Thursday, May 17, 2018
Public Access


Category:
Category: All

17
May 2018
Mon Tue Wed Thu Fri Sat Sun
30 1 2 3 4 5 6
7 8 9 10 11 12 13
14 15 16 17 18 19 20
21 22 23 24 25 26 27
28 29 30 31 1 2 3

  [Cannes] 71ème Festival International du Film de Cannes 2018
Location:
Cannes
Cannes
06400 Cannes
M° Gare SNCF de Cannes
France
Internet Site : www.cannes.com
Description:
71ème Festival de Cannes 2018

du 8 au 19 mai 2018

http://www.festival-cannes.fr

#Cannes2018

[Cannes] 71ème Festival de Cannes 2018
L'affiche officielle du Festival de Cannes 2018 montre « Pierrot le fou » de Jean-Luc Godard (1965). Un beau baiser entre Anna Karina et Jean-Paul Belmondo

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Fête nationale de Norvège
Location:
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
Description:
Déclaration d'indépendance et victoire du constitutionnalisme

Syttende mai ou Grunnlovsdagen : Déclaration d'indépendance de la Norvège et victoire du constitutionnalisme.

En raison de l'alliance contractée par le royaume dano-norvégien avec Napoléon, les puissances coalisées victorieuses cèdent la Norvège à la Suède en 1814. En réaction, une Convention nationale se réunit à Eidsvoll dans l'Akershus : elle déclare l'indépendance du royaume de Norvège et adopte une constitution (c'est la constitution écrite la plus ancienne encore en vigueur en Europe), avant de désigner comme roi le prince danois Christian-Frédéric, le 17 mai 1814. Un compromis est finalement trouvé, et fait de la Norvège un royaume distinct, mais en union personnelle avec celui de Suède.

Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

08:00  
09:00  
10:00  
11:00  
12:00 [12:00-14:00] Payer avec une oeuvre d'art : présentation de cartes bancaires Caisse d'Epargne
Location:
EP7
Guinguette numérique et gourmande
133, avenue de France
75013 Paris
M° Bibliothèque François Mitterrand
France
Mail : hello@ep7.paris
Internet Site : ep7.paris
Description:
Payer avec une oeuvre d'art : présentation de cartes bancaires Caisse d'Epargne au design inédit

La Caisse d'Epargne propose à ses clients de payer avec une oeuvre d'art.

Venez découvrir les cartes bancaires Urban Art en série limitée réalisées par :
JonOne
Stoul
Darco
pour célébrer le bicentenaire de la Caisse d'Epargne.

Ce sera également l'occasion de rencontrer en exclusivité ces trois artistes d'exception.

Payer avec une oeuvre d'art : présentation de cartes bancaires Caisse d'Epargne au design inédit

A l'occasion de son bicentenaire, la Caisse d'Epargne a fait appel à trois artistes d'exception pour créer une collection de cartes bancaires au design inédit et en édition limitée, intitulée "Urban Art" et disponible dès le 22 mai.

Plus habitués à investir les murs des villes et les galeries d'exposition, JonOne, Stoul et Darco ont cette fois réalisé des œuvres exclusives pour célébrer de façon moderne les 200 ans de la Caisse d'Epargne. Une façon de valoriser la diversité artistique qui fait la richesse du mouvement "Urban Art", avec trois artistes aux univers créatifs très différents.

A travers la réalisation de ces œuvres, chacun d'entre eux a pu laisser libre cours à son inspiration pour se réapproprier à sa manière cet événement.

Chacune des toiles a ensuite été reproduite sur les cartes bancaires qui composent la collection. Elles seront également exposées, toute l'année, lors des différents évènements qui se dérouleront partout en France autour du bicentenaire.

La nouvelle collection de cartes bancaires "Urban Art" sera disponible dès le 22 mai prochain pour les cartes Visa Classic, Visa Premier et Visa Platinum. Éditées à 200 000 exemplaires au total, elles seront proposées gratuitement aux clients de la Caisse d'Epargne lors de demandes de création de carte ou de montée en gamme.

Pour Laurent Buffard, directeur de la Communication Caisse d'Epargne : "Cette opération est l'occasion de célébrer de façon artistique les 200 ans de la marque en s'inscrivant - comme toujours - pleinement dans l'air du temps et dans le quotidien des Français. Avec la collection "Urban Art", les cartes bancaires de nos clients deviennent ainsi de véritables œuvres d'art".

Payer avec une oeuvre d'art : présentation de cartes bancaires Caisse d'Epargne
Carte bancaire Caisse d'Epargne Visa Classic "Urban Art" signée JonOne

Payer avec une oeuvre d'art : présentation de cartes bancaires Caisse d'Epargne
Carte bancaire Caisse d'Epargne Visa Premier "Urban Art" signée Stoul

Payer avec une oeuvre d'art : présentation de cartes bancaires Caisse d'Epargne
Carte bancaire Caisse d'Epargne Visa Platinum "Urban Art" signée Darco

13:00
14:00  
15:00  
16:00  
17:00 [17:00-21:00] Vernissage de King's Queer "FIND ! - Futur Is Not Dead"
Location:
Galerie Corinne Bonnet
63, rue Daguerre
Cité artisanale
75014 Paris
M° Denfert-Rochereau, Gaîté
France
Phone : +33 (0)1 43 20 56 06
Mobile : +33 (0)6 82 66 08 89
Fax : +33 (0)1 43 20 56 67
Mail : galeriecorinnebonnet@gmail.com
Internet Site : www.galeriecorinnebonnet.com
Description:
Exposition du 17 mai au 9 juin 2018
Vernissage jeudi 17 mai de 17h à 21h

Carte blanche à King's Queer pour l'exposition "Find ! - Future Is Not Dead" avec la participation d'Alain Maneval et de 17 artistes invités : Baldo, Sarah Barthe, Arnaud Baumann, Carotide, Olivia Clavel, Epsylon Point, Kim Prisu, Kiki Picasso, King's Queer, Anne van der Linden, Miss Fuck, Arnaud « Nowart » Rabier, France de Ranchin, Simonne de Saint-Ouen, Pierre Terrasson, Yarps, Fred Zag.


"Futur Is Not Dead et autres poésies quantiques" - texte de King's Queer pour l'exposition (avril 2018)

Nous ne sommes pas des enfants de rien, mais pas loin. Des lost, des beat, des blank generations...
Nous refusons les compromis d'une création étriquée où « chacun prend les limites de sa vision pour les limites du monde" (1). Il n'y a pas une vérité mais une multitude de vérités sur l'humanité et sur notre propre histoire, comme une multitude d'éclats d'une boule à facettes éclairée par chacun de nos imaginaires... « Aucun défaitiste n'a jamais découvert le secret des étoiles, navigué jusqu'à des terres inconnues ou ouvert un nouveau chemin pour l'esprit humain" (2).

Explosons les frontières, faisons sauter les barrières, exilés volontaires, naufragés humains. Demain le présent devient le passé et le futur d'hier a trépassé. Espace temps, chemin de traverse, averse de rêves, pluie d'utopies.
« Nous nous sommes attardés sur les rivages de l'océan cosmique, nous sommes enfin prêts à mettre le voile vers les étoiles" (3).


Construire une poésie quantique.

Parce que l'intégration est annonciatrice de notre désintégration, à grands coups d'images, de sons, de mots, sabotons l'obsolescence programmée de notre humanité ! D'un postulat d'hier, du présent, imaginons la nébuleuse du futur. De notre futur.

Et si, dans les interstices, aux confins de dimensions diverses, Joe Strummer était à bord de l'USS Enterprise pour traverser l'espace temps ? Au loin, il y croiserait une galaxie née de la fusion entre Richard Hell et Star Wars. Tandis que la Matrice donnerait la pilule bleue à Johnny Thunders et que l'on goberait la rouge pour pouvoir crier notre bonheur avec les Ramones dans le Meilleur des Mondes.

On pourrait aussi s'faire un Voyage au centre de la terre avec Sid & Nancy ou danser un pogo, seul sur Mars. Alors qu'Edwige, rêvant de moutons électriques, s'apercevrait qu'Ari Up est une replicant.
Mise en orbite, on embarque Pacadis pour une interview dans le Tardis tout en faisant coucou à Alan Vega qui nous souhaiterait Bienvenue à Gattaca.
On atterrirait sur la planète hurlante avec un Daniel Darc qui nous pousserait à scruter la taille de nos âmes.

Vous l'avez compris, une exposition d'oeuvres uchroniques, pour graver l'Histoire d'un « Futur Is Not Dead »

1 : Arthur Schopenhauer
2 : Hellen Keller
3 : Carl Sagan

Vernissage de King's Queer "FIND ! - Futur Is Not Dead"
"King's Queer" photographié par Pierre Terrasson, artwork King's Queer, 2018

Vernissage de King's Queer "FIND ! - Futur Is Not Dead"
"Le chaperon", technique mixte sur papier de Sarah Barthe, 40x40 cm, 2018 (© Arnaud Baumann)

Vernissage de King's Queer "FIND ! - Futur Is Not Dead"
"Rig King's Queer", vidéos, composants électroniques et bois, 2018 (© Arnaud Baumann)

[17:00-21:00] Vernissage de Kristin McKirdy
Location:
Galerie Jousse Entreprise
Mobilier d'Architectes
18, rue de Seine
75006 Paris
M° Odéon, Saint-Germain-des-Prés, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 53 82 13 60
Fax : +33 (0)1 46 33 56 79
Mail : infos@jousse-entreprise.com
Internet Site : www.jousse-entreprise.com
Description:
17 mai - 23 juin 2018
Les lundis de 14h à 19h
Du mardi au samedi de 11h à 19h

Célébrée en 2009 comme « talent d'exception » par le prix de l'Intelligence de la main de la Fondation Bettencourt Schueller et en 2012 par Sèvres-Cité de la Céramique qui lui consacre une rétrospective après une résidence de quatre années, l'artiste américaine Kristin McKirdy demeure une expérimentatrice. À la suite de son exposition en 2006 à la galerie Mouvements Modernes, animée à l'époque par Pierre Staudenmeyer, elle n'a cessé de se renouveler et de surprendre. Récemment, elle a abordé la parure pour le couturier Kris Van Assche. Ses "sculptures talismans" en édition limitée ont enrichi la collection Homme 2016 de la maison Dior. Aujourd'hui, elle s'attaque à la dimension architecturale de l'espace dans le cadre de sa troisième exposition personnelle à la galerie Jousse Entreprise (du vendredi 18 mai au samedi 23 juin). Figure majeure de la céramique contemporaine entrée récemment dans les collections du MAD avec une sculpture murale et le « Coffre-Nuage » de Sèvres, Kristin McKirdy présente également de nouvelles installations et sculptures auxquelles s'ajoutent une œuvre murale ainsi que des formes et des textures inédites et des objets lumineux.

