Wednesday, May 16, 2018
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May 2018
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  Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

[Cannes] 71ème Festival International du Film de Cannes 2018
Location:
Cannes
Cannes
06400 Cannes
M° Gare SNCF de Cannes
France
Internet Site : www.cannes.com
Description:
71ème Festival de Cannes 2018

du 8 au 19 mai 2018

http://www.festival-cannes.fr

#Cannes2018

[Cannes] 71ème Festival de Cannes 2018
L'affiche officielle du Festival de Cannes 2018 montre « Pierrot le fou » de Jean-Luc Godard (1965). Un beau baiser entre Anna Karina et Jean-Paul Belmondo

Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

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18:00 [18:00-21:00] Vernissage de François Olislaeger "Une fleur par jour"
Location:
Boutiques Agnès B. Homme & Femme
3 & 6, rue du Jour
75001 Paris
M° Les Halles
France
Phone : +33 (0)1 45 08 56 56
Fax : +33 (0)1 40 39 03 87
Internet Site : europe.agnesb.com/fr/boutiques/boutique/34
Description:
Commissaire : Barbara Soyer

Le projet « Une fleur par jour » est né un soir de 2016 - une « thérapie botanique » devenue au fil du temps obsession, exercice, plaisir, jeu puis enjeu. Une fleur par jour ou deux par nuit, chez Monet à Giverny ou chez lui à Paris, François Olislaeger a fait feu de tout bois.
Deux ans plus tard, son herbier pictural compte un peu plus d'une centaine de pièces - le rythme quasi-quotidien des débuts s'étant heureusement assoupli. Cactus, bougainvillier, lys, marguerite, tulipe, chardon, coquelicot, bégonia du Brésil... La réserve, inépuisable, se tarira d'elle-même. Les fleurs, c'est périssable, tient-on d'une autre source.

Depuis deux ans, François Olislaeger s'improvise fleuriste. Il choisit et compose ses bouquets, varie les espèces, leur agencement. Alterne plans larges et détails, fleurs coupées, plantes en pot, réalisme et liberté. Facture classique mais présence maximale. La variété des représentations se déploie dans le cadre fixé par l'artiste. Même format, même support - ou presque -, même outil : « simplement » éprouver le pouvoir des fleurs et celui de la peinture. D'aquarelle en aquarelle, le temps et les saisons défilent, les fleurs s'épanouissent, les teintes s'affolent, les fonds s'affirment ou disparaissent, le geste change, expérimente, l'œil et la main s'amusent.

Les fleurs sont apparues et la couleur avec elles. La couleur pour elle-même, au centre, car constitutive du sujet. Les verts, les roses, les rouges et les jaunes rayonnent à des degrés divers.
Le temps était venu de quitter l'encre pour la gouache. De revenir à la nature, au motif. De se défaire des automatismes, de réapprendre à suivre les lignes et les lois du vivant. D'être seul comptable de ce qui se joue sur le papier. Une fleur pour soi.
Faire des fleurs : une étape logique du parcours de François Olislaeger, qui s'obstine depuis le début de sa pratique à mélanger les familles et les genres. Bande dessinée, illustration, dessin performatif, danse, théâtre, etc. La nature morte l'attendait au tournant ; le bouquet, art du mélange s'il en est, lui tendait les bras.
Faire des fleurs, comme beaucoup d'autres avant, pendant et après lui : un passage obligé, un moyen de s'inscrire dans une lignée, parmi ses pairs, de trouver sa place dans la petite et la grande histoire de l'art - Maman, Matisse, Georgia O'Keeffe...

Les fleurs de François Olislaeger n'ont pas (toutes) la précision des planches de botanique. Ce n'est pas leur vocation. Elles n'ont pas (encore) la radicalité de celles d'Ellsworth Kelly. La fantaisie est ailleurs, dans le contexte, le décor, certains détails plus ou moins perceptibles - une couleur, une présence incongrue, des pétales en suspension... Les fleurs de François Olislaeger sont chastes. Pour le moment. Elles disent essentiellement l'amour - de l'art, de la vie, d'un père pour sa petite fille Lila - et le devenir peintre d'un dessinateur hors pair. Une fleur par jour. Still life.

