Thursday, October 10, 2019
Public Access


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Category: All

10
October 2019
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08:00  
09:00 [09:00-23:55] 5ème édition de Bpifrance Inno Génération 2019
Location:
AccorHotels Arena POPB
POPB
8, boulevard de Bercy
75012 Paris
M° Bercy, Gare de Lyon
France
Phone : +33 (0)1 40 02 60 60
Internet Site : www.bercyarena.paris
Description:
>> RSVP








[16:00-20:00] Vernissage de Martin Bruneau "La fable de Butadès"
Location:
Galerie Isabelle Gounod
13, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 48 04 04 80
Fax : +33 (0)1 48 04 04 80
Mail : info@galerie-gounod.fr
Internet Site : www.galerie-gounod.com
Description:
10 octobre - 23 novembre 2019
Vernissage le jeudi 10 octobre 2019

"Je veux savoir ce que cela veut dire, « faire de la peinture » et « être peintre ». La meilleure façon de le savoir, c'est d'aller dans la peinture, de chercher mais pas dans les livres, dans les tableaux."
Martin Bruneau, entretien avec Yann Le Boulanger, directeur du Château de Kerjean, 2011

Entrer dans l'atelier de Martin Bruneau, c'est se confronter à trente années de peinture. Et plus encore, à autant d'années d'investigation et de recherche sur ce que l'histoire de la peinture nous a légué. Travaillant essentiellement par séries et reprises des icônes de l'art européen (des Ménines de Vélasquez au Radeau de la Méduse de Géricault), l'œuvre de Martin Bruneau se caractérise par une liberté d'appropriation et une sincère humilité face à cet héritage.

Formé à Montréal, l'artiste en garde la spontanéité d'une touche abstraite et expressive, propre à l'histoire artistique nord-américaine ; une attention particulière portée au geste et à la couleur, abordés pour ce qu'ils sont, absolument libres de tout sujet ; un recours également à la série comme mode d'épuisement du sujet et du signe. Rapidement, pourtant, une société plus aristocratique et plus ancienne devait venir hanter ses toiles : ici les figures princières de Cranach (v. 1540), ailleurs les membres du Syndic de la guilde des Drapiers peints par Rembrandt en 1662. Autant d'images du passé considérées comme simples objets de peinture, à l'envi détournées, retournées, contournées, défigurées.

Au cœur de ses différentes séries, la figure humaine occupe une place centrale. Sans doute est-ce parce que sa représentation concentre l'essentiel des tensions que Martin Bruneau aime à faire s'entrechoquer. Le portrait induit en effet de nombreuses réflexions sur la notion d'identité. Identité au modèle, suivant l'injonction de ressemblance. Identité du sujet, dont la caractérisation s'accorde au singulier. Identité de la peinture elle-même enfin, qui sait se faire oublier pour simuler la vie et dont la naissance aurait précisément partie liée avec l'invention du portrait.

C'est là du moins que Pline l'Ancien en situe l'origine, qui nous rapporte dans son Histoire Naturelle comment le potier Butadès de Sycione en inventa le principe pour sa fille : amoureuse d'un jeune homme qui devait partir à l'étranger, cette dernière entoura d'une ligne l'ombre du visage de son bien aimé, projetée sur le mur par la lumière d'une lanterne. Son père, Butadès, appliqua alors de l'argile sur l'esquisse pour en faire un relief qu'il mit à durcir avec le reste de ses poteries. Le sort en fut jeté et l'on ne devait plus cesser depuis de contourer et de modeler des ombres.

Traversant plus de dix années de production (de 1997 à 2010), cette nouvelle exposition personnelle propose ainsi d'aborder ce thème particulier du portrait, qui cristallise le rapport affectif que Martin Bruneau entretient avec la peinture, ainsi que le mode réflexif sur lequel il en aborde la pratique. On y retrouve l'effort de synthèse qui caractérise toute son œuvre. Une oscillation permanente entre le modèle (images du passé ou amis du peintre) et sa représentation. Portant le geste de peindre à son comble, Martin Bruneau y fait vaciller les catégories traditionnelles.

Ici fond et figure se muent l'un en l'autre, jusqu'à ce que le sujet cède la place à l'informe, ne s'imposant plus au regard que par sa seule « venue en présence ».

Jean-Luc Nancy, Le regard du portrait, éditions Galilée, 2000

A la fonction mémorielle (reconnaître et se souvenir) s'adjoint alors le réflexe de l'imagination, lorsque la plus infime parcelle de réalité (une silhouette, un œil au travers de la trame) nous tient captif du désir de renouer avec le sujet perdu.

Prenant en compte le caractère informé de l'œil du spectateur, Martin Bruneau s'intéresse ainsi au lieu authentique de l'existence de ces images déjà existantes, lieu de leur survivance aussi, qui est celui de la mémoire. L'ombre qu'il trace au mur et qu'il emplit de son geste n'est autre que celle de la peinture et de son histoire, dont le portrait qu'il tire se révèle à l'envers, au creux de ce qu'il en reste.

Thibault Bissirier

Vernissage de Martin Bruneau "La fable de Butadès"

Vernissage de Martin Bruneau "La fable de Butadès"
Martin Bruneau, Portrait fond orange, 1999
Huile sur toile, 27 x 22 cm
Courtesy of the artist & Galerie Isabelle Gounod, Paris

[16:30-21:00] 7ème édition des Grands Prix de la Région Capitale
Location:
Conseil Régional d'Ile de France
33, rue Barbet de Jouy
75007 Paris
M° Saint François Xavier
France
Phone : +33 (0)1 53 85 53 85
Internet Site : www.iledefrance.fr
Description:
Parallèlement aux travaux de son Club, Ville, Rail & Transports décerne des prix récompensant des personnalités qui, par leur action au sein d'une association, d'une collectivité territoriale, d'une entreprise privée ou publique, ou d'une administration, auront fait avancer les transports de l'Île-de-France.

Ces prix récompenseront le ou les auteurs d'initiatives permettant, par exemple, de faire baisser le coût du transport, d'améliorer un projet ou un service de transport de passagers ou de logistique urbaine, de mieux gérer la circulation routière, de moderniser des installations existantes, d'améliorer les services dans une gare ou une station, de mieux gérer la conduite d'un projet.

La cérémonie de remise des Grands Prix de la Région Capitale aura lieu le 10 octobre 2019 à l'hémicycle du Conseil régional d'Île-de-France et sera précédée d'une conférence d'ouverture.


Programme

16h30 - 17h00 : Accueil des participants et des intervenants

17h00 : Ouverture par Valérie Pécresse, présidente de la Région Île-de-France

17h00 - 18h30 : Conférence "Comment les mobilités vont-elles cohabiter ?"

