 7 au 15 avril 2018, la galerie Bomma présente Odyssée Insulaire, une exposition de Kid Kreol & Boogie.

Kid Kréol & Boogie est un binôme d'artiste.

Nés sur l'île de la Réunion en 1984 et 1983, les deux artistes se rencontrent à l'école des Beaux Arts du Port où ils obtiennent leurs DNSEP (Diplôme National Supérieur d'Expression Plastique) en 2010 et 2009.

Kid Kreol & Boogie usent des codes et de la symbolique traditionnelle pour transmettre un profond engagement qui se distille au fil des oeuvres : la réappropriation d'un territoire, d'une culture, de son écosystème et d'un héritage culturel qui s'estompe.

Issus d'un milieu de culture orale, la volonté des artistes de proposer de l'image s'est naturellement imposée afin de retranscrire ces sensations et cet imaginaire. Le croisement de ces deux regards fait apparaître alors une 3ème vision qui, singulière, leur permet de penser au-delà du monde, au-delà de l'île. Outre l'imprégnation locale de leur production in-situ, il s'agit d'un archétype de la création, une cosmogonie mêlant mystique et poétique, allant de Homme à l'Univers.

Être sur une île, c'est voir et en connaître les limites. L'Histoire est comme un tracé, un contour.
Par « Odyssée Insulaire », nous plongeons à l'intérieur, vers des territoires et des mémoires infinis. L'imaginaire mène à l'introspection où les visions sont proches de révélations extatiques. Ainsi se parsème un mythe fondateur, universel et toujours en mouvement. Des paysages issus de la terre primordiale, des êtres aux postures animistes et archétypales, l'interprétation des signes et des symboles, sont autant de tumultes qui nous guident vers nous-mêmes et au-delà.

Vernissage de Kid Kreol & Boogie "Odyssée Insulaire"

[17:00-21:00] Vernissage de Müesli "The Social Life of Things"
Location:
Centre d'Art Contemporain Chanot
Centre d'Arts Plastiques Albert Chanot
33, rue Brissard
92140 Clamart
M° Gare SNCF de Clamart
France
Phone : +33 (0)1 47 36 05 89
Fax : +33 (0)1 47 36 05 89
Mail : cacc@clamart.fr
Internet Site : www.cacc.clamart.fr
Description:
Vernissage de Müesli "The Social Life of Things"

Du 7 avril au 8 juillet, le duo Müesli expose au Centre d'Art Contemporain Chanot.

Le CACC consacre une importante partie de son programme artistique au design graphique, en confiant régulièrement la réinvention de son identité visuelle à de nouveaux ateliers de graphisme. Pour clôturer la collaboration initiée en 2016, le duo Müesli est invité à déployer sa pensée, son positionnement graphique et ses recherches le temps d'une exposition.

Exposer du graphisme est un exercice audacieux et complexe qui ne va pas de soi : comment le graphiste peut-il devenir l'acteur principal d'une exposition, agir avec la liberté de la dynamique artistique lorsque sa pratique se situe de coutume au service d'un projet ? Et lorsque le jeu et les règles quelque peu académiques de l'exposition sont acceptés, quelle orientation choisir : montrer un travail existant, présenter ses références et influences, ou bien faire état d'une sensibilité et créer un projet inédit ? Le format même de l'exposition invite ainsi à interroger la posture du graphiste.

Privilégiant la dernière option, le duo choisit de partager avec le visiteur le fruit d'une recherche croisant l'anthropologie, le design, l'artisanat et l'art.

À la suite des réflexions menées par l'ethnologue Thierry Bonnot et la philosophe Bernadette Bensaude Vincent, l'exposition The Social Life of Things se propose de faire « la biographie des objets ». D'après le premier, il n'y a pas d'objet strictement « utilitaire » ou qui se réduise à sa valeur commerciale. L'objet s'inscrit dans une trajectoire sociale, il passe de mains en mains. L'épaisseur symbolique des objets, même les plus humbles d'apparence, est une construction sociale.

Comment cerner alors le sens, l'identité ou le rôle des objets ? Peut-on, comme le propose la seconde, examiner l'idée d'une biographie des objets comme outil d'analyse élargie et critique ? À l'heure de la globalisation et des hybridations culturelles, comment retracer ces biographies ? Comment peut-on en faire le récit ? Quels sont les traces, les signes ou les indices qui témoignent de la place des objets, comment sont-ils choisit et par qui ? Comment cette histoire révèle alors notre Histoire ?

À Clamart, Müesli imagine une mise en espace qui fait corps avec le centre d'art. Au cœur de ce display, le duo propose une immersion dans une topographie personnelle, série d'écosystèmes « objectuels » au sein desquels dialoguent, image, signes, caractères typographiques, et objets. À la façon des dispositifs que l'on retrouve dans les « road-side museum » aux USA, créations et marques du réel s'entremêlent ici, leur rapprochement autorisant autant de possibilités d'éclaircissement que de micro-fictions.

À travers le spectre des artefacts et le tissage des références, l'exposition The Social Life of Things interroge et met en regard une série d'objets traditionnels à travers l'analyse de leurs contextes d'émergence et de transformation. Contexte matériel, environnemental, historique, social ou politique, façonnent l'objet à travers sa matérialité et ses usages - objet qui, en retour, façonne et renforce de son empreinte notre appréhension du monde dans un jeu de miroir.

Ainsi, partant d'une réflexion fréquemment associée au champ du design, l'exposition se pose la question de l'élargissement de ce champ et de ses modalités à travers la recherche et l'apport de disciplines aussi diverses que l'ethnologie, l'ethno-mathématique, la littérature ou l'archéologie afin de développer une réflexion sur le design au-delà du champ du design.

Une publication rassemblant les recherches iconographiques et des extraits des recherches scientifiques étudiées par le duo sera éditée à l'occasion de l'exposition.