Barbara Soyer

Vernissage de François Olislaeger "Une fleur par jour"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Echelle, levier et bousculade"
Location:
Progress Gallery
4 bis, passage de la Fonderie
accès au niveau du 72, rue Jean-Pierre Timbaud
code : porte ou B288
75011 Paris
M° Parmentier, Goncourt, Couronnes
France
Phone : +33 (0)1 70 23 30 20
Mobile : +33 (0)6 98 02 72 80
Internet Site : www.progressgallery.com
Description:
Exposition de fin de résidence "Echelle, levier et bousculade"

comme chaque année en mai,
Progress Gallery accueille des artistes en résidence:
Coraline de Chiara et Jean-François Leroy
y sont jusqu'au 16 mai 2018.
et ont convié Jean-Christophe Arcos
pour "Echelle, levier et bousculade"

" Résidence - le terme évoque l'habiter.
La galerie se présente davantage comme un lieu de travail : il ne s'agit pas d'y faire l'expérience de l'alternance du repos et de l'activité, comme Beuys chez René Block, mais d'y concentrer une somme illimitée d'actions, de gestes, de tentatives.

Leur résidence repose sur un triple point aveugle : le white cube n'est pas vierge ; le white cube n'est pas vide ; ce qui y sera dévoilé n'est pas connu a priori.

Remettre à blanc l'espace d'une galerie donne l'impression de neutraliser les traces de son histoire ; les ragréages du sol, ici bosselé, là plus lisse, donnent pourtant un premier ancrage à une sorte d'archéologie indicielle (on pense au Timekeeper de Pierre Huyghe). Un moignon d'IPN peut se prolonger d'une sous-face inventée pour l'occasion par Jean-François Leroy, tandis que Coraline de Chiara dresse un inventaire peint des situations des objets dans l'espace.
Entre le début et la fin, une histoire se trame, qui révèle la somme fantasmée de toutes les histoires antérieures : l'espace se recycle, encore, encore, encore.

Empêtrée dans un fatras de tables, de chutes de bois, de cires mises au bain-marie : c'est peu dire que d'affirmer que la galerie s'encombre d'une multitude de gestes et de matériaux liés à la production.
Surtout, l'absence qui se tapit là et dont découle finalement toutes ces formes nées ou à naître, c'est celle du visiteur, à laquelle répondra celle de pièces intermédiaires. Tout au long de leur temps de travail à la Progress Gallery, chaque situation initiale aura généré une postérité, par altération, déplacement, manipulation, presque par parthénogénèse.
Du sol au plafond, l'espace subit le tir nourri d'une semaille - on pense au Seed Bed de Vito Acconci, qui faisait de la galerie Sonnabend, pour reprendre les termes de Lyotard, « un espace de projection et de spéculation ».

Cette profusion elle-même, qui augmente l'espace d'une temporalité, se révèle organique : des formes naissent, des formes meurent. Elles rejoignent alors celles qui ont ici disparu, qui ont laissé la place au vide (on pense aux tautologies de Joseph Kosuth chez Leo Castelli en 1969).
La galerie se fait maquette, boîte qui accueille les idées mortes.
Génération après génération (puisque chaque forme en suscite d'autres), une évolution s'établit : celle-ci aura résisté deux jours, celle-là trois, celle-là encore tient depuis le début sa place et son rang, elle persiste - jusqu'à quand ?"
Jean-Christophe Arcos

Vernissage de l'exposition "Echelle, levier et bousculade"

"Coraline de Chiara et Jean-François Leroy, accompagnés de Jean-Christophe Arcos, dévoileront le mercredi 16 mai les oeuvres qui se sont concrétisées lors de leur résidence d'un mois à la Progress Gallery.

Il s'agira de dévoiler des formes qui ont peu à peu émergé, inspirées par l'espace même de la galerie, à la rencontre des matériaux bruts, liés à l'univers domestique ou industriel, utilisés habituellement par Jean-François Leroy, ou des jeux de cache-cache relevés par Coraline de Chiara au fur et à mesure des habitudes prises quotidiennement dans le lieu.
D'autres seront rendues invisibles : nécessaires au processus de germination, elles peuvent à présent s'évanouir.
A cette évolution fera écho une histoire subjective de la Progress Gallery proposée par Jean-Christophe Arcos, mêlant plusieurs récits embroussaillés de photos d'archives, d'anecdotes personnelles, d'événements marquants."

