Saturday, May 26, 2018
Public Access


Category:
Category: All

26
May 2018
Mon Tue Wed Thu Fri Sat Sun
30 1 2 3 4 5 6
7 8 9 10 11 12 13
14 15 16 17 18 19 20
21 22 23 24 25 26 27
28 29 30 31 1 2 3

  Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Fête nationale de Géorgie
Location:
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
UNLOCATED
Description:
Fête de l'indépendance

Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Location:
Pavillon Carré de Baudouin
121, rue de Ménilmontant
75020 Paris
M° Gambetta, Ménilmontant, Pyrénées
France
Phone : +33 (0)1 58 53 55 40
Internet Site : www.carredebaudouin.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"

du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

08:00  
09:00  
10:00 [10:00-20:00] Réouverture du Jardin d'Acclimatation
Location:
Jardin d'Acclimatation
6, avenue du Mahatma Gandhi
Carrefour des Sablons
Bois de Boulogne
75116 Paris
M° Sablons
France
Phone : +33 (0)1 40 67 91 55
Fax : +33 (0)1 45 02 86 82
Internet Site : www.jardindacclimatation.fr
Description:
Réouverture du Jardin d'Acclimatation



[12:00-19:00] Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Location:
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran
75008 Paris
M° Miromesnil, Monceau, Villiers
France
Phone : +33 (0)1 45 63 13 19
Fax : +33 (0)1 42 89 34 33
Mail : info@galerie-lelong.com
Internet Site : www.galerie-lelong.com
Description:
26 mai - 13 juillet 2018
Du mardi au vendredi de 10h30 à 18h
Les samedis de 14h à 18h30
Vernissage samedi 26 mai de 12h à 19h dans le cadre de Paris Gallery Weekend

Un an après sa triomphale rétrospective marquant ses 80 ans (Tate Britain, Londres - Centre Pompidou, Paris - Metropolitan Museum, New York), David Hockney revient avec une série de dessins réalisés sur iPad et iPhone. Sous le titre Pictures of Daily Life, ce sont vingt-trois sujets quotidiens (intérieurs, fleurs, animaux, compotiers, objets familiers, paysages vus par la fenêtre...). L'œuvre de Hockney est une autobiographie en images : il peint ce qui l'entoure, ce qui arrête son œil toujours curieux et en éveil. À la sortie de son exposition au Centre Pompidou, David Hockney avait écrit de sa main sur le mur : Love Life. C'est son mot d'ordre. Il en donne ici une nouvelle preuve.

Parallèlement à cette exposition qui se tient dans les salles de la rue de Téhéran, la Galerie Lelong & Co. ouvre un espace additionnel au 38 avenue Matignon (Paris 8e) et y présente une exposition de Portraits de David Hockney. Elle comporte quatre nouveaux autoportraits (faits sur iPad) et une anthologie de portraits réalisés au fil des années dans des techniques diverses. Un catalogue bilingue (Repères n°172) avec un texte de Didier Ottinger sera publié.

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
David Hockney, Eiffel Tower by Day, 2010
IPad drawing printed on paper, 94 x 71 cm - Edition de 25
© David Hockney / Photo Credit : Richard Schmidt

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, Ashtray, 2010, 94 x 71 cm

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, Flame, 2009, 94 x 65 cm

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, Moujik, 2010, 94 x 71 cm

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, Montcalm Interior, 2010, 94 x 71 cm

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, My Shirt and Trousers, 2010, 94 x 71 cm

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, Eiffel Tower by Day, 2010, 94 x 71 cm

Vernissage de David Hockney "Pictures of Daily Life"
Hockney, My Bedroom Window, 2009, 94 x 65 cm

[12:00-19:00] Vernissage de David Hockney "Portraits"
Location:
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran
75008 Paris
M° Miromesnil, Monceau, Villiers
France
Phone : +33 (0)1 45 63 13 19
Fax : +33 (0)1 42 89 34 33
Mail : info@galerie-lelong.com
Internet Site : www.galerie-lelong.com
Description:
38 avenue Matignon

26 mai - 13 juillet 2018
Du mardi au vendredi de 10h30 à 18h
Les samedis de 14h à 18h30
Vernissage samedi 26 mai de 12h à 19h dans le cadre de Paris Gallery Weekend

Parallèlement à l'exposition de David Hockney, Pictures of Daily Life qui se tient dans les salles de la galerie rue de Téhéran, Lelong & Co. ouvre un espace additionnel au 38 avenue Matignon (Paris 8e) et y présente une exposition de Portraits de David Hockney. Elle comporte quatre nouveaux autoportraits (faits sur iPad) et une anthologie de portraits réalisés au fil des années dans des techniques diverses.

Un an après sa triomphale rétrospective marquant ses 80 ans (Tate Britain, Londres - Centre Pompidou, Paris - Metropolitan Museum, New York), David Hockney revient avec une série de peintures ainsi que de dessins réalisés sur iPad et iPhone. À la sortie de son exposition au Centre Pompidou, David Hockney avait écrit de sa main sur le mur : Love Life C'est son mot d'ordre. Il en donne ici une nouvelle preuve.

Un catalogue bilingue (Repères n°172) avec un texte de Didier Ottinger sera publié.

Vernissage de David Hockney "Portraits"
David Hockney, série Portraits
Courtesy de l'artiste et galerie Lelon & Co., Paris

[12:00-19:00] Vernissage de David Nash "Columns"
Location:
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran
75008 Paris
M° Miromesnil, Monceau, Villiers
France
Phone : +33 (0)1 45 63 13 19
Fax : +33 (0)1 42 89 34 33
Mail : info@galerie-lelong.com
Internet Site : www.galerie-lelong.com
Description:
26 mai - 13 juillet 2018
Du mardi au vendredi de 10h30 à 18h
Les samedis de 14h à 18h30
Vernissage samedi 26 mai de 12h à 19h dans le cadre de Paris Gallery Weekend

Depuis une quinzaine d'années, Lelong Editions a développé un travail régulier d'édition de pochoirs et de multiples avec le sculpteur anglais David Nash. Cette exposition présente les derniers développements de ce travail : quatre nouvelles colonnes, aux formes et couleurs variées, mais aussi un triptyque d'arbres stylisés (hêtre, frêne, chêne) et deux arbres rouges.

Un nouveau multiple en bois Weathered Lines sera exposé avec quelques autres précédents multiples sculptés. Toutes ces œuvres sont réalisées par l'artiste, avec l'aide de son fils, dans son atelier du nord du Pays de Galles, à Blaenau Ffestiniog où il est installé depuis le début des années 70. Le pochoir artisanal permet à l'artiste une grande qualité de rendu plastique, très proche de ses dessins et pastels.

David Nash (né en 1945 à Esher en Angleterre) est membre de la Royal Academy depuis 1999. Son œuvre, largement représentée dans les principaux musées d'Europe, d'Amérique, d'Australie et du Japon, a fait l'objet de rétrospectives au Yorkshire Sculpture Park et à Kew Gardens, en Angleterre.
Une exposition mêlant sculptures et dessins aura lieu, cet été, à la Fondation Fernet Branca de Saint Louis, en Alsace. Une rétrospective est également annoncée pour 2019 au Musée National de Cardiff.

Vernissage de David Nash "Columns"
David Nash, Beech, Ash, Oak. Triptych, 2017 - Pochoir - 15 exemplaires - 59.5 x 42 cm (chaque planche)

[12:00-19:00] Vernissage de Peter Soriano "Projets récents"
Location:
Galerie Jean Fournier
22, rue du Bac
75007 Paris
M° Rue du Bac
France
Phone : +33 (0)1 42 97 44 00
Fax : +33 (0)1 42 97 46 00
Mail : info@galerie-jeanfournier.com
Internet Site : www.galerie-jeanfournier.com
Description:
26 mai - 13 juillet 2018
exceptionnellement prolongée jusqu'au samedi 21 juillet

Cette nouvelle exposition de Peter Soriano est pensée autour de deux projets récents : l'un présenté à Lausanne au centre d'art Le Circuit en septembre 2017 et l'autre qui sera réalisé dans le cadre du festival de L'art dans les chapelles en juillet 2018. Ces deux ensembles comprennent chacun un extrait d'une peinture murale et les œuvres sur papier qui ont nourri la réflexion de Peter Soriano pour élaborer ses projets.

Vernissage de Peter Soriano "Projets récents"
Peter Soriano, IAGDV, 2018
Feutre et aquarelle sur papier - 79 x 92 cm
© Alberto Ricci, Courtesy Galerie Jean Fournier, Paris

La notion de mémoire est au cœur du travail de Peter Soriano. Au cours de ses voyages et pour chaque invitation qu'il reçoit à réaliser des dessins muraux, il s'inspire de son environnement selon un protocole fixé. D'abord, il se rend sur place pour prendre des mesures et des croquis de détails qui lui servent de point de repères, ensuite il dessine à l'atelier sur des feuilles indépendantes des compositions issues à la fois d'observations précises et de mémoire. Ces dessins lui servent de base pour composer ses grands dessins muraux.