Les rendez-vous

Vernissage
Samedi 7 avril à partir de 17h

Masterclass
À partir de 16 ans, nombre de places limité (10 maximum)
Plein tarif : 45 euros / Tarif étudiant/réduit : 25 euros
Plus d'informations dans le livret de présentation
Samedi 28 et dimanche 29 avril

Rencontre autour de l'exposition
Samedi 2 juin à 16h30

Samedi Arty
Rencontres, ateliers, lectures, performances et barbecue
Samedi 30 juin de 15h à 21h

Vernissage de Müesli "The Social Life of Things"
Customs of the World, Hutchinson, 1914. « Preparation and final ceremony around the ground painting in connection with the Wollunqua Totem - Warramunga Tribe »

Vernissage de Müesli "The Social Life of Things"
Caroline Furness Jayne, String Figures and How to Make Them, A Study of Cat's Cradle in Many Lands, 1906. «A Ship»

Vernissage de Müesli "The Social Life of Things"
1857, Olive Oatman, Tintype portrait, auteur inconnu (Beinecke Rare Book and Manuscript Library) via Wikimedia Commons

[17:00-19:00] Vernissage de l'exposition "Barbara Paganin : Memoria Aperta"
Location:
Saint-Germain-des-Prés
Saint-Germain-des-Prés
75006 Paris
M° Saint-Sulpice, Saint-Germain-des-Prés
France
Internet Site : www.saint-germain-des-pres.com
Description:
Galerie LA Joaillerie par Mazlo
31 rue Guénégaud
Paris 75006
France

Exposition de bijoux contemporains du 7 avril au 12 mai 2018
Du mardi au vendredi 14:00 - 19:00
Le samedi 11:00-13:00 et 14:00 - 19:00
Vernissage le samedi 7 avril de 17 à 19 heures en présence de l'artiste

Vernissage de l'exposition "Barbara Paganin : Memoria Aperta"

L'exposition Memoria Aperta (mémoire ouverte) rassemble un corpus exceptionnel d'oeuvres réalisées entre 2011 et 2013 par l'artiste italienne Barbara Paganin.

Les vingt-quatre broches (auxquelles s'ajouteront quatre colliers et quelques oeuvres inédites de la deuxième série du corpus) qui composent cet ensemble constituent des cartes mentales, des paysages miniatures qui racontent des histoires faites d'or, d'argent, de pierres semi-précieuses et d'objets insolites. Inspirées par les émotions puisées dans le passé de l'artiste, ces oeuvres constituent également une fenêtre ouverte sur le monde tout en explorant la mémoire des spectateurs.

Vernissage de l'exposition "Barbara Paganin : Memoria Aperta"

Vernissage de l'exposition "Barbara Paganin : Memoria Aperta"

Pour Barbara Paganin, le processus créatif commence par la recherche d'objets trouvés ou collectés patiemment, dans les boutiques d'antiquités de Venise. Certains éléments récurrents témoignent de son histoire personnelle mais chaque bijou comporte des détails que le spectateur peut s'approprier selon les fragments de sa propre mémoire.

Montré pour la première fois dans son intégralité à Paris, cet ensemble a été présenté dans des institutions et musées à l'étranger: au Palazzo Fortuny (Venise, 2014), au CODA Museum (Apeldoorn NL, 2015) et à Philadelphie (Philadelphia Art Alliance, 2016).

Vernissage de l'exposition "Barbara Paganin : Memoria Aperta"

À propos de l'artiste :

Née à Venise en 1961, Barbara Paganin a étudié l'art des métaux et le design de bijou à l'Istituto Statale d'Arte de Venise et la sculpture à l'Académie des Beaux-Arts de Venise. Elle a ensuite enseigné le dessin professionnel et le design à l'Institut d'Art Pietro Selvatico de Padoue. Depuis 1988, elle est titulaire de la chaire de design professionnel et de planification pour l'art des métaux et des bijoux de l'Istituto Statale d'Arte de Venise, aujourd'hui École d'art Michelangelo Guggenheim. En 2002, elle a dirigé une Master Class au Royal College de Londres.

Elle expose depuis plus de 25 ans à travers toute l'Europe, notamment à Londres, Vienne, Munich, Göteborg, Paris et New York. Sa première exposition personnelle, AURA, a eu lieu à la Fondazione Galleria Bevilacqua La Masa. En 2008, elle a contribué avec plus de trente œuvres à l'exposition collective Gioielli d'Autore à Padoue. En 2015 enfin, l'Oratorio San Rocco à Padoue accueillait une exposition solo d'anthologie, regroupant près de cent trente oeuvres de l'artiste, depuis ses premières créations au début des années 80 jusqu'à la série Memoria Aperta. Ses œuvres font partie des collections permanentes de nombreux musées dont le V&A Museum à Londres, le Musée des Arts Décoratifs de Paris, le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum of Fine Arts de Boston, le Museo d'Arte Moderna di Ca' Pesaro de Venise, le Musée des Beaux Arts de Montréal, le LACMA de Los Angeles.

Barbara Paganin est d'abord connue pour son utilisation de matériaux précieux, mais elle a adopté au fil des ans les techniques du verre, de la résine et de l'acrylique en complément des objets trouvés qu'elle collectionne. Les broches et colliers de cette série ont été conçus comme une ensemble unique, inscrit dans le genre du bijou narratif, et sur lequel l'artiste a travaillé sans relâche au cours de plusieurs années.

[17:00-21:00] Vernissage du duo Nevercrew
Location:
Le M.U.R.
Modulable, Urbain et Réactif
109, rue Oberkampf
croisement des rues Saint-Maur et Oberkampf
75011 Paris
M° Parmentier, rue Saint-Maur, Ménilmontant
France
Mobile : +33 (0)6 17 76 28 36
Mail : associationlemur@gmail.com
Internet Site : lemur.asso.fr
Description:
Le M.U.R. a le plaisir de vous convier à la performance NEVERLAND au Mur Oberkampf, le samedi 07 avril 2018 à 10 heures, puis au vernissage à 17 heures.

Son œuvre recouvrira celle de THEO LOPEZ.