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "A study in Scarlet"
Location:
Le Plateau
Espace d'Art Contemporain / FRAC Ile de France
22, rue des Alouettes
75019 Paris
M° Jourdain, Buttes Chaumont
France
Phone : +33 (0)1 76 21 13 41
Fax : +33 (0)1 53 19 88 19
Mail : info@fraciledefrance.com
Internet Site : www.fraciledefrance.com
Description:
A STUDY IN SCARLET

17 mai - 22 juillet 2018

Une exposition de Gallien Déjean

Avec Ethan Assouline, Beau Geste Press, Lynda Benglis, Kévin Blinderman : masternantes, Pauline Boudry / Renate Lorenz, Jean-Louis Brau & Claude Palmer, Monte Cazazza, Chris & Cosey, COUM Transmissions, Vaginal Davis, Brice Dellsperger, Casey Jane Ellison, Harun Farocki, Karen Finley, Brion Gysin, Hendrik Hegray, Her Noise Archive, Robert Morris, Ebecho Muslimova, Meret Oppenheim, Pedro, Muriel & Esther, Lili Reynaud-Dewar, Christophe de Rohan Chabot, Louise Sartor, Throbbing Gristle, Cosey Fanni Tutti, Amalia Ulman et la participation des Vagues.

Cosey Fanni Tutti est connue pour avoir été membre, à partir de la fin des années 1970, du groupe Throbbing Gristle qui a eu une importance considérable sur la scène expérimentale. Conjointement à ses activités musicales, elle développa une pratique artistique singulière caractérisée par son activité au sein de l'industrie pornographique. Prenant l'œuvre de Cosey Fanni Tutti comme axe de réflexion, A Study in Scarlet est une exposition collective dans laquelle se déploie une série de formes, de gestes et d'attitudes visant le dépassement ou la transgression des structures normatives d'identités et de genres.

!! En raison de la nature de certaines images, pouvant heurter la sensibilité des visiteurs, l'exposition est interdite aux mineurs de - de 18 ans. !!

Plus d'infos : https://www.fraciledefrance.com/cosey-fanni-tutti-a-study-in-scarlet/

Vernissage de l'exposition collective "A study in Scarlet"
Action jusqu'à la Balle Crystal, 9th Biennale de Paris, 1975 © Cosey Fanni Tutti and Cabinet, London


[19:00-22:00] Conférence de Go Hasegawa "Human and Building"
Location:
Pavillon de l'Arsenal
21, boulevard Morland
75004 Paris
M° Sully - Morland, Bastille
France
Phone : +33 (0)1 42 76 33 97
Fax : +33 (0)1 42 76 26 32
Mail : infopa@pavillon-arsenal.com
Internet Site : www.pavillon-arsenal.com
Description:
Conférence "Human and Building" par Go Hasegawa, mercredi 16 mai à 19h.

Conférence en anglais avec une traduction en français en simultané
Conférence en partenariat avec Solo Galerie

Entrée libre dans la limite des places disponibles.
Plus d'informations :
http://www.pavillon-arsenal.com/fr/conferences-debats/cycles-en-cours/hors-cycle/10955-go-hasegawa.html

Go Hasegawa obtient un diplôme de Master en ingénierie de l'Institut de Technologie de Tokyo en 2002 et travaille ensuite chez Taira Nishizawa Architects avant de fonder Go Hasegawa & Associates en 2005.

Il a enseigné au Tokyo lnstitute of Technology, à l'Académie d'Architecture de Mendrisio, à la Oslo School of Architecture and Design, et à l'Université de Californie à Los Angeles (UCLA). Il est actuellement critique d'architecture à la Harvard Graduate School of Design.
En 2015, il a reçu son doctorat en ingénierie du Tokyo lnstitute of Technology. Hasegawa a été primé à de nombreuses reprises, notamment pour le prix Shinkenchiku 2008 et en étant sélectionné parmi les dix architectes AR Design Vanguard 2014.

Sa monographie a été publiée chez El Croquis en 2017.

Conférence de Go Hasegawa "Human and Building"

[19:00-21:00] Salon des artistes scéens
Location:
Sceaux
Sceaux
92330 Sceaux
M° RER B Sceaux, Robinson, Parc de Sceaux
France
Internet Site : www.sceaux.fr
Description:
Ancienne mairie
68 rue Houdan
92330 Sceaux
0141133300

du 16 au 27 mai
Horaires : 14h à 19h en semaine ; 9h30 à 19h le week-end ; 14h à 18h le 15 novembre

Le Salon de printemps des artistes scéens, qui se déroulera du 16 au 27 mai à l'Ancienne mairie.

Vernissage le 16 mai à 19h

Le Salon de printemps des artistes scéens, qui se déroulera du 16 au 27 mai à l'Ancienne mairie, met à l'honneur deux artistes talentueux : le peintre André Bongrand, dont le thème emblématique est l'arbre, et la sculptrice Cécile Devezeaux de Lavergne qui travaille à la main plusieurs essences de bois (noyer, cèdre, acacia...).