Vernissage de Peter Soriano "Projets récents"
Peter Soriano, Cresta #11, 2017
Crayon de couleur, aquarelle et encre sur papier - 57 x 65 cm
© Alberto Ricci, Courtesy Galerie Jean Fournier, Paris

Sa source d'inspiration est essentiellement le paysage et les espaces qu'il traverse (vues de fenêtres d'atelier ou de chambre d'hôtel ; lieux architecturaux...). Les deux projets présentés pour cette exposition évoquent le paysage selon deux conceptions différentes. Pour Cresta, Peter Soriano a donné l'idée du paysage et de l'immensité à partir d'un objet du quotidien, un emballage de chocolat tandis que pour L'art dans les chapelles, le projet est conçu à partir du lieu même de la chapelle qu'il investit.

Le projet Cresta est né de l'envie de traduire le paysage autrement. Comment donner l'idée de l'immensité par l'intermédiaire d'un objet manipulable et minuscule ? En détournant un objet, un emballage de confiserie, Peter Soriano déplace notre imaginaire. Les différents dessins témoignent de l'intense travail de réflexion qui l'a mené à la réalisation des grands dessins muraux à Lausanne dont seul un extrait est présenté à la galerie. On reconnaît son vocabulaire géométrique qu'il module au gré de la variété des techniques utilisées.

Vernissage de Peter Soriano "Projets récents"
Peter Soriano, Cresta #10, 2016
Encre, aquarelle et crayon de couleur sur papier - 49 x 42.5 cm
© Alberto Ricci, Courtesy Galerie Jean Fournier, Paris

Avec les dessins qui accompagnent le grand dessin mural de la chapelle Saint-Jean à Le Sourn dans le cadre de L'art dans les chapelles en juillet 2018, Peter Soriano s'est davantage attaché à l'idée du déplacement, le sien lorsqu'il a découvert la chapelle et la projection de celui du visiteur. Un détail a retenu son attention : la disposition des dalles du sol en granit qui divise l'espace et matérialise un chemin vers l'autel. Avec ce projet, Peter Soriano franchit une nouvelle étape, vers davantage de liberté formelle dans les dessins, plus picturaux et colorés. Il s'éloigne de l'idée du schéma et de l'abstraction mathématique pour s'engager vers l'imaginaire. Les formes rectangulaires sont vues à la fois comme des blocs opaques très denses mais aussi, par pure projection mentale, comme un alignement de vitraux translucides aux couleurs mouvantes et chatoyantes.

À l'occasion de l'exposition, publication d'un catalogue retraçant le travail sur papier de Peter Soriano depuis 2009 (Editions Galerie Jean Fournier).

Concert de Polar System - Paris Gallery Weekend
Concert Dimanche 27 mai à 16:00
À l'occasion du Paris Gallery Weekend, concert de Polar System à la galerie, dimanche 27 mai à 15h.

Peter Soriano - L'Art dans les chapelles
Evénement 6 juillet - 16 septembre
Peter Soriano participera à L'art dans les chapelles du 6 juillet au 16 septembre 2018.

Vernissage de Peter Soriano "Projets récents"
Peter Soriano, IAGDV - La Sourne, 2018
Peinture, encre et aquarelle sur papier - 152 x 118 cm
© Jean Vong, Courtesy Galerie Jean Fournier, Paris

[12:00-19:00] Vernissage de l'exposition "Jannis Kounellis / Boîtes - 1989 - 2015"
Location:
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran
75008 Paris
M° Miromesnil, Monceau, Villiers
France
Phone : +33 (0)1 45 63 13 19
Fax : +33 (0)1 42 89 34 33
Mail : info@galerie-lelong.com
Internet Site : www.galerie-lelong.com
Description:
26 mai - 13 juillet 2018
Du mardi au vendredi de 10h30 à 18h
Les samedis de 14h à 18h30
Vernissage samedi 26 mai de 12h à 19h dans le cadre de Paris Gallery Weekend

Jannis Kounellis (1936-2017), disparu brusquement il y a un an, a été l'un des protagonistes majeurs de l'Arte Povera, mouvement d'artistes radicaux né en Italie dans les années 60. Son œuvre est présent dans plusieurs grands musées d'Europe, d'Asie et d'Amérique et constitue une référence pour une nouvelle génération d'artistes. Au cours des dernières années, Kounellis a multiplié les expositions en Europe - la Monnaie de Paris en 2016 -, mais aussi, en Russie, au Mexique, en Chine où il créait à chaque fois de spectaculaires nouvelles œuvres in situ.

Après avoir présenté, depuis 1989, plusieurs expositions de l'artiste, la Galerie Lelong & Co. choisit de revenir sur le parcours de Kounellis au travers des éditions singulières qu'il avait conçues à partir de la fin des années 80 : les « boîtes ». Ces multiples, presque toujours réalisés à 25 exemplaires, se présentent sous la forme d'une boîte en métal avec vitre, enfermant le plus souvent une estampe et un ou plusieurs objets du quotidien assemblés avec énergie et parfois malice ou ironie. La réalité physique des matériaux y est importante ; l'objet est là pour ce qu'il est et non ce qu'il semble être. Journaux, manteaux, hache, boules de billard, fer à repasser... différents d'un exemplaire à l'autre, sont mis en scène dans un espace restreint et restituent, à petite échelle, cette dramaturgie picturale qui était le propre de l'artiste.

Toutes les boîtes présentées ont été réalisées à l'atelier Bulla, à Rome, et sont signées et numérotées au dos par l'artiste.

Vernissage de l'exposition "Jannis Kounellis / Boîtes - 1989 - 2015"
Jannis Kounellis, Sans titre (manche de manteau), 2011
75 x 104 cm
Courtesy Galerie Lelong & Co.

[12:00-21:00] Vernissage de l'exposition collective "Leurs printemps"
Location:
Galerie Claudine Papillon
13, rue Chapon
Code immeuble : 8719
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 40 29 07 20
Fax : +33 (0)1 40 29 07 90
Mail : contact@galeriepapillonparis.com
Internet Site : www.claudinepapillon.com
Description:
Curator: Léa Chauvel-Lévy

avec Pierre Ardouvin, Grégoire Bergeret, Stéphane Calais, Erik Dietman, Morgane Erpen, My-Lan Hoang-Thuy, Emmanuel Le Cerf, Thomas Mailaender, Jérôme Robbe, Alice Robineau, Elsa Sahal

26 mai - 19 juin 2018
Vernissage samedi 26 mai, 12h - 21h

Ouverture exceptionnelle dimanche 27 mai, 12h - 19h
à l'occasion de Paris Gallery Weekend

Ma grand-mère était fleuriste. Alors qu'elle perdait la mémoire peu avant sa disparition, elle se souvenait néanmoins du nom des fleurs. Les gestes quotidiens et itératifs aux Halles, dans le Ventre de Paris, puis à Rungis, avaient ancré une multitude d'espèces. Robert Doisneau a photographié ses amis, sa bande. C'était le point de départ d'une exposition qui, je l'ignorais alors, allait devenir une forme d'hommage. Si son origine est personnelle, l'aventure de Leurs printemps est collective à travers les œuvres de onze artistes qui investissent la fleur comme forme et comme signe.

La représentation artistique de la fleur se multiplie dès le XVIème siècle au moment où celle-ci devient profane.
À travers différentes installations, peintures, dessins, photographies, cartes postales, céramiques, l'exposition est le point d'arrimage de plusieurs notions : la fleur comme grammaire formelle, la fleur à l'ère anthropocène, et encore la fleur comme incarnation d'un désir précaire.

Stéphane Calais et Jérôme Robbe éprouvent chacun à leur façon le besoin de dessiner ou de peindre des fleurs, quotidiennement pour le premier, par phases intensives pour le second. C'est leur grammaire formelle, un peu à la façon d'un David Hockney que l'on cite volontiers ici "Je dessine des fleurs tous les jours puis les envoie à mes amis, comme ça ils reçoivent des fleurs fraîches tous les matins". Stéphane Calais épouse, épuise et renouvelle ce motif chaque jour, Jérôme Robbe offre ses bouquets peints à des personnes qui l'ont aidé dans sa vie.
La nature de la fleur, son essence même, organe de reproduction sexuée, entraîne des constructions culturelles qui font d'elle une métaphore du cycle de la vie. Elle est là au début. Elle est là à la fin. Les laves imprimées de Thomas Mailaender illustrent ce continuum notamment à travers une image de pierre tombale ainsi qu'une rose blanche dont le cœur incarne une tête de mort. Pourquoi fleurit-on les tombes ? Parce que la fleur est sexuelle, gage de vie par la présence en elle de deux sexes ; mâle et femelle, étamine et pistil. Un pistil noir, mat, dense et attirant signé Elsa Sahal se dresse dès l'entrée de l'exposition. Au seuil était la vie... Cet organe femelle engage un discours amoureux avec une photographie d'Emmanuel Le Cerf, une fleur de pavot, sensuelle, duveteuse, percée pour y laisser passer un lacet de cuir comme on procéderait à une incision pour en récupérer l'opium. Une fleur immortalisée dans un dernier geste photographique par l'artiste qui passera ensuite au volume. Immortalisées, c'est aussi le cas des jonquilles d'Alice Robineau qui les cueille aux Batignolles et les résine alors qu'elles sont encore en vie. Oui, il est bien difficile de tourner le dos à l'implacable poncif du memento mori et de la vanité - à cette "grâce dans la mort" comme l'écrivait Georges Sand face aux aquarelles de fleurs de Delacroix.
C'est le sens du bouquet de fleurs éternelles de Pierre Ardouvin. Artificiel, fané à jamais, cet ensemble posé sur un guéridon nous met face à ce couperet "du temps qui passe trop vite, de la fragilité et du triomphe de la mort" selon ses mots.

