Saturday, June 9, 2018
Public Access


Category:
Category: All

09
June 2018
Mon Tue Wed Thu Fri Sat Sun
28 29 30 31 1 2 3
4 5 6 7 8 9 10
11 12 13 14 15 16 17
18 19 20 21 22 23 24
25 26 27 28 29 30 1

  Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Location:
Musée Français de la Carte à Jouer
16, rue Auguste Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
M° Mairie d'Issy
France
Phone : +33 (0)1 41 23 83 60
Fax : +33 (0)1 41 23 83 66
Mail : musee@ville-issy.fr
Internet Site : www.museecarteajouer.com
Description:
Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"
Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Location:
Pavillon Carré de Baudouin
121, rue de Ménilmontant
75020 Paris
M° Gambetta, Ménilmontant, Pyrénées
France
Phone : +33 (0)1 58 53 55 40
Internet Site : www.carredebaudouin.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"

du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Vernissage de l'exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Fête de l'océan 2018
Location:
Aquarium de la Porte Dorée
Palais de la Porte Dorée - Aquarium Tropical
293, avenue Daumesnil
75012 Paris
M° Porte Dorée, T3a Porte Dorée
France
Phone : +33 (0)1 53 59 58 60
Fax : +33 (0)1 43 43 27 53
Internet Site : www.aquarium-portedoree.fr
Description:
Samedi 9 et dimanche 10 juin 2018
Samedi 9 juin de 10h à 21h30
Dimanche 10 juin de 10h à 19h

À l'occasion de la Journée mondiale de l'océan, l'Aquarium tropical organise la 2ème édition de la Fête de l'océan, au Palais de la Porte Dorée.

À l'heure où les mers sont de plus en plus menacées par les activités humaines, l'Aquarium tropical propose un rendez-vous gratuit pour s'émerveiller, s'instruire et comprendre les enjeux qui pèsent sur 71% de la surface de notre planète.

Le temps d'un week-end ouvert à tous, la Fête de l'océan propose aux visiteurs de tous âges, spécialistes ou simples curieux, des expositions, des ateliers, des conférences, des jeux, des projections, un bal costumé, du théâtre et une dégustation de produits de la mer préparés par des grands chefs...

À travers les diverses activités et animations proposées, seront évoqués :
la biodiversité des espèces marines et sa préservation
le corail
les pollutions par les plastiques
les effets du réchauffement et de l'acidification des eaux
les ressources chimiques et biologiques marines
la pêche responsable...

Intérieur et extérieur, la Fête de l'océan s'installe dans tous les espaces du Palais :
Ateliers, stands et petites expositions seront présentés en continu dans le Forum et le Hall Marie Curie
Projections, rencontres, performances, quizz dans l'auditorium avec comme maître de cérémonie l'animateur Fred Courant de l'Esprit sorcier
Les rendez-vous "En direct des tropiques" avec les doctorants médiateurs scientifiques dans l'Aquarium
Expositions Cyclops, explorateur de l'océan et Le corail, quel animal ! à l'Aquarium tropical
Animations spéciales sur Palazzo, la terrasse éphémère du Palais : dégustations, bal costumé, concerts...

Toutes les activités s'adressent à tous les publics à partir de 7 ans, sauf mention contraire.

Le programme :
Samedi : des conférences, des jeux, des projections et du théâtre - en savoir plus
Dimanche : des conférences, des projections, des jeux et un spectacle - en savoir plus
Tout au long du week end, retrouvez :
Des animations et des jeux - en savoir plus
Des ateliers pour les tout-petits - en savoir plus

Sur le parvis du Palais :
Palazzo fête l'océan - en savoir plus
À l'Aquarium :
Exposition Cyclops. Explorateur de l'océan
Exposition Voyage au cœur des récifs coralliens
La Fête de l'océan est soutenue par la Commission océanographique intergouvernementale de l'UNESCO.

Fête de l'océan 2018

Exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"
Location:
Galerie Azzedine Alaïa
18, rue de la Verrerie
75004 Paris
M° Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)1 42 72 19 19
Mail : galerie@alaia.fr
Internet Site : www.alaia.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

08:00  
09:00  
10:00  
11:00 [11:00-20:00] Vernissage de Allemand & Tordjmann
Location:
Art Symbol Gallery
21 & 24, place des Vosges
75003 Paris
M° Chemin Vert, Saint-Paul, Bastille
France
Phone : +33 (0)1 40 27 05 75
Fax : +33 (0)1 40 27 84 64
Mail : info@artsymbol.com
Internet Site : www.artsymbol.com
Description:
9 Juin - 1er Juillet 2018

Vernissage de Allemand & Tordjmann




[14:00-23:55] Vernissage de l'exposition "Par amour du jeu"
Location:
Magasins Généraux
Magasins Généraux de Pantin
1, rue de l'Ancien Canal
93500 Pantin
M° Eglise de Pantin
France
Mail : Hello@magasinsgeneraux.com
Internet Site : www.magasinsgeneraux.com
Description:
Les Magasins généraux présentent la première saison de leur programmation :

Saison #1 - Football général
PAR AMOUR DU JEU 1998-2018

EXPOSITION & FESTIVAL
DU 9 JUIN AU 5 AOÛT | ENTRÉE LIBRE
Inauguration publique : samedi 9 juin de 14h à minuit

Une exploration des liens entre création, football et société de 1998 à 2018, à l'occasion des 20 ans de la victoire de l'équipe de France et de la Coupe du monde organisée cet été en Russie.

Commissaires : Anna Labouze & Keimis Henni

PROGRAMMATION

UNE EXPOSITION

Du 9 juin au 5 août
Tous les jours | de 11h à 20h

Point de départ de cette première saison, l'exposition « Par amour du jeu 1998-2018 » rassemble 38 artistes internationaux, âgés de 20 à 80 ans, autour de la question du football comme phénomène de société majeur des vingt dernières années.
Les œuvres présentées - peintures, dessins, sculptures, photographies, vidéos, installations et performances - abordent avec poésie ou humour certains des grands enjeux de notre époque, qui trouvent dans l'univers du football une illustration manifeste.