Depuis sa découverte de la céramique à l'âge de quinze ans, Kristin McKirdy n'a jamais cessé de la travailler. Formée entre la France (Paris IV, Université de la Sorbonne) et l'Amérique du Nord (Université de Californie Los Angeles, UCLA, sous la direction d'Adrian Saxe), elle s'est dégagée d'emblée de la dimension utilitaire de la céramique pour se diriger vers une expression sculpturale personnelle. C'est à cette époque qu'elle choisit la faïence au détriment du grès davantage exposé, comme la porcelaine, au risque de déformation. Son art s'est forgé en mettant rigueur et maîtrise technique au service d'une sensibilité à la dimension spirituelle de la céramique, matière universelle et intemporelle. Son œuvre, inspirée par la vie quotidienne et nourrie par une vaste culture historique - avec une prédilection pour les cultures primitives et la période du néolithique - est fondée sur l'idée du récipient comme témoin immémorial de l'activité humaine et métaphore du corps humain.

Dans cette nouvelle exposition, le vocabulaire de Kristin McKirdy construit sur la recherche du contraste s'enrichit.

Les formes organiques, les oppositions entre surfaces « grattées », noires ou blanches, et émail de couleur, entre rugueux et lisse, mat et brillant sont bien présentes. Apparaissent également des éléments géométriques et de nouveaux traitements de surface. Dans les trois installations, des cylindres et des cubes affirment leur présence, les « obus » deviennent des cônes. Altiers, trois grands « sabliers » dressent leurs silhouettes strictes quand, au sol, reposent des formes biconiques. Les uns arborent une peau striée, les autres sont couverts de spirales en volume.

Mais les principales innovations sont ailleurs. Pour la première fois l'artiste intègre de la lumière dans certaines sculptures. Elle présente aussi une pièce architecturale d'environ deux mètres de haut par trois de large. C'est un claustra constitué par la répétition de deux figures en opposition, une boule de couleur brillante et un profilé aux lignes souples qui déploie un état de surface « gratté », mat, à dominante blanche. Quant aux titres, comme souvent, les œuvres n'en ont pas. Cette absence, récurrente, est voulue pour laisser le champ libre à l'imagination du regardeur.

A vous de voir !


Kristin McKirdy
Artiste née en 1958 à Toronto, Canada. Vit et travaille en France

Vernissage de Kristin McKirdy
Kirdy McKirdy, Sans titre, 2018
Céramique

Vernissage de Kristin McKirdy

Vernissage de Kristin McKirdy
Kristin McKirdy, céramique Untitled 94, 2017. Œuvre murale, céramique émaillée. L.80 cm, H.110 cm

Vernissage de Kristin McKirdy

Vernissage de Kristin McKirdy

Vernissage de Kristin McKirdy
Kristin McKirdy, Untitled, 2017. Céramique

Vernissage de Kristin McKirdy
Kristin McKirdy, Untitled, 2016. Céramique. L.52 cm, W.47 cm, H.22 cm

Vernissage de Kristin McKirdy
Kristin McKirdy, Untitled, 2017. Céramique

[17:00-22:00] Vernissage de l'exposition "Soleil couché" - lancement Profane n° 6
Location:
Espace d’exposition éphémère Un-Spaced
11, rue Michel Le Comte
75003 Paris
M° Rambuteau
France
Mobile : +33 (0)6 66 20 68 17
Mail : hugues@un-spaced.com
Internet Site : www.un-spaced.com
Description:
Soleil couché
Longtemps je me suis couché tard

Une proposition de Double Séjour selon un commissariat de Thomas Havet avec Guillaume Aubry, Yoan Béliard, Damien Caccia, Coraline de Chiara, Adam Chuck, Laurent Da Sylva, Nicolas Le Moal, Florian Mermin, Célia Nkala et Ludovic Sauvage

Exposition les 17, 18, 19 mai
Vernissage le 17 mai de 17h à 22h
18 et 19 mai de 11h à 19h

Le soleil est platonique, plastique, sensuel, esthétique, érotique, catastrophique, poétique, littéraire, noir, liquide, violent, mélancolique, météorologique, climatique, doux, passionné, scientifique, phallique, cosmogonique, pluriel, effrayant, envoûtant, égocentrique, sensuel, odorant, historique, mythologique, bruyant, beau, inaccessible et masculin.
Le soleil est couché.

Vernissage de l'exposition "Soleil couché" - lancement Profane n° 6

Au plaisir de vous retrouver pour cette nouvelle proposition de Double Séjour avec un double évènement puisque le vernissage de l'exposition sera l'occasion du lancement du numéro 6 de la revue Profane auquel j'ai contribué avec un article-conversation Duel au soleil sur le travail de Guillaume Aubry.

Profane a un seul et unique dada : l'amateur,
qu'il soit artiste ou collectionneur, novice ou
pointu, fervent admirateur ou créateur à ses heures.
www.revueprofane.com

Vernissage de l'exposition "Soleil couché" - lancement Profane n° 6

[17:30-21:00] Vernissage de Jan Fabre "Folklore Sexuel Belge / Mer du Nord Sexuelle Belge"
Location:
Galerie Daniel Templon
30, rue Beaubourg
75003 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Les Halles
France
Phone : +33 (0)1 42 72 14 10
Fax : +33 (0)1 42 77 45 36
Mail : info@danieltemplon.com
Internet Site : www.danieltemplon.com
Description:
28 rue du Grenier Saint-Lazare

Jan Fabre
SEXUEL BELGIAN FOLKLORE (2017-2018)
SEXUEL BELGIAN NORTH SEA (2018)

17 MAI - 21 JUILLET 2018
VERNISSAGE LE JEUDI 17 MAI DE 17H30 À 21H00

Pour l'ouverture de son nouvel espace parisien, la Galerie Templon donne carte blanche à Jan Fabre. Fidèle à son engagement auprès des artistes, la galerie inaugure un chapitre de son histoire en invitant le grand créateur pluridisciplinaire à investir ses nouveaux lieux en toute liberté.

L'artiste belge a conçu spécialement pour les 250 m2 d'exposition la rue du Grenier-Saint-Lazare un ensemble inédit d'œuvres de différents media - dessins, sculptures - dressant un portrait complexe, espiègle et subversif de sa Belgique natale.

Folklore Sexuel Belge et Mer du Nord Sexuelle Belge sont les deux volets de la grande exposition conçue par Jan Fabre comme une déclaration d'amour critique à son pays. L'artiste entraîne le spectateur dans un voyage délirant à travers l'histoire et l'héritage culturel belge, explorant les liens complexes entre rituels, paysages, religion et sexualité. Près d'une cinquantaine de dessins dialoguent avec des sculptures - dont certaines monumentales - réalisées à partir d'objets de culte de l'Église catholique ou vernaculaires trouvés dans des brocantes.

Du plus austère au plus criard, du plus subtil au plus excentrique, les œuvres explorent toute la palette du symbolisme et des couleurs de l'art sacré jusqu'aux arts du spectacle dont Jan Fabre est l'un des fers de lance de l'avant-garde contemporaine. Sa dernière création théâtrale, Belgian Rules/Belgium Rules (2017), dissèque d'ailleurs l'identité belge pour examiner comment elle peut « se connecter plutôt que diviser », loin de toute tentation de fierté et de nationalisme.


Jan Fabre (né en 1958 à Anvers où il vit et travaille) développe depuis plus de trente ans une œuvre plastique autour de matériaux divers : sang, élytres de scarabées, os, animaux empaillés, marbre, Bic bleu. Grand dessinateur, il crée des sculptures et des installations qui explorent ses thèmes de prédilection : la métamorphose, le dialogue entre art et sciences, le rapport de l'homme à la nature, l'artiste comme guerrier de la beauté. Parmi ses expositions personnelles les plus marquantes des dernières années on peut citer sa rétrospective au Musée du Louvre (L'ange de la métamorphose), le Kunsthistorisches Museum de Vienne et le Musée d'art moderne de Saint-Etienne (Les années de l'heure bleue, 1986 - 1991, 2011) et l'Ermitage à St Petersbourg (Knight of Despair, Warrior of Beauty, 2016). Il présente aux Musées Royaux des Beaux-Arts de Bruxelles la série My Queens du 20 avril au 19 juillet 2018. La Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence lui consacrera une grande exposition à partir du 30 juin 2018 : Ma nation : l'imagination.

Avec l'aimable participation de la Maison de Champagne Ruinart.

Vernissage de Jan Fabre
Sexy Ange Belge, 2017, wood, pigment, polymer and metal / bois, pigment, polymère et metal, 93,4 x 88,4 x 23,4 cm, 36 3/4 x 34 3/4 x 9 1/4 in., unique, Copyright: Angelos bvba

[17:30-21:00] Vernissage de l'exposition "Robert Motherwell - Open Series"
Location:
Galerie Daniel Templon
30, rue Beaubourg
75003 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Les Halles
France
Phone : +33 (0)1 42 72 14 10
Fax : +33 (0)1 42 77 45 36
Mail : info@danieltemplon.com
Internet Site : www.danieltemplon.com
Description:
17 MAI - 21 JUILLET 2018
VERNISSAGE LE JEUDI 17 MAI 2018 DE 17H30 À 21H00

La galerie Templon présente pour la première fois à Paris un spectaculaire ensemble de peintures du grand maître américain de l'abstraction Robert Motherwell. Une vingtaine d'œuvres de la mythique Open Series, datées des années 1970, seront réunies pour l'occasion.

En 1967, sous le titre Open, Robert Motherwell décline une nouvelle série tournée vers la thématique de la fenêtre, développée avant lui notamment par Matisse, métaphore de la relation entre le monde intérieur des émotions et le monde extérieur des sens.

Méditatives et intimes, les Open sont composées de plans de couleur simple découpés par trois lignes tracées au fusain composant une forme rectangulaire. Les fragments dessinés sur les aplats colorés renvoient aux liens de Motherwell avec le minimalisme mais surtout à l'engagement conceptuel et philosophique de l'artiste, qui explore les dualités entre contenu et absence, espace et surface.

Robert Motherwell se consacre à l'Open Series presque deux décennies, jusqu'au début des années 1980. Au fur et à mesure que la série progresse, les œuvres deviennent de plus en plus complexes, l'artiste travaillant à toutes les permutations possibles à partir de ces moyens très réduits.