S'il est légitime de conceptualiser les fleurs à travers ce prisme de la précarité, de l'éphémère et de la finitude, les fleurs de lys tatouées par My-Lan Hoang-Thuy n'y échappent guère puisqu'elle les laisse volontairement mourir au cours de l'exposition - une dialectique optimiste est également possible. Un à un, les pétales tombent mais sur chacun d'eux la beauté implacable d'une femme, nue, est imprimée et éveille désir et puissance de vie. Gageons que l'artiste teinte et égaye métaphoriquement la disparition. Une disparition programmée, d'ordre écologique, chez Morgane Erpen dont l'installation Carduus rappelle en faisant flamber des chardons que l'homme domestique la nature jusqu'à son épuisement. Tout acte de représentation de la fleur est une tentative latente de domestication. Il est intéressant à cet égard de rappeler avec Valérie Chansigaud que "la place des fleurs dans les arts suit très exactement celle du développement des jardins fleuris (...) les premiers portraits de fleurs de la fin du XVIème siècle et du début du XVIIème siècle sont uniquement composés de variétés cultivées."(1) Les fleurs sauvages sont sous-représentées picturalement, voire inexistantes. Avec Grégoire Bergeret, la fleur éclot, explose, c'est un obus, frondeur, arrêté dans sa course. Figé en un état, dans ce métal brut qui défie l'organique et le vivant.

En explorant la nature contradictoire des fleurs, Leurs printemps souhaite célébrer la vie tout autant que la renaissance dans ce qu'elle peut induire de réminiscence. "Le vrai tombeau des morts est le cœur des vivants" ainsi en avait décidé Cocteau. Après la disparition d'Erik Dietman, Claudine Papillon a retrouvé une enveloppe contenant une édition très limitée, trois exemplaires, datée de 1963 : trois cartes, désuètes et fleuries, où "heureux anniversaire" est recouvert de sparadrap. Celui qui deviendra l'ex-Roi du Sparadrap panse/pense le temps qui passe de ces vœux fleuris.

Léa Chauvel-Lévy

(1) Valérie Chansigaud, Une histoire des fleurs : entre nature et culture, Paris, Delachaux et Niestlé, 2014.





[14:00-18:00] Atelier calligraphique de Tomoko Furukawa
Location:
Hollington
9, rue Racine
75006 Paris
M° Odéon, Cluny - La Sorbonne, RER B Luxembourg
France
Phone : +33 (0)1 43 25 54 79
Fax : +33 (0)1 40 46 95 19
Mail : info@hollington.fr
Internet Site : www.hollington.fr
Description:
Tomoko Furukawa, artiste calligraphe japonaise, vous invite à découvrir la calligraphie le vendredi 25 mai et le samedi 26 mai de 14h à 18h. Elle vous propose de venir vous initier à la calligraphie : histoire, signification, initiation... Tomoko ainsi que toute l'équipe hollington vous attendent pour partager ce moment au magasin 9 de la rue racine de 14h à 18h. Tous à vos pinceaux et vos agendas ! (( Venez à l'heure qui vous convient entre 14h et 18h, les mains dans les poches et repartez avec votre calligraphie ainsi qu'un petit cadeau concocté par Tomoko ))

Atelier calligraphique de Tomoko Furukawa

[14:00-20:00] Vernissage de l'exposition "The rose elephant"
Location:
Montreuil
93100 Montreuil
M° Robespierre, Croix de Chavaux, Mairie de Montreuil
France
Internet Site : www.montreuil.fr
Description:
Galerie Lumière des Roses
12 rue Jean-Jacques Rousseau
93100 Montreuil

THE ROSE ELEPHANT
une sélection de photographies d'amateurs

Vernissage ouvert à tous
samedi 26 et dimanche 27 mai 2018
de 14h à 20h

Exposition du 30 mai au 13 juillet 2018
du mercredi au samedi de 14h à 19h






[15:00-18:30] Finissage d'Arthur Djoroukhian
Location:
Galerie Exit Art Contemporain
2, place Denfert-Rochereau
92100 Boulogne-Billancourt
M° Boulogne - Jean Jaurès
France
Mobile : +33 (0)6 80 45 23 01
Mail : contact@exit-art.fr
Internet Site : www.exit-art.fr
Description:
VERNISSAGE JEUDI 3 MAI DE 18H30 À 22H00
en présence de l'artiste
ET JUSQU'AU SAMEDI 26 MAI

La galerie Exit art contemporain est heureuse de présenter les œuvres récentes d'Arthur Djoroukhian.
Ici, la réalité n'est plus purement représentée mais choisie, interprétée et expliquée. L'objet n'est plus un simple dispositif mais l'expression d'une force vitale.
Une fois placé sur l'espace blanc de la toile, puis capturé par la peinture et par l'intention du geste, l'object est imprégné d'une vie au-delà de l'ordinaire et il semble presque que son existence puisse s'enregistrer dans le temps.

Entre réalisme et abstraction, la maîtrise et la force du travail pictural s'accompagnent d'un geste de plus en plus libre et spontané.

Dans cette nouvelle série, le travail de peinture s'enrichi de sculptures en résine, œuvres en volume qui entrent en dialogue avec la matière épaisse des peintures. L'espace tridimensionnel offre à l'artiste une nouvelle réflexion sur la matière, le geste et la lumière.

Vernissage d'Arthur Djoroukhian

[15:00-19:00] Rencontre avec Florent Lamouroux
Location:
Galerie Isabelle Gounod
13, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 48 04 04 80
Fax : +33 (0)1 48 04 04 80
Mail : info@galerie-gounod.fr
Internet Site : www.galerie-gounod.com
Description:
Dans le cadre de l'exposition de Florent Lamouroux "Sèche-pleurs"

19 mai - 9 juin 2018

Sous la peau tendue d'un noir luisant affleurent d'étranges formes équivoques, dont la charge sexuelle - quoi qu'accidentelle confie l'artiste - dénote pourtant le principe de pulsion sur lequel repose l'attractivité des sèche-pleurs, ces jouets de pacotille disposés aux caisses des magasins, guettant le caprice d'un enfant, et dont s'empare ici Florent Lamouroux. Embaumés dans leur propre matière plastique ces produits bas de gamme se retrouvent animés d'un élan vital à la fois poétique et angoissant. Une confusion entre le désir et l'envie qui pose également les termes d'un débat plus large sur la capacité de l'art à ré-enchanter le monde et à dépasser le matérialisme de nos sociétés.

Ce glissement de l'objet produit en série vers un objet d'art unique, à la valeur augmentée, trouve son exact opposé dans la série « Autoproduction », dont le principe repose sur la multiplication d'une forme originale, créée par emballement du corps de l'artiste dans un assemblage de sacs poubelle et de ruban adhésif et comme s'auto-reproduisant à l'infini. L'installation développe ainsi un discours plus métaphysique sur la condition humaine. Chaque moulage apparaît en effet comme une étape saisissante dans le processus de réification de l'individu, impuissant mais pourtant saisi d'une volonté tenace de sortir de soi et de se libérer des normes qui l'entravent ; se débâtant en vain dans l'exuvie de matière plastique qui le contraint et sous laquelle ne reste plus rien : un être vide, un corps à prendre. L'accalmie, ici, prend les atours de la déshumanisation.

De figures torturées en répliques indolentes - pour certaines accrochées au mur et comme prêtes-à-vendre - les sculptures qui composent l'installation de Florent Lamouroux évoquent du reste le processus de standardisation (des biens et des comportements), l'artiste explorant les ressorts psychologiques et l'impact des stratégies de marketing développées pour assujettir l'individu aux objectifs de la consommation, donnée aujourd'hui comme horizon de toutes choses.

Si l'ensemble porte donc un regard critique sur notre aliénation aux logiques de marché, il n'en demeure pas moins attaché à d'autres thématiques chères à l'artiste, dont la réflexion emprunte simultanément au lexique de la production (industrielle) et de la création (artistique). Ce faisant, Florent Lamouroux parvient habilement à articuler conditionnement des biens de consommation et condition humaine, engagement physique et idéologique, chaîne de production et cycle de vie, singularité du portrait (celui de l'artiste qui sert de modèle aux différentes sculptures) et uniformisation de ses répliques.