Voiture autonome, navette, trottinette, vélo, marche... Les divers modes de mobilités, certains immémoriaux, et d'autres tout nouveaux, jouent des coudes dans les métropoles, et particulièrement à Paris. Comment faire cohabiter les flux ? Lesquels doivent être séparés ? Quelle conséquence sur le code de la route ? Quel sera le visage de la rue demain ? Et pourra-t-on s'y déplacer en toute tranquillité ?

18h30 - 19h30 : Cérémonie de remise des Grands Prix VRT de la Région Capitale
Prix Périurbain
Prix Innovation
Prix Aménagement urbain
Prix Intermodalité
Prix Smart City
Prix Logistique urbaine
Prix Modernisation
Prix Meilleur projet urbain

Cocktail à partir de 19h30

>> RSVP

7ème édition des Grands Prix de la Région Capitale









[17:00-19:00] Dédicace d'Amélie Nothomb pour "Soif"
Location:
Fnac Paris - Montparnasse
136, rue de Rennes
75006 Paris
M° Saint-Placide, Notre-Dame-des-Champs, Montparnasse - Bienvenüe
France
Phone : +33 (0)1 49 54 30 00
Fax : +33 (0)1 49 54 30 03
Mail : montparnasse@fnac.tm.fr
Internet Site : rendezvous.fnac.com/home_magasin.asp?SHP=4
Description:
Dédicace d'Amélie Nothomb pour son nouveau roman "Soif"

« Pour éprouver la soif il faut être vivant. »

Chez Albin Michel
Édition brochée
17.90 €
21 Août 2019
130mm x 200mm
162 pages
EAN13 : 9782226443885

Dédicace d'Amélie Nothomb pour "Soif"

[17:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Miloslav Moucha Corrections de Formats (1972-1984)"
Location:
Galerie Laure Roynette
20, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 42 71 06 35
Mobile : +33 (0)6 08 63 54 41
Mail : contact@laureroynette.com
Internet Site : www.galerie-art-paris-roynette.com
Description:
10 octobre - 16 novembre 2019

« Moucha en fait s'acharne à nous démontrer qu'en aucun cas le nombre ne peut être le signe de la matière. »
Pierre Restany, août 1977, Paris


D'après Fabrice Hergott, Miloslav Moucha s'est avancé sur son chemin dominé par l'obsession d'une chose unique : dégager l'essentiel, faire en sorte qu'une chose représentée existe, qu'elle ne soit pas seulement image, composition ou forme, ou contenu, mais qu'elle existe à part entière, avec les conditions de l'art qui sont celles d'une vie miraculeuse, sans chute, mais toute de parallélismes.

« Une vie fixée pour toujours au-dessus du monde normal, ni pire ni meilleur, seulement plus longue, c'est-à-dire plus disponible. »
Fabrice Hergott, 1986.


Miloslav Moucha explique, dans "Note sur le rapport entre la forme et son contenu", que le contenu dicte la forme et la forme révèle le contenu.
"Le contenu (le fond) et sa forme ne font qu'un.
Plus le contenu est subtil et universel, plus la forme est simple et abstraite. Le contenu dicte la forme et la forme révèle le contenu.
Chaque discipline (la poésie, la musique, la peinture, la sculpture...) a ses limites et sa profondeur (infinie) propres. C'est pourquoi tous les arts opèrent en parallèle et se rejoignent dans l'infini, car leur but est le même.
Si le contenu qui dicte la forme provient des profondeurs de la première créa- tion, cette forme vous révèle l'intelligence de la vie.
Le rapport entre la forme et le contenu (le fond) nous conduit inévitablement à la réflexion sur la relation entre la forme et le symbole. Si l'homme pouvait se passer du langage des formes, il ne l'aurait pas inventé.
Là où les mots, même très savamment combinés, n'arrivent pas à exprimer la connaissance, l'homme a recours aux symboles. Les symboles les plus riches sont les formes les plus simples - les formes qu'on appelle géométriques. L'ensemble de ces formes constitue un langage traditionnel qui nous permet d'exprimer la conception du monde d'une manière subtile et directe. Tout ce qui est révélé dans ce monde doit avoir une forme, un corps - même s'il est invisible. Chaque forme a son sens même si nous ne le saisissons pas."


« Ce qui précédemment rassemblait les lignes et les plans en unité, suspendue et instable, se délite, se dénoue. »
Olivier Kaeppelin, «Le passage intérieur», 1989.

Le peintre accepte d'abord le chahut des géométries et ainsi se trouve confronté à l'ordre de la division. D'un côté la reformulation, à l'intérieur du cadre, du lieu d'apparition: un rectangle, un dessin droit; de l'autre: un éclat de lignes courbes ou brisées, de spirales, de cercles, d'ovales indécis qui nous emmènent dans un mouvement de traversée. Icône et mobilité semblent s'opposer, s'exclure mais Moucha sait qu'il en est rien.

Vernissage de l'exposition "Miloslav Moucha Corrections de Formats (1972-1984)"










[18:00-22:00] Finissage de Pierrick Allemand "NO BORDER"
Location:
Teodora Galerie
25, rue de Penthièvre
75008 Paris
M° Miromesnil
France
Phone : +33 (0)1 77 17 28 45
Mobile : +33 (0)6 07 08 86 51
Mail : angelaghezzi@hotmail.it
Internet Site : www.teodora.fr
Description:
"L'optimisme est le dernier luxe de l'homme".

Né en 1973, l'artiste vit et travaille à Paris. Il étudie à l'école des Beaux-Arts de Toulouse ainsi qu'à Barcelone où il se spécialise dans la peinture de fresques de grandes dimensions.

Influencé par les années 30, 50 et 70, Pierrick Allemand embarque son public dans des histoires du vieux continent ou de l'Amérique ultra-contemporaine. Perfectionniste, il compose ses toiles avec une grande modernité dans un sillage "pop expressionniste".

Pierrick Allemand expose depuis 1998 dans de nombreuses galeries. En France : Paris, Saint Tropez, Avignon, Albi, etc.
À l'étranger : Bruxelles, Londres, New York, au Mexique et au Luxembourg.

Pour cette exposition à la Teodora Galerie, l'artiste nous présentera une série de toiles reprenant ses voyages vers des terres colorées, nous contant des histoires aussi punks que loufoques. Au delà de la réalité, l'artiste expose des œuvres expressives à travers un imaginaire encore plus psychédélique, détournant nos images contemporaines vers une absurdité existentielle déjantée.

Pierrick Allemand est un peintre, un conteur... et peut-être même un troubadour. Car ses tableaux chantent, pour qui sait les entendre.