Avec : Soufiane Ababri - Bianca Argimón - Neïl Beloufa - Mohamed Bourouissa - Cédric Brandilly - Guillaume Bresson - Hazel Brill - Auranne Brunet-Manquat - Antoine Carbonne - Petra Cortright - Ben Elliot - Dario Escobar - Pierre Gaignard - Louis Granet - Fabrice Gygi - Taro Izumi - Julie Joubert - Aurore Le Duc - Claude Lévêque - Sarah Lucas - Rayane Mcirdi - Boris Mikhailov - Gareth Nyandoro - Melik Ohanian - PAÏEN (Lia Pradal & Camille Tallent) - Stéphane Pencréac'h - Alexandre Périgot - Nelson Pernisco - Pierre et Gilles - Hervé Priou - Robin Rhode - Amélie Scotta - Juergen Teller - Romain Vicari - Kehinde Wiley - Hank Willis Thomas - Erwin Wurm

"Simulation", programme de projections d'art vidéo sur écran géant et d'interventions artistiques dans l'espace public, qui rassemble plus de 20 artistes, est proposé par trois commissaires invités : Claudia Buizza, Pietro Della Giustina et Jacques Heinrich Toussaint du collectif Curate It Yourself.

Avec : Haig Aivazian - Yuri Ancarani - Gustavo Artigas - Fikret Atay - Muu Blanco - Peter Bogers - Roderick Buchanan - Miguel Calderòn - Paolo Canevari - Bady Dalloul - Marie Denis - Daniel Escamilla - Mounir Fatmi - Massimo Furlan - Maider López - Nøne Futbol Club - Gabriele Rendina Cattani - Anri Sala - Azzedine Saleck & Brian Close - Ghislave Sosnowski - Michael Staab - Grazia Toderi - Anna-Lena Tsutsui - Franz Wanner

Le 12 juillet 2018 à 21h, l'œuvre "Their Eyes Were Watching - 98/18" de Melik Ohanian apparaît sur les rives du canal de l'Ourcq, au pied des Magasins généraux, sous la forme d'un événement populaire, historique et politique.

UN FESTIVAL

Du 9 juin au 15 juillet 2018
Du mercredi au dimanche | à partir de 11h

Autour de l'exposition, gravitent 2000 m2 d'espace urbain de détente, de restauration et de divertissement en plein air, au bord du canal de l'Ourcq.
Au programme : performances, projections vidéo, conférences, ateliers, street football, football freestyle, babyfoot, bar, restauration, concerts, danse, soirées diffusion des principaux matchs de la Coupe du monde 2018 sur écran géant.

Cette première saison inaugure officiellement la programmation culturelle des Magasins généraux, centre de création fondé par BETC au bord du canal de l'Ourcq à Pantin - Grand Paris.

https://magasinsgeneraux.com/fr/expositions/paj

Vernissage de l'exposition "Par amour du jeu"

[14:00-18:00] Vernissage de l'exposition collective "il va y avoir du sport !"
Location:
Maison des Arts de Malakoff
105, avenue du 12 février 1934
92240 Malakoff
M° Malakoff - Plateau de Vanves
France
Phone : +33 (0)1 47 35 96 94
Fax : +33 (0)1 47 35 91 54
Mail : maisondesarts@ville-malakoff.fr
Internet Site : maisondesarts.malakoff.fr
Description:
Du 9 juin au 13 juillet 2018

Avec Lorraine Feline, Július Koller, Pascal Lièvre, Etienne Martin, Thomas Wattebled, Louise Pressager

En collaboration avec l'USMM (Union Sportive Municipale de Malakoff) et soutenue par Décathlon Paris - Porte de Châtillon.

Du 9 juin au 13 juillet 2018, la maison des arts, centre d'art contemporain de malakoff, présente : il va y avoir du sport ! une exposition qui bousculer les habitudes des amateurs d'art et des férus de sport, où sportifs et supporters, artistes et passionnés sont incités à déplacer leurs pratiques respectives.
En effet, une fois par an, le centre d'art contemporain aime à se perdre dans les dédales de ses projets. Humour et absurdité prennent ainsi place et permettent d'interroger le rôle d'un lieu d'exposition. Transformé en véritable « club de gym», les machines et équipements d'éducation physique compromettent la distinction entre ce qui est œuvre et ce qui ne l'est pas. L'art contemporain s'infiltre, s'immisce au sein du matériel du centre d'art devenu salle de sport, pour que ce dernier puisse devenir un authentique lieu de pratique.Tout au long de l'exposition, auront également lieu de nombreux évènements (concerts, performances, activités sportives et culturelles...). Plusieurs fois par semaine, des « artistes-coachs » et coachs sportifs de l'USMM animeront des sessions gratuites ouvertes à tous.tes.

L'inauguration de l'exposition sera également l'occasion de découvrir le rendu de la résidence performée de Florian Gaité, qui invite pour cette sixième édition, l'artiste Mehryl Levisse. Lors de cette journée, un grand tournoi de sport d'un genre nouveau sera mis en place dans le parc de la maison des arts.

Vernissage de l'exposition collective "il va y avoir du sport !"





[15:00-19:00] Dédicace du livre "Des mots cœurs" par Miss.Tic
Location:
Galerie Brugier-Rigail
Art Partner Galerie
40, rue Volta
75003 Paris
M° Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 77 09 00
Mobile : +33 (0)6 99 42 10 50
Fax : +33 (0)1 42 77 09 00
Mail : contact@artpartnergalerie.com
Internet Site : www.artpartnergalerie.com
Description:
Après midi de dédicace du livre "Des mots cœurs" par Miss.Tic, le 9 juin de 15h à 19h

Dans le cadre de l'exposition de Miss.Tic "Des mots coeurs"

Exposition du 31/05/2018 au 07/07/2018
Vernissage de l'exposition le jeudi 31 mai 2018 à partir de 18h30

C'est avec un grand enthousiasme que nous accueillons une nouvelle fois Miss.Tic à la galerie pour son exposition personnelle :
« Des mots cœurs »

Entre clin d'œil malicieux et sourires complices, Miss.Tic nous entraîne avec beaucoup de charme dans son univers poétique.