Vernissage du duo Nevercrew

[17:30-19:30] Soirée de lancement Ader Error x Maison Kitsuné
Location:
Maison Kitsuné Filles du Calvaire
18, boulevard des Filles du Calvaire
75011 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 58 30 12 37
Mail : 18boulevard@maisonkitsune.fr
Internet Site : shop.kitsune.fr/stores
Description:
#ADERXMAISONKITSUNE #AKITSUNE

DJ SET ANDY 4000

Soirée de lancement Ader Error x Maison Kitsuné










[18:00-21:00] Finissage de l'exposition "New Talents season 1"
Location:
Tools Galerie
119, rue Vieille du Temple
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 35 80
Fax : +33 (0)1 42 77 37 62
Mail : Ib@toolsgalerie.com
Internet Site : www.toolsgalerie.com
Description:
TOOLSGALERIE présente NEW TALENTS season one
Du 9 février au 7 avril 2018

Cette exposition inaugure une série d'expositions de promotion du travail de designers découverts à l'occasion de leur présentation de fin de diplôme dans leurs écoles ou dans le cadre d'évènements design.
Réaliser cette première exposition avec des pièces présentées à la Design Academy d'Eindhoven et pendant la Dutch Design Week s'imposait à double titre
Choisir l'école néerlandaise était une évidence ; le design néerlandais est par sa créativité, sa liberté devenu une référence majeure dans la sphère design.... grâce notamment à la qualité de l'enseignement prodigué par son école phare, la Design Academy d'Eindhoven . Toolsgalerie a, quant à elle depuis sa création et par sa programmation fait la part belle à ce type de travail.
L'idée est donc de présenter dans ces expositions « New Talents » du mobilier, des objets, des luminaires étonnants et novateurs reflets de la personnalité de leur créateurs, mais qui soient ancrés dans la réalité du marché de « design galerie ». Les pièces exposées devront ainsi être produites d'une manière ou d'une autre, ne pas être uniquement des prototypes mais des éditions limitées, pour pouvoir répondre aux exigences du marché du design contemporain.

Pour cette SEASON ONE, sept designers aux profils et approches différentes ont été sélectionnés.

JOHAN VILADRICH - RATIO - 2017
https://johanviladrich.com/
Johan vient d'obtenir son diplôme en 2017 à la Design Academy d'Eindhoven. Pour son travail de fin d'études, peu banal et à contre-courant, il a choisi une forme de radicalité comme mode d'expression. Il a proposé une série de pièces simples, de mobilier d'usage, une table, une étagère, un banc, une console, tous conçus comme des assemblages. Il utilise des matériaux existants, qu'il met en musique dans de rigoureuses proportions, où les pièces de jonction sont essentielles à la construction et viennent aussi définir une esthétique élégante et intemporelle
L'objectif est ambitieux puisqu'il veut créer des structures archétypales déclinables à l'infini, à l'esthétique variable modulable en fonction des matériaux qui pourraient être sélectionnés.
A travers ce travail de recherche d'épure - qui rappelle celui de Martin Szekely dont il est un grand admirateur - Johan Viladrich s'interroge aussi sur la question du style dans le processus de création.

STUDIO MINALE MAEDA - GRAVITY - 2017
http://www.minale-maeda.com/
Ce sont les plus confirmés de tous les designers présentés. Ils ont multiplié les collaborations, notamment avec le collectif Droog Design et des éditeurs de renom. Le studio est composé de Marion Minale (Italie) et de Kumiko Maeda (Japon), tous deux diplômés de la Design Academy d'Eindhoven. Ils ont l'ambition de créer des pièces d'usage mais aussi de développer des projets artistiques affirmations de leurs identités et de leurs cultures.
Le projet GRAVITY : Il est né de la définition de la matière : un ensemble de particules qui sont dans un processus continu d'interactions, qui se combinent en réseaux, se brisent et se reconstituent. C'est ce modèle qu'ils ont appliqué pour concevoir le projet Gravity.
Les tables et tabourets du projet GRAVITY sont composés de simples tubes de cuivre et de pièces de liaisons, conçus comme des assemblages temporaires d'éléments, qui pourraient être réassemblés, réutilisés à l'infini.

FREDERIKE TOP - REFLECTED SEQUENCE - 2017
www.frederiketop.nl
Frederike Top est diplômée depuis 2007 de la HKU University of Art d'Utrecht et assure la direction de cours à l'Academy Willem de Köning de Rotterdam, section design produits depuis 2015. Elle conçoit des espace publics et intérieurs et ambitionne que ses interventions restent minimales mais qu'elles aient un impact maximal.
Le projet REFLECTED SEQUENCE, LIGHT SCULPTURE le démontre. C'est un objet simple et soigné composé d'une barre en résine et de LEDS sur laquelle se positionnent des panneaux en acrylique et film optique. La réflexion de la lumière fait apparaître des dessins géométriques aux couleurs vives qui se multiplient à l'infini, créant un objet fascinant et poétique.

BRAM VANDERBEKE - STACKABLE STOOLS-2017 / CONTROL TOTEMS - 2016
http://www.bramvanderbeke.com
Né en 1991, c'est un designer belge basé à Gand. Il a étudié la menuiserie, est diplômé de la School Art of Gent, et de la Design Academy d'Eindhoven en 2012. Il se définit comme un créateur d'espaces à vivre et tend à travers son travail à mettre en évidence les relations qui existent entre les usagers, les pièces créées et leur environnement.
Sont présentés :
STACKABLE STOOLS.
Ce sont des tabourets empilables, fabriqué par Bram en MDF, polis et poncés. Ils sont conçus comme des « éléments de construction », pouvant constituer des colonnes, tables, assises ou installations. Le traitement de surface réalisé par Bram leur confèrent du caractère, modifie notre perception, et les valorisent indéniablement
CONTROL TOTEM : Découverts dans le cadre d'une exposition « Power play » réalisée avec le collectif Dutch Invirtuals, Bram a conçu cinq totems qui encouragent l'utilisateur à être actif et prendre le contrôle de l'objet en l'actionnant. Le totem se métamorphose en objet lumineux, plus ou moins éclairant en fonction de l'ouverture donnée. L'apparence de l'objet se modifie ainsi et influe directement sur l'environnement.