12 septembre au 10 octobre 2019
Vernissage 12 septembre - 18H00 22H00
Finissage 10 octobre 18H00 22H00

Finissage de Pierrick Allemand "NO BORDER"

[18:00-20:00] Lancement de "The Drawer Vol. 17"
Location:
Galerie Marian Goodman
66&79, rue du Temple
75003 Paris
M° Rambuteau, Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 48 04 70 52
Fax : +33 (0)1 40 27 81 37
Mail : parisgallery@mariangoodman.com
Internet Site : www.mariangoodman.com
Description:
Librairie Marian Goodman

Lancement de "The Drawer Vol. 17"

[18:00-21:00] Preview de Salvatore Arancio "Like a Sort of Pompeii in Reverse"
Location:
Semiose galerie-éditions
54, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau, Réaumur - Sébastopol
France
Phone : +33 (0)9 79 26 16 38
Mail : b.porcher@semiose.com
Internet Site : www.semiose.com
Description:
12 octobre - 23 novembre 2019
vernissage samedi 12 octobre de 11h à 21h

« Comme une sorte de Pompéi inversée » : cette phrase empruntée à Guy Debord1 pour l'exposition de Salvatore Arancio à la Casa Jorn d'Albissola, permet de révéler de nombreuses caractéristiques de l'œuvre de l'artiste. Dans cette exposition, il a déployé une série d'œuvres en céramique modelées directement sur des objets ou sur les formes organiques créées par Asger Jorn aux murs du jardin de la maison. Il entre ainsi en dialogue avec la très riche expérience situationniste qui a connu l'un de ses moments les plus intenses précisément en cet endroit de la côte ligure, et exprime un état du temps qui suit des dynamiques diverses. La céramique prend la forme du contour des choses et suit cette recherche d'un espace autour de la réalité, reconstruisant un espace et un temps spécifiques. Un espace autour des choses qui remplit une dimension vide. Un vide qui reflète aussi une dimension temporelle. L'utilisation des matériaux et des objets rappelle le concept de détournement typique des Situationnistes. Le changement de contexte des objets et des matériaux crée de nouveaux récits et un aspect visionnaire proche des effets psychédéliques.

Un dialogue continu se développe entre l'histoire de la science et l'histoire de l'art. La recherche d'un passé commun entre ces deux disciplines définit un espace dans lequel vient se dissoudre la différence entre elles. Chez Salvatore Arancio, nous rencontrons très souvent ce moment où l'art et la science se trouvent à l'unisson, liés justement par cette forme d'absence d'un temps spécifique. Ce dilemme interdisciplinaire, cette recherche d'un espace de dissolution donne la possibilité à l'artiste de créer un moment particulier qui génère une évasion du présent. Une absence qui permet de voir les objets de ce point de vue interdisciplinaire en une espèce d'apnée temporelle. Une forme de science obsolète devient presque automatiquement une forme esthétique liée à l'imaginaire artistique. Ce n'est pas pour rien que les instruments et objets exposés dans les musées de sciences naturelles semblent provenir d'un imaginaire artistique et non scientifique. L'effort d'imagination qu'il faut faire pour entrer dans cette histoire particulière de la science reléguée dans le passé impose une forme de science-fiction inversée. Une dimension temporelle en négatif, un espace dans lequel la forme du vide se remplit. Nombre des positions exprimées par les œuvres de Salvatore Arancio cherchent à développer cette perspective. Ce sont des formes qui constituent un temps absent à travers la reconstruction du négatif d'une forme. Pour cette raison, la technique qui consiste à se réapproprier l'espace autour des objets et des éléments naturels renvoie exactement à cet espace inversé qui occupe un temps imaginaire.

[...] S'il n'est pas possible de développer immédiatement le potentiel scientifique, alors on l'imagine. Et cette opération est également réalisable en mouvement contraire. Salvatore Arancio bâtit ces imaginaires qui recomposent une série de passés jamais découverts. Une série de formes historiques revisitées à reculons. Il crée ainsi une « Pompéi inversée ».

[...] L'art d'Arancio fonctionne sur un double registre : d'une part, il reprend des techniques traditionnelles comme la céramique et la gravure ; d'autre part, il transforme ces techniques par l'usage de formes contemporaines.

Un mélange qui place l'observateur face à une tension de moments divers. En fusionnant, ils créent un temps neutre, distant d'un état purement présent. En outre, la matière, l'argile, a un rapport direct avec l'idée de paysage. C'est une matière qui vient directement de la terre et qui peut être modelée et transformée pour créer des formes imaginaires. Cette idée de paysage imaginaire qui se modèle et se transforme établit un rapport entre la matière et une conception fantasmagorique de paysages qui font partie d'un imaginaire collectif de terres cachées, mystérieuses, qui n'ont jamais existé. L'idée de paysage est liée à un point de vue précis qu'un certain panorama peut composer. En un certain sens, le paysage est généré par un point unique qui est multiplié par une infinité d'autres points placés à une distance déterminée.

[...] La frontière subtile entre nature et artefact s'atténue dans l'art d'Arancio, elle se dissout dans un état d'unicité entre une chose et l'autre. Ce n'est pas un hasard si le concept de cabinet de curiosités devient central dans son œuvre. Cette frontière entre art et nature, entre histoire et géographie s'estompe, laissant la place à une dimension où science et histoire perdent leurs coordonnées conventionnelles. Le temps devient l'élément plus fragile et multiple. Avec sa récupération technique et esthétique, Arancio arrive à reparcourir des définitions plurielles du temps, canalisant le moment de l'observateur au cœur de nombreux et divers moments. L'observateur revit des dimensions parallèles. Il s'agit là moins d'une absence de temps que d'une multiplicité du temps, d'une temporalité diffuse.

Le présent se dissipe dans une tension constante entre un passé impossible et un avenir imaginaire. Et l'observateur se trouve face à la difficulté technique de retrouver la dimension contemporaine. Le contemporain est remis en question dans sa propension à chercher constamment la vitesse et la superficialité. Cette dimension temporelle qui lie l'art et la culture des dernières décennies en une étendue de synchronicité se voit minée. Arancio élabore le concept du temps contemporain comme un kaléidoscope de moments divers. Ses références ne sont jamais des citations explicites, mais on ne peut pas ne pas penser à un partage indistinct d'un phénomène littéraire et scientifique. L'imagination comme forme pour ainsi dire rétroactive de repenser le monde.

Pourtant la science-fiction ou un récit dystopique sont absents. Nous n'avons pas la sensation d'être devant une forme alternative de présent. La réalité n'est pas remise en question par l'œuvre, mais élaborée et amplifiée. Arancio questionne une dimension du présent qui est lié à la vitesse d'écoulement de notre temps. Il trouve dans la profondeur du présent une complexité qui renvoie à d'autres époques et crée différentes versions de notre temps.

1 « Comme une sorte de Pompéi inversée » est tiré d'un texte que Guy Debord a écrit en 1972 pour le livre de Asger Jorn, Le Jardin d'Albisola, édité par Ezio Gribaudo pour Edizioni d'arte Fratelli Pozzo, Turin et publié à titre posthume en 1974.

Lorenzo Benedetti
Essai publié dans sa longueur dans Pleased to meet you Salvatore Arancio (Semiose éditions), octobre 2019. Avec le soutien aux galeries / publication du Centre national des arts plastiques.