Robert Motherwell, né en 1915 aux Etats-Unis, est mort en 1991. Figure majeure de l'expressionnisme abstrait, il fut à la fois peintre, graveur, éditeur et critique d'art. Son intérêt pour la philosophie, la littérature et la poésie favorise ses liens avec les artistes surréalistes qu'il rencontre lors de ses voyages en Europe en 1935 et 1939. Les formes simples et les aplats de couleur présents dans les oeuvres de Matisse et Mondrian vont également marquer ses débuts de peintre.

Théoricien et porte-parole du mouvement d'après-guerre la New York School, il fait le lien entre les deux continents, intégrant le concept d'automatisme et la psychanalyse à l'abstraction américaine, qu'il promeut pour en faire le fer de lance de la nouvelle avant-garde internationale.

Robert Motherwell a enseigné toute sa vie. Il a été largement exposé par les plus importantes institutions internationales : en 1965 le MoMA (New York) lui consacre une grande rétrospective qui voyage au Stedelijk Museum (Amsterdam) ; à la Whitechapel Gallery (Londres) ; au Palais des Beaux-Arts (Bruxelles) ; au Museum Folkwang (Essen) ; on peut également citer les rétrospectives de Düsseldorf (Städtische Kunsthalle, 1976), du Musée d'Art moderne de la Ville de Paris (1977), de Londres (Royal Academy, 1978), et la grande exposition de la Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, NY, 1983) qui voyagea au Los Angeles County Museum of Art ; au San Francisco Museum of Modern Art ; au Seattle Art Museum ; à la Corcoran Gallery of Art (Washington) ; puis au Guggenheim Museum à New York. Cela fait plus de dix ans que l'artiste n'a pas été exposé à Paris.

Les œuvres de Robert Motherwell sont présentes dans les plus importantes collections muséales dont celles du Museum of Modern Art, du Metropolitan Museum of Art, du Whitney Museum of American Art (New York), du Art Institute of Chicago, du Los Angeles County Museum of Art ; de la Menil Collection (Houston), de la National Gallery of Art (Washington), de la Tate (Londres), du Kunstmuseum Basel (Suisse), du Hara Museum (Tokyo), du Guggenheim Museum (Bilbao), du Musée national d'art moderne-Centre Pompidou (Paris).

Vernissage de Robert Motherwell "Open Series"
California Window, 1975, acrylic and charcoal on canvas / acrylique et fusain sur toile, 183 x 213,4 cm, 72 x 84 in.


[18:00-21:00] Inauguration de Palazzo, la terrasse éphémère du Palais de la Porte Dorée
Description:
Après avoir séduit 50 000 visiteurs l'été dernier, Palazzo, la terrasse éphémère du Palais de la Porte Dorée est de retour du 17 mai au 7 octobre 2018 !

Concerts, ateliers culinaires, cours de danse, yoga, brunch et soirées insolites orchestrées par la Baronne de Paname... cette année encore, ce hot spot festif et culturel propose un programme quotidien varié et pensé sur-mesure pour ce lieu atypique. Sur une terrasse de 1000 m², les visiteurs pourront profiter du cadre exceptionnel du Palais de la Porte Dorée, sans conteste l'un des plus beaux bâtiments Art déco d'Europe, situé à proximité du lac Daumesnil dans le 12e arrondissement de Paris.

Nuit Européenne des Musées, Fête de la musique, Journées européennes du Patrimoine ou Nuit Blanche, Palazzo sera propice à la découverte ! Tout au long de l'été, les plus grandes manifestations culturelles y trouveront leur place et sa programmation ne cessera de croiser la riche actualité du Palais qui abrite le Musée national de l'histoire de l'immigration et l'Aquarium tropical.

Bain de soleil ?
Bain culturel ?
Vous n'avez plus à choisir !

Inauguration jeudi 17 mai à partir de 18h

Inauguration de Palazzo, la terrasse éphémère du Palais de la Porte Dorée

[18:00-22:00] Remise du prix de la création artistique Sorbonne Université
Location:
Université Pierre-et-Marie-Curie - Paris VI
UPMC - Jussieu
4, place Jussieu
75005 Paris
M° Jussieu
France
Phone : +33 (0)1 44 27 44 27
Internet Site : www.upmc.fr
Description:
Nous vous invitons à découvrir les œuvres sélectionnées pour cette deuxième édition du concours de création "Une couleur différente" organisé par le pôle culture de la vie étudiante - Facultés des sciences et ingénierie.

+ Résultats et remise du prix de la création artistique Sorbonne Université
+ Cocktail créatif autour du thème du concours "Vert"
+ Performance de l'un des artiste sélectionné

La remise des prix auront lieu au
"Tipi"
(entre les tours 42 et 43)
Campus Pierre et Marie Curie
4 place Jussieu
Paris 5e

Exposition jusqu'au 1er juin 2018

Remise du prix de la création artistique Sorbonne Université

[18:00-21:00] Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Location:
Maison de Chateaubriand
87, rue de Chateaubriand
Domaine départemental de la Vallée-aux-Loups
92290 Châtenay-Malabry
M° RER B Robinson
France
Phone : +33 (0)1 55 52 13 00
Mail : reservations-chateaubriand@hauts-de-seine.fr
Internet Site : maison-de-chateaubriand.hauts-de-seine.net
Description:
Exposition du samedi 19 mai au dimanche 19 août 2018
du mardi au dimanche de 10h à 12h et de 13h à 18h30

A l'occasion des 250 ans de la naissance de Chateaubriand, découvrez une exposition inédite de près de 50 dessins récemment restaurés de Goethe qui évoquent les paysages romantiques de l'Italie, l'Allemagne ou la Suisse. Rendez-vous du 19 mai au 19 août 2018 à la Maison de Chateaubriand.

Avec cette nouvelle exposition, la Maison de Chateaubriand met à nouveau à l'honneur le paysage cher aux Romantiques, cette fois-ci au travers des regards croisés de Chateaubriand et Goethe. On connaît surtout l'œuvre littéraire de ce dernier, mais moins l'œuvre picturale, et 46 dessins et aquarelles sont ici présentés. L'exposition se prolonge ensuite dans le parc que Chateaubriand avait lui-même façonné comme un paysage littéraire.

Chateaubriand et Goethe ont fait plusieurs voyages en Italie, en Suisse et en Bohême, et ces expériences les ont profondément marqués et inspirés. Le premier a décrit longuement ces paysages romantiques pittoresques, le second les a non seulement décrits mais aussi dessinés.

À travers le dessin et l'écriture, cette exposition invite le visiteur à une promenade dans des paysages intensément et intimement ressentis et décrits, une sorte de voyage initiatique dans les influences et inspirations des deux auteurs.

L'exposition « Goethe et Chateaubriand, regards croisés devant les paysages » est l'occasion de mieux connaître l'auteur allemand aux multiples talents, et de confronter les visions de deux grandes figures de la République européenne des Lettres.

Cette exposition est sans précédent, d'abord grâce au prestigieux partenariat avec le musée national Goethe à Weimar (inscrit au Patrimoine mondial de l'Unesco, faisant partie de la Fondation Weimarer Klassik qui reçoit près de 700 000 visiteurs par an), ensuite car les œuvres prêtées par cette fondation ont été récemment restaurées, et n'ont pas été présentées depuis de nombreuses années, ce qui donne à cette exposition un caractère inédit.

En partenariat avec Goethe Institut

Commissariat de l'exposition : Fondation Weimarer Klassik, Professeur Hermann Mildenberger ; Maison de Chateaubriand, Bernard Degout

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Etude de tête-Goethe dans la campagne romaine vers 1786-1787 ou 1793
Plume, encre brune et aquarelle 572 x 453 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Villa au clair de lune, 1786
Mine de plomb estompée et craie blanche 210 x 331 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
La côte napolitaine à Posillipo, 1808
Plume, encre brune et aquarelle 185 x 311 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Ruine de temple, vers 1820
Mine de plomb et aquarelle, rehaussée de blanc 388 x 455 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Masse de nuages en forme de tour, vers 1810
Plume et pinceau, encres grise et brune, aquarelle 148 x 223 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Pont sur l'Anio, 1786/1787
Plume, encre grise et aquarelle 138 x 205 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
La côte napolitaine à Posillipo, 1808
Plume, encre brune et aquarelle 185 x 311 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Paysage de la campagne romaine, 1787
Craie noire, plume encre brune, pinceau encre brune et grise 108 x 188 mm © Klassik Stiftung Weimar

Vernissage "Goethe et Chateaubriand, Regards croisés devant les paysages"
Au Ponte Molle, 1786-1787
Plume et pinceau, encre brune et aquarelle © Klassik Stiftung Weimar

[18:00-21:00] Vernissage "Retour à la normale - Dessine moi un mouton - 1968/2018"
Location:
Le cabinet d'amateur
12, rue de la Forge Royale
75011 Paris
M° Faidherbe - Chaligny, Ledru-Rollin, Charonne
France
Phone : +33 (0)1 43 48 14 06
Mail : contact@lecabinetdamateur.com
Internet Site : www.lecabinetdamateur.com
Description:
Vernissage le jeudi 17 mai à partir de 18 heures
Exposition du jeudi 17 au dimanche 27 mai 2018

Avec la participation de : Agrume, Ardif, Arnaud Boisramé, Codex Urbanus, Nadège Dauvergne, Ender, Epi2mik, Joanna Flatau, Philippe Hérard, Fred Le Chevalier, Levalet, Matt_tieu, Ricardo Mosner, Murmure, Paella?, Simon Pradinas, Zariel...

Dix ans après l'exposition « L'imagination au pouvoir » qui présentait les œuvres de Dominique Larrivaz accompagnées d'une sélection d'affiches originales de l'Atelier populaire de l'ex-Ecole des Beaux-Arts de Paris, le cabinet d'amateur a demandé à une quinzaine d'artistes de travailler sur le thème « Dessine moi un mouton ! » faisant référence à la célèbre affiche « Retour à la normale... ». La plupart d'entre eux n'ont pas connu les événements de Mai 68, loin des engagements politiques et sociaux de cette période, cinquante ans après, ils nous proposent chacun à leur manière leur vision de la société contemporaine.