Nous sommes conquis.

Vernissage de Miss.Tic "Des mots coeurs"

[15:00-17:00] Rencontre avec Evelyne Lantonnet
Location:
L'Achronique, Galerie & Atelier d'artistes
42, rue du Mont-Cenis
75018 Paris
M° Jules Joffrin, Lamarck - Caulaincourt
France
Mobile : +33 (0)6 22 89 01 54
Mail : caroline@achroniqueatelierartiste.net
Internet Site : www.achroniqueatelierartiste.net
Description:
Cet évènement est organisé par la galerie associative l'Achronique en partenariat avec l'association des Amitiés Internationales André Malraux ( www.andremalraux.com). À l'occasion de cette rencontre avec Evelyne Lantonnet, nous redécouvrirons les écrits sur l'art de Malraux.
ANDRÉ MALRAUX OU LES MÉTAMORPHOSES DE SATURNE
Peu d'études critiques ont accordé une place au mythe dans la pensée de Malraux. Autodidacte, ce dernier est allé au-devant de la culture ; il n'a pas été formé par l'institution. D'Antigone à Prométhée, quelques figures fascinent Malraux. Cependant, Saturne est la seule instance mythique, qui domine tout un livre. Saturne : un mythe personnel ? Il interpelle d'abord Malraux en tant que penseur. Celui-ci voit en ce monstre dévorateur une parabole de la condition humaine. Mais Saturne l'interroge aussi en tant qu'esthéticien. Il semblerait que Malraux ait inventé les métamorphoses de Saturne.
Évelyne Lantonnet, normalienne, docteur en littérature française (Paris III), s'est toujours intéressée aux relations entre art et écriture. En tant que spécialiste de Malraux, elle a soutenu une thèse sur les Écrits esthétiques de Malraux à Paris III et participé à de nombreux colloques nationaux (Cerisy-la-Salle, Saint Quentin en Yvelines) et internationaux (Lexington, Belfast, Lleida).
Elle a publié des articles dans différentes revues (Roman 20/50, Revue André Malraux Review, Revue des Lettres Modernes, Présence André Malraux).
Au sein des Amitiés Internationales André Malraux, elle a été responsable de la Revue « Présence d'André Malraux » et a (co)organisé deux colloques internationaux.
Jean-Claude Larrat lui a proposé de participer au Dictionnaire André Malraux paru chez Garnier, pour lequel elle a rédigé des notices concernant la littérature et les arts. En novembre 2017, a été publié chez l'Harmattan un essai critique : André Malraux ou Les Métamorphoses de Saturne. Responsable éditoriale de la Revue des Lettres Modernes (Série Malraux) chez Garnier, elle vient de faire paraître, en février 2018, le numéro 14 consacré à « Malraux et le temps ».

Rencontre avec Evelyne Lantonnet

[15:00-20:00] Vernissage de Peter Halley "Au-dessous / Au-dessus"
Location:
Galerie Xippas
108, rue Vieille du Temple
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 40 27 05 55
Fax : +33 (0)1 40 27 07 16
Mail : paris@xippas.com
Internet Site : www.xippas.com
Description:
9 juin - 28 juillet 2018

Commissaire : Jill Gasparina

Peter Halley dit de ses peintures qu'elles sont des images de quelque chose. Plutôt que dans l'histoire canonique - et européenne - de l'abstraction, dont il a livré de féroces critiques dès ses premiers textes du début des années 1980, c'est dans le pop et le minimalisme qu'il a trouvé des modèles, chez Barnett Newman, Frank Stella et Andy Warhol. Dans cette tension entre abstraction et figuration, l'architecture occupe une place importante. Sa pratique de l'abstraction géométrique est, de fait, inséparable d'un regard sur la ville de New York où il a grandi. En 1991, il la décrivait comme une « immense structure quadrillée indifférenciée, aussi abstraite que gigantesque »(1), la ville devenant ainsi une matrice à partir de laquelle penser ses œuvres.

Dès les années 1980, le peintre a par ailleurs intégré à son lexique pictural des matériaux et des motifs qui puisent dans l'architecture. Les « cellules », les « prisons » et les « conduits », que l'on trouve dans son travail à partir de 1981, sont ainsi issus d'une réflexion sur la géométrisation de l'espace social, inspirée par les écrits de Michel Foucault, notamment Surveiller et Punir : Halley a opéré, comme il l'expliquait récemment, la « transformation du langage de l'abstraction géométrique en un lexique de prison et de cellules isolées. » (2). Quant au Roll-A-tex, un agent de texture épaississant qu'il utilise systématiquement, il sert dans la décoration intérieure pour réaliser des crépis. Les peinture de Peter Halley ont d'ailleurs, comme celles de Stella, une dimension d'objet et s'apparentent à des bas-reliefs.

Le rapport à l'architecture ne se limite pas au format de la toile. Dans les années 1990, Peter Halley élargit sa pratique de la peinture en réalisant des installations. Les peintures sont alors accrochées sur des fonds (le plus souvent des impressions numériques), dont les motifs sont des dessins et des diagrammes tirés de ses archives ou de ses carnets de croquis. Il collabore également avec des designers comme Alessandro Mendini ou Matali Crasset. À chaque fois, il s'agit de se saisir de l'espace d'exposition tout entier, pour penser la peinture comme une architecture, et avec l'architecture.

Cette nouvelle exposition à la galerie s'inscrit résolument dans cette voie. L'artiste a créé une installation complexe qui investit l'ensemble de la galerie, du premier étage au sous-sol, en passant par les escaliers, les entrées et les couloirs. Elle intègre des peintures, des impressions numériques à l'échelle du mur, et du texte.