RIVE ROSHAN - TRICHROIC TABLE- 2017
www.riveroshan.com
C'est un tandem composé du designer néerlandais Ruben de la Rive Box et du designer irano-australien Golnar Roshan. Depuis sa création, le studio privilégie les pièces où la couleur, les matériaux ou les textures permettent de développer un univers interactif et visuellement attractif.
Le projet présenté, TRICHROIC TABLE est directement inspiré d'un travail textile qui avait été présenté au Musée des Arts Décoratifs à Paris en 2017 pendant les Designer's Days.

MIEKE MEIJER - FORMWORKS - 2017
https://miekemeijer.com
Studio Mieke Meijer est une collaboration de Mieke Meijer et Roy Letterlé. Ils sont tous deux diplômés et enseignent à la Design Academy d'Eindhoven, ainsi qu'à l'université des Arts d'Utrecht. Leur thématique principale est l'interaction entre le design produit et l'architecture. Pour eux, l'analyse rigoureuse des méthodes et principes de construction, l'étude des matériaux utilisés également dans la construction industrielle, sont des sources inépuisables de création.
FORMWORKS en est l'illustration.
Pour ce projet des moules sont fabriqués à partir de superpositions de plaques de plâtre industrielles, destinées initialement à la construction. De la barbotine y est coulée. Une fois démoulés, les objets en céramique rappellent l'esthétique des coffrages bétons de l'architecture industrielle, dont ils portent les noms : Tour de refroidissement, élévateur à grain, bunker à charbon...

MARIJA DONDOVIC - LEANING SHELVE - 2017
https://www.marijadondovic.com
Née en 1988 à Belgrade, diplômée de la Design Academy d'Eindhoven en 2017, elle travaille actuellement au sein du cabinet d'architecture BEHF.
Où peut se situer la frontière entre un objet et son environnement ? Le projet LEANING SHELVE propose une réponse. L'étagère imaginée par Marija Dondovic est entièrement dépendante du mur, ne peut tenir que si elle s'appuie dans un angle et se trouve totalement en symbiose avec son environnement. L'étagère semble disparaître partiellement dans le mur, une illusion optique qui défie la réalité.

Vernissage de l'exposition "New Talents season 1"

Vernissage de l'exposition "New Talents season 1"

[18:00-21:00] Vernissage d'Anne Wenzel "History Repeating"
Location:
Galerie Suzanne Tarasiève
7, rue Pastourelle
75003 Paris
M° Filles du Calvaire, Saint-Sébastien - Froissart, Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 71 76 54
Mobile : +33 (0)6 11 01 16 79
Mail : info@suzanne-tarasieve.com
Internet Site : www.suzanne-tarasieve.com
Description:
07 avril - 12 mai 2018
Vernissage samedi 7 avril 2018 de 18h à 21h

Pour History Repeating, Anne Wenzel (1972, Allemagne, vit et travaille à Rotterdam), rassemble onze sculptures récentes, de différents formats, réalisées, comme à son habitude, en céramique. La technique, comme les sujets de ces travaux - de la statue en pied au buste allégorique, en passant par la nature morte - ne sont classiques quʼen apparence : sʼappropriant des modes de représentation fortement ancrés dans lʼhéritage dʼun art de commande, lʼartiste effectue une série de gestes déplaçant ces images du pouvoir dans un espace incertain, faisant vaciller les symboles officiels, les codes de la tradition dans un univers crépusculaire et mélancolique. La manière sombre dʼAnne Wenzel incarne un rapport à lʼhistoire hanté par la violence, et oppose à lʼéquilibre du monument la menace de la chute et du chaos, à la sérénité de la nature intemporelle les signes de son extinction, de sa décrépitude, au hiératisme du portrait idéalisé les signes du saccage et de la révolte.

Vernissage d'Anne Wenzel "History Repeating"

[18:00-21:00] Vernissage d'Elisabeth S. Clark "I never knew that sand had so many colours"
Location:
Galerie Dohyang Lee
73/75, rue Quincampoix
75003 Paris
M° Les Halles, Rambuteau, Etienne-Marcel
France
Phone : +33 (0)1 42 77 05 97
Fax : +33 (0)1 42 76 94 47
Mail : info@galeriedohyanglee.com
Internet Site : www.galeriedohyanglee.com
Description:
07.04 - 26.05.2018
Vernissage le 07.04.2018

Si tu tends l'oreille, tu entendras peut-être le souffle de l'accordéon. Ce livre se déroule de nuit, et toute l'histoire est racontée d'une seule traite. La pile suivante contient des fragments, les romans incontournables revisités sous forme de Tweets. Orange emblématique de Penguin. Substantifique moelle. Twittérature. Le meilleur des « Penguin Books ». Une troisième interprétation évoque la température acoustique d'une performance préalable. Un thermomètre fait office de baguette de chef d'orchestre.

Depuis dix ans, Elisabeth S. Clark organise ce qu'elle appelle des « Book Concertos » - une exploration de l'idée qu'un roman tout entier peut être lu en moins de dix minutes et mettre en scène autant de personnes qu'il y a de feuillets dans le livre en question.

Dans la galerie, ne restent que des piles de livres - échos de leur fonction d'antan. Pour Clark, bien plus que des livres, ce sont des instruments musicaux pour sa performance. Et ici, dans cet espace, ces livres, Eleven Instruments, Eleven Variations (2018), revêtent de nouvelles formes, ce sont de nouvelles manifestations sculpturales dictées par chaque performance précédente. Ses livres sont rangés dans une bibliothèque dont la forme évoque une caisse de résonance, afin d'amplifier les potentialités pour une performance. Ainsi chaque performance contient une histoire plus complexe. Les étagères sur-mesure deviennent une page nouvelle, un pli deleuzien, une extension du livre lui-même.