Car enfin, il est aussi question d'identité et de la difficulté pour l'artiste d'en donner une vision sensible : comment résumer, en un geste, toutes les variations d'un être ? Comment en représenter les métamorphoses successives ? Comment fixer l'expression d'un corps à des étapes différentes dans le temps ? Un écueil d'artiste, qu'Albert Camus résolvait par la nécessité de résumer en un style cette diversité des aspects de la vie humaine :

"Le plus grand et le plus ambitieux de tous les arts, la sculpture, s'acharne à fixer en trois dimensions la figure fuyante de l'homme, à ramener le désordre des gestes à l'unité du grand style. La sculpture ne rejette pas la ressemblance dont, au contraire, elle a besoin. Mais elle ne la recherche pas d'abord. Ce qu'elle cherche, (...) c'est le geste, la mine ou le regard vide qui résumeront tous les gestes et tous les regards du monde. Son propos n'est pas d'imiter mais de styliser, et d'emprisonner dans une expression significative la fureur passagère des corps et le tournoiement infini des attitudes."
(Albert Camus, L'homme révolté, 1951).

La frontière est ténue entre le style et le standard. Florent Lamouroux le sait bien, qui parvient à marcher, sans perdre l'équilibre, sur le fil qui sépare la liberté du créateur de l'asservissement de la créature.

Thibault Bissirier


Florent Lamouroux
Artiste né en 1980 à Decize, France. Vit et travaille à Huismes, Indre-et-Loire, France.


Florent Lamouroux - brunch en présence de l'artiste
Rencontre Dimanche 27 mai
Dans le cadre de l'événement Paris Gallery Weekend, la Galerie Isabelle Gounod vous accueille pour un brunch en présence de Florent Lamouroux, à l'occasion de sa nouvelle exposition personnelle « Sèche-pleurs ».

Vernissage de Florent Lamouroux "Sèche-pleurs"
Florent Lamouroux, Autoproduction, 2017
Moulages en scotch et sacs poubelle (échelle 1)
Courtesy of the artist & Galerie Isabelle Gounod

[15:00-19:30] Rencontre avec Julien Lachaussée
Location:
Galerie de la Clé
23, rue Michel Le Comte
75003 Paris
M° Rambuteau
France
Mail : info@galeriedelacle.com
Internet Site : www.galeriedelacle.com
Description:
Dans le cadre de l'exposition de Julien Lachaussée "FAST LANE"

du 3 Mai au 2 Juin 2018

Julien Lachaussée est un photographe d'exception, témoin de la ville et de ses acteurs. Ses photographies, réalisées exclusivement en argentique, façonnent l'identité underground.

Vernissage de Julien Lachaussée "FAST LANE"

[15:00-20:00] Rencontre avec ONSEPT
Location:
Galerie Guigon
39, rue de Charenton
75012 Paris
M° Bastille, Ledru-Rollin
France
Phone : +33 (0)1 53 17 69 53
Mobile : +33 (0)6 07 04 84 86
Mail : info@galerie-guigon.com
Internet Site : www.galerie-guigon.com
Description:
Dans le cadre de l'exposition d'ONSEPT "MONDES INTÉRIEURS"

H.Art "a lifestyle", créée par Hanna Ouaziz, à l'origine des projets de la Réserve Malakoff (2016) et du Lab14 (2017), a ouvert un espace Galerie Art Contemporain urbain à Bastille et organise 5 expositions autour du thème "HUMAN BEING" qui s'étaleront jusqu'à octobre prochain.

"TAKE A BREATH", la première exposition, a rencontré un vif succès.

"HUMAN BEING" comme une plongée au cœur de la nature humaine, explore les grandes questions relatives à l'Etre humain, à son histoire, à son évolution propre : qu'il s'agisse de ses origines sur terre, de sa place dans la société ou de son rapport à lui-même comme aux autres.
Questionnement que je souhaitais soumettre à une jeune génération d'artistes urbains.

La nouvelle exposition qui se tiendra du 17 au 31 Mai 2018 sera un SOLO SHOW de l'artiste Street-art ONSEPT appelé "MONDES INTÉRIEURS" comme un voyage introspectif révélant nos envies, nos désirs mais aussi les faces cachées de nos personnalités.
Véritable étoile montante de la scène artistique française, il se distingue par une esthétique singulière et une minutie hors norme.

Nous donnons rendez-vous au Vernissage de l'exposition de ONSEPT, le 17 Mai 2018 à 19H30, au Passage Guigon (39 rue de Charenton) à Bastille.
En espérant que vous souhaiterez continuer l'aventure artistique de H.Art a "lifestyle", notamment sur l'exposition de ONSEPT mais aussi sur les autres projets à venir.

Vernissage d'ONSEPT "MONDES INTÉRIEURS"

[15:00-19:00] Vernissage "J'allai ce soir fumer une cigarette sur le sable au bord de la mer"
Location:
Galerie Anne-Sarah Bénichou
45, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 44 93 91 48
Mail : galerie@annesarahbenichou.com
Internet Site : www.annesarahbenichou.com
Description:
26 Mai - 22 Juillet 2018

Vernissage le samedi 26 mai de 15h à 19h
Performance/ goûter le dimanche 27 mai à 16h

"Satellite, soleil, plumeau de roseau. Réseau, on s'est dit par Whatsapp qu'on ferait une expo de copains. Let's talk tomorrow!"

A l'occasion de la 5ème édition du Paris Gallery Weekend, Anne-Sarah Bénichou invite trois artistes à élaborer une proposition autour de la forme et du récit.

Julien Creuzet, Mimosa Echard, Daniel Otero Torres mais également la voix de Bronwyn Katz s'emparent de l'espace de la galerie pour faire dialoguer de nouvelles oeuvres (sculptures, dessins, installations) à partir de la citation de Paul Gauguin qui donne son titre à l'exposition.

[15:00-21:00] Vernissage d'Elisabetta Benassi "The Sovereign Individual"
Location:
Jousse Entreprise - Art Contemporain
6, rue Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 53 82 10 18
Fax : +33 (0)1 53 82 13 63
Mail : art@jousse-entreprise.com
Internet Site : www.jousse-entreprise.com
Description:
26.05.2018 - 21.07.2018

L'exposition personnelle de Elisabetta Benassi, The Sovereign Individual, présente un ensemble de travaux récents de l'artiste, dont deux installations spécialement conçues pour l'espace de la galerie.

Au centre de la réflexion de l'artiste se situe les concepts de self-ownership et de souveraineté absolue de l'individu sur lui-même et en relation au monde social. Mythe central du libéralisme du XIXème siècle, l'individu souverain serait capable d'atteindre une maîtrise absolue de son destin, tout en se méfiant des liens sociaux ainsi que de tout projet d'émancipation universelle. Dans le débat contemporain le modèle d'un sujet hyper-libériste - parfaitement à son aise dans un monde atomisé où toute passion collective est estompé et seulement la volonté individuelle, les aventures privées, ont de la valeur - revient sous forme d'idéologie invisible et incontestable.

Elisabetta Benassi a centré son projet d'exposition sur le désir de cet « individu souverain » de s'échapper du chaos du monde réel, de ses contraintes et de ses conflits inévitables, en concevant une solution imaginaire à la contradiction entre salut individuel et catastrophe collective. Ce sont des « refuges » individuels, des abris cachés dans les troncs de grands arbres artificiels, qui pourraient être dispersé dans la nature et s'y dissimuler, inspirés des points d'observation utilisés dans les guerres par guetteurs et snipers ainsi que des arbres factices fabriqués pour cacher les omniprésentes antennes de téléphonie mobile.

À l'entrée de la galerie, la partie supérieure du « tronc » artificiel d'un grand palmier et son feuillage, occupant une grande partie de l'espace, crée un accès chimérique à la dimension pseudo-utopique explorée dans l'exposition. Dans la dernière salle, trois hauts « fûts » en plâtre blanc montrent chaque une « porte » qui donne accès à un espace caché, le « refuge ». La taille réelle de tous ces éléments détermine un puissant contraste visuel avec l'architecture qui ne manquera pas de surprendre le visiteurs.

Les autres espace de la galerie sont occupé par une série de pièce en deux dimensions et trois (photographies et objets) qui explorent le thème du sovereign individual à travers de références visuelles et conceptuelles.