Depuis février 2017, Lorenzo Benedetti est curateur pour l'art contemporain au Kunstmuseum de Saint-Gall (CH). Après des études d'histoire de l'art à l'Université La Sapienza à Rome (IT), il a participé en 1999 au Curatorial Training Programme à De Appel Foundation à Amsterdam (NL) où il fut plus tard directeur et commissaire d'exposition jusqu'en 2015. En 2005, il a fondé le Sound Art Museum à Rome, un espace consacré au son dans les arts visuels. Il a dirigé le Art Center De Vleeshal à Middelburg (NL) et le centre d'art Volume! à Rome. Lorenzo Benedetti a été commissaire d'exposition au Museum Marta Herford à Herford (DE) et commissaire d'exposition invité à la Kunsthalle de Mulhouse (FR). Lors de la 55ème Biennale de Venise en 2013, il est commissaire de l'exposition de Mark Manders pour le Pavillon néerlandais. Il a récemment organisé les expositions During the Exhibition the Gallery Will Be Close au WIELS à Bruxelles (BE) et Also Sculpture Die au Palazzo Strozzi à Florence (IT).

Vernissage de Salvatore Arancio "Like a Sort of Pompeii in Reverse"

[18:00-20:00] Séance de dédicaces d'Hervé Di Rosa pour "Autour du monde"
Location:
Centre Pompidou
Musée National d'Art Moderne - Beaubourg
Place Georges Pompidou
19, rue Beaubourg
75191 Paris Cedex 04
M° Rambuteau, Hôtel de Ville, Châtelet
France
Phone : +33 (0)1 44 78 12 33
Fax : +33 (0)1 44 78 13 03
Internet Site : www.centrepompidou.fr
Description:
Librairie Flammarion Centre

Séance de dédicaces à l'occasion de la parution du livre
Hervé Di Rosa "Autour du monde"

Séance de dédicaces d'Hervé Di Rosa pour "Autour du monde"

[18:00-21:00] Vernissage "Poussin, Géricault, Ingres : à l'école de l'antique"
Location:
Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts
ENSBA
14, rue Bonaparte
13, quai Malaquais
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés
France
Phone : +33 (0)1 47 03 50 00
Fax : +33 (0)1 47 03 50 80
Mail : info@ensba.fr
Internet Site : www.ensba.fr
Description:
Poussin, Géricault, Ingres : à l'école de l'antique
Dessins des Beaux-Arts de Paris

Cabinet de dessins Jean Bonna

11 octobre 2019 - 12 janvier 2020
du mercredi au dimanche (fermé lundi et mardi) de 12h-21h

Collectionnée et reproduite à partir du XVIe siècle, la statuaire antique n'a cessé de nourrir et d'inspirer les artistes, qui la découvrent en Italie ou en France par l'intermédiaire de moulages ou de copies dessinées et gravées. De Jean Boucher à Carpeaux, en passant par Poussin, Bouchardon ou Ingres, les plus grands peintres et sculpteurs français furent à cette école de l'antique des étudiants passionnés.

Les artistes interprètent l'antique en s'autorisant des libertés qui surprennent par leur audace, qu'il s'agisse des troublantes transpositions de Jean Boucher ou de Géricault, qui n'hésitent pas à revisiter leurs modèles dans des compositions ludiques et érotiques, ou de mises en contexte radicalement différentes, lorsque Poussin dispose un coffret antique au premier plan d'une Sainte famille.

L'exposition présente une trentaine de dessins originaux pour certains inédits, mais aussi une sélection de recueils et d'estampes, tous issus de la collection des Beaux-Arts de Paris. Le Cabinet de dessins Jean Bonna se propose ainsi de mettre en lumière les leçons apprises de l'Antiquité et l'extraordinaire fécondité du regard porté par les artistes sur ces chefs-d'œuvre.

Commissariat d'exposition : Emmanuelle Brugerolles

Utiliser la statuaire comme moyen de formation est d'abord une des priorités de l'Académie royale de peinture et de sculpture dès sa création en 1648, avec l'instauration de l'épreuve de la copie d'après l'antique, qui se poursuit jusqu'en 1968, et dont l'étude de Paul Flandrin d'après l'Apollon Sauroctone, datée de 1831, fournit un bel exemple. Dès le XVIIe siècle, les statues antiques fascinent tant pour la perfection de leurs proportions, qu'un Charles Errard s'attache à traduire dans de magnifiques relevés chiffrés, que pour leur inégalable expressivité.

Cette approche pédagogique se poursuit au XVIIIe siècle à Rome où les pensionnaires de l'Académie de France disposent d'une diversité de modèles qui les incite à sélectionner et à emmagasiner des sources visuelles pour l'avenir. Révélateur de leur personnalité et des intérêts du moment, leur choix s'accompagne d'un parti pris de traitement : fidélité ou infidélité par rapport au motif, restitution à l'identique ou mise en perspective de l'objet d'étude... La variété des réalisations reflète l'immensité des ressources qui s'offrent à eux à travers les nombreuses collections mises à leur disposition : sculptures mutilées, torses musculeux, têtes aux expressions sévères, tout est sujet à explorer. Ces artistes puisent par la suite dans ce répertoire graphique pour concevoir leurs propres œuvres : un torse d'Éros est repris pour L'Amour se faisant un arc de la massue d'Hercule de Bouchardon, Pajou place un trépied antique dans son Monument à Buffon et David se souvient dans sa Mort de Marat d'un Patrocle vu quinze ans plus tôt.


L'exposition sera accompagnée d'un catalogue en français.
Préface de Jean de Loisy
Texte d'Olivier Bonfait
Introduction d'Emmanuelle Brugerolles
Catalogue par Emmanuelle Brugerolles, Anne-Cécile Moheng et Pierre Marot

[18:00-21:00] Vernissage "You - Oeuvres de la collection Lafayette Anticipations"
Location:
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
ARC
11, avenue du Président Wilson
75116 Paris
M° Iéna, Alma - Marceau
France
Phone : +33 (0)1 53 67 40 00
Internet Site : www.mam.paris.fr
Description:
Du 11 octobre 2019 au 16 février 2020

Le musée présente une sélection d'œuvres d'artistes contemporains français et internationaux, issue des 330 pièces de la Collection Lafayette Anticipations - Fonds de dotation Famille Moulin.

Pensée autour d'oeuvres et d'installations acquises par le fonds depuis 2005 qui intègrent la sculpture, la vidéo, ou la performance, l'exposition présente un aperçu des dernières évolutions de l'art et rend compte de la capacité des artistes à interroger et décrypter notre monde en mutation.

L'exposition propose une réflexion autour des notions de proximité, de partage, et tout particulièrement de dialogue, de la manière dont les oeuvres échangent avec le public, se répondent, mais aussi se transforment en se côtoyant. Des pièces spectaculaires alternent avec d'autres plus sensibles, parfois à la limite du perceptible, convoquant la vision, l'ouïe, l'odorat, mais aussi l'imaginaire de la science et de la fiction. Elle compose ainsi un panorama où les sens et l'intellect sont stimulés.