[19:00-22:00] Trophées du Basket
Location:
Salle Gaveau
45, rue La Boétie
75008 Paris
M° Miromesnil
France
Phone : +33 (0)1 49 53 05 07
Fax : +33 (0)1 49 53 05 08
Mail : contact@sallegaveau.com
Internet Site : www.sallegaveau.com
Description:
Trophées du Basket

[19:00-21:00] Vernissage de Mâkhi Xenakis "Catharsis"
Location:
Maison des Arts de Châtillon
11, rue de Bagneux
92320 Châtillon
M° Châtillon - Montrouge
France
Phone : +33 (0)1 40 84 97 11
Mail : maisondesarts@chatillon92.fr
Internet Site : www.maisondesarts-chatillon.fr
Description:
Du 16 mai au 24 juin 2018
A découvrir de 14h à 18h, tous les jours sauf le lundi

Mercredi 16 mai 2018 de 19h à 21h aura lieu le vernissage de l'exposition de Mâkhi Xenakis dessinatrice, graveuse, sculptrice, auteure et décoratrice française à la Maison des Arts.

Catharsis

Réalisées au crayon, au pastel, à l'aquarelle ou à l'encre, les œuvres de Mâkhi Xenakis laissent apparaître les étapes d'une vie faite de doutes et de prises de risque, oscillant entre peurs et apaisements.

Des Petites bonnes femmes de 1987 marquant la renaissance d'une jeune artiste en quête d'elle-même, nous cheminons dans un monde en constante métamorphose. Les arachnées succédant aux gouffres avant de glisser vers un univers marin. Ces passages suivent un mécanisme interne, personnel et, au moment de leur création, inconscient.

L'écrivain Mâkhi Xenakis s'intéresse depuis longtemps au processus créatif. Publiés chez Actes Sud, les livres qu'elle consacre à son père, le compositeur, architecte et mathématicien Iannis Xenakis, ainsi qu'à l'artiste franco-américaine Louise Bourgeois, en traitent des multiples facettes.

A travers les recherches et réflexions menées autour de ces deux figures tutélaires, c'est également son propre parcours d'artiste que révèlent ses écrits et dont témoigne, pour la première fois ici, la réunion d'une trentaine d'œuvres graphiques mais aussi de sculptures.

Avec cette conviction que l'art sauve de la folie, Mâkhi Xenakis nous entraîne dans son histoire, côtoyant sans cesse les grandes figures mythiques qui ont nourri son enfance. Jamais néanmoins ce travail ne l'isole de l'autre, dont elle se fait la voix lorsqu'elle en ressent la nécessité, se faisant alors miroir d'autres histoires.

> Catalogue d'exposition, préface de Marjorie Micucci et entretien avec l'artiste.
Parution du livre de Mâkhi Xenakis « Louise, sauvez-moi ! Conversation avec Louise Bourgeois », le 5 mai.

Le projet « Les rencontres impossibles » a été sélectionné par la commission mécénat de la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques qui lui a apporté son soutien.

https://www.maisondesarts-chatillon.fr/makhi-xenakis

Vernissage de Mâkhi Xenakis
Mâkhi Xenakis, Les rencontres impossibles, 2018, ciment teinté, acier, 2m (détail)

[19:00-21:00] Vernissage de ZEKY
Location:
Centre d'animation Ken Saro-Wiwa
63, rue Buzenval
75020 Paris
M° Buzenval
France
Phone : +33 (0)1 43 56 57 60
Mail : kensarowiwa@ligueparis.org
Internet Site : ligueparis.org/centre-animation/20eme-arrondissement__trashed/ken-saro-wiwa__trashed
Description:
En collaboration avec l'équipe du Centre Ken Saro-Wiwa, Art Azoï élabore et met en oeuvre une programmation d'artistes urbains aux univers graphiques multiples et diverses.

L'œuvre réalisée par Zeky Oc sera visible sur le mur de la terrasse du centre jusqu'au milieu du mois de mai 2018.

VERNISSAGE MERCREDI 16 MAI 2018 À PARTIR DE 19H

curated by Elise Herszkowicz
powered by Art Azoï

https://www.instagram.com/zekyone
https://www.facebook.com/zeky.oc

Vernissage de ZEKY

19:00
20:00
21:00
22:00  
23:00  
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