A Annie, Larry et F'murr
http://www.lecabinetdamateur.com/expositions/mouton

Vernissage de l'exposition "Retour à la normale - Dessine moi un mouton - 1968/2018"

[18:00-21:00] Vernissage d'exposition collective
Location:
Galerie Beauté Du Matin Calme
54, avenue de la Motte-Picquet
Village Suisse
Place de Lugano
75015 Paris
M° La Motte-Picquet - Grenelle
France
Phone : +33 (0)9 80 78 99 16
Mobile : +33 (0)6 77 81 27 11
Mail : contact@bdmc.fr
Internet Site : www.bdmc.fr
Description:
À partir du 14 au 28 mai 2018 de 10h30 à 18h30 la galerie Beauté Du Matin Calme à le plaisir de vous inviter à l'exposition collective de 6 artistes qui vous dévoilerons leurs univers dont :
Francis Berger, Philippe Jubault, Palida Georgoulakou, Reimut-Rudiger Voigt, Elisabeth Auer, Patricia Hurbourg

Vernissage d'exposition collective

[18:00-21:00] Vernissage de Damien Cabanes "Caché par le trop grand glaïeul"
Location:
Galerie Eric Dupont
138, rue du Temple
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 44 54 04 14
Fax : +33 (0)1 44 54 04 24
Mail : info@eric-dupont.com
Internet Site : www.eric-dupont.com
Description:
Exposition du 17 mai au 20 juillet 2018

Vernissage de Damien Cabanes "Caché par le trop grand glaïeul"
Damien Cabanes, Bouquet de glaïeuls sur fond blanc et rose, 2018, 220 x 209 cm, huile sur toile, photo : J.-F. Rogeboz © galerie Eric Dupont, Paris

[18:00-21:00] Vernissage de Lautissier
Location:
Rue Durantin
Rue Durantin
75018 Paris
M° Abbesses, Blanche, Pigalle
France
Internet Site : ruedurantin.over-blog.com
Description:
Galerie au Tour du Feu
24, rue Durantin
75018 PARIS
autourdufeu@wanadoo.fr

Vernissage de Lautissier

[18:00-21:00] Vernissage de Mélissa Diallo "AFRACT"
Location:
La Galerie du C.R.O.U.S. de Paris
11, rue des Beaux-Arts
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés, Odéon, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 43 54 10 99
Fax : +33 (0)1 43 54 10 99
Mail : galerie@crous-paris.fr
Internet Site : www.crous-paris.fr/article.asp?idcat=AABD
Description:
EXPOSITION // du 15 au 26 mai 2018
VERNISSAGE // jeudi 17 mai de 18h à 21h

Abstractions inspirées de réalités africaines ou panafricaines actuelles. Qu'elles soient euro, afro ou ethno-centrées, certains y verront de l'art politique. Mais l'abstraction qui démarre toujours du figuratif et d'un sujet ; traite avant tout de la forme, de l'esthétique : infra-idée non consciente (ou issu d'un inconscient collectif), bien plus parlante qu'un slogan. Je développe ainsi des drapeaux ethniques, imprimés par un procédé en gravure de couleurs simultanées, reprenant les rythmes et motifs de tissus traditionnels et fortement identitaires tels le « lepi » et certaines tapisseries peules. Je joue avec certains codes de l'art contemporain, art que l'on sait eurocentré. Qu'il soit question des expressions culturelles, d'appropriation culturelle, de l'ego ou même de l'efficacité marchande ; l'art n'est-il pas toujours une question d'équilibre et de degré d'ouverture de l'entre-soi vers le monde ?

Je traite de certaines surreprésentations : ces éternels masques africains, surexploités, marchandisés ; symboles du moderne et pourtant, si anciens, culturellement. Aussi bien que, mes statues-figurines, dans la série « poppies », et mes impressions colorées, ils ne sont que multiples possibles. Pour appuyer certaines contradictions, comme l'écart entre valeur de l'art et système marchand, je n'utilise pas de moules pour mes céramiques, et mes techniques d'impression sont très expérimentales, ce qui donne la plupart du temps des épreuves uniques. Poppies est une série de fétiches industrialisés, en céramique, ironiquement pop et « glossy ». À la limite d'une pornographie africaine, avec des symboles stéréotypés et sexy : caricatures tropicalisées, de déesses de la fertilité super-sexuées, mais aussi de nouveaux archétypes ; les sacralités d'hier et d'aujourd'hui, dégoulinantes de vulgarité.

http://melissadiallo.com

Vernissage de Mélissa Diallo "AFRACT"

[18:00-21:00] Vernissage de Nelly Monnier "Parpaing/Chagrin"
Location:
22,48 m²
30, rue des Envierges
75020 Paris
M° Jourdain, Pyrénées
France
Phone : +33 (0)9 81 72 26 37
Mail : contact@2248m2.org
Internet Site : www.2248m2.org
Description:
17/05 - 16/06/2018
Vernissage Jeudi 17/05/2018, 18h

Nelly Monnier
PARPAING/CHAGRIN

texte de Jérôme Mauche

Ce que Nelly Monnier propose est rare, il faut le lui dire. Elle prélève, elle peint, elle associe, autant de gestes qu'elle contextualise. Posons, wikipédions Parpaing/Chagrin. Il y est question de contreforts, de points d'ancrage en métal qui soutiennent des murs, de façades d'HLM aux couleurs acidulées lorsqu'on traverse des régions assez rieuses et prospères, mais pour trois jours seulement. Zoomer, passer, reprendre, détacher, peindre, dessiner du moins l'interrogation, car c'est du langage. La lumière a été tempérée, puis humide. Ensuite il a fait très beau.
Par analogie, Nelly Monnier peint des détails prélevés du paysage qui fabriquent des signes. Ils proviennent, la plupart, des abords décoratifs des villes moyennes françaises ou de villages. C'est un répertoire, il est tenu, il est juste. Il y a des dates, des passages, des lieux réels. Ce n'est pas un journal, mais des photos, des relevés qui deviennent. On y ressent le punctum français, lié sans doute à l'enfance, celui du toponyme, la touche, l'illusion ou le devoir. Car le présent présente. Et quelquefois, comme un charme, il échoit aux peintres d'ajuster entre eux le camaïeu du format, du sujet - fut-il atteint de scoliose - et l'idée aussi de la boue. Comme au javelot, au disque, certains n'ont qu'à le prendre en main, accélérer l'élan, courir, l'intensifier, puis le lâcher.

Vernissage de Nelly Monnier "Parpaing/Chagrin"

[18:00-20:00] Vernissage de Rachel de Joode "Instead of Pieces, a Play"
Location:
Galerie Christophe Gaillard
5, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 42 78 49 16
Mobile : +33 (0)6 65 15 75 30
Mail : contact@galerie-gaillard.com
Internet Site : www.galerie-gaillard.com
Description:
MAINSPACE

Exposition du 17 mai au 16 juin 2018
Vernissage Jeudi 17 mai, 18h - 20h

La Galerie Christophe Gaillard est ravie de présenter la deuxième exposition personnelle de Rachel de Joode dans le Mainspace.

Rachel de Joode (née en 1979, Pays-Bas) vit et travaille à Berlin, diplômée de la Gerrit Rietveld Academie d'Amsterdam. Elle a reçu du fonds Mondriaan le International Presentations Grant en 2016 et le Mondriaan fonds Project Grant en 2017.
On peut citer parmi ses exposition personnelles et collectives Photoforum Pasquart, Biel/Bienne (CH); Kunstfort Vijfhuizen (NL); ICA, Philadelphie (USA); Henie Onstad Kunstsenter, Oslo (NO); ZKM, Karlsruhe (DE); le Musée d'Art Contemporain de Rome (IL); Gerðarsafn Kópavogur Art Museum, Kópavogur (ISL); Garage Rotterdam (NL); Kunstverein Nürnberg (DE); Neumeister Bar-Am, Berlin (DE); Galerie Christophe Gaillard, Paris (FR); Interstate Projects, New York (USA); Higher Pictures, New York (USA).


Craig Schwartz: [en tant que Maxine Puppet] Dis-moi Craig, pourquoi aimes-tu les marionnettes ?

Craig Schwartz: [en tant que Craig Puppet] Et bien Maxine, je ne suis pas sûr. C'est peut être l'idée de devenir quelqu'un d'autre pour un instant. Être dans une autre peau - penser différemment, bouger différemment, ressentir différemment.

Craig Schwartz: [en tant que Maxine Puppet] Intéressant, Craig...

Extrait de Dans la peau de John Malkovich (1999), Réalisé par Spike Jonze, écrit par Charlie Kaufman


L'œuvre de Rachel de Joode évolue autour de la tension entre la surface plane de l'écran pixellisé et la surface tangible du corps poreux. Tandis que nombre de ses photographies prennent l'apparence de peau humaine ou de matière organique, en y regardant de plus près, notre œil finit par reconnaître dans ces images des effets de matières réalisés à l'aide de matériaux d'art plastique élémentaires tels que l'argile ou les pigments, qui portent la trace de la main de l'artiste. Il existe dans l'œuvre de Rachel de Joode une oscillation entre la surface bi-dimensionnelle et sa corporalité tri-dimensionnelle. Les images - viscérales, physiques - s'appréhendent en ronde-bosse. Elles appartiennent à l'espace haptique dans lequel on fait l'expérience du toucher par le regard.

Cette confusion sensorielle s'applique également à l'approche de l'artiste à son médium. En effet, Rachel de Joode utilise la photographie comme outil de médiation pour exprimer son expérience physique de la matière. C'est également une manière pour elle de façonner ces matériaux selon son désir. Ainsi, ses image-objets ont un pouvoir ; elles deviennent des sujets. Elles se comportent comme d'autres médiums, brouillant ainsi les frontières de leur cadres. Jouant les sculptures, les tableaux, ou encore les tentures, elles sont pliées, superposées, imbriquées et pénétrées au mépris des attentes habituelles d'un lieu d'exposition. Cette performance de l'objet d'art s'étend au contexte de l'exposition elle-même et au rôle de Rachel de Joode en tant qu'artiste-protagoniste.

Au centre de l'exposition se tient un décor de galerie. Au sein de cette galerie dans la galerie se joue une pièce de théâtre dans laquelle des performers, habillés du costume de l'artiste - jeans, t-shirt blanc, perruque blonde et lunettes - présentent les objets exposées. Des bras sortent de trous découpés dans les parois du décor pour tenir les toiles photographiques et les petites figurines en céramique représentant l'artiste nue. En première ligne de cette distribution d'objets, les acteurs humains endossant le rôle d'artiste deviennent le système de fixation des œuvres, leur mains servant de crochets ou de socles dans un jeu qui est à la fois plein d'humour et mélancolique à en pleurer. En parallèle, les propres mains de Rachel de Joode pénètrent littéralement à travers les œuvres à la fois par leur représentation et par la trace qu'elles y laissent - car il s'agit, après tout, de choses fabriquées.