Aussi singulières et autonomes soient-elles, les oeuvres de l'exposition ont en commun de refléter, chacune à leur manière, les mues de notre monde. Elles traduisent une certaine opacité poétique (Ketuta Alexi-Meskhishvili, Olga Balema, Trisha Donnelly...) reposant souvent sur le ready made. Elles renvoient autant à la préhistoire qu'au digital (Marguerite Humeau, Rachel Maclean...), et utilisent les images de fragmentation, de transmutation, voire de disparition comme des métaphores vivantes ; la fumée, le liquide ou encore le plastique émergent ainsi sous plusieurs formes au fil de l'exposition (Michaela Eichwald, Guillaume Leblon, Liz Magor...).

Chacune des oeuvres évoque ainsi un organisme ouvert, un monde en miniature (Ian Kiaer) ou en évolution, qui résiste à l'idée même de conservation figée. Elles semblent chargées de la mémoire de leur propre passé, mais aussi de la promesse de leur possible réinvention. Elles parlent de fractures autant que de force créatrice (Anne Imhof), la destruction pouvant aussi permettre une renaissance (Michael E. Smith). En faisant dialoguer et interagir différentes oeuvres renvoyant de manière poétique à des éléments pluriels et complexes (Eau, Feu, Air, Terre et Métal), l'exposition crée autant de situations, de microclimats qui, agrégés ensemble, contribuent à la création d'une atmosphère plus globale, bien qu'elle aussi fluctuante : plus ou moins humide, sèche, froide ou chaude (Michel Blazy, Rachel Rose).

L'exposition se propose de repenser les oppositions dépassées entre les notions de nature et de culture, dans un monde de soi-disant progrès, où l'homme, entre l'animal et la machine, détruit autant qu'il produit. Comme alternatives, il peut alors choisir la dématérialisation ou encore la performance d'une identité autre (Wu Tsang, Rosalind Nashashibi et Lucy Skaer). L'exposition refuse ainsi une vision fataliste. En effet, les oeuvres, en reprenant le pouvoir, nous invitent à repenser notre rapport à l'art et à travers lui, au monde.

Avec : Saâdane Afif, Ketuta Alexi-Meskhishvili, Danai Anesiadou, Matthew Angelo Harrison, Olga Balema, Eric Baudelaire, Camille Blatrix, Michel Blazy, Katinka Bock, Peter Coffin, Delphine Coindet, Julien Creuzet, Abraham Cruzvillegas, Pauline Curnier Jardin, Trisha Donnelly, Vava Dudu, Michael E. Smith, Michaela Eichwald, Lydia Gifford, Petrit Halilaj, Yngve Holen, Max Hooper Schneider, Marguerite Humeau, Anne Imhof, KAYA (Kerstin Brätsch et Debo Eilers), Morag Keil, Ian Kiaer, Guillaume Leblon, Maggie Lee, Sam Lewitt, Rachel Maclean, Liz Magor, Helen Marten, Mélanie Matranga, Lucy McKenzie, Rosalind Nashashibi et Lucy Skaer, Shahryar Nashat, Reto Pulfer, Lili Reynaud Dewar, Rachel Rose, Cameron Rowland, Yorgos Sapountzis, Timur Si-Qin, Tatiana Trouvé, Wu Tsang, Raphaela Vogel, Erika Vogt, Anicka Yi.

Un catalogue de l'exposition sera publié aux éditions Paris Musées.

Commissaire : Anne Dressen

Vernissage de l'exposition "You - Oeuvres de la collection Lafayette Anticipations"
Rachel Maclean, Feed me, 2015
Video still, 1/6 +1AP
Collection Lafayette Anticipations
© Rachel Maclean

Vernissage de l'exposition "You - Oeuvres de la collection Lafayette Anticipations"
Maggie Lee, aa xxx, 2016
Collection Lafayette Anticipations
© Maggie Lee Courtesy of th artist and Édouard Montassut, Paris Photo @ Gina Folly

Vernissage de l'exposition "You - Oeuvres de la collection Lafayette Anticipations"
Helen Marten, Ludic Organs, 2011
Collection Lafayette Anticipations
© Helen Marten, courtesy of the artist and König Galerie Photo : © Marc Domage, FIAC 2011

Vernissage de l'exposition "You - Oeuvres de la collection Lafayette Anticipations"
Michael E. Smith, Untitled, 2012
Peau de poisson, chapeau de paille
Collection Lafayette Anticipations
© Courtesy Micheal E.Smith et KOW, Berlin Photo : Aurélien Mole

[18:00-21:30] Vernissage d'Alexandra Hedison "Here not here"
Location:
H Gallery
ex. Galerie Sisso
90, rue de la Folie-Méricourt
75011 Paris
M° Oberkampf, Parmentier, République, Goncourt
France
Phone : +33 (0)1 48 06 67 38
Mail : galerie@h-gallery.fr
Internet Site : www.h-gallery.fr
Description:
Exposition du 11 octobre 2019 au 23 novembre 2019
VERNISSAGE le jeudi 10 octobre 2019, de 18h à 21h30

Vernissage d'Alexandra Hedison "Here not here"
Alexandra Hedison - Untitled (Woodstock Road) - 2004 - impression jet d'encre sur papier de qualité muséale - 72 x 94 cm

[18:00-21:00] Vernissage d'Alexandre Benjamin Navet "Conversation, 2019"
Location:
Galerie Derouillon
38, rue Notre Dame de Nazareth
75003 Paris
M° Temple, République, Arts et Métiers, Strasbourg - Saint-Denis
France
Mobile : +33 (0)6 13 67 33 71
Mail : benjamin@galeriederouillon.com
Internet Site : www.galeriederouillon.com
Description:
Vernissage le jeudi 10 octobre 2019 de 18h à 21h
Exposition jusqu'au 16 novembre 2019

La Galerie Derouillon est heureuse de présenter "Conversation 2019", la seconde exposition personnelle d'Alexandre Benjamin Navet (b. 1986) à Paris.