Au premier étage, quatre peintures réalisées spécifiquement pour l'exposition sont accrochées sur un fond imprimé, produisant un effet de trompe-l'œil où peintures et impressions dialoguent formellement.

Dans les escaliers, dans l'entrée, et les couloirs, un ensemble de dessins imprimés vient souligner les particularités architecturales de la galerie, créant des effets de seuil et de passage.

Au sous-sol, enfin, trois peintures d'inspiration néo-plasticiste reprennent des compositions déjà utilisées par l'artiste, dans une version dépouillée des motifs habituels. Le texte écrit par Jill Gasparina, et composé lui aussi en blocs autonomes agencés librement au mur, revient sur des questions développées par l'artiste depuis les années 1980, dans sa peinture comme dans ses textes : la planification urbaine, l'essor des technologies numériques, les espaces synthétiques des jeux vidéos et des rendus d'architecture, les liens entre les traditions européennes et américaines de l'abstraction, et entre modernisme et postmodernisme. L'espace est ainsi transformé en une installation immersive.

S'il a critiqué sévèrement les impasses formalistes du modernisme, le travail de Peter Halley continue ainsi de relever d'une peinture de la vie moderne, dans ses formes architecturales ou technologiques.


Peter Halley est né en 1953 à New York où il vit et travaille.

Il a notamment exposé au CAPC Musée d'art contemporain de Bordeaux (1991), au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (1992), au Stedelijk Museum, Amsterdam (1992), au Des Moines Art Center (1992), au Dallas Museum of Art (1995), au Museum of Modern Art, New York (1997), au Kitakyushu Municipal Museum of Art (1998), au Museum Folkwang, Essen (1998), au Butler Institute of American Art (1999), au Disjecta interdisciplinary Art Center, Portland (2012), au Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole (2014) ainsi qu'au Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2016).

Depuis le milieu des années 1990, il produit également des installations, des œuvres in situ ou des commandes publiques. On trouve des exemples de ces réalisations à la State University of New York, Buffalo (1998), à la Bibliothèque Municipale d'Usera, en Espagne (2002), dans la collection de la Banco Suisso d'Italia, à Turin (2003), à l'aéroport international de Dallas/ Fort Worth au Texas (2005) ou encore au Palazzo Bembo, à Venise (2011). En 2008, il a réalisé une installation permanente à la Gallatin School, à la New York University.

1 Entretien avec Kathryn Hixson dans le catalogue de l'exposition Peter Halley : du 6 décembre 1991 au 2 février 1992, CAPC-Musée d'art contemporain de Bordeaux. Edité par CAPC-Musée d'art contemporain, 1991.

2 Entretien avec Niels Olsen dans Kaleidoscope #29, 2017.

Vernissage de Peter Halley "Au-dessous / Au-dessus"
Peter Halley, Esquisse préparatoire, 2018
Courtesy of the artist & Galerie Xippas

[15:00-20:00] Vernissage de Rachel Lumsden
Location:
Galerie Bernard Jordan
77, rue Charlot
75003 Paris
M° Filles du Calvaire, Temple, République
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 61
Mail : galerie.bernard.jordan@wanadoo.fr
Internet Site : www.galeriebernardjordan.com
Description:
9 JUIN - 21 JUILLET 2018
Vernissage samedi 9 juin à partir de 15 heures

La Galerie Bernard Jordan a le plaisir de présenter des peintures de Rachel Lumsden, artiste britannique résidant en Suisse depuis une vingtaine d'année.
Rachel Lumsden a exposé en 2017 au Centre Pasqu'art à Bienne en Suisse et à la Fondation Fernet-Branca à Saint-Louis.
Elle vient d'obtenir le prix d'art de la ville de Constance. Elle prépare pour cet automne une exposition au Kunstzeug Haus à Rapperswill près de Zurich. Un catalogue édité conjointement par ces trois institutions est disponible.

Les œuvres de Rachel Lumsden ne peuvent être qualifiées de narratives, car elles sont trop ouvertes et ambiguës pour permettre une lecture évidente; elles évoquent plutôt des atmosphères chargées et dynamiques. Ses sujets s'inspirent d'une variété de sources visuelles allant de photographies extraites de journaux à des références à l'histoire de l'art en passant par des images de rêves, des schémas de circuits électroniques ou d'images publicitaires. Associant des éléments anodins du quotidien à ceux d'un univers fantastique, des fragments autobiographiques à l'inconscient collectif. Cette exposition personnelle présente des peintures récentes.

Bien que l'œuvre de Rachel Lumsden soit clairement figurative, le rôle de la figure humaine reste ambigu, d'autant que l'artiste précise rarement les traits du visage, évitant par là même toute référence à la narration ou à un personnage précis. Désireuse de ne pas trop définir les choses, elle laisse la peinture prendre le dessus. Cette démarche a été poussée à l'extrême dans ses peintures récentes. Dans the « Elder Flower » (ci-contre) une femme vêtue de noir se lève d'une chaise, son visage strié par lumière du soleil. Cependant c'est seulement sur une reproduction de l'œuvre qu'une lecture si claire est possible. Lorsque le spectateur se trouve devant la peinture, la surface se délite presqu'entièrement : la lumière du soleil devient une fluorescence d'un blanc crémeux ; les ombres bleu pâle, cobalt et aubergine sillonnent la surface comme des traverses de chemin de fer et le visage n'est plus qu'un assemblage de taches blanches et taupes sur un fond bleu.

Rachel Lumsden s'est toujours référée à l'histoire de l'art. Cet empiétement du passé sur le présent se manifeste essentiellement dans l'atmosphère qui règne au sein des intérieurs de Rachel Lumsden. Les meubles démodés qui apparaissent dans bon nombre de ceux-ci - guéridon, lampe, ornements divers - traduisent le confinement des salons démodés qui font partie, tout au moins en Grande-Bretagne, d'une strate bien particulière de la société contemporaine et est un genre solidement ancré dans la peinture britannique.