Alex Klein


Alex Klein est la curatrice Dorothy and Stephen R. Weber (CHE'60) à l'Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania. On peut citer parmi ses expositions récentes à l'ICA Suki Seokyeong Kang: Black Mat Oriole (2018) co-commissariat Kate Kraczon; Broadcasting: EAI at ICA (2018) co-organisé avec Electronic Arts Intermix (EAI); la première exposition rétrospective de Nathalie Du Pasquier BIG OBJECTS NOT ALWAYS SILENT (2017) co-organisée avec la Kunsthalle Vienna; Myths of the Marble (2017) co-organisée avec le Henie Onstad Kunstsenter, Norway; Barbara Kasten: Stages (2015), la première grande rétrospective de l'artiste, et Julia Feyrer and Tamara Henderson: Consider the Belvedere (2015).
De 2013 à 2015 elle a été agent pour le Carnegie Museum of Art's Hillman Photography Initiative où elle a effectué le co-commissariat de l'exposition Antoine Catala: Distant Feel (2015, avec Tina Kukielski) et co-edité la publication Shannon Ebner: Auto Body Collision (CMOA, 2015). Elle a donné un grand nombre de conférences et ses écrits sont largement publiés, on peut citer Public Servants: Art and the Crisis of the Common Good (MIT Press, 2016), The Human Snapshot (Sternberg Press/ CCS Bard, 2013), How Soon Is Now? (LUMA, 2012), et le volume critique sur la photographie Words Without Pictures (LACMA/Aperture, 2010), qu'elle a également édité. Avant de joindre l'ICA en 2011 elle a occupé des postes au Wallis Annenberg Photography Department au Los Angeles County Museum of Art, the Roski School of Fine Arts à l'University of Southern California, et The Metropolitan Museum of Art, New York. En plus de son travail curatorial, elle est également artiste et co-fondatrice, avec le designer Mark Owens, d'Oslo Editions.

Vernissage de Rachel de Joode "Instead of Pieces, a Play"

[18:00-21:00] Vernissage de Wang Haiyang "Ravage"
Location:
Galerie Paris-Beijing
62, rue de Turbigo
75003 Paris
M° Temple, Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 74 32 36
Mail : paris@galerieparisbeijing.com
Internet Site : www.galerieparisbeijing.com
Description:
17 mai - 16 juin, 2018

Vernissage de Wang Haiyang "Ravage"

La Galerie Paris-Beijing a le plaisir d'annoncer Ravage l'exposition personnelle de Wang Haiyang présentant ses dernières peintures et vidéos. Par l'utilisation de moyens alternatifs de communication, ses travaux les plus récents apparaissent comme des métaphores des relations humaines.

En 2017 l'artiste commence à travailler sur un ensemble de vidéos dans le but d'analyser les relations entre individu et société. La représentation abstraite de la figure de «l'abject» est un élément récurrent dans la série Ravage. Wang Haiyang tient à différencier ce caractère du sujet et de l'objet.

Feront partie de l'exposition trois vidéos de cette même série » Social Relation, Night et Judge and Idol, qui marquent un tournant dans la production de l'artiste.

Dans Judge et Idol, les spectateurs assistent à l'étrange dialogue entre deux chewing-gums mâchés. Le nouveau langage qu'ils utilisent est imaginé à partir de sons hybrides émanant d'êtres bioniques. Le chewing-gum est façonné sans cesse par les mains de l'artiste pendant que les deux personnages discutent de la relation maître-esclave et de la possibilité d'intervertir leurs rôles. Les voix ne permettent pas d'identifier s'il s'agit d'un sujet (être vivant) ou d'un objet. Elles s'expriment dans une langue hybride et s'interrogent sur la possibilité d'une vie au-delà des barrières imposées par le système.

Avec The Night l'artiste poursuit son exploration son antihéros et de l'ambivalence de sa condition ontologique. La narration démarre et s'achève à partir de la perspective d'un fluide, mettant en scène une forme visqueuse ambigüe qui pourrait être un serpent ou un organisme unicellulaire. Social Relation est un plan fixe sur un amalgame en ébullition. Wang Haiyang questionne la place de l'individu dans un environnement social.

Les aquarelles sur papier de la série « Sex » (2017) s'inspirent de formes mystérieuses apparues à l'artiste lors de sa période de convalescence à l'hôpital après une intervention chirurgicale.

Ressemblant à des cellules vues au microscope, ces dessins et études se révèlent profondément organiques. Ils semblent être liés au désir de l'artiste d'appréhender la physiologie et les interactions de ces organismes vivants. Le choix spécifique de l'aquarelle sert à son propos. Ce medium nous ramène au phénomène de capillarité et à l'interaction entre les fluides.

Les peintures de la série «Untouchable» (2017) poursuivent ses recherches sur le corps et ses limites. Wang Haiyang en convalescence peint ses grands formats à plat. Comme suggéré par le titre, le centre de la toile lui est inatteignable. Loin d'être une pure contrainte physique cette zone devient le centre visuel et structurel de la composition. Les coups de pinceau rapides agrémentés de couleurs vives gravitent autour du centre de la toile, une énergie cosmique émane de la composition.

Seront également exposées trois vidéos présentées en 2016 au Ullens Center for Contemporary Art (UCCA) à Pékin: « The Invisible Hand », « Communication » et « Night Feed » qui se distinguent par l'absence totale de protagoniste.

La vidéo Wall Dust (2016) sera également projetée dans la salle de projection de la galerie. L'œuvre est la suite des vidéos d'animation « Freud, Fish and Butterflies » (2009) et « Double Fikret » (2012). Son processus de tournage reste basé sur une animation image par image. Une force compulsive sans commencement ni fin logique fonctionne comme un mécanisme de rotation. En dessinant à plusieurs reprises sur les mêmes feuilles de papier de verre, l'artiste produit méticuleusement des milliers d'images qui sont d'abord photographiées et puis effacées. Comme un mandala tibétain, chaque dessin est «destiné à être détruit sans laisser de traces». Dernier volet de la trilogie, Wall Dust complète le récit initial en construisant et détruisant sans cesse des scènes incongrues avec un personnage moustachus récurrent nommé « Fikret ». Dès le début de l'animation, les spectateurs font face à une série de situations surréalistes. L'intrigue semble se dérouler sans suivre de direction: une succession de symboles, de représentations sexuelles grotesques, de figures géométriques, de formes organiques, d'animaux connectés à d'étranges machines. Tous ces êtres hybrides et ces objets sont animés par des traits de crayon couleur qui se combinent frénétiquement. Ces métamorphoses suivent le flux de conscience de l'artiste et apparaissent comme le fil rouge de cette trilogie. On y voit par exemple, des œufs de poule sur un tapis roulant qui se transforment en dents après avoir traversé une forêt de conifères. Suivant la théorie de Freud sur l'importance de l'inconscient, ces associations, apparemment aléatoires, tracent le cheminement de la construction identitaire.

Vernissage de Wang Haiyang "Ravage"
Wang Haiyang, Untouchable, 2017, acrylic on canvas, 260 x 200 cm
© Wang Haiyang / Courtesy of the artist and Galerie Paris-Beijing

Vernissage de Wang Haiyang "Ravage"
Wang Haiyang, Sex, 2017, Watercolor on paper
© Wang Haiyang / Courtesy of the artist and Galerie Paris-Beijing

[18:00-21:00] Vernissage de Yasuaki Onishi "Reverse of Volume"
Location:
Galerie Virginie Louvet
48, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 42 71 97 48
Mobile : +33 (0)6 32 90 10 20
Mail : contact@virginielouvet.com
Internet Site : www.virginielouvet.com
Description:
16 mai - 21 juin 2018
Vernissage : Jeudi 17 mai de 18 à 21 heures

Yasuaki Onishi crée des sculptures qui manifestent des espaces généralement considérés comme creux ou vides, autour de thèmes classiques tels que volume, verticalité, distance. À partir de matériaux qui résistent à prendre forme - colle, feuille de polyéthylène - et par un travail constitué d'actions, de phénomènes et de temps comme composantes essentielles, il applique une sensibilité délicate et élabore des formes à la limite entre agencement humain et nature. Adoptant des formes qui semblent se matérialiser comme paysages - vastes montagnes ou grottes glaciaires, mers fouettées par le vent ou silhouettes de nébuleuse, ces formes moulées occupent l'espace et enveloppent le spectateur. Le matériel transformé en œuvre devient substance et révèle des éléments invisibles, transformant l'espace en réceptacle de beauté où s'accumule l'infinité des pensées et des imaginaires. À travers les sculptures d'Onishi, nous apercevons furtivement des passages vers l'envers du monde dans lequel nous vivons.

Reverse of Volume (L'envers du volume) :

Pour sa première exposition personnelle à la galerie, Yasuaki Onishi présente une installation spécialement conçue pour l'espace de la rue Chapon, faisant partie de la série Reverse of Volume. Cette série d'installations in situ est née en 2010 et s'inscrit au sein d'un plus vaste projet de l'artiste japonais intitulé Sculpting Emptiness / Sculpter le vide. Ce travail se distingue d'expressions sculpturales préexistantes tout en examinant ce qui fait leur essence.

Pour les Reverse of Volume, des feuilles de polyéthylène sont déposées sur une pile de cartons d'emballage, créant une silhouette de formes vagues ressemblant des crêtes montagneuses. De la colle fondue est déversée sur l'édifice directement depuis un pistolet à colle chaude, créant de nombreuses coulées verticales qui recouvrent la partie supérieure. Les cartons sont ensuite ôtés et la pièce apparaît. Le spectateur qui pénètre à l'intérieur de l'œuvre est baigné d'une alternance de lumière tamisée et d'ombres crées par la matière flottante et, « voyant la sculpture sur l'envers » est exposé à une sensibilité nouvelle.


Yasuaki Onishi est né en 1979 à Osaka, au Japon. Il vit et travaille dans sa ville natale.

Vernissage de Yasuaki Onishi "Reverse of Volume"
Yasuaki Onishi, Reverse of Volume, 2018, bâche en polyéthylène et colle noire, dimensions variables

Vernissage de Yasuaki Onishi "Reverse of Volume"
Yasuaki Onishi, Plate of Pressures (18P2), 2018, colle sur panneau en bois, graphite, poudre métallique, 60 x 50 cm

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Manifestations"
Location:
Le 6b
6-10, quai de Seine
93200 Saint-Denis
M° RER D Saint-Denis, Basilique de Saint-Denis
France
Phone : +33 (0)1 42 43 23 34
Mail : contact@le6b.fr
Internet Site : www.le6b.fr
Description:
Du 17 au 31 mai
Ouverture du mercredi au dimanche de 14h à 19h
VERNISSAGE LE 17 MAI À 18H

"À la fois enracinées et éphémères, des forces profondes sont touchées ici et là par des lueurs de douceur et de fragilité."