Vernissage d'Alexandre Benjamin Navet "Conversation, 2019"
Conversation n°1, 2019
Bâton à l'huile sur toile, 160 x 120 cm

[18:00-21:00] Vernissage d'Anna Boghiguian "the Square, the Line and the Ruler"
Location:
Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts
ENSBA
14, rue Bonaparte
13, quai Malaquais
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés
France
Phone : +33 (0)1 47 03 50 00
Fax : +33 (0)1 47 03 50 80
Mail : info@ensba.fr
Internet Site : www.ensba.fr
Description:
Cour vitrée du Palais des études

11 octobre - 24 novembre 2019 (interruption du 4 au 12 novembre 2019)
du mercredi au dimanche (fermé lundi et mardi)
de 12h à 21h

Anna Boghiguian est l'artiste invitée du Festival d'Automne à Paris 2019. Dans la cour vitrée du Palais des études, elle présente deux jeux d'échecs monumentaux dessinés et produits pendant une résidence de plusieurs mois aux Beaux-Arts de Paris

Pour les Beaux-Arts de Paris Anna Boghiguian rapporte son intérêt pour la stratégie politique au plateau du jeu d'échec. Deux jeux complets sont placés de part et d'autre de la cour vitrée et opposent respectivement un groupe de soldats à des manifestants et une assemblée de penseurs aux hommes et femmes politiques qui ont eu pour ambition de mettre en œuvre leurs idées, bien souvent en les trahissant.
Le poète Tagore y croise Chávez, Gandhi, des derviches ou la reine Victoria. Les soixante-quatre pièces ont toutes été peintes sur papier, marouflées sur bois et suspendues à la verrière de la cour vitrée. Autour d'elles, tables et chaises sont mises à disposition de joueurs d'échecs amateurs ou confirmés, étudiants des Beaux-Arts de Paris ou professionnels rassemblés à l'occasion de tournois organisés par la Ligue d'Echecs d'Ile-de-France.

Commissariat d'exposition : Jean-Marc Prévost et Thierry Leviez

ANNA BOGHIGUIAN
Anna Boghiguian est née en 1946. D'origine arménienne, elle a fait ses études au Canada et vit au Caire. Au cours des dix dernières années de nombreuses expositions ont été consacrées à son travail, notamment à la Documenta de Cassel (2012), aux biennales de Venise (pavillon arménien, 2015), Istanbul (2015) et Sharjah (2018), à Castello di Rivoli à Turin (2017), au Musée der Moderne de Salzburg (2018), au New Museum de New York (2018) et à la Tate St Ives (2019).

Son travail est intimement lié à la littérature et Anna Boghiguian a notamment illustré des textes de Cavafy, Tagore ou Ungaretti. Le livre, comme format et comme narration, constitue la matrice de toute son œuvre. Depuis quelques années, elle a développé de grandes installations pour les musées, en utilisant l'histoire et la trame des relations géopolitiques comme sujets récurrents. À partir de dessins ou de peintures à l'encaustique sur papier, ces œuvres ramifiées et expansives ont pu atteindre des échelles imposantes comme au Carré d'art de Nîmes en 2016 où sa Promenade dans l'inconscient revenait sur le passé galloromain de la ville, ou à la Biennale d'Istanbul en 2015 où était mise en scène l'histoire commerciale du sel.

Les 1er, 2 et 3 novembre 2019 seront organisés des tournois de parties rapides d'échecs autour de l'exposition, ouverts à des joueurs de toutes générations confondues. Les tournois seront organisés en partenariat avec la Ligue d'Echecs d'Ile-de-France. En parallèle se tiendra une rencontre Elite Jeune Internationale.


L'exposition sera accompagnée d'un catalogue en français (100 pages, illustrations couleurs)

Vernissage d'Anna Boghiguian "the Square, the Line and the Ruler"

[18:00-22:00] Vernissage d'Etienne Yver "au clair de la lune"
Location:
Galerie POS art & design
49, rue d'Hauteville
75010 Paris
M° Bonne Nouvelle, Poissonnière, Château d'Eau
France
Mobile : +33 (0)6 61 13 04 54
Internet Site : www.posdesign.fr
Description:
du mercredi 09 au dimanche 20 octobre 2019
tous les jours de 13h30 à 20h

vernissage jeudi 10 octobre de 18h à 22h

Vernissage d'Etienne Yver "au clair de la lune"

[18:00-21:00] Vernissage d'Octave Courtin "Aires de son"
Location:
Mains d'Œuvres
Lieu pour l'imagination artistique et citoyenne
1, rue Charles Garnier
93400 Saint-Ouen
M° Garbaldi, Porte de Clignancourt
France
Phone : +33 (0)1 40 11 25 25
Fax : +33 (0)1 40 11 25 24
Mail : info@mainsdoeuvres.org
Internet Site : www.mainsdoeuvres.org
Description:
Vernissage jeudi 10 octobre à partir de 18h
Performances réalisées par Octave Courtin à l'occasion du vernissage

Finissage dimanche 17 novembre à partir de 15h
16h : performance "Les souffleurs", en collaboration avec Ludivine Large-Bessette et Mathieu Calmelet
17h : visite de l'exposition, rencontre avec la commissaire

Première exposition rétrospective d'Octave Courtin.
Aires de son, première exposition rétrospective et prospective d'Octave Courtin, présente l'intégralité de son travail par le biais d'un assemblage de partitions sonores
et sculpturales. L'artiste plasticien-sonore place à Mains d'OEuvres la performance au cœur de son travail. Les surfaces sont délimitées par la présence physique des œuvres et se mêlent pour créer un ensemble d'instruments, activés par l'artiste ou par le visiteur. Les corps sont placés au centre de l'attention. Leurs mouvements dépendent du rythme cyclique et oscillatoire engendré. Des contemplations et des luttes s'engagent. La performance, le son, la sculpture deviennent ici perméables, comme interdépendants, connectés, résonnants. Si les formes plastiques sont à première vue fortes, par leur matérialité parfois sourde, parfois minimale, parfois absurde, les sons s'en échappant sont quant à eux présents d'une toute autre façon. Envahissants, vrombissants, et pourtant légers. Le contraste est fort et déterminant dans la réception des pièces. Il permet la composition et l'appréhension du temps.
Face à ces machines d'alchimiste, nos corps résonnent. Les sons des "Cloches" prennent vie et s'émancipent au sein d'une construction polyphonique. Tandis que "Capharnaüm et reflux" se maintient en vie grâce à une respiration étirée et haletante, qui rappelle au public ses instincts animistes. L'esthétique proposée n'est pas sans rappeler l'histoire récente de la musique minimaliste, également en lien avec la danse et les arts plastiques. D'attention il est bien question. D'attention à l'autre. D'attention à soi. Porter attention au temps, à la mesure, au rythme, aux sensations. Mais au-delà de ce respect reste une méfiance sous jacente, comme un certain besoin de domination - faire attention. Sous la caresse réciproque se cache la lutte et l'épuisement. La face cachée et éminemment politique de l'exposition et de l'ensemble de l'œuvre d'Octave Courtin peut apparaitre ci et là, à l'occasion de l'éclatement frénétique de 300 ballons de baudruches dans "Les Exutoires", ou au cours de la performance "Les Souffleurs" qui devient un combat dans lequel sont pris à parti le son, les objets et le temps. L'exposition personnelle d'Octave Courtin à Mains d'Œuvres du 10 octobre au 17 novembre 2019 fait suite à celles d'Éléonore Saintagnan, de Gregory Buchert, de Judith Deschamps, de Camille Girard et Paul Brunet, de Théodora Barat et d'Elsa Parra & Johanna Benaïnous, programmées à Mains d'OEuvres, de 2014 à 2019.