Fortement recadrés, les intérieurs offrent une vision fracturée, tout en enfermant le spectateur dans son introspection. Cette sensation inconfortable de ne pas devoir nécessairement se fier aux apparences se traduit dans l'œuvre de Lumsden par la présence de deux éléments: les portes, suggérant que d'autres mondes existent derrière elles, et les fenêtres, fournissant un cadre dramaturgique pour créer un tableau dans le tableau.

Publication : Rachel Lumsden « Return of the Huntress 2014-2017" Verlag für moderne Kunst, Vienne.
Textes en français/anglais/allemand de Felicity Lunn, Pierre-Jean Sugier, Charlotte Mullins, André Rogger,
132 pages - graphisme Thomas Bizzarri & Alain Rodriguez - ISBN:978-3-903153-27-1


Rachel Lumsden

1995 - 1998 M.A. Painting The Royal Academy Schools, London
1987 - 1991 B.A. (Honours) Fine Art, Nottingham Trent University

Expositions personnelles
2018 Galerie Bernard Jordan, Paris, FR
2018 Rachel Lumsden, Kunst(Zeug)haus Rapperswil-Jona CH
2017 Rachel Lumsden, Kunsthaus d'art CentrePasquart CH
2017 Rachel Lumsden, Fondation Fernet-Branca F
2015 «Straight Flush» Galerie Adrian Bleisch CH
2015 «The Other Island» Galerie Bernard Jordan, Zürich CH
2015 Twopack: with Peter Roesch, Erfrischungsraum, Luzern, CH

Expositions collectives
2017 Haus für Kunst Uri CH
2016 Im Rausch - zwischen Höhenflug und Absturz Kunstmuseum Thurgau CH
2016 Ausgezeichnet! Museumbickel Walenstadt CH
2015 Zwischen Gegenstand und Abstraktion, Galerie am Lindenplatz. Vaduz FL

Vernissage de Rachel Lumsden
Elder Flower, 2015, huile sur toile, 210 x 170cm







[17:00-21:00] Vernissage de Stéphanie Saadé "Traversée des États"
Location:
Parc Saint-Léger
Centre d'art contemporain
Avenue Conti
58320 Pougues-les-Eaux
M° Gare SNCF Pougues-les-Eaux
France
Phone : +33 (0)3 86 90 96 60
Fax : +33 (0)3 86 90 96 61
Mail : contact@parcsaintleger.fr
Internet Site : www.parcsaintleger.fr
Description:
Exposition du 9 juin au 26 août 2018
Vernissage samedi 9 juin 2018 à 17h

Une navette depuis Paris est organisée le jour du vernissage :
14h départ de Paris (Place Denfert-Rochereau)
21h30 départ de Pougues-les-Eaux
Gratuit, réservation indispensable
au +33 (0)3 86 90 96 60
ou juliette.tixier@parcsaintleger.fr

La transposition, le déplacement et la métaphore sont autant de procédés utilisés par Stéphanie Saadé pour explorer les relations entre l'intime et l'universel. Le travail puise largement dans l'histoire personnelle de l'artiste et dans ses souvenirs d'enfance, pour en relever la distance physique et temporelle. Un peu à la manière d'un arpenteur, l'artiste mesure ses trajets favoris, le temps qui sépare des événements autobiographiques à l'Histoire ou encore la rencontre impossible entre le passé et le présent.

Vernissage de Stéphanie Saadé "Traversée des États"
Stéphanie Saadé, Nostalgic Geography, 2013 (détail)

« Je ne peints pas l'estre, je peints le passage. »
Michel de Montaigne, Essais, Livre III, 1588

Comme un écho à la pratique de Stéphanie Saadé, cette citation accompagne le choix des œuvres opéré pour son exposition monographique « Traversée des Etats ». L'exposition met en évidence le caractère indiciel du travail, la constance du processus et la mesure de l'évolution de l'espace-temps. Son œuvre procède essentiellement par transposition, déplacement et métaphore pour explorer les relations entre l'intime et l'universel. Un peu à la manière d'un arpenteur, l'artiste mesure ses trajets favoris, le temps qui existe entre des événements autobiographiques et l'Histoire ou encore la rencontre impossible entre le passé et le présent. À partir de cette poétique de l'intime, elle ne reconstitue pas seulement son histoire et celle du Liban, mais elle joue sur les décalages temporels et géographiques pour induire un sentiment de dépaysement face à son environnement personnel.

Les œuvres de Stéphanie Saadé sont autant d'indices, de traces qui mettent en évidence l'effet heuristique de la distance. L'artiste place ainsi le spectateur dans une position d'archéologue qui perçoit les œuvres comme autant d'énigmes qu'il ne peut identifier directement. Elle utilise régulièrement ce procédé de mise à distance pour questionner ce qui est vu et ce qui est su et mettre ainsi en évidence l'idée d'impermanence et d'inachèvement. Cependant, ce recul ne s'exprime pas que de manière subjective puisqu'elle intègre dans son travail des outils de mesure parfaitement objectifs. Avec son œuvre Elastic Distance (2017), l'artiste nous montre, en temps réel, l'éloignement physique qui la sépare de l'espace d'exposition, à l'aide d'un téléphone mobile et d'une application de géolocalisation. Cette distance se transforme, en même temps, en un lien constant avec l'exposition en cours. L'installation Building A Home With Time (2016-2018) reproduit les dimensions de la chambre d'enfant de Stéphanie Saadé en utilisant 2832 briques, quantité qui correspond au nombre de jours de guerre du Liban vécus par l'artiste. De par son déplacement, cet espace concret devient la métaphore de l'espace protégé et privilégié qu'est le temps de l'enfance. Ce procédé, apparenté à un oxymore, pourrait être entendu comme le moyen pour les hommes de maîtriser leur destin. Mais on retrouve aussi cette pratique dans une forme de bricolage et plus particulièrement dans sa série d'œuvres regroupées sous l'intitulé de Re-Enactment. Ces assemblages s'apparentent à des sortes de ready-mades assistés, composés à partir de matériaux prélevés du quotidien pour souligner une poésie de la désuétude. Ils semblent œuvrer contre l'oubli de ces objets ordinaires mais surtout contre l'oubli des situations dans lesquelles ils ont été initialement trouvés. À nouveau, par effet de transposition, l'artiste nous invite à réévaluer notre point de vue, à dépasser les apparences pour tendre vers une compréhension plus profonde de la réalité.