Vernissage d'Elisabetta Benassi "The Sovereign Individual"







[16:00-20:00] Vernissage d'Anne-Marie Schneider "Le silence"
Location:
Galerie Michel Rein
42, rue de Turenne
75003 Paris
M° Chemin Vert, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 42 72 68 13
Fax : +33 (0)1 42 72 81 94
Mail : galerie@michelrein.com
Internet Site : www.michelrein.com
Description:
26 mai - 21 juillet 2018

Vernissage d'Anne-Marie Schneider "Le silence"
Sans titre, 2018, gouache sur papier, 220 x 46 cm








[17:00-20:00] Finissage de Henrik Olesen "6 or 7 new works"
Location:
Galerie Chantal Crousel
10, rue Charlot
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 38 87
Fax : +33 (0)1 42 77 59 00
Mail : galerie@crousel.com
Internet Site : www.crousel.com
Description:
28 avril - 27 mai 2018
Vernissage samedi 28 avril 2018 de 18h à 21h

Vernissage de Henrik Olesen "6 or 7 new works"
Henrik Olesen, 6 or 7 new works, 2018
© Henrik Olesen

[17:00] Présentation de l'exposition de Michael Zelehoski "Things Fall Apart"
Location:
Backslash Gallery
29, rue Notre Dame de Nazareth
75003 Paris
M° Temple, Arts et Métiers, République
France
Phone : +33 (0)9 81 39 60 01
Mobile : +33 (0)6 63 60 14 48
Mail : info@backslashgallery.com
Internet Site : www.backslashgallery.com
Description:
Dans le cadre de Paris Gallery Weekend

du 17 mai au 13 juillet 2018
vernissage le jeudi 17 mai de 14h à 21h

Things Fall Apart (tout s'écroule). C'est inévitable. Que l'on regarde dans le miroir ou que l'on soit témoin de l'effondrement apparent de notre société contemporaine, on finit par s'habituer au fait qu'il en a toujours été ainsi. En guise de réponse, l'artiste new-yorkais Michael Zelehoski a développé une pratique quasi taxidermiste qui tend à extrader, du temps et de l'espace, de vieux objets désarticulés et à les incorporer dans les coordonnées intemporelles de l'image plate. Mais avec cette nouvelle série d'œuvres, les objets désossés ne se réunissent pas forcément. Ils restent fragmentés, perdus dans l'espace pour ainsi dire. Ils s'envoient les uns les autres vers d'autres dimensions de perspectives illusoires et souvent contradictoires. Conservés quoique précaires, établis mais non résolus, ils nous défient d'affronter notre propre moralité et la relation que nous entretenons avec le monde physique.

Si la vie, comme disait Jean Cocteau, est une chute horizontale, un train express qui fonce vers la mort, l'art peut nous permettre de descendre du train en mouvement. Ces moments intemporels sont aussi proches que lorsque nous atteignons l'immortalité. Et même si nous ne pouvons pas vraiment nous sauver nous-mêmes, nous pouvons peut-être sauver quelques objets de l'oubli en les distillant à travers le temps et l'espace. Cela nous permet de voir la beauté subtile des matériaux qui peuvent paraître de prime abord vieux ou décrépis, leur histoire gravée sur la surface par le passage du temps. Michael Zelehoski anime cette notion en déconstruisant des objets trouvés et en les ré-assemblant en deux dimensions. Par la sélection et la re-contextualisation de ces objets, il facilite le dialogue entre nos esprits et la réalité, l'asymétrie entre le futur et le passé, nous-mêmes et le monde extérieur.

Dans ce contexte, une reconstruction fidèle de l'objet vers sa forme originelle peut paraître déloyale. Cela paraît également incohérent de par le procédé actif et sélectif qu'est la perception à travers laquelle les objets sont re-contextualisés et dissociés de l'esprit. C'est devenu le cœur de la pratique de Michael Zelehoski, la réconciliation de la complexité du monde extérieur et du soi intérieur qui le contemple. Ce procédé, qui normalement apparaît à travers les yeux de l'esprit, joue sur un terrain physique strict, qui va au-delà de la représentation transformant le matériau actuel perçu. Ceci crée un cercle vicieux dans lequel l'esprit transforme la réalité alors que la perception de cette même réalité se trouve déjà transformée par le procédé.

Michael Zelehoski réussit à rendre ce procédé visible, forçant le spectateur à contraindre l'objet fragmenté et distordu dans un semblant de cohésion. Nos esprits se battent contre des problèmes qui ne peuvent être résolus et sont sujets à des lois de physique qui ne sont plus applicables. Les fragments s'assemblent pour devenir des objets hybrides. La perspective se révèle à elle-même afin de devenir une construction. Dans la nature, les choses tendent à se détériorer lentement, souvent imperceptiblement. Dans les oeuvres de Michael Zelehoski, nous voyons jouer la perspective, statique mais constamment en mouvement. Tout s'écroule dans les esprits et les choses se rassemblent selon un procédé continu qui cultive une conscience plus profonde du monde extérieur et du soi intérieur qui le contemple.

Michael Zelehoski est diplômé du Bard College de Simon's Rock et de l'Université Finis Terrae de Santiago au Chili. Son travail est régulièrement présenté à travers le monde, notamment aux Etats-Unis, en Chine, en Europe et en Amérique Latine. Il a été récompensé par de nombreux prix. L'œuvre monumentale Open House a été acquise en 2015 par le Musée National d'Art Moderne - Centre Pompidou.

Vernissage de Michael Zelehoski "Things Fall Apart"
The Emptiness at the Center of Everything, 2018. Assemblage de bois et contreplaqué phénolique. 48 x 58 cm

[17:00-19:00] Vernissage de Nathalie van de Walle
Location:
Les éditeurs associés
11, rue de Médicis
75006 Paris
M° RER B Luxembourg, Odéon
France
Phone : +33 (0)1 43 36 81 19
Mail : edassocies@gmail.com
Internet Site : www.lesediteursassocies.com
Description:
jusqu'au 16 juin 2018 http://nathalievandewalle.be

[17:00-21:00] Vernissage de Nick Proot "in Transit"
Location:
mi* gallery
23, rue Chapon
75003 Paris
M° Rambuteau, Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 40 09 76 61
Mobile : +33 (0)6 98 99 01 18
Mail : igor@miground.paris
Internet Site : www.miground.paris
Description:
Exposition d'art contemporain de Nick Proot
Installations, photographies, vidéos.

Vernissage le samedi 26 mai dès 17h
OUVERTURE SPÉCIALE CE DIMANCHE PENDANT PARIS GALLERY WEEKEND

DANS SON NAVIRE FAIT A LA MAIN, NICK PROOT EXPLORE DE NOUVEAUX HORIZONS. AVEC LE THÈME DE L'INSTALLATION, DE LA PHOTOGRAPHIE ET DU FILM, IL S'INSCRIT DANS UN PROCESSUS DE RECYCLAGE CONSTANT, AVEC POUR RESULTATS DES PAYS NON DÉFINIS. A TRAVERS SES CARTOGRAPHIES DE PAYSAGES, IL OFFRE A VOIR UN NOUVEAU MONDE, POUR QUE CHACUN LE DÉCOUVRE.

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

Tout le monde a déjà vécu cet instant ! Le départ visible de votre train, alors que vous regardez par la fenêtre en rêvant. Pendant une seconde, vous êtes en mouvement puis vous avez conscience d'une immobilité, lorsque vous jetez un regard sur l'autre train en partance. Dans sa dernière installation, "En Transit", Nick Proot veut mettre en lumière ce moment précis.

Ce croisement, une combinaison de différents média, une cible nette, la projection sans fin à travers ce puzzle et le travail photo qui agit comme les enregistrements fragmentaires de souvenirs brumeux, vous entraîne dans un voyage sensoriel déroutant.

(en lire plus sur le website de la galerie www.miground.paris)

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

La construction terreuse un peu monotone constituée d'un assemblage de matériaux recyclés, est née assez simplement, lors du déménagement de son studio. En plus des boites et emballages plastiques, sa précédente oeuvre "You are no t here" est partiellement réutilisée dans ce paysage. Proot a un besoin fondamental de créer des choses intangibles, des environnements à l'intérieur desquels il peut vagabonder.

En tant qu'humains nous sommes "toujours en mouvement", dit-il. Et, de la même manière que "You are no t here" est un projet continu dans lequel il pousse le spectateur à se promener librement à travers l'espace, à contempler une trace, à regarder une ligne d'horizon verticale ou encore à faire une pause et ainsi vivre un moment merveilleux.

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

Vernissage de Nick Proot "in Transit"

[17:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Arts'Nimaux"
Location:
L'Atelier de Montfort l'Amaury
Centre Culturel Privé
5 bis, rue de Versailles
78490 Montfort I'Amaury
M° Gare SNCF de Montfort-l'Amaury - Méré
France
Mobile : +33 (0)6 11 42 85 21
Mail : mraabe@club-internet.fr
Internet Site : galerie-art-latelier.fr
Description:
Les Arts'Nimaux
Exposition
Salon d'art animalier
25, 26, 27 Mai - 1, 2, 3 Juin 2018
Vernissage samedi 26 mai, de 17h à 21h

« Les ARTS'NIMAUX 2018 » propose la 2ème édition d'un parcours d'art animalier dans le village de Montfort l'Amaury. Ce parcours se déroule cette année sur 2 week-ends, les 25, 26 et 27 mai et les 1er, 2 et 3 juin et propose la rencontre de 30 artistes dans divers endroits de Montfort l'Amaury.