Ces quelques lignes ont été données à penser à onze artistes plasticiens, performeurs et musiciens.
En résulte une exposition collective et collaborative, où tous partagent des rapports sensibles et puissants avec leur environnement, caractérisés par le travail du paysage, du songe et du souvenir.
Des créations pluridisciplinaires, qui par le travail sur la matière et la surface, font coexister des forces à la fois délicates et violentes.

Les visiteurs sont invités à s'arrêter en des points précis où ils peuvent à la fois observer les œuvres et s'imprégner des expériences sonores enregistrées par chaque artiste. Un parcours réfléchi d'œuvre à œuvre dont le lien, inclusif par la scénographie sonore et la mise en lumière, créé les ponts pour que chaque insularité participe à l'archipel.

Pendant la durée de l'exposition des performances de danse, de musique et des ateliers de création de livre sont aussi proposés au public.

Enfin, l'association Trade School Paris propose des ateliers fonctionnant sur le principe du troc.


CHARITY THOMAS
Photographe, artiste. C'est un entre-deux, un espace entre conscience et inconscience, entre absence et présence, qu'elle explore dans son travail photographique.
www.charitythomas.com
ANTINEA JIMENA
Artiste plasticienne et scénique. Elle explore, interroge, transite et habite ses thèmes de prédilection, liés à son expérience personnelle : famille, migration, rêves, désir, confluences des catastrophes naturelles et des corps humains.
cargocollective.com/antinea
MARION FONTAINE
Plasticienne-maquilleuse. Les matières et les couleurs sont au cœur de ses recherches.
https://www.instagram.com/m.a.r.i.o.n_f.o.n.t.a.i.n.e/
MATHIEU JOUEN
Reporter caméraman et musicien autodidacte. Il cherche à façonner son univers sonore à l'aide de machines et magnétophones réalisés ou modifiés par ses soins.
soundcloud.com/mathieujouen
DIDIER LEGARE-GRAVEL
Dessin, gravure et vidéo. Le paysage est pour lui un moyen d'explorer le théâtre de la projection, de la sidération.
www.legaregravel.com
ODONCHIMED DAVAADORJ
Artiste plasticienne. Un univers surréel et poétique nous est suggéré, où rêves, désirs et réalités se côtoient et se confondent
cargocollective.com/odonchimeg-davaadorj
MARIA JOSE PEREZ-CASTRO
Artiste scénique, pédagogue et chercheuse du mouvement. Sa recherche se plonge dans les cartographies corporelles de la pratique somatique; dans l'incarnation de la métaphore dans la danse butô; dans l'improvisation de la danse post-moderne, dans le symbole et l'action de l'expérience rituelle.
www.majoperezcastro.wix.com/danza
IYARI TIRADO BURNAT
Artiste visuel et poète autodidacte. Sourd depuis l'âge de deux mois, il expérimente actuellement au coeur de la profonde relation entre l'image et le son.
LINE TURCK
Art thérapeute, formée à la céramique, elle partage son temps entre l'accompagnement de personnes âgées et sa passion pour la céramique. C'est à travers ses racines rurales qu'elle puise une partie de son inspiration liée à la nature.
IRIS DAUTY
Scénographie et architecte. Elle collabore dans des projets scénographiques avec des plasticiens et des artistes de la scène en France et au Mexique. Une démarche qui souligne particulièrement le nécessaire accès à la culture
PATRICIA LUIS-RAVELO
Eclairagiste et régisseuse pour des pièces de danse, théâtre et festivals de musique. Elle collabore avec des artistes et collectifs sur la mise en lumière d'installations et d'expositions.
patricialuisravelo.wordpress.com

TRADE SCHOOL
Une école participative fonctionnant grâce au troc d'objets ou de services.
http://www.tradeschool.coop/paris/

Vernissage de l'exposition "Manifestations"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Project Room #3"
Location:
Galerie Marie-Hélène de La Forest Divonne
12, rue des Beaux-Arts
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 40 29 97 52
Mobile : +33 (0)6 84 33 98 88
Fax : +33 (0)1 42 71 39 75
Mail : contact@galeriemhlfd.com
Internet Site : www.galeriemhlfd.com
Description:
EXPOSITION COLLECTIVE : PROJECT ROOM #3
17 mai - 9 juin

avec :
Léa DUMAYET
Camille POZZO DI BORGO
Samuel YAL

VERNISSAGE
jeudi 17 mai de 18h à 21h

NOCTURNE Le Jeudi des Beaux-Arts
jeudi 7 juin 18h-21h

Vernissage de l'exposition collective "Project Room #3"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "ZERO"
Location:
Galerie Jérôme Pauchant
61, rue Notre Dame de Nazareth
75003 Paris
M° Strasbourg - Saint-Denis, Temple, Arts et Métiers, République
France
Phone : +33 (0)1 83 56 56 49
Mail : info@jeromepauchant.com
Internet Site : www.jeromepauchant.com
Description:
Simon Laureyns, Renaud Regnery, Daniel Buren

Special Guest: Daniel BUREN, with the collaboration of Editions Multiples Un, Paris and the kind authorization of Daniel Buren

18 mai - 16 juin 2018
Vernissage jeudi 17 mai de 18h à 21h

A travers son engagement, la galerie Jérôme Pauchant se focalise sur des formes de radicalité ou, en tout cas, sur l'interrogation des limites d'une pratique ou d'un matériau et des formes expansives ou réductives qu'elles peuvent prendre. En témoignent notamment les deux expositions les plus récentes : celle d'Olympe Racana-Weiler et ses œuvres énergiques, saturées de peinture constituant un acte débridé de complexité spatiale colorée ou la proposition collective « Heavy Metal » dans laquelle les œuvres questionnent leur propre matérialité.

Pour approfondir cette direction artistique, c'est en contrepoint, dans une opposition frontale, dans une objection à l'acte de peindre et aux médiums traditionnels de la peinture, que s'inscrit cette nouvelle exposition "ZERO" avec Simon Laureyns, Renaud Regnery et Daniel Buren en invité spécial.

Le choix d'inviter Daniel Buren prend son sens, à travers son engagement historique dans ses premières peintures sur tissu rayé blanc et gris à partir de 1965, dans la volonté d'approcher « une composition minimum, ou zéro, ou neutre».* Il signifie que la toile n'est pas un ready-made par un très simple recouvrement de peinture blanche des deux bandes non colorées sur les bords verticaux gauche et droit de la toile de store. Le médium pigmenté, trace infime et banale, confirme alors que l'on est toujours devant une peinture et non devant un ready-made. Ces toiles, présentées lors des « Manifestations » qui eurent lieu plus tard en 1967 avec Mosset, Parmentier et Toroni, sont
véritablement, les premières œuvres de Daniel Buren où celui -ci développe une oeuvre tentant d'exprimer le degré zéro de la peinture, pas de s'en dégager. C'est après, fin 67 et ensuite, que la peinture au sens strict précédent ainsi que les papiers imprimés blancs, colorés, rayés, collés et l'atelier, furent rayés de sa pratique et de ses préoccupations.

Le choix de présenter une pièce récente (2016) de Daniel Buren s'impose comme le moyen de montrer comment, en 2018, cette idée d'un degré zéro de la peinture est encore vivante et énergisée par cet artiste fondamental. Composée de carrés de laiton de 20 cm de côté, le diptyque "Cible acide" de Daniel Buren a été créé de manière originale en mettant en jeu la notion de multiplication mécanique de 5 images identiques, carrées, conformes à l'outil visuel de l'artiste, pour arriver à des variations par le biais d'un médium incontrôlable créant la couleur alternée aux bandes blanches : de l'acide nitrique sur du laiton.
Cette œuvre se présente sous forme d'un damier de deux mètres carrés, en diptyque, utilisant des notions chères à Daniel Buren : couper, décaler, démultiplier, réassembler... Entre radicalité du processus de fabrication, froid et mécanique, et résultat pictural presque lyrique, cette œuvre singulière surprend par sa vivacité tout en embrassant les problématiques et principes forts de l'artiste.

L'opposition au geste de peindre est également une des préoccupations des deux artistes Simon Laureyns et Renaud Regnery.
Confrontés à cette problématique de « l'encombrante peinture », ils tentent d'y répondre, dans leur pratique, par des moyens tranchés. Refusant l'idée de ready-made, ils visent à réduire le plus fortement possible la pratique du peintre, tant dans les médiums que dans les compositions, tout en cherchant à accéder à une picturalité forte, immédiate, sans pathos et toutefois sensible.

Ainsi, Simon Laureyns choisit de tendre sur châssis des tapis de billard usagés dans leur intégralité : évocation du monochrome d'une part, réminiscence d'une vibration de traces et de patines d'autre part.
Avec ses Eight Ball Paintings, l'artiste convoque ainsi quelques-un de ses prédécesseurs dans l'histoire de l'art récente, tout en s'affranchissant de la pratique conventionnelle de ces références. L'artiste fait aussi un pas de côté en refusant le tapis immaculé sortant de sa housse neuve, pour marquer sa différence avec le ready-made. Il rappelle ainsi que ses sélections parmi de nombreux tapis de billard sont des choix, non par défaut, mais liés à une recherche picturale singulière et charismatique.

Renaud Regnery opte pour un matériau normé et formaté : le papier peint. Pas n'importe lequel : celui d'un motif industriel de la crise des années 30 aux Etats-Unis, dont l'apparition sur le marché correspond à la mode des carreaux de faïence. La paupérisation de la population à cette période n'en permettant pas la vente, c'est cette imitation en papier peint à carreaux qui vint provisoirement les remplacer. Evacué de ces considérations historiques, le motif qui nous est donné à voir est simple, sans spécificité, si ce n'est la couleur rouge des quadrillages qui n'indique rien de particulier. Le papier n'étant pas présenté simplement déroulé, punaisé ou collé sur le mur en un lé, Renaud Regnery évacue ainsi la notion de ready-made. Dans les Faux-Tiles Paintings, les papiers peints collés sur toiles se présentent au regardeur dans une construction minimale et un rapport contrôlé au format, orthonormés, superposés, d'où émanent d'infimes vibrations : composition à minima.
La réappropriation de ce matériel décoratif et son réagencement sans affect sont autant d'enrichissements picturaux proposés par l'artiste.

Dans sa globalité l'exposition ZERO, présentée à la galerie Jérôme Pauchant du 18 mai au 16 juin 2018, met en lumière à travers des œuvres récentes de Daniel Buren, Simon Laureyns et Renaud Regnery des possibilités de création renouvelées, s'approchant autant que possible du degré zéro de l'œuvre plastique.