Le déplacement géographique joue un rôle important dans l'œuvre de Stéphanie Saadé, il en est peut-être même le fondement. Avec Nostalgic Geography (2013), l'artiste fait cohabiter dans un même espace des trajectoires et des temporalités inconciliables. Elle incruste une ligne métallique sur un détail de la carte du Liban qui reproduit le tracé d'un trajet fréquemment emprunté dans les rues de Paris durant ses études. Pour A Map of Good Memories (2015), elle assemble vingt de ses trajets préférés pour former une sorte de territoire sentimental pouvant être traversé par le spectateur. Réalisée à la feuille d'or, cette carte autobiographique devient une surface réfléchissante qui permet à d'autres vies de s'y refléter tout en soulignant l'impossible rencontre entre le présent et le passé. Quant à l'or, matériau fréquemment utilisé par l'artiste, il semble fonctionner comme un élément de permanence qui permet de fixer les états éphémères. Ainsi, avec une économie de moyens, tout le travail de Stéphanie Saadé nous invite à explorer les notions d'habitat et de déplacement.

Catherine Pavlovic

Vernissage de Stéphanie Saadé "Traversée des États"
Stéphanie Saadé, Building a Home with Time, 2016
Courtesy de l'artiste et des galeries anne barrault, Akinci, Grey Noise et Marfa'
©Parc Saint Léger - Photo : Aurélien Mole

Vernissage de Stéphanie Saadé "Traversée des États"
Stéphanie Saadé, Portrait of a Lake, 2017
Courtesy de l'artiste et des galeries anne barrault, Akinci, Grey Noise et Marfa'
©Parc Saint Léger - Photo : Aurélien Mole








[18:00-21:00] Vernissage d'exposition collective
Location:
Galerie Monod
16, rue d'Ouessant
75015 Paris
M° La Motte-Picquet - Grenelle
France
Phone : +33 (0)1 56 58 24 72
Mail : artgaleriemonodparis@gmail.com
Internet Site : www.artgaleriemonodparis.com
Description:
Du 04 JUIN AU 16 JUIN 2018
VERNISSAGE LE SAMEDI 09 JUIN 2018 18h-21h

JOHN GORMAN
CHRISTINE DEPRAZ
RICHENDA BECKER
ROSE GABRIEL DE LA LYRE
ALEKSANDRA KANN-BOGOMILSKA

[18:00-22:00] Vernissage de Charlie Chine "BIVOUAC"
Location:
Le Générateur
16, rue Charles Frérot
94250 Gentilly
M° Porte d'Italie, RER B Gentilly
France
Mail : contact@legenerateur.com
Internet Site : www.legenerateur.com
Description:
09 > 16 juin 2018

BIVOUAC - L'EXPOSITION D'UNE SEMAINE DE RANDONNÉE À LA MONTAGNE
Charlie Chine
Exposition, Installation, Performance

Bivouac est l'exposition d'une randonnée à la montagne. Elle est une façon de se projeter, une tentative d'ouvrir des brèches dans les murs et de voir le ciel au travers du plafond. Elle est un voyage, une randonnée sur une île de béton peuplée de chats et de pigeons, bordée d'autoroutes où l'on s'assoit aux abords pour compter le temps au rythme des voitures qui passent.
L'expérience nous mène à l'exposition. L'exposition prend la forme de l'expérience.


« Peut-être que les braises sont encore chaudes et que la personne va revenir... »

Installée au sein du Générateur, cette randonnée portée par un regard décalé invite la fiction à se transposer au réel.

CHARLIE CHINE
Modèle de nu en 1901, ingénieur dans les années 30, dactylographe en 1960, guide touristique dans les années 80, commissaire d'exposition, squatteuse, secrétaire, musicienne, sociologue, régisseur ou encore présentatrice du journal télévisé, Charlie Chine écrit à coup d'expositions, d'actions et de performances le récit de sa propre histoire.

À partir d'actions élémentaires (visser, peindre, recopier, tailler, récolter...) cadencées par la musique du poste de radio ou par le tic-tac de l'horloge, Charlie Chine pousse la répétition du geste jusqu'à la performance. Absurde, anti-productif, voir complètement inutile, le travail devient ici le spectacle de notre capacité à vouloir nous produire nous-même.
Produits de correction, ou pour rendre le monde meilleur, produits pour prolonger l'écoute, celle de l'autre, celle de soi, ses objets ne font peut-être pas partie du monde moderne, mais appartiennent à un ailleurs nostalgique où ce mélange pop culture et humour noir.

Dépositaire d'une mémoire individuelle et collective, l'individu est pour elle, la variable, l'unique, le comparable. Elle décortique l'habitus de l'homme moderne au travers de ces mêmes conditions d'existences, telles que sa culture, son travail, son éducation, le territoire qu'il occupe ou s'octroie ainsi que sa manière de l'habiter.

Basées sur l'anonymat des participants, elle conduit des études publiques afin d'explorer la mémoire à long terme, entre les traces résiduelles de la consommation active et passive de la culture de masse et ce qu'il reste de Soi (cartographie de récits autobiographiques, archivages de souvenirs d'expériences collectives, étude de la ritournelle chez la génération « y », bilans de compétences).