La forêt de Rambouillet est, pour l'occasion, le thème de la nouvelle exposition de l'Atelier. Vous pourrez durant 3 jours durant accéder aux oeuvres de 3 sculpteurs et 3 peintres que nous vous présentons brièvement ci-dessous.

Agnès AUBERT
Sculpteur et peintre, vit et travaille entre la Normandie et Paris.
S'est intéressée à d'innombrables métiers de comédienne à informaticienne en passant par la décoration au cinéma et au théâtre, avant de se consacrer exclusivement aux arts plastiques. L'éclectisme pourrait être un danger : d'aucun y perdrait leur âme, elle y puise une richesse.
Elle enchaîne les expositions entre Paris et la Normandie, notamment au Salon des Artistes Français (Grand Palais Paris) dont elle est sociétaire.

ARNAUD FRÉMINET
Arnaud Fréminet est familier de notre forêt. Nombre d'entre vous l'ont d'ailleurs peut-être déjà rencontré. Il y trouve son inspiration depuis toujours. Pénétrer la forêt, s'y fondre et y être accepté, voilà son privilège.
A force de respect et de discrétion, il observe inlassablement la faune, la croque, la dessine, lorsqu'elle lui en laisse le temps, puis il rapporte ses études dans son atelier de Gambais et là, il travaille. Les images glanées s'insèrent l'une entre elles, le pinceau vagabonde sur la feuille ou sur la toile et l'histoire se met en place. Arnaud Fréminet peint ses rêves.
L'animal est bien présent dans chacune de ses réalisations, mais ce qu'il représente avant tout c'est l'atmosphère de la forêt.
Et comme le cerf aime à le manifester chaque soir, c'est ainsi que se révèle à vous « L'APPEL DE LA FORÊT » !

SYLVAIN GOEMARE
Diplômé des Beaux-Arts de Paris avec mention très bien et félicitations du Jury ! Elève de Georges JEANCLOS, artiste internationalement reconnu, Sylvain Goemare vend nombre de sculptures dont ses fameux bols aux animaux qui nous font penser au génial Eugène FRATIN !
Sylvain Goemare arrive à donner vie à un modelage fait d'argile et d'émail. C'est un don que peu de sculpteurs possèdent.
Sylvain Goemare a exposé dans de nombreuses galerie. En 2017, il était exposé à la Galerie Susse à Paris.

STÉPHANE HOUPLAIN
Peintures et dessins légendés, textes commentés par des images, mise en scène de mots, le travail de Stéphane Houplain interroge le sens de ce qui est donné à voir. Le texte creuse le sens des images, et dessins ou peintures jouent de la signification du mot.
Les personnages, les animaux, les objets ou les paysages représentés ne sont jamais uniquement présents pour ce qu'ils sont, ils convoquent leur généalogie et leurs fantômes. De même, chaque médium utilisé ne se livre qu'au regard de son histoire, parfois en se retournant contre celle-ci. On voit alors l'image recouvrir les pages des livres, le fusain retomber en poussière, la peinture se confondre dans la photographie et le dessin se mettre en scène en devenant une pièce de mobilier.

SOPHIE LARROCHE
Artiste préoccupée par l'écologie et sensible à la cause animale, Sophie Larroche se propose de nous interpeller par le biais de sa sculpture sur l'importance de la préservation de la faune et de la flore.

CORINNE PETERSON
Nous retrouvons avec plaisir Corinne Peterson qui avait déja exposée à l'Atelier en 2015 aux cotés de Frédérique Dubourg.

MARION TUBIANA
Marion passe son temps à regarder pour transmettre à travers le regard de ses animaux ou l'éclairage de ses modèles, l'émotion la plus intense. Ses réalisations sont comme des photos, mais elles sont bien au-delà, les dépassent, dégageant une émotion que l'image document ne peut évoquer. Ses tableaux ont une âme, la sienne, au bout du pinceau...

http://ladime.org/2018/03/13/artsnimaux-edition-2018/

Vernissage de l'exposition "Arts'Nimaux"

[17:00-21:00] Vernissage de l'exposition "MEMBRAINS"
Location:
CAC Brétigny
Centre d'art contemporain de Brétigny
Espace Jules Verne
rue Henri Douard
91220 Brétigny-Sur-Orge
M° RER C Brétigny-Sur-Orge
France
Phone : +33 (0)1 60 85 20 76
Fax : +33 (0)1 60 85 20 90
Mail : info@cacbretigny.com
Internet Site : www.cacbretigny.com
Description:
«MEMBRAINS»
Florian Sumi avec Emma Balimaka, Adrien Cruellas et Dragovan

Du 26 mai au 21 juillet 2018
Ouvert du mardi au samedi de 14h à 18h.
Nocturnes les soirs de représentation au Théâtre Brétigny. Fermé le samedi 14 juillet.

Vernissage et cocktail dînatoire le samedi 26 mai à partir de 17h
Navette gratuite sur réservation à reservation@cacbretigny.com, départ à 17h du 104 avenue de France, 75013 Paris (métro Bibliothèque François Mitterrand).


Une ligne de 72 figures nous entoure, le regard fixe. Chacune d'entre elles modèle le visage d'un humain ou d'une entité spirituelle ayant manipulé consciemment ou intuitivement des champs magnétiques, de l'énergie, que l'on peut également nommer échanges d'informations. La fée Morgane y côtoie la docteur Jade Allègre, Thot, le dieu de la Lune, ou encore William C. Levengood, le célèbre faux biophysicien et véritable ufologue.

Pour sa première grande exposition en institution, Florian Sumi énonce ce qui innervait l'ensemble de son travail, ce qui animait ses danses et ses gestes, dirigeait ses schémas et ses artefacts, mais qui était resté, jusqu'à présent, informulé; à savoir cette conscience aiguë des flux qui nous traversent, de ces voies de communication numérique, organique, sensuelle, cellulaire et psychique, que nous utilisons chaque jour.

Au milieu, un bureau de métal et de minéraux, un cabinet de bain de pieds, des horloges manuelles dont la main doit actionner les poulies, et un laboratoire domestique fabriquant des micro-organismes par fermentation. Car c'est d'usage dont il est question. Peut-être que la croyance importe, mais ce que l'on observe avant tout est le phénomène lui-même. Il se révèle dans les représentations de ces ondes en nous et autour de nous. Les formes se télescopent, des diagrammes de Spooky, la machine qui soigne par fréquence, aux runes animées qui se trémoussent, sans oublier les imageries artificielles de cellules en pleine activité. Et, tout autour de nous encore, des voix et des images enflent, s'adoucissent, pénètrent onctueusement nos tympans. Il y a la voix hypnotique d'Emma, qui pratique la magie blanche, celle rapportée de Marcel, qui transmet le secret de l'Univers, ou la voix autoritaire de Fiona qui lit le système du monde en unissant Darwin et l'animisme ancien. Et il y a la voix de Florian. Il nous répète ces phrases, qu'une cellule heureuse est une cellule qui communique, rend ses membranes poreuses et s'ouvre à l'altérité pour s'enrichir en échangeant de nouvelles informations. Biologiquement, la formule de la croissance est l'échappée vers l'autre. À la manière d'un savant fou, Florian Sumi doute, teste et surtout produit de somptueuses machines d'expérience-esthétique, scientifique, anthropologique, dont il nous appartient de déterminer la lecture.

Céline Poulin

Vernissage de l'exposition "MEMBRAINS"
Adrien Cruellas & Florian Sumi Computers, Spooky, 2018
Courtesy de l'artiste et Galerie Escougnou-Cetraro, Paris

Florian Sumi est né en 1984 à Dijon. Il est représenté par la Galerie Escougnou-Cetraro, Paris. Diplômé de l'école des Beaux Arts de Dijon sous la direction de Marc Camille Chaimowicz, il vit et travaille à Paris.

En résidence au Parc Saint Léger entre 2012 et 2013, il expose à la PM galerie de Berlin, à Favorite Goods à Los Angeles, au Frac des Pays de la Loire. Entre 2015 et 2016, il participe aux expositions collectives «New Babylon» à la Galerie Escougnou-Cetraro (Paris), «D'autres possibles» au Pavillon Vendôme, Centre d'art Contemporain (Clichy), «Les Incessants» à La villa du parc centre d'art contemporain d'Annemasse, «Janus: do you pray for me?» à la galerie Machete de Mexico City. En 2017, il réalise sa première exposition personnelle à la Galerie Escougnou-Cetraro. Son travail fait partie de la collection du Frac Pays de la Loire, du Cube-Centre de création numérique (Issy-Les-Moulineaux) et de la Collection Famille Servais.

Cette exposition a été réalisée en partenariat avec Le Cube - Centre de création numérique, Les Fabriqueurs, le lycée Jean-Pierre Timbaud (Brétigny-sur-Orge) et le Théâtre Brétigny Scène Conventionnée Dedans Dehors, et grâce au soutien de Labaye - Éditeur et de Brionne Industrie. Elle se déploiera sous la forme d'événements et d'ateliers en différents lieux du territoire.