En bas, la partition Between Words (2010-2013) côtoie Reading Machine (2018), qui est aussi le protagoniste d'une performance à venir. Ces Reading Machines ont une double casquette : à la fois des dispositifs de monstration (supports de lecture/ pupitres) et des outils (des instruments sonores/accessoires) pour ses performances. La partition de ponctuation suspendue à ces objets est tout ce qui reste d'un poème de Raymond Roussel (Les Nouvelles Impressions d'Afrique). Elisabeth S. Clark s'approprie ce poème en isolant toute la ponctuation/masquant tous les mots. Elle retraduit ensuite tout cela en une création pour voix, pour orchestre, voire une chorégraphie.

La partition de ponctuation est pleine de silences et de sons, d'émotions et de gestes. De fait, ces signes de ponctuation - traduits ici en tant que notation, notes de musique, ou véhicules d'expression - servent autant à contenir qu'à amplifier le son et explorer les possibilités de variation.

Les propositions pour ses performances à venir l'illustrent à merveille : Conducting Conductors (Silent interpretations of a sonorous score) (2018). Performances qu'elle a imaginées pour quatre interprètes (y compris un chef d'orchestre, un chanteur, un danseur et un musicien). Quatre dossiers noirs présentent sa vision de cet événement.

Dans la dernière salle de son exposition, Elisabeth S. Clark intrique délicatement des grains de sable provenant de plus d'une douzaine de lieux et pays dans le monde. La fragilité même de son geste évoque la précarité d'une boule de neige parfaite. À moins que ça ne soit une lourde pile, un globe, une sphère poétique pour le langage inénarrable... On pense aux piles de mots dans Heap of Language de Robert Smithson, comme si l'artiste avait compressé en un seul bloc toute la ponctuation tombée des pages de la salle attenante. Son geste peut sembler anodin, mais ces grains de sable font le pont entre des espaces lointains et éloignés. Cette œuvre, qui s'intitule My World (2018), est l'aboutissement d'années de collection - c'est l'atlas de sable de l'artiste, la cartographie de tous les lieux qui l'ont modelée.

Contrairement à la documentation de son installation Enchanté (2017), présentée dans la vitrine de la galerie à l'étage, elle a choisi cette fois de rassembler plutôt que de disperser des particules. Ces deux gestes semblent cependant être au cœur de l'exposition.

Toutes les œuvres dans cette exposition enjambent les années. Et pourtant, comme des sables mouvants, aucune n'est figée. Installations, performances, et sculptures à la fois, les œuvres d'Elisabeth S. Clark évoluent allégrement entre les disciplines. Ses sculptures évoquent des performances et ses performances évoquent des sculptures.

Ses œuvres deviennent une collection d'interprétations (« moments ») et pourtant ses poèmes ont une cadence qui a un goût de revenez-y. Son travail se prête à l'effeuillage. Chaque couche propose une expérience nouvelle.

On pense aux propres mots de Clark, tirés d'une page de son carnet de croquis. 'I never knew that sand had so many colours...' « Qui aurait pu imaginer que le sable puisse avoir tant de couleurs... »

Comment savoir si c'est du sable, de mots, d'un événement ou, plus largement, du langage que parle l'artiste ?

Sophie Lapalu
Traduction en Français par Clémence Sébag

Vernissage d'Elisabeth S. Clark "I never knew that sand had so many colours"

Elisabeth S. Clark, née en 1983, vit et travaille à Londres et à Paris. Elle est diplômée de la Slade School of Fine Art en 2008, et du Goldsmiths College (Londres) en 2005. Elle a reçu plusieurs prix, dont une bourse de voyage en Amérique du Sud en 2009 et le Clare Winsten Research Fellowship Award en 2008. Elle a été résidente du Pavillon au Palais de Tokyo en 2011, de la Fondation d'entreprise Hermès en 2010 et plus récemment, en résidence à New
York, Medellin, Bad Ems. Elle a exposé, entre autres, au Palais de Tokyo, à la Fondation d'entreprise Ricard, à la Biennale de Lyon en Résonance, au Dallas Contemporary (USA), à la R O O M Gallery (Londres), et à Site Gallery (Shef eld). En octobre 2012, invitée par la Fondation d'entreprise Hermès et Actes Sud, elle a présenté un nouveau Book Concerto à Paris pendant la Fiac. Elisabeth S. Clark participe à la Biennale de Lyon 2017 Les Mondes Flottants.

[18:00-21:00] Vernissage de Marine Bonzom "Blossom"
Location:
Biarritz
Biarritz
64200 Biarritz
M° Gare SNCF de Biarritz
France
Internet Site : www.biarritz.fr
Description:
Marine Bonzom - Artiste Peintre, a le plaisir de vous présenter sa nouvelle exposition « Blossom » qui se déroulera du 1er avril au 31 mai 2018 dans la Galerie d'art du Radisson Blu Hotel Biarritz.

A cette occasion, nous vous invitons à découvrir et à échanger avec l'artiste au cours du vernissage de l'exposition, en compagnie de la presse et des élus : Le Samedi 7 Avril 2018 - A partir de 18h.

Accès : Galerie d'art du Radisson Blu Hotel Biarritz - 1, Carrefour Hélianthe

Vernissage de Marine Bonzom "Blossom"

[18:00-21:00] Vernissage de T-KID 170 "OFF the MAP"
Location:
Marché aux Puces de Paris - Saint-Ouen
Puces de Saint-Ouen
Rue des Rosiers
93400 Saint-Ouen
M° Porte de Clignancourt, Garibaldi
France
Phone : +33 (0)1 40 12 32 58
Fax : +33 (0)1 40 12 32 58
Internet Site : www.parispuces.com
Description:
Street Dream Gallery
53 rue Jules Vallès
93400 Saint-Ouen
Marché Malik, Puces de Clignancourt
streetdreamgallery.com

Exposition du 7 avril au 7 mai 2018
Ouvert samedi, dimanche, lundi, de 10h30 à 18h et sur rendez-vous

T-KID 170 aka Julius Cavero, légende vivante mondiale du graffiti New-Yorkais, présentera lors de son French-Tour en avant-première à la STREET DREAM GALLERY sa nouvelle exposition « OFF THE MAP » du 7 AVRIL au 7 MAI 2018.