Que ce soit au travers d'objets néo-paléophoniques, d'études sur le souvenir, en passant par la mise en spectacle des automatismes post-tayloriques, Charlie Chine nous propose une vision archéologique de l'homme moderne. Elle brouille les pistes, se joue des frontières délimitant le statut du créateur à celles du fabriquant. Elle positionne son corps - je suis l'artisan au service de moi-même - au cœur d'une pratique où l'identité même de l'artiste se fond au travers de réseaux multiples.

http://www.charliechine.com

Vernissage de Charlie Chine "BIVOUAC"









[19:00-21:00] Vernissage de Eum Soon-Ok "E-Toile"
Location:
Villejuif
Villejuif
94800 Villejuif
M° Villejuif - Louis Aragon, Villejuif - Paul Vaillant-Couturier, Villejuif - Léo Lagrange
France
Internet Site : www.villejuif.fr
Description:
신록의 계절 6월을 맞이하여 세실협회는 빌쥐프Villejuif에 위치한 작가의 개인 정원에서 그림전시와 더불어 클래식음악 콘서트 및 현대무용 공연으로 구성된 김진선 기획의 « é-Toile »축제를 주관한다.

엄순옥 개인전 : 6월 8, 9, 10일, 9시 ~ 18시
클라식 콘서트 & 현대무용 공연 : 6월 9일, 20시

« é-Toile »은 étoile(에뚜알)과 toile(뚜알)의 조합어다. étoile별은 낮에는 보이지 않으나 늘 칠흑같이 어두운 우주 공간을 비추는 성운으로서, 성서에서는 동방박사를 베들레헴으로 인도하고 점성술에서는 하늘에서 뜻을 찾는 이들에게 안내자의 역할을 한다. 상대에게 행운을 말할 때에 « 당신은 좋은 별을 가졌다. »라고 하며, 세상을 떠난 인간의 존귀함을 표현할 때에도 « 별이 졌다, 또는 별이 되었다. »라고 말한다. 또한 발레의 에뚜알과 영화의 스타는 무대와 장면의 주인공들이다. toile은 13세기 처음 프랑스에 등장한 격자무늬 천이나 현재에는 표면에 유화를 그릴 때 쓰는 화폭이고, 연극 무대의 배경이며, 낯선 이들의 쉼터로서 비어있는 공간(空)을 의미한다. 그러므로 « é-Toile » 은 각자의 빈 캔버스에서 자아를 찾고 인생을 그리는 주인공으로서 우리 자신을 말한다.

이번 축제는 참석자 개개인이 하나의 별이고, 예술이고, 열매임을 공감하는 자리로, 전 예술가와 관람자가 함께 어우러져 정원의 아름드리 체리나무 열매를 직접 따서 먹고 나누며 é-Toile이 지향하는 « 꿈과 희망의 시간 »을 함께 보내는 의미있는 시간이 되고자 한다. 또한 이 자리는 한반도의 비핵화 및 평화를 염원하는 6월 호국보훈의 뜻 깊은 의미를 되새기는 자리이기도 하다.

본 축제에서 모인 자발적 성금은 프랑스 떼제공통체(Taize Operation Esperance )를 통하여 북한의 고아원에 전액 후원될 것이다.


« 엄순옥 개인전 »

« 캔버스는 내 마음의 정원이다. 내게 예술이란, 어린 시절의 꿈들을 씨앗 삼아 나의 마음 정원과 밭을 가꾸는 일이다. 그렇게 자연을 사랑하며 동화되는 것이다. »

엄순옥 화백에게 그림이란, 잊고 있던 어린 시절의 꿈을 되찾아 주는 작업이기도 하다. 낯선 땅이 그렇듯 주인 잃어 오래되고 척박한 땅은 물을 뿌리고, 거름을 주고, 정성스레 돌봐야만 고른 밭이 된다. 그녀에게 캔버스는 밭이다.
« Rocher 바위 »는 38ème Salon des Arts de Montesson일드프랑스 몬테송시 수상작으로, 절대적인 자연의 힘 앞에 한 없이 나약하기만 한 인간의 시선을 그대로 드러낸다. 바위는 매우 무겁고 단단하며 아무런 움직임이 없기에 거칠고 투박한 어른의 마음 같다. 그러나 바위 사이의 작은 갈라짐과 균열들이 보여주는 움직임의 흔적들은 엄순옥 작가의 소통에 대한 여지로서, 그녀의 관조는 바위산을 폭파하고 깨고 무너뜨리는 것이 아니라 서서히 녹인다.

그렇게 허물어진 바위의 색은 하늘의 파랑으로 먼 들판의 초록으로 자연의 무한 공간으로 동화된다. « Montagne bleu 청산 »은 19세기 클로드 모네의 수련 연작을 떠오르게 한다. 인상주의 창시자인 모네는 당대에 수많은 시각적 풍경들을 남겼으나, 오히려 시력을 잃은 후의 작품에서 이미지 너머의 심연을 드러낸다. 후기 인상주의 화가 세잔느는 « 풍경은 내 속에서 스스로 생각한다. 나는 풍경의 의식이다. »라고 했다. 구상이 추상으로 넘어가는 정점에서 대가들은 자신을 돌아보았다.

엄순옥 화백은 1955년 전라남도 나주 출생으로 1985년 '하나공방'을 열어 지점토, 등공예 작가 및 선생으로 활동하였다. 19세기 인상주의 미술에 영감을 받은 그는 2000년 프랑스로 도불하여 많은 실험작을 거친 후 현재 그녀만의 현재성를 찾으며 본격적인 서양화 작가로 활동하고 있다.