Frédéric Galliano, Avril 2018

*in Konzeption/Conception, Leverkusen: Städtisches Museum, Oct. 1969, Daniel Buren, Les Ecrits, 1965 - 2012, Volume I (1965 - 1995), Flammarion, 2012, p.80

Vernissage de l'exposition collective "ZERO"
Daniel Buren, "Photo-souvenir": Cible acide, mai 2016, travail situé (25 carrés de laiton, peinture, acide nitrique,
100 x 217 x 1 cm) P et C Editions Multiples Un. ©Daniel Buren. Courtesy Editions Multiples Un, Paris

[18:00-22:00] WAW 17
Location:
Salons Hoche
9, avenue Hoche
75008 Paris
M° Courcelles
France
Phone : +33 (0)1 53 53 93 93
Fax : +33 (0)1 49 53 04 82
Mail : contact@salons-hoche.fr
Internet Site : www.salons-hoche.fr
Description:
Les Web After Work @ Paris sont des événements Parisiens réunissant la communauté marketing digitale. Venez échanger autour d'un verre avec vos pairs, clients, partenaires actuels ou futurs sur des problématiques métiers en toute convivialité afin de partager vos expériences et booster votre réseau !

Pour cette dix-septième édition le WAW s'associe de nouveau avec l'Ecommerce Connect pour vous accueillir dans les prestigieux Les Salons Hoche . A cette occasion Clément Thibault, CEO Le Petit Ballon sera présent et viendra témoigner sous le micro de Laura-Jane Gautier.

AGENDA
18:00 Accueil et apéro
20:30 Interview de Clément Thibault, CEO Le Petit Ballon
21:15 Networking et cocktail

Nous vous attendons nombreux le jeudi 17 mai 2018 dès 18h.
Hashtag twitter : #WAWParis
Entrée gratuite sur inscription et validation.
>> RSVP

WAW 17

[18:30-21:30] SHOES UP 058 - Release Party
Location:
L'Imprimerie
16, rue Saint-Merri
75004 Paris
M° Hôtel de Ville, Rambuteau, Les Halles
France
Phone : +33 (0)1 42 72 53 24
Mail : contact@galleryimprimerie.com
Internet Site : www.galleryimprimerie.com
Description:
Le nouveau numéro est prêt ! Comme d'habitude : des magazines, des bières & du bon son !

[18:30-21:00] Vernissage d'Isabelle Manoukian "1001 DESSINS"
Location:
Slow Galerie
5, rue Jean-Pierre Timbaud
141, rue Amelot
75011 Paris
M° Filles du Calvaire, Oberkampf, République
France
Phone : +33 (0)1 43 55 44 68
Mail : contact@slowgalerie.com
Internet Site : www.slowgalerie.com
Description:
Vernissage d'Isabelle Manoukian "1001 DESSINS"

1001 DESSINS
Isabelle Manoukian expose à la SLOW Galerie

DU 17 MAI AU 09 JUIN 2018
VERNISSAGE JEUDI 17 MAI de 18H30 à 21H00

Faire un dessin par jour, pendant 1001 jours, tout comme Shéhérazade raconte une histoire par nuit au roi Shahriyar pour échapper à la mort et sauver son peuple, tel est le processus suivi par Isabelle-Ossana Manoukian, utilisant pendant 1001 jours le même support (papier) et le même outil (encre noire). Cette série de 1001 dessins (26,5x25 cm) a débuté le 31 juillet 2009 et s'est achevée le 27 avril 2012.

A défaut de pouvoir exposer les 1001 dessins, une sélection composée des 40 premiers dessins de la série est présentée, accompagnée de 12 estampes numériques. Les autres dessins seront projetés sous forme d'un diaporama d'une quinzaine de minutes.

Ces 40 dessins sont directement inspirés des contes des 1001 nuits : subtil et élégant le trait d'Isabelle s'inspire avec audace des relations hommes-femmes qui choquèrent l'occident à l'époque des premières traductions du 18e siècle tant la femme musulmane y paraissait libre et rusée, se jouant d'hommes souvent tyranniques et sots. L'artiste se laisse guider autant par la puissance érotique des scènes d'amour et de libertinage, extraits : « aussi les enlacements ne cessèrent de succéder aux embrassements, les baisers aux caresses et les copulations aux foutreries, pendant toute la nuit, jusqu'à ce que, un peu fatigués de leurs transports et de leurs multiples ébats, ils se fussent endormis enfin dans les bras l'un de l'autre, ivres de jouissances... » ( 679e nuit), que par la fusion ambigüe de l'amour charnel et de l'amour sacré quand dieu se confond avec l'être aimé, quand la fécondation et la germination deviennent semences mystiques.

Dans ces 40 dessins Isabelle-Ossana Manoukian s'est autorisé tous les fantasmes, toutes les transgressions, tous les rêves et nous offre une exposition d'une exubérante fantaisie à la fois érotique, féministe et spirituelle !


Isabelle Manoukian est née en 1969. Après avoir obtenu un diplôme en BTS Impression Textile à l'Ecole d'Arts Appliqués Olivier de Serres, Isabelle Manoukian poursuit sa démarche picturale tout en suivant les Ateliers Beaux-arts de Montparnasse et de Glacière. En 2002 elle obtient un DEA en Arts plastiques à Paris 8. En 2004, elle découvre la miniature persane, qu'elle étudie pendant 5 ans auprès d'Abbâs Moayeri. Cette approche des couleurs associée à la précision de la ligne va ensuite fortement influencer sa démarche personnelle.
Isabelle participe régulièrement à la Beirut Art Fair au Liban, au côté des oeuvres de peintres prestigieux comme Andy Warhol, Zhuang Hong YI.... et a exposé dans de nombreuses villes aux Etats-Unis, Danemark, Japon, Maroc, Iran, et Arménie.
« Il faut avoir du chaos en soi pour enfanter d'une étoile qui danse. Cette phrase de Nietzche pourrait fort bien illustrer le travail d'Isabelle Manoukian » Christine Orban, écrivain, journaliste.

Vernissage d'Isabelle Manoukian "1001 DESSINS"

Vernissage d'Isabelle Manoukian "1001 DESSINS"

Vernissage d'Isabelle Manoukian "1001 DESSINS"

Vernissage d'Isabelle Manoukian "1001 DESSINS"

[18:30-21:00] Vernissage de Fabrice Labit et Jérémy Marais "Dreamland"
Location:
NUNC! Paris
Bookstore, gallery and more
3, rue d'Arras
75005 Paris
M° Cardinal Lemoine
France
Phone : +33 (0)1 43 26 40 23
Mail : paris@nunc-gallery.com
Internet Site : www.nunc-gallery.com/paris
Description:
L'exposition « Dreamland », ou le voyage au pays des rêves, nous immerge dans l'univers du cirque et des fêtes foraines ; habitants et lieux abandonnés semblent ne pas avoir été a ectés par l'usure du temps : les couleurs y sont vives, gaies, les manèges paraissent attendre leurs petits clients... mais la nature reprenant possession des lieux, tout y est emprunt de nostalgie, et évoque le temps d'une jeunesse et d'une vitalité révolues.
Cette exposition de photographies est un clin d'œil / hommage / au roman Joyland de Stephen King qui relate la vie d'un étudiant travaillant dans un parc d'attractions en déclin et qui en découvre les secrets. Racontée par l'homme âgé qu'il est devenu, l'histoire oscille entre espoir adolescent et nostalgie de la vieillesse qui regarde son passé, et nous embarque dans la grande roue de la vie.

Fabrice Labit et Jérémy Marais entreront en piste à la galerie NUNC ! le jeudi 17 Mai à partir de 18H pour le vernissage de l'exposition.

Jusqu'au 3 juin 2018

www.fabricelabit.com
www.jeremymarais.com

Vernissage de Fabrice Labit et Jérémy Marais "Dreamland"

[18:30-21:00] Vernissage du festival Ateliers partagés 2018
Location:
La Gaîté Lyrique
3 bis, rue Papin
75003 Paris
M° Réaumur - Sébastopol
France
Mail : presse@gaite-lyrique.net
Internet Site : www.gaite-lyrique.net
Description:
Ateliers partagés 2018
Restitution des projets d'action culturelle

Du 16 au 27 mai 2018

Tout au long de l'année, la Gaîté Lyrique mène des projets de sensibilisation aux cultures numériques à destination de tous les publics. Ce festival invite à découvrir les différents projets et rencontrer les différents acteurs.
De la musique au transmedia, en passant par le web design, l'image animée, le code, la bidouille électronique, la réalité virtuelle ou le jeu vidéo, les participants explorent, aux côtés des artistes, la multiplicité des cultures numériques.

En partenariat avec des écoles, des collèges, des lycées mais aussi des écoles supérieures, des foyers d'accueil ou des hôpitaux, la Gaîté Lyrique impulse des projets d'action culturelle sur mesure. Le Centre de ressources propose également chaque semaine des ateliers gratuits autour des jeux vidéo, applications créatives et outils multimédia pour tous, familles, adolescents et seniors. Chaque atelier est un petit laboratoire, une expérience sensible qui invite les participants à faire par eux-mêmes, s'approprier, détourner... bref à être dans un rapport créatif et joyeux aux cultures numériques.

Pendant deux semaines, la Gaîté Lyrique vous invite à découvrir les différents projets : installations, ateliers ouverts et rencontres avec les différents acteurs.