VERNISSAGE LE SAMEDI 7 AVRIL 2018
en présence de l'Artiste :
Séance de dédicaces de 12h à 18h
Vernissage de l'exposition à partir de 18h jusque tard en soirée
projection du film de T-KID
Dj INOV & Dj MK ZOO
Poésie JYB
Saxophone PIERRE.


Biographie

Julius Cavero alias « T-KID 170 » est né en 1961. Très jeune, il commence sa carrière en 1973 comme tagueur de rue pour le gang du quartier les « Bronx enchanters » sous le pseudonyme de « King 13 » et plus tard sous le nom de « Sen 102 » pour les « renegades of Harlem ». À l'époque, il n'y avait pas d'opportunité pour les jeunes garçons comme Julius de s'affirmer et surtout d'exprimer son art. Le Bronx était en feu, la violence, la drogue et le désespoir semblaient être ses seules options. Julius était un enfant terrible, il s'exprimait dans la rue avec le break dance et le tag. En regardant passer les rames du métro, il découvre la beauté des couleurs peintes par les grands graffeurs Phase2 et Tracy 168: son inspiration est déclenchée par les travaux de ces deux pionniers du graffiti et c'est à partir de là qu'il se jure de peindre les extérieurs de wagons et de transformer ces géants rouillés en œuvres d'art roulantes. Julius se lie d'amitié avec un tagueur du nom de Padre Dos. Padre, l'un des maîtres du style de l'époque, prend Julius sous son aile et lui enseigne que les lettres qu'il dessine doivent swinguer comme la musique que crachent les boom-boxes. Padre lui apprend aussi à s'approprier, sans les copier, les styles qu'il aime en les incorporant dans ses propres pièces. Il lui dit « Fais en sorte que tes lettres passent de gras à fin. Utilise des têtes de spray larges pour que l'ombrasse fasse mieux ressortir ton lettrage ! »
En 1977, Julius, pris dans une fusillade de gang, finit blessé et menotté dans un lit d'hôpital, il devient alors T-Kid 170. C'est ce jour-là que commence sa carrière sous le pseudonyme de T-Kid 170, le légendaire graffeur vandale : il devient le « roi » de plusieurs lignes du célèbre métro de New-York. Il peint sur des trains et développe son style unique de lettrage graffiti en y ajoutant des personnages. En concurrence avec des géants du graffiti comme Dondi, Seen et Sonic 007, T-Kid fait passer le graffiti dans une autre dimension. Bien qu'en révolte contre la société, T-Kid savait qu'il y avait mieux à faire que de vandaliser des trains; mais, à cette époque, il existait peu de possibilités pour les jeunes latinos : il n'y avait pas d'endroit où il pouvaient peindre de façon légale et le monde était indifférent à ce style de peinture. T-Kid peint alors la plus grande partie de ses œuvres la nuit dans des lieux divers : chantiers, tunnels, voies de délestage de chemin de fer, et même une cour d'école au 106 Street et Park Avenue qui deviendra plus tard le fameux temple de la renommée, « Hall of fame ». Le Hip Hop n'était pas encore une culture mais les éléments étaient là : Kool Herc amena les houses parties dans la rue, Flash parlait, scratchait et mixait à un niveau que personne n'avait encore jamais entendu. Les vestes en jeans Lee et les pantalons pattes d'éléphant étaient décorés de graffitis, les blousons Adidas, les lunettes Cazal, les bérets et les bobs Kangol constituaient la mode de la rue. Des clubs comme le Fever ou le T Connection étaient des oasis au sein du Bronx : T-Kid venait y puiser son inspiration.
Au début des années 80 dans le club « The Roxy », T-Kid rencontre un graffeur parisien, nommé Bando, qui était l'un des tout premiers graffeurs du métro à Paris et qui l'invite à venir dans la capitale française peindre avec lui. Même si ce n'est que des années plus tard que T-Kid répond à l'invitation, leur collaboration commence dès cette rencontre. Et depuis, T-Kid a travaillé avec de nombreux graffeurs français en échangeant idées et techniques. Il a reçu les graffeurs français de passage à New York, leur trouvant un endroit où dormir et des murs à peindre dans le Bronx. T-Kid a ainsi collaboré avec de grands graffeurs français comme Mist, Kongo, Tilt, Brok, Alec One, Wuze et beaucoup d'autres.
T-Kid a participé à plusieurs expositions majeures montées par des galeries et est entré dans de nombreuses collections, notamment la « Sam Esses collection », première collection de graffitis en 1979.
T-Kid peint avec toutes les légendes de son époque, il est présent le jour où Futura découvre qu'en utilisant les bombes au sol, elles perdent de la pression et affinent le trait, ce qui lui permet de créer ses sphères atomiques pour lesquelles il est mondialement connu. T-Kid participe à la Fasion Moda Exibition dans le Bronx en 1980 où la Sidney Janis Gallery lui demande de se joindre à leur exposition mondiale sur le graffiti. Il fait le show PS-1 en 1981, où il expose des photos de ses trains aux côtés de grands noms du street art comme Samo alias Jean-Michel Basquiat, Keith Haring et Lee Quinones. Il est un de ceux qui a permis de faire connaître le Rock Steady Crew à travers le monde. Et c'est peu de temps après qu'Henry Chalfant, interrogé sur la façon d'appeler ce courant urbain, qu'il fut baptisé, mouvement « Hip Hop ». Toujours dans les années 80, ses graffitis de trains sont exposés à la galerie OK Harris à Soho. ensuite, l'image de T-Kid 170 sera utilisée comme personnage dans le jeu vidéo de Marc Echo « Getting Up Contents Under Pressure », le premier jeu vidéo interactif sur le graffiti. Plus tard, le livre de T-Kid « The Nasty Terrible T-Kid 170 » racontera ses expériences vécues lorsqu'il a grandi dans le Bronx. Son récent documentaire « The Nasty Terrible t-Kid 170 AKA Julius Cavero » montre son ascension et son accession au statut d'artiste établi.