« 주요 전시 및 수상»

- 단체전
2016, 2017 : 몽테송 살롱전
2015 : 프랑스 국립살롱전, 사단프랑스예술가, 그랑팔레
2011, 2012, 2014 : 프랑스 국립살롱전, 앵데팡당 전, 그랑팔레
2010, 2011, 2012, 2014, 2015 : 루브르 까루젤관
2010, 2011, 2016 : 아트쇼핑, 루브르 까루젤관
2011, 2013 : 재불한인여성회 여류작가전

- 개인전
2014, 2017 : 아트 쇼핑, 루브르 까루젤관
2016 : 갤러리 파인, 서울

- 수상
2018 : 35회 경인미술대전 입선
2017 : 18회 대한민국 여성미술대전 입선
2017 : 몽테송 시장상(일등상) (Prix de la Ville avec les félicitations du jury)


« 클래식 콘서트 - 노토스의 첼로 사중주와 바리톤 »

NOTOS 노토스는 고대 그리스 신화에 등장하는 남쪽에서 불어오는 바람의 신으로 비 또는 태풍을 동반한다. 바람이 일으키는 소용돌이가 음악을 타면 우리는 몸을 일으켜 춤을 추고, 흥얼거리며, 바람을 타고 날아가는 새처럼 모두가 한 방향을 향하게 된다. « 하나됨 »을 상징하는 이번 콘서트에서는, 향수와 희망을 상징하는 훈훈한 곡들로 인간의 순수함과 자연의 신비함이 함께 어우러져 우리의 마음을 자유와 서정으로 물들일 것이다. 특별히 준비된 '그리운 금강산', '청산에 살리라', '강건너 봄이 오듯' 의 한국가곡들은 곧 있을 북미정상회담의 성공으로 한반도를 비롯 전세계에 평화가 깃들기를 기원하는 간절한 마음을 담고 있다.

프로그램 : 임재영 - 몰음악원 및 Le 3 ND 출강, 베르사이유 국립음악원 DEM 취득, 현 세실협회 실내악단장
첼리스트 : Soizic CHEVRANT-BRETON, 임재영, Diego CARDOSO, Pablo SCHINKE
바리톤 : 남기준


« 현대 무용 »

아담은 한 줌 흙이 되어 삶을 시작했다. 흙에 깃든 생명력은 그것에 뿌리를 두고 자라난 나무들과 열매들이 보여준다. 결국 자연이 갖고 있는 수많은 색들은 인간의 마음에 담겨 있음을 알게 한다. 이 같은 자연의 신비로움을 인간의 무브먼트 언어로 표현하여, 한국전통무용이 서구의 현대무용을 만나 이뤄내는 창작 안무의 진수를 보여줄 것이다.

안무 : 오지예 - 현대무용 프랑스국가교원자격증 취득, 전 부산국립국악원 단원, 현 세실협회 무용단장
현대 무용 : 오지예, 김준

« 안내 »

전시 : 6월 8, 9, 10일, 9시 ~ 18시
베흐니사즈 : 6월 9일, 19시
클라식 콘서트 및 현대무용 공연 : 6월 9일, 20시 (소요 시간 1시간 20분)

장소 : 작가의 정원
Jardin Privé
35, rue Jean Baptiste Clément
94800 Villejuif
교통 : M° Villejuif-Paul Vaillant Couturier

기획자 Tel : 06 01 13 66 07
입장료 : 무료

Vernissage de Eum Soon-Ok "E-Toile"

[19:00-21:00] Vernissage de l'exposition "La dimension cachée"
Location:
La Tannerie - association Regard Parole
Centre d'Art Contemporain
57, rue de Paris
78550 Houdan
M° Gare SNCF Houdan
France
Phone : +33 (0)1 30 88 12 60
Mail : tannerieregardparole@gmail.com
Internet Site : www.regardparole.com
Description:
Du 8 juin au 15 juillet 2018
Vernissages vendredi 9 juin à partir de 19h (exposition des élèves)
et dimanche 10 juin à partir de 11h

Vernissage de l'exposition "La dimension cachée"
Vernissage de l'exposition "La dimension cachée"











[21:00-23:55] Soirée naturiste "Beautiful Skin"
Location:
Point Ephémère
centre de dynamiques artistiques
200, quai de Valmy
75010 Paris
M° Jaurès, Louis Blanc
France
Phone : +33 (0)1 40 34 02 48
Fax : +33 (0)1 40 34 02 58
Mail : info@pointephemere.org
Internet Site : www.pointephemere.org
Description:
Après le Palais de Tokyo et le bois de Vincennes, c'est au tour du Point Ephémère (Paris Xe) d'accueillir, samedi 9 juin, une soirée électro dans le plus simple appareil.

Se déhancher en tenue d'Adam et Ève ? Tel est le propos de la soirée «Beautiful Skin», programmée le samedi 9 juin au Point Ephémère (Paris Xe). Une première pour ce lieu pluridisciplinaire et alternatif situé au bord du canal Saint-Martin.

Après les visites guidées du Palais de Tokyo (XVIe) et la réouverture de l'espace naturiste du bois de Vincennes (XIIe), la nudité a la cote en ce moment dans la capitale!

L'entrée de la soirée, exclusivement réservée aux naturistes, coûte entre 10 et 12 euros. «Tout comportement à caractère sexuel entraînera une expulsion immédiate» avertissent les organisateurs, A 222-32, Bragi Pufferfish et Imaginat. Une nuit de danse dans le plus simple appareil, au son des DJ sets de Piu Piu, Sophie Morello, Bosco Noire et Loki Starfish. Performances (Stan Briche et Pauk Pauk), «belles surprises» et body painting sont également annoncés.

Festival naturiste
En amont du clubbing, la journée du samedi 9 juin mettra déjà la nudité à l'honneur, avec la deuxième édition de «La Fête de l'Art de Vivre Nu», organisée par l'association Imaginat, qui s'adresse aux artistes et gens de culture sensibles au naturisme.

Ce festival en entrée libre, de 12h à 21h, destiné à un public «mixte, naturiste et non-naturiste», proposera du yoga, une sieste littéraire, une conférence «Art de Vivre Nu, Art-thérapie, Nu-thérapie», une performance, de la méditation, des cours d'hypnose et un concert-récital classique.

12:00
13:00
14:00
15:00
16:00
17:00
18:00
19:00
20:00
21:00
22:00
23:00
[Printer Friendly]



Investigations et photos
Abecedaire Parisien - Agenda - A propos - Contact

Agence Germain Pire tm - Investigation - Photo Hype - Renseignement de la nuit - © 2005-2018 - Tous droits réservés