À partir du protocole de départ : présenter l'ensemble des œuvres déjà réalisées, produire spécifiquement une ou plusieurs créations et dévoiler les expérimentations en cours, les artistes se saisissent de l'occasion pour articuler un jeu de regards entre leurs œuvres fondatrices et un décor conçu de manière contextuelle.

Octave Courtin
Plasticien et artiste sonore, Octave Courtin vit et travaille à Paris.
Son travail se déploie au travers de performances et d'installations. Si le son peut être perçu comme fil conducteur, il conserve des enjeux éminemment plastiques. Son processus créatif passe souvent par la fabrication d'objets sonores dérivés d'instruments de musique ou par l'utilisation et la transformation d'objets manufacturés pour leurs qualités acoustiques.
Il est sélectionné pour le printemps 2018 au 63e salon de Montrouge et à la 12e Biennale de la jeune création de Houilles, et est artiste résident à Mains d'Œuvres, à Saint-Ouen, sur l'ensemble de l'année 2018, ce qui lui permet d'être lauréat du Fonds Régional pour les Talents Émergents (FoRTE). Il côtoie le milieu chorégraphique notamment par le biais de collaborations avec le chorégraphe Pierre-Benjamin Nantel, ils sont entre autres lauréats du parcours Tridanse 2019.

Commissariat : Ann Stouvenel

L'exposition personnelle d'Octave Courtin à Mains d'Œuvres du 10 octobre au 17 novembre 2019 fait suite à celles d'Éléonore Saintagnan, de Gregory Buchert, de Judith Deschamps, de Camille Girard et Paul Brunet, de Théodora Barat et d'Elsa Parra & Johanna Benaïnous, programmées à Mains d'Œuvres, de 2014 à 2019.
À partir du protocole de départ : présenter l'ensemble des œuvres déjà réalisées, produire spécifiquement une ou plusieurs créations et dévoiler les expérimentations en cours, les artistes se saisissent de l'occasion pour articuler un jeu de regards entre leurs œuvres fondatrices et un décor conçu de manière contextuelle.

Exposition réalisée en collaboration avec
la Crypte d'Orsay, centre d'art - Commissariat : Rémy Albert

Avec le soutien du
Conseil régional d'Île-de-France, bourse FoRTE (Fonds régional pour les Talents Émergents).

https://www.octavecourtin.com

Vernissage d'Octave Courtin "Aires de son"

[18:00-21:00] Vernissage de Brodbeck & de Barbuat "Fragments d'éternité"
Location:
Galerie Claudine Papillon
13, rue Chapon
Code immeuble : 8719
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 40 29 07 20
Fax : +33 (0)1 40 29 07 90
Mail : contact@galeriepapillonparis.com
Internet Site : www.claudinepapillon.com
Description:
Fragments d'éternité

Pour leur première exposition personnelle à la galerie, Simon Brodbeck et Lucie de Barbuat nous emmènent au coeur d'In search of Eternity initiée lors de leur résidence à la Villa Médicis

"Les artistes-photographes-filmeurs me montrent des images transitoires, ralenties, ou certaines encore floues ; des détails, des fragments, des passages du temps.[...] Puis, je regarde un film, tourné au Japon, In Search of Eternity II. À la recherche de l'éternité, donc, comme d'autres sont allés à la recherche du miracle : un défi pour exister encore, peut-être".
Léa Bismuth (septembre 2019, extrait)

Exposition du 11 octobre au 23 novembre 2019

Vernissage de Brodbeck & de Barbuat "Fragments d'éternité"

[18:00-21:00] Vernissage de Jean-Pierre Morand "VOILA !"
Location:
Galerie ICI
Jean-Pierre Morand
19, rue des Filles du Calvaire
75003 Paris
M° Filles du Calvaire
France
Mobile : +33 (0)6 84 64 90 33
Mail : galerieici@gmail.com
Description:
jusqu'au 2 novembre 2019
du jeudi au samedi de 14h à 19h

Vernissage de Jean-Pierre Morand "VOILA !"
Vernissage de Jean-Pierre Morand "VOILA !"

[18:00-21:00] Vernissage de Jérôme Pierre "Les feuilles de l'être"
Location:
Le K.A.B
Square des Batignolles
Place Charles Fillon
75017 Paris
M° Gare SNCF Pont Cardinet, Brochant, Rome, Malesherbes
France
Mail : k.a.b@free.fr
Internet Site : kabatignolles.wixsite.com/arts
Description:
Installation in situ

Exposition du 10 au 27 octobre 2019
Vernissage le jeudi 10 octobre à 18h

Commissaires d'exposition : Nathalie Borowski & Hubert Rivey

La genèse du projet :
Dans un puzzle les pièces sont liées entre elles par le motif et en quelque sorte, finaliser sa reconstruction est identique au démêlage d'une pelote de nœuds. Le fil qui date de -30000 ans avant JC et qui est omniprésent dans nos vies, (du cheveux aux tissus ou dans nos communications sans fil) est un éléments archétypal structurant et possède une forte symbolique. L'analyse de tous ces éléments amène alors à un réseau de pièces dans lequel je procède par rebonds.

Après avoir posé et finalisé conceptuellement cette pièce, un nouveau champ de réflexion s'est ouvert sur le cycle de l'arbre et par analogie à la mémoire.
Les feuilles d'arbres reliées aux branches, chutent à l'automne et rompent leurs liens pour la continuité du cycle. Lorsque les feuilles tombent à l'automne, elles entrent dans une autre phase de la vie de l'arbre et de son renouvellement. Elles se métamorphosent en terre et nourrissent tout un écosystème jusqu'à nourrir l'arbre qui les a fait naître. En représentant par des fils, les liens entre les feuilles et les branches, c'est l'interruption du cycle qui apparaît et la feuille devient en tant que mémoire un poids pour l'arbre.
En imaginant répéter cette action à chaque saison, l'arbre serait mis en péril et ploierait sous le poids de ses souvenirs.

A propos de l'artiste :
Né en 1979, plasticien depuis 2009.
Vie entre paris et la bretagne (Plouha)
Travaux aux frontières de la philosophie et du design.
Sujets sous jacent à l'oeuvre : La relation entre l'efficience et le hasard, la géométrie, les pavages, les relations homme-machine, l'economie et la prospective...

Vernissage de Jérôme Pierre "Les feuilles de l'être"

[18:00-22:00] Vernissage de Konny Steding "NO WAVE"
Location:
Galerie de la Clé
23, rue Michel Le Comte
75003 Paris
M° Rambuteau
France
Mail : info@galeriedelacle.com
Internet Site : www.galeriedelacle.com
Description:
Vernissage Jeudi 10 Octobre de 18h à 22h
Exposition du 10 au 31 Octobre 2019

Enfant terrible du street art et figure incontournable de la contre-culture artistique, Konny Steding sévit inlassablement sur les murs Parisiens depuis maintenant une vingtaine d'années.