Vernissage de T-KID 170 "OFF the MAP"

[18:00-21:00] Vernissage de Valentin Guillon "Les trois pistes"
Location:
Librairie Florence Loewy
Books by Artists
9-11, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 44 78 98 45
Fax : +33 (0)1 44 78 98 46
Mail : info@florenceloewy.com
Internet Site : www.florenceloewy.com
Description:
gallery

du 7 avril au 27 mai 2018
vernissage le 7 avril de 18h à 21h

Avec le soutien aux galeries / première exposition
du Centre national des arts plastiques

Les trois pistes
texte de Vincent Romagny

De la vitesse, qui est la finalité de la course en roller, Valentin Guillon ne retient dans sa première exposition personnelle que les éléments qui la rendent possible, qui la représentent, qui l'accompagnent. Et qui donnent lieu à autant d'œuvres : sculpture, peinture, sérigraphie et ready-made. Elles semblent autant d'effets de translation d'éléments, notions ou objets propres à cette pratique sportive. De l'aveu de l'artiste, l'expérience de la course, et l'effort de mentalisation que requiert cette pratique sportive informe sa pratique artistique. Mais, à adopter une logique de modélisation, ne risquerait-on pas de passer à côté de la réelle force du travail de l'artiste ?

La sculpture À vos marques consiste en une reproduction à l'échelle 1 d'un morceau de piste de roller de vitesse, une piste inclinée courbe au niveau du centre du virage sur laquelle l'artiste a pratiqué ce sport. Le spectateur, en entrant dans la galerie, se trouve face aux coureurs. Extraite de la piste complète d'une circonférence de 200 m, la sculpture devient une estrade, sur laquelle le public est invité à marcher, et que l'équipe de la galerie doit traverser pour rejoindre son bureau. Une nouvelle fonctionnalité, un nouvel usage requalifient les formes de la piste en œuvre praticable.

Trois peintures géométriques sur bois renvoient, par leurs titres, à autant de moments vécus par les coureurs sur la piste : Le peloton, L'échappée, Le sprint. Ces moments de course de vitesse, donnent naissance à des formes statiques. Certes, les aplats de couleur évoquent les formes marquées au sol, les couleurs des équipements sportifs, mais ils renvoient à autant de moments de tension d'une course de vitesse, à autant d'expériences sensibles complexes dans lesquelles interviennent force physique, sens tactique, capacités musculaires et compétences techniques. Les formes sont le signe d'autant de forces, leur répétition renvoie à la répétition dans la préparation du coureur.

Un banc de bord de piste est présenté dans le white cube. Il s'agit du seul élément de cette pratique sportive qui renvoie a priori à un état statique, et conserve sa fonction. Mais il invoque moins le repos qu'il permet que la situation d'attente dans laquelle se trouve celui qui s'y assoit - et qui n'est concentré que sur la course à venir. Un banc qui œuvre au refus de sa propre fonction - autant dire déjà une œuvre.

On pourrait être tenté de penser que l'artiste établit des correspondances, des rapports, des transferts entre une activité sportive, qui possède son propre registre de formes, de couleurs, son propre langage, ses propres codes, et qu'il les rejoue, retente, redéploie dans l'espace d'exposition. On pourrait voir là une nouvelle stratégie qui considère l'artiste comme sportif, comme il fut déjà pensé « comme » producteur, anthropologue, ethnographe, sampleur (1)... Mais ce serait là se tromper quant au sens même de la production artistique de Valentin Guillon : elle n'a pas pour modèle une pratique sportive spécifique - un modèle suppose une prise de distance. Une distance que l'artiste refuse, puisqu'en dépit du changement de vitesse, de taille, de fonction, l'expérience qu'il provoque est commune aux deux champs, plutôt qu'il ne transfère l'une sur l'autre : à la fois exercice physique et exercice de mentalisation. C'est alors autant à réévaluer l'expérience artistique qu'à réévaluer la compréhension que nous pouvons avoir de pratiques physiques que nous invite Valentin Guillon : toutes deux sont des expériences, et elles s'informent mutuellement. Ou plutôt : on retrouve chacune dans l'autre. La pratique sportive est déjà art et l'art est à nouveau pratique corporelle. Alors, dans un cas comme dans l'autre, une seule consigne : Mets la gomme ! (2)

(1) On reconnaîtra, dans l'ordre, les hypothèses de Walter Benjamin, Joseph Kosuth, Hal Foster, Yann Beauvais et Jean-Michel Bouhours.
(2) C'est là le titre de l'ultime œuvre présentée dans l'exposition, une sérigraphie.

Vernissage de Valentin Guillon "Les trois pistes"
Valentin Guillon, Saut en longeur, 2017, acrylique sur bois, 90 x 56 cm

[18:00-21:00] Vernissage de Véronique Durruty "après le feu"
Location:
Villa Violet
115, rue Saint-Dominique
code 22524
75007 Paris
M° La Tour-Maubourg, Ecole Militaire, Invalides, RER C Pont de l'Alma, Alma - Marceau
France
Phone : +33 (0)1 45 79 28 72
Mobile : +33 (0)6 81 04 15 80
Mail : contact@villaviolet.com
Internet Site : www.villaviolet.com
Description:
curateur : Bernard Garnier de Labareyre

ouvert au public le 7 avril 2018 de 14h à 21h, vernissage de 18h à 21h
et le 8 avril 2018 de 11h à 19h
puis jusqu'au 31 mai 2018 sur rv avec le curateur, Bernard Garnier de Labareyre : bernard@bgdl.fr

En 2016, mon atelier a été la proie d'un terrible incendie qui a détruit toute une partie de mes archives.
Parmi les milliers de photographies calcinées, j'en ai retrouvé quelques unes, où le feu m'avait fait le cadeau d'une poésie nouvelle : aurores boréales en plein Himalaya, débarquement d'un vaisseau extra-terrestre au Pakistan, illustrations de poèmes de Paul Eluard... Plus que le simple fruit du hasard, cette action du feu a résonné comme un écho à l'évolution de mon travail personnel.

Avant, pendant et après le feu, l'exposition est un parcours, du voyage des sens au voyage intérieur, d'une figuration onirique à une abstraction poétique.