Vernissage de l'exposition "MEMBRAINS"









[18:00-21:00] Daniel Mato et Marine Wallon : Prix Novembre à Vitry 2017
Location:
Galerie Municipale de Vitry
Galerie Municipale Jean-Collet
59, avenue Guy-Môquet
94400 Vitry-sur-Seine
M° RER C Vitry-sur-Seine
France
Phone : +33 (0)1 43 91 15 33
Mail : galerie.municipale@mairie-vitry94.fr
Internet Site : galerie.mairie-vitry94.fr
Description:
Vernissage de Daniel Mato et Marine Wallon, Lauréats Novembre à Vitry 2017

Daniel Mato et Marine Wallon
Lauréats de la 49ème édition du prix international de peinture "Novembre à Vitry 2017"

26 mai - 24 juin 2018
Vernissage Samedi 26 mai 18:00 - 21:00

Rencontre avec les artistes Daniel Mato et Marine Wallon et visite de l'exposition
Rencontre Dimanche 17 juin 16:00 - 18:00

Du 27 mai au 24 juin 2018, la Galerie municipale Jean-Collet de Vitry-sur-Seine présente l'exposition des lauréats 2017 de son prix de peinture « Novembre à Vitry », Marine Wallon et Daniel Mato. Leurs travaux respectifs se croisent dans l'espace de la galerie pour mieux souligner leur questionnement sur l'art d'aujourd'hui et leur exploration du genre pictural.


MARINE WALLON

Née en 1985, Marine Wallon vit et travaille à Montreuil. Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2009, elle a également étudié à la School of the Museum of Fine Arts à Boston en 2008. Elle expose régulièrement son travail en France et aux États-Unis jusqu'en mai 2018 à la Payne Whitney Mansion / Ambassade de France, New York. Elle a été résidente à Chamalot Résidence-d'artistes et au Manoir de Soisay.

Marine Wallon fait apparaître un répertoire de gestes qui permet d'aborder le paysage comme un portrait et comme le lieu de surgissement de la couleur. La figure est volontairement passée au second plan et questionne cette confrontation du regard face à l'abstraction de la nature.


DANIEL MATO

Né en 1983, Daniel Mato vit et travaille à Paris. Il est diplômé de l'ENSAPC en 2007, avec les Félicitations du Jury. Son travail a été montré à l'occasion d'expositions personnelles, à la galerie Hôtel Élysées Mermoz à Paris, à la Galerie Municipale de Créteil, ainsi que dans des expositions collectives. Chez Néon, à Lyon, à la galerie des Étables à Bordeaux, à l'ISBA de Besançon.

Au départ, il y a l'application d'un geste et le choix d'une couleur sur la toile de coton brute. Cette action est fondatrice et ouvre tout un champ de possibles. Elle donne la tonalité. À partir de là, il s'agira de choisir, de soustraire, d'entremêler les actions. C'est dans ces différents choix que peu à peu le tableau se révèle et trouve sa propre logique.

[18:00-20:00] Finissage de l'exposition collective "PEAUX"
Location:
APONIA
scène conventionnée
6, avenue Montrichard
94350 Villiers-sur-Marne
M° RER A Noisy-le-Grand (Mont d'Est)
France
Phone : +33 (0)1 49 30 57 29
Mobile : +33 (0)6 20 49 36 90
Mail : aponia@wanadoo.fr
Internet Site : www.aponia.fr
Description:
Performance le 26 mai à 18h par Sophie Lecomte, Elsa Cha et Akiko Hoshina
en présence de Francois Michaud, commissaire de l exposition « Peaux »
Cocktail


Du 5 mai au 27 mai 2018
Vernissage le 5 mai à partir de 17h

Elsa Cha, Nicolas Aiello, Akiko Hoshina, Sophie Lecomte

Que se passe-t-il sous la peau? Nous savons, comme la comptine de la noix est là pour le rappeler au beau milieu de nos souvenirs d'enfance, que l'on ne voit rien, rien d'intéressant quand elle est ouverte. Derrière, cela se replie, comme un cerveau ou un ruban de Möbius, mais du cerveau nous ne voyons à nouveau que l'extérieur. Alors, mieux vaut procéder autrement. L'un après l'autre, quatre artistes ont tenté de voir derrière, de retourner l'enveloppe, en décidant d'appeler cela « Peaux » - au pluriel naturellement. Elsa Cha raconte des histoires, invente des contes sages ou pas, parfois tout près du corps, parfois très loin, mais toujours impénétrables. Nicolas Aiello traque une mémoire qui, souvent, a partie liée avec l'histoire de l'art ou avec les histoires qu'on cherche à effacer. Quand il dessinait sur la peau il y a quelques années - non pas sous, mais sur... - il couvrait de strates, de griffures l'image d'une paume ouverte... Sophie Lecomte, elle, emprunte bien au réel, aux pellicules qui s'en détachent et à tout ce dont la forme permet la mutation. C'est sa manière de caresser ce qu'elle regarde. Enfin, si Akiko Hoshina prélève aussi, elle sculpte plus qu'elle n'emprunte : une forme extérieure qui a été habitée et qui, par estampage, se révèle à l'endroit qu'elle a choisi à la façon d'une concrétion. Soudain, nous commençons à voir l'envers (juste un peu) : car l'empreinte est envers avant d'être endroit - et, comme Elsa Cha le dit dans un poème, cette peau que l'on voit est aussi celle qui fait de jolis petits ronds - car c'est la peau qui entoure la bouche, la bouche-mère d'où sortent les paroles et ces lèvres qu'on mord plutôt que de parler, les lèvres qui sourient, mais... votre sourire a deux canines : Cette peau que l'on voit fripée et pliée. Vos mains tremblantes essayant faiblement de retenir la vie. Votre voix soufflant un air faux, les chansons de votre enfance, celles des manèges aux petits chevaux de bois qui tournent.... (Extrait du texte de François Michaud 16 mars 2018)

Exposition organisée par Elsa Cha
Commissaire François Michaud

Vernissage de l'exposition collective "PEAUX"

[18:00-21:00] Vernissage d'Eric Droussent "Décalage Immédiat"
Location:
L'Atelier de Belleville
29, rue de la Villette
75019 Paris
M° Jourdain, Botzaris
France
Mobile : +33 (0)7 78 81 25 80
Mail : latelierdebelleville@gmail.com
Internet Site : www.atelierdebelleville.com
Description:
jusqu'au 24 juin

Vernissage d'Eric Droussent "Décalage Immédiat"

[18:00-20:00] Vernissage de Patrick Neu "Iris, Jardin des Délices"
Location:
Galerie Thaddaeus Ropac
7, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 72 99 00
Fax : +33 (0)1 42 72 61 66
Mail : galerie@ropac.net
Internet Site : www.ropac.net
Description:
26 mai - 28 juillet 2018

La Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir d'annoncer sa première collaboration avec Patrick Neu à l'occasion de son exposition personnelle Iris, Jardin des Délices (26 mai - 28 juillet 2018) à l'étage de la galerie du Marais.

Le travail de Patrick Neu est caractérisé par une réflexion sur notre rapport au temps et à la fragilité des choses. D'une apparente simplicité, ses œuvres n'excluent pas l'ambivalence, le double sens. En employant des matériaux aussi divers et peu habituels que le verre, la suie, les ailes d'abeille ou de papillon, il joue avec les inconnues et les contraintes de la matière.

Les œuvres présentées dans l'exposition mettent en jeu le rapport entre image et mémoire individuelle et collective. Patrick Neu fait souvent référence à des tableaux majeurs de l'histoire de l'art dont il reproduit des détails sur du verre noirci à la fumée. Pour l'exposition il s'est inspiré du Jardin des délices (1494-1505, musée du Prado, Madrid), la plus célèbre des créations de Jérôme Bosch. Pour réaliser ces œuvres minutieuses, souvent présentées sous la forme de vitrines, l'artiste dépose une fine couche de suie sur la paroi de erre ou de cristal, sur laquelle il dessine en réserve, à la manière d'un graveur.

Chaque printemps depuis des années, Patrick Neu peint les iris du jardin de sa mère pendant le court moment que dure leur floraison. Ces œuvres d'une grande délicatesse s'inscrivent à la fois dans le temps long de l'artiste, qui chaque année répète le même geste, dans le temps furtif de la nature. Saisies sur une page laissée vierge, sans et sans feuillage, les fleurs en viennent à prendre une dimension quasi abstraite où se trouvent réconciliés l'éphémère et le figé, le plein et le vide. La concentration élevée en pigments, inhabituelle pour la technique de l'aquarelle, permet de donner aux dessins une multitude de nuances.

Patrick Neu (né en 1963) vit et travaille en Lorraine. En 1995, il est pensionnaire de la Villa Médicis à Rome et, en 1999, de la Villa Kujoyama à Kyoto. Son travail a bénéficié de nombreuses expositions personnelles dont au Palais de Tokyo, Paris (2015) ; La Verrière Hermès, Bruxelles (2012) ; Mamco, Genève (2010) ; Frac Lorraine, Metz (2008). En 2017, il participe à l'exposition Jardins au Grand Palais. L'Abbaye de Maubuisson lui consacrera une vaste exposition personnelle à l'automne 2018.