Programme

Jeudi 17 mai
14h | Rencontre : Une après-midi de découverte d'histoires et de langues... en format Kamishibaï !
- Imaginons le monde de demain - DULALA

18h30 | Rencontre : Vernissage du festival
- L'animaucédaire de la supernature - École de Belleville
- EMØVNI - Collège Édouard Pailleron

Vendredi 18 mai
14h | Rencontre : Restitution d'ateliers #1
- F for Fake - Collège Jean Perrin
- Voyage immobile Paris / Freiburg et ailleurs - Collège Madame de Staël
- Traditions du nouvel âge - Lycée Saint Exupéry

19h | Rencontre : Ce que l'art révèle
- Quelle utilité de l'art, dans l'apprentissage linguistique, pour les réfugiés et demandeurs d'asile ? - École Thot

Samedi 19 mai
14h > 18h | Atelier : Les sans pagEs #5
- Thème : Transmission et éducation

Dimanche 20 mai
16h > 17h | Atelier : Tablettes et médiation
- Les formes magiques de la supernature - Sorbonne Nouvelle Paris 3

Mardi 22 mai
15h | Rencontre : Restitution d'ateliers #2
- Sonic Makers - Collège Jean Vilar
- Pop up Music Lab - IHSEA
- Parcours - Lycée Abbé Grégoire

Mercredi 23 mai
14h > 18h | Atelier : Livre des masks
- Livre des masks - École Estienne

18h30 | Rencontre : Restitution d'ateliers #3
- Voyageurs du numérique
- Signaletique sauvage ! - École Estienne
- Une affiche peut en cacher une autre - ENS AAMA Olivier de Serres

Jeudi 24 mai
15h | Rencontre : Restitution d'ateliers #4
- Meuh ! - Collège Pilâtre de Rozier
- Desktop Movies - Collège Claude Debussy
- Images génériques (indexer, générer, apprendre) - Lycée Colbert
- Game Older

Vendredi 25 mai
14h30 | Rencontre : Restitution d'ateliers #5
- Querida Frida - Lycee Suger
- Mon Europe, Mon Afrique - ASMIE
- Au bonheur des d@mes

18h30 | Rencontre : Restitution d'ateliers #6
- Les superfleurs de Capitaine futur - Lab School Paris
- Jeu vidéo supernaturel - Centre de Loisirs Vaucanson

Samedi 26 mai
16h | Rencontre : Présentation d'association
- Les aventures d'OSCAR et CLARA - Gustave Roussy
- Mon Europe, mon Afrique - ASMIE

Dimanche 27 mai
15h30 > 18h | Atelier : Livre des masks
- Livre des masks - École Estienne

Vernissage du festival Ateliers partagés 2018



[19:00-21:00] Soirée littérature Groenland et l'imaginaire de l'Arctique
Location:
Maison du Danemark
142, avenue des Champs-Elysées
2ème étage
75008 Paris
M° George V, Charles de Gaulle - Etoile
France
Phone : +33 (0)1 56 59 17 40
Fax : +33 (0)1 56 59 17 41
Mail : mdd@maisondudanemark.dk
Internet Site : www.maisondudanemark.dk
Description:
Conférence, entretien et lancement, littérature du Groenland et imaginaire du Nord avec Niviaq Korneliussen et Daniel Chartier

Déroulé de la soirée :

A 19h : Conférence de Daniel Chartier (professeur, titulaire de la Chaire de recherche sur l'imaginaire du Nord, de l'hiver et de l'Arctique, Université du Québec à Montréal) « La littérature du Groenland et l'imaginaire de l'Arctique »

A 19h30 : Entretien avec la romancière groenlandaise Niviaq Korneliussen. L'entretien aura lieu en danois et en anglais, avec traduction vers le français

A 20h : Double lancement de la traduction française du roman Homo Sapienne de Niviaq Korneliussen et l'essai multilingue Qu'est-ce que l'imaginaire du Nord? de Daniel Chartier

Co-organisé avec les Editions la Peuplade

Soirée littérature Groenland et l'imaginaire de l'Arctique

[19:00-21:00] Vernissage de Lumina Wang "Le Monde Entier"
Location:
Poïèsis des Arts
12, rue de Jouy
75004 Paris
M° Saint-Paul, Pont Marie
France
Phone : +33 (0)1 71 75 61 03
Mobile : +33 (0)6 83 95 54 04
Mail : poiesisdesarts@gmail.com
Internet Site : www.poiesisdesarts.com
Description:
Lumina WANG - 鹿明那

Du 17 au 31 mai 2018 (tous les jours de 15h à 20h)
Vernissage le 17 mai à partir de 19h

« Le Monde Entier », c'est ainsi que s'intitule la nouvelle exposition de Lumina WANG qui aura lieu du 17 au 31 mai, dans la ravissante galerie « Poïèsis des Arts », également café-théâtre, située en plein cœur de Paris dans le quartier du Marais.

Lors de cet événement, une pluralité d'œuvres de l'artiste de diverses périodes seront exposées sous des formes d'expressions artistiques variées. Les peintures, les dessins et les créations photographiques de Lumina WANG seront une invitation à percevoir la singularité et l'univers onirique, entre rêve et mythologie, parfois brut et décalé, de ce « Monde » tel qu'il est dépeint par l'artiste.

Étendue sur 90 m2 sur deux niveaux, la galerie « Poïèsis des Arts » est devenue depuis son ouverture en 2014, un espace culturel actuel et contemporain. Ce lieu inédit d'inspiration a attiré, par les créations artistiques qu'il met en lumière et la convivialité qui s'en dégage, d'innombrables amateurs d'art, artistes-exposants, performeurs ou comédiens, et bien d'autres acteurs du monde de l'art et de la culture, qui s'y rassemblent en vue de partager leur passion artistique commune.

Dès l'inauguration de l'exposition le 17 mai, la galerie « Poïèsis des Arts » aura donc le plaisir de vous inviter à découvrir les œuvres originales de Lumina WANG, artiste-plasticienne et également comédienne d'origine taiwanaise, installée en France à Paris depuis plus de neuf ans. Son univers, riche par sa diversité artistique et culturelle, saura rassembler les connaisseurs et spécialistes du monde de l'art, et créera un évènement singulier et insolite par l'originalité de ses œuvres.
À ne pas manquer...

Vernissage de Lumina Wang "Le Monde Entier"

[19:00-21:00] Vernissage de Manon Prothon
Location:
Portefoin
5, rue Portefoin
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Temple, Saint-Sébastien - Froissart
France
Mail : contact@portefoin.com
Internet Site : www.portefoin.com
Description:
VERNISSAGE JEUDI 17 MAI A 19H
Les oeuvres seront exposées jusqu'au 24 juin 2018

http://manonprothon.com

Vernissage de Manon Prothon

[19:00-21:00] Vernissage de Marie-Madeleine Vitrolles "Entre Ciel et Terre"
Location:
Galerie French Arts Factory
19, rue de Seine
75006 Paris
M° Mabillon, Saint-Germain-des-Prés, Odéon, Pont Neuf
France
Phone : +33 (0)1 77 13 27 31
Mobile : +33 (0)6 60 53 60 54
Mail : vemoulin@frenchartsfactory.paris
Internet Site : www.frenchartsfactory.paris
Description:
Vernissage de Marie-Madeleine Vitrolles "Entre Ciel et Terre"

[19:00-21:00] Vernissage de la vente Koller
Location:
Artcurial
Hôtel Marcel Dassault
7, Rond-Point des Champs Elysées-Marcel Dassault
61, avenue Montaigne
75008 Paris
M° Franklin D. Roosevelt
France
Phone : +33 (0)1 42 99 20 20
Mail : contact@artcurial.com
Internet Site : www.artcurial.com
Description:
Koller Ventes aux Enchères vous invite à découvrir l'exposition des highlights de ses prochaines ventes d'art moderne et contemporain

Kees van Dongen, Serge Poliakoff, Georges Braque, Pierre Bonnard, Mark Tobey, Maurice Utrillo, Niki de Saint Phalle, Maurice de Vlaminck, Richard Hamilton, Victor Vasarély, Keith Haring, Wilhelm Lehmbruck

17 - 18 mai 2018
9:30 - 18:00

Les œuvres seront vendues aux enchères à Zurich les 29 et 30 juin 2018.

[19:30-21:00] Finissage de Quentin DMR "ENTER / EXIT"
Location:
Artistik Rezo Gallery
14, rue Alexandre Dumas
75011 Paris
M° Rue des Boulets
France
Phone : +33 (0)1 77 12 54 55
Mail : contact@galerieartistikrezo.com
Internet Site : www.galerieartistikrezo.com
Description:
Exposition du 27 avril au 18 mai 2018
Du lundi au samedi de 11h à 19h

Vernissage le jeudi 26 avril
Preview collectionneurs de 16h à 19h
Vernissage public de 19h à 21h

La Galerie Artistik Rezo est ravie d'accueillir pour la première fois Quentin DMR pour son solo show.

En s'appropriant l'espace de la galerie, l'artiste nous entraîne dans son univers photographique, constitué d'œuvres délicatement abstraites et résolument humaines.
Quentin DMR se définit comme un "photographe-plasticien", deux termes qui s'opposent et se rejoignent.
Il expérimente, détourne, réoriente le regard.
Il interroge la place du photographique pour nous restituer ce qu'il nomme une déconstruction de l'image.

Vernissage de Quentin DMR "ENTER / EXIT"

[19:30-22:00] Présentation de la journée internationale de la Lumière
Location:
Mairie du 9ème arrondissement
6, rue Drouot
75009 Paris
M° Richelieu - Drouot
France
Phone : +33 (0)1 71 37 75 09
Internet Site : mairie9.paris.fr
Description:
1ère JOURNÉE INTERNATIONALE DE LA LUMIÈRE
En partenariat avec l'UNESCO et sous le patronat de Lumière et Société

19h30 : présentation de la journée internationale de la Lumière par Jean Audouze
19h45 : présentation du projet Vitae d'envoi d'une sculpture sur la Lune, par Anilore Banon
20h15 : représentation du seule en scène « Uni(s)vers la Lumière » par et avec Emma Scali
21h30 : cocktail

Toute la soirée : mise en lumière de la mairie du 9e par Alain Guilhot

>> RSVP

Présentation de la journée internationale de la Lumière




[20:00-23:00] [Cannes] 25ème Dîner de l'amfAR
Location:
Hôtel du Cap-Eden-Roc
Boulevard JF Kennedy
06601 Antibes Cedex
M° Gare SNCF Antibes
France
Phone : +33 (0)4 93 61 39 01
Fax : +33 (0)4 92 93 32 00
Mail : reservation@hdcer.com
Internet Site : www.hotel-du-cap-eden-roc.com
Description:
amfAR Gala Cannes-25th Anniversary Edition!
to benefit amfAR, The Foundation for AIDS Research

In 2018 amfAR returns to the fabled Hôtel du Cap for the 25th annual amfAR Gala Cannes. It's one of the world's most successful benefit events and the most coveted ticket in town during the Cannes International Film Festival. To date, this spectacular, star-studded event has raised more than $210 million for amfAR's life-saving research programs and has helped keep the fight against AIDS in the global media spotlight.

Event produced by AAB Productions/Andy Boose

DATE
Thursday, May 17, 2018

LOCATION
Hôtel du Cap-Eden-Roc
Cap d'Antibes, France

CONTACT FOR SPONSORSHIP/LEADERSHIP
Andy Boose at (212) 219-0297 or aboose@aabproductions.com

CONTACT FOR TICKET/TABLE INFORMATION
Christina Christofi at (212) 806-1611 or amfargalacannes@amfar.org

CONTACT FOR PRESS INQUIRIES
Bennah Serfaty at (212) 806-1607 or bennah.serfaty@amfar.org

18:00
19:00
20:00
21:00
22:00
23:00  
[Printer Friendly]



Investigations et photos
Abecedaire Parisien - Agenda - A propos - Contact

Agence Germain Pire tm - Investigation - Photo Hype - Renseignement de la nuit - © 2005-2015 - Tous droits réservés