Portée par un idéalisme Punk teinté de nihilisme contemporain, Konny aime brouiller les pistes en confrontant la vivacité du rock et la sensualité de ses figures féminines à la rugosité de la rue. Ses personnages aux regards figés observent ouvertement les passants tout en s'exposant sans concessions à ces derniers. Chaque oeuvre porte en elle un message au poids éloquent et subversif.

L'exposition NO WAVE qui se tiendra à la Galerie de la Clé du 10 au 31 Octobre 2019 explorera l'univers de l'artiste Allemande à travers un accrochage rassemblant ses pièces les plus récentes mêlant peintures sur toiles, affiches et lithographies originales.

Vernissage de Konny Steding "NO WAVE"
Burning Wall, 2019

[18:00-21:00] Vernissage de Sebastian Riemer "réversibilité photographique"
Location:
Galerie Dix9
19, rue des Filles du Calvaire
75003 Paris
M° Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 78 91 77
Fax : +33 (0)1 42 78 91 77
Mail : info@galeriedix9.com
Internet Site : www.galeriedix9.com
Description:
11.10 - 16.11.2019
Vernissage jeudi 10 octobre // 18h - 21h

Pour sa troisième exposition personnelle à la Galerie Dix9, Sebastian Riemer questionne des objets photographiques résultant de techniques aujourd'hui obsolètes, tels que des diapositives ou des tirages en noir et blanc repeints à la main. A la fois analytique et empathique, sa démarche introduit ces objets du XXeme siècle dans le temps présent. En soulignant leurs qualités esthétiques et poétiques à travers l'idée de «ruines photographiques» ou même de «photographies photogéniques», Riemer ouvre une nouvelle dimension dans l'usage de la photographie.

Vernissage de Sebastian Riemer "réversibilité photographique"
MONDRIAN, PIET 1872-1944 PAINTING NO. I 24 MODERN PAINTING 1921 SKIRA VOL 3 P
C-Print, 180x180cm, 2019

[18:00-21:00] Vernissage de Shiori Eda "Uni-Vers"
Location:
A2Z Art Gallery
24, rue de l'Echaudé
75006 Paris
M° Mabillon, Saint-Germain-des-Prés
France
Phone : +33 (0)1 56 24 88 88
Mobile : +33 (0)6 74 76 85 29
Internet Site : www.a2z-art.com
Description:
10 octobre - 9 novembre 2019

A2Z Art Gallery est fière et heureuse de présenter « Uni-Vers », la troisième exposition personnelle de l'artiste japonaise Shiori Eda, née en 1983 à Tokyo.

En continuant de nous plonger dans la peinture de paysage, dans laquelle de petites femmes nues sont mises en scène au sein d'une Nature en mouvement, Shiori Eda souhaite questionner la dialectique ancestrale entre l'Un et le Tout, entre l'Homme et la Terre, entre l'Homme et l'Univers.

Chaque être de vie, qu'il soit minéral, végétal ou animal, vit une ou plusieurs connexions avec l'autre dans l'immensité du Tout qu'est l'Univers. Une dynamique régit alors la relation entre ces diverses entités oscillant entre le calme reposant et l'énergie mouvementée.

Qu'il soit macroscopique ou microscopique, l'Univers existe dans notre conscience et notre inconscience. Tantôt il nous écrase tantôt il nous magnifie en soulignant notre petitesse dans l'ordre cosmique des choses.

« L'Homme est un monde en miniature. En lui se retrouvent les quatre éléments : de la terre, il tire sa chair ; de l'eau, son sang ; de l'air, son souffle ; du feu, sa chaleur. »

Marie-Madeleine Davy (historienne et philosophe française)

Ces quatre éléments se retrouvent dans les peintures à l'huile de Shiori Eda. Une femme s'assoit sur une île à côté d'un feu géant. Une autre tombe dans un ciel nuageux et subit les lois de la gravité. Une autre femme se tient debout au sommet d'une montagne immergée dans l'eau pour contempler l'horizon.

À travers cette exposition de peintures, Shiori Eda nous invite à nous mettre en quête et à (re)définir, de manière omnisciente, les visions anthropologiques, métaphysiques, philosophiques et religieuses d'un dialogue atemporel et universel dans lequel toute l'Humanité est connectée dans sa dynamique, son évolution et sa finalité. Alors, chacun d'entre nous est amené à s'écouter, se rassembler, et s'unir pour percevoir l'Uni-Vers.

A. & A.

Vernissage de Shiori Eda "Uni-Vers"
Shiori Eda, Spaceship, 2019
Huile sur toile, 298.5 x 150 cm

Vernissage de Shiori Eda "Uni-Vers"
Shiori Eda, Lettre de la terre 2 (détail)
huile sur papier japonais marouflé sur panneau de bois, 60 x 60 cm, 2019

[18:00-21:00] Vernissage de Vermibus "H U M A N"
Location:
Le cabinet d'amateur
12, rue de la Forge Royale
75011 Paris
M° Faidherbe - Chaligny, Ledru-Rollin, Charonne
France
Phone : +33 (0)1 43 48 14 06
Mail : contact@lecabinetdamateur.com
Internet Site : www.lecabinetdamateur.com
Description:
Vernissage le jeudi 10 octobre à partir de 18 heures
Exposition du jeudi 10 au dimanche 20 octobre 2019

Après « Llanto del alma » en 2016 et « Absences » en 2018, Vermibus vous invite à sa troisième exposition personnelle au cabinet d'amateur.

L'utilisation de solvants et le hijacking (détournement) d'images sont les clés de voûte de la démarche unique de Vermibus depuis 2011. Et il est bien ici question de clés puisqu'en 2013, dans le cadre de son projet Dissolving Europe, l'artiste se constitue un trousseau composé de divers outils permettant d'ouvrir les panneaux publicitaires sous verre. En 18 jours, il frappe massivement et de façon totalement illégale d'abord Berlin puis Amsterdam, Bruxelles, Paris, Milan, Vienne et pour finir Prague en réalisant une centaine d'interventions. S'emparant de posters, il les réinsère dans leur contexte d'origine en les retravaillant de façon improvisée au cours de son voyage, ou laisse les emplacements vides. Les œuvres surprenantes et anxiogènes sont obtenues après frottage, grattage et manipulation des couleurs. S'attaquant littéralement au vernis de la mode, l'ex-photographe, dégoûté d'un milieu d'où il a démissionné fin 2010, défigure les icônes glamour à l'instar de Kate Moss. Dénonçant la déshumanisation de l'homme et de la femme orchestrée par les annonceurs, Vermibus répond par l'acide, remettant sans cesse en question l'hégémonie de la beauté artificielle. Le choix de son pseudonyme témoigne de son approche : le terme espagnol « cadaver » provient d'une locution latine CAro DAta VERmibus (signifiant « chair donnée en pâture aux vers »). Les