Vernissage de Patrick Neu "Iris, Jardin des Délices"

[18:00-20:00] Vernissage de Rebecca Warren
Location:
Galerie Max Hetzler
57, rue du Temple
75004 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 57 40 60 80
Mail : info@maxhetzler.com
Internet Site : www.maxhetzler.com
Description:
26 mai - 21 juillet 2018
Vernissage: 26 mai, 18-20h

Seront exposées des œuvres récentes ainsi décrites par l'artiste :

Une série de sculptures de petit format, peintes, aux formes graciles, rappelant des homoncules. Certains personnages sont debout, d'autres esquissent des mouvements de danse. Plusieurs reflètent son intérêt pour les figures jumelles ou dédoublées.

Une sculpture en bronze de 1m50 de hauteur, d'apparence guerrière, porte un drapeau ou un bouclier et présente d'étranges entretoises ou contreforts. Enfin, des assemblages muraux de tailles variées, à la fois inquiétants et mignons, intègrent néons, pompons, fragments divers et ephemera.

Des glyphes primitifs et des formes - parfois peints, ou figurés par des néons - ne cessent d'apparaître au sein de ses œuvres, suggérant un proto-langage, un désir d'expression articulée - ou encore une langue extraterrestre et opaque. Parfois, également, les formes sont peintes de manière à évoquer la chair ou le vêtement ou encore, à l'autre extrémité du spectre, un simple miroitement de surface.


REBECCA WARREN (1965, LONDRES)

L'artiste vit et travaille à Londres. Ayant étudié à Goldsmiths University ainsi qu'au Chelsea College, elle acquiert rapidement une certaine renommée avec des expositions personnelles et de groupe dans des lieux prestigieux. Elle est nominée pour le prix Turner (Londres, 2006) ainsi que pour le Vincent Award (Amsterdam, 2008).

Ses expositions récentes en musées et institutions incluent Kunstverein Reutlingen, Reutlingen (2018); Le Consortium, Dijon (2018); Tate St. Ives, St. Ives (2017) ; Fondation Vincent Van Gogh, Arles (2017); Dallas Museum of Art, Dallas (2016); Kunstverein München, Munich (2013); la 54e Biennale de Venise (2011); Royal Academy of Arts, Londres (2010); The Art Institute of Chicago (2010); The Renaissance Society de Chicago (2010); Serpentine Gallery, Londres (2009); Whitechapel Gallery, Londres (2009); Barbican Art Gallery, Londres (2008); Stedelijk Museum, Amsterdam (2008); Palais de Tokyo, Paris (2007); New Museum of Contemporary Art, New York (2007); Tate Triennial, Londres (2006); Ottawa Art Gallery, Ontario, Canada (2005); Kunsthalle Zurich (2004); Kunsthalle Wien (2004).

Vernissage de Rebecca Warren
Rebecca Warren, Ecstasy of Gold, 2018
Bronze peint à la main (vue d'atelier)
© Rebecca Warren

[18:00-21:00] Vernissage de SMiLE "le sourire du pochoiriste invisible"
Location:
Galerie Akiza
3, rue Tholozé
75018 Paris
M° Abbesses, Blanche
France
Mail : akiza@akizashop.net
Internet Site : www.akizashop.net
Description:
SMiLE est un pochoiriste du Colorado connu pour ses animaux incroyablement découpés qu'il bombe en chatoyantes nuances sur les murs de Boulder et Paris.

https://www.instagram.com/smileboulder

SMiLE est invisible comme dans la rue, pour ne pas distraire, ne rien interposer entre pochoirs-chats-couleurs et visiteurs.
Il ne sera pas présent au vernissage, ne se montrera pas, vous ne le verrez pas.
Et ça n'a aucune d'importance car SMiLE a fait des merveilles pour cette exposition.

--> VERNISSAGE LE SAMEDI 26 MAI à partir de 18h
puis l'exposition continue jusqu'au 12 juin chez Akiza : La Galerie.

Vernissage de SMiLE "le sourire du pochoiriste invisible"

[18:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Ceija Stojka - Et même les mots ne suffisaient pas"
Location:
Galerie Christophe Gaillard
5, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 42 78 49 16
Mobile : +33 (0)6 65 15 75 30
Mail : contact@galerie-gaillard.com
Internet Site : www.galerie-gaillard.com
Description:
FRONTSPACE

Exposition du 26 mai au 28 juillet 2018, dans le cadre du Paris Gallery Weekend
Vernissage le samedi 26 mai, de 18h à 20h

Ceija Stojka est née en Autriche en 1933, cinquième d'une fratrie de six enfants dans une famille de marchands de chevaux rom d'Europe Centrale, issue des Lovara. Déportée à l'âge de dix ans avec sa mère Sidonie et d'autres membres de sa famille, elle survit à trois camps de concentration, Auschwitz-Birkenau, Ravensbrück et Bergen-Belsen.

C'est seulement quarante ans plus tard, en 1988, à l'âge de cinquante-cinq ans, qu'elle ressent le besoin et la nécessité d'en parler ; elle se lance dans un fantastique travail de mémoire et, bien que considérée comme analphabète, écrit plusieurs ouvrages poignants, dans un style poétique et très personnel, qui font d'elle la première femme rom rescapée des camps de la mort à témoigner de son expérience concentrationnaire, contre l'oubli et le déni, contre le racisme
ambiant.

Son témoignage ne s'arrête pas aux textes qu'elle publie (4 livres au total entre 1988 et 2005), et qui très vite lui attribuent un rôle de militante, activiste pro-rom dans la société autrichienne. A partir des années 1990, elle se met à peindre et à dessiner, alors qu'elle est dans ce domaine également, totalement autodidacte. Elle s'y consacre dès lors corps et âme, jusqu'à peu de temps avant sa disparition en 2013.
Son oeuvre peinte ou dessinée, réalisée en une vingtaine d'années, sur papier, carton fin ou toile, compte plus d'un millier
de pièces. Ceija peignait tous les jours, dans son appartement de la Kaiserstrasse à Vienne.

On note deux axes dans son travail pictural :
La représentation, sans omettre les détails, des années terribles de guerre et de captivité endurées par sa famille, par
son peuple. Près de cinq cent mille Roms ont été assassinés sous le régime nazi (le nombre exact de victimes n'a
jamais été déterminé).
En parallèle elle peint des paysages colorés idylliques, évocations des années d'avant-guerre, quand la famille Stojka,
avec d'autres Roms, vivait heureuse et libre en roulotte dans la campagne autrichienne.

Vernissage de l'exposition "Ceija Stojka - Et même les mots ne suffisaient pas"

[18:00-22:00] Vernissage de l'exposition "Les Trois Bergamasques à Barbizon"
Location:
Barbizon
Barbizon
77630 Barbizon
France
Internet Site : www.barbizon.fr
Description:
Besharat Gallery and Museum
40 Grande Rue
77630 Barbizon

avec Maurizio Bonfanti, Ugo Riva et Dario Tironi

Vernissage de l'exposition "Les Trois Bergamasques à Barbizon"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Monsters"
Location:
Atelier Oblik
19, rue du docteur Emile Roux
92110 Clichy
M° Porte de Clichy, Mairie de Clichy
France
Phone : +33 (0)1 47 37 77 34
Mail : oblik.atelier@free.fr
Internet Site : www.atelier-oblik.com
Description:
Les 26 et 27 mai 2018
VERNISSAGE LE SAMEDI 26 MAI à 18H

A l'occasion de la sortie du livre "Monstres 2.0", écrit par les chercheurs Pauline Escande-Gauquié et Bertrand Naivin, nous organisons une exposition et une projection sur le thème des monstres, depuis la figure traditionnelle du monstre jusqu'au monstre digital contemporain. Outre notre expo, le week-end sera ponctué par une séance dédicace du livre "Monstres 2.0", un atelier pour les enfants, une conférence et l'intervention des artistes du collectif Oblik, qui nous reçoit.

Avec les tirages de Nadine Bénichou (France), Thérèse Cherton (Belgique), Robledo Condessa (Brésil), Nettie Edwards (GB), Patricia Geyer (USA), Sarah Jarrett (GB), Chris Sallquist (USA), Eitan Shavit (Israël) et Dominique Torrent (France) et la projection d'images de plus d'une trentaine d'artistes internationaux.

Vernissage de l'exposition "Monsters"

11:00
12:00
13:00
14:00
15:00
16:00
17:00
18:00
19:00
20:00
21:00
22:00  
23:00  
[Printer Friendly]



Investigations et photos
Abecedaire Parisien - Agenda - A propos - Contact

Agence Germain Pire tm - Investigation - Photo Hype - Renseignement de la nuit - © 2005-2020 - Tous droits réservés