Vernissage de Véronique Durruty "après le feu"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Sol LeWitt" & Jérôme Dupeyrat
Location:
Librairie Florence Loewy
Books by Artists
9-11, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 44 78 98 45
Fax : +33 (0)1 44 78 98 46
Mail : info@florenceloewy.com
Internet Site : www.florenceloewy.com
Description:
books

du 7 avril au 27 mai 2018
vernissage le 7 avril de 18h à 21h

Sol LeWitt
+
Selection #8 a / ein / une / una
by Jérôme Dupeyrat

Vernissage de l'exposition "Sol LeWitt" & Jérôme Dupeyrat
Sol LeWitt, Arcs and Lines, 1974

[18:00-21:00] Vernissage du 10ème Salon de l'Aquarelle
Location:
Château des Tourelles
19, avenue de la Maréchale
94420 Le Plessis-Trévise
M° RER E Les Yvris - Noisy-le-Grand
France
Phone : +33 (0)1 45 93 34 78
Mail : chateau@leplessistrevise.fr
Description:
Du 6 avril au 7 mai 2018
Du lundi au vendredi : 14h - 17h
Samedi & dimanche : 15h - 18h











[19:00-22:00] Lancement de la revue LeChassis 4
Location:
Point Ephémère
centre de dynamiques artistiques
200, quai de Valmy
75010 Paris
M° Jaurès, Louis Blanc
France
Phone : +33 (0)1 40 34 02 48
Fax : +33 (0)1 40 34 02 58
Mail : info@pointephemere.org
Internet Site : www.pointephemere.org
Description:
En collaboration avec Écran Voisin et YesWeCamp, Lechassis présente la soirée GRAV.

REVUE N°4

Lancement de la revue LeChassis printemps / été 2018 : venez découvrir la nouvelle parution en exclusivité !

La revue, dédiée à l'émergence en arts visuels, est diffusée gratuitement deux fois par an.

TOOL SO FOOD

A travers la performance / installation culinaire GO BACK TO THE PAINTING, Côme Clérino et Toolsoffood souhaitent faire vivre au spectateur une expérience sensorielle inédite.

TV PARTY

The tv show that's a cocktail party, but which could be a political party !

Snob, intoxiquée, approximative, provocatrice... Entre 78 et 82, TV PARTY rassemble autour de Glenn O'Brien toute une jet set arty new-yorkaise et internationale : David Bowie, Chris Burden, Klaus Nomi, Kraftwerk, Robert Mapplethorpe, Jean-Michel Basquiat, Kid Creole, Fab 5 Freddy ... se croisent sur le plateau dans un chaos à peine contrôlé.

Diffusée sur les canaux du Public Access - il suffit de réserver un créneau pour avoir son émission -, au milieu d'émissions tout aussi improbables, TV Party injecte une dose élevée de dandysme punk et new wave dans la télévision. Join the Party !

Une programmation d'Olivier Forest, directeur du festival F.A.M.E à la Gaîté Lyrique et responsable Ecran Voisin

WALL OF FAME

Découvrez notre mur d'affiches et participez à notre photo booth !

Une proposition de Lukasz Drygas, responsable arts visuels chez Yes We Camp


LeChassis
LeChassis est une plateforme de soutien de la jeune création d'art visuel. Initié en 2013, c'est à la fois une revue imprimée diffusée gratuitement, des contenus en ligne, des expositions et une maison d'édition.

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Écran Voisin
Écran Voisin est un cycle de projection hebdomadaire sur le site des Grands Voisins à Paris et propose une expérience de cinéma renouvelée, entre salle de quartier et festival permanent.

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Yes We Camp
Depuis 2013, Yes We Camp explore les possibilités de construire et habiter les espaces partagés en proposant des équipements temporaires à la fois fonctionnels et inclusifs

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GRAV.
Grav est une usine de programmation qui imagine, produit et développe des expériences d'arts visuels et des dispositifs artistiques.

Lancement de la revue LeChassis 4












[20:30] Inauguration du nouvel espace d'accueil du Cyclop et performance
Location:
Le Cyclop
de Jean Tinguely
Le bois des pauvres
dans le chemin, face au 66 rue Louis Pasteur
91490 Milly-la-Forêt
France
Phone : +33 (0)1 64 98 95 18
Fax : +33 (0)1 64 98 95 72
Mail : association@lecyclop.com
Internet Site : www.lecyclop.com
Description:
Le Cyclop est heureux de vous convier à l'ouverture de la saison 2018 : Re-naissance, ici et maintenant !

Cette soirée inaugure le nouvel espace d'accueil du Cyclop, une structure gonflable de l'architecte Hans-Walter Müller, commandée par le Centre national des arts plastiques (Cnap), conçue comme une architecture vivante, organique «qui respire et qui fait respirer».

C'est aussi le début d'une collaboration avec La Maison des Jonglages pour créer une résidence autour de l'œuvre de Jean Tinguely, dont le mouvement est l'essence du travail. Johan Swartvagher, jongleur, et François Lemire, musicien, ouvrent cette nouvelle relation artistique au Cyclop.

Soirée en accès libre.
Une navette gratuite assure l'A/R depuis Paris, sur réservation :
association@lecyclop.com
01 64 98 95 18

Festival Rencontre des Jonglages - 11e édition

Re-naissance, Ici et Maintenant - Johan Swartvagher
(Création unique et in situ)

A l'occasion de l'inauguration de saison du Cyclop, le jongleur Johan Swartvagher s'associe au musicien François Lemire et à l'architecte Hans-Walter Müller. Ils ont ensemble carte blanche pour réaliser une performance In Situ créant un dialogue entre l'œuvre d'art d'Hans-Walter Müller et le Cyclop, œuvre monumentale de Jean Tinguely.

- Distribution -
Interprètes : Johan Swartvagher et François Lemire

Inauguration du nouvel espace d'accueil du Cyclop et performance
Inauguration du nouvel espace d'accueil du Cyclop et performance
Inauguration du nouvel espace d'accueil du Cyclop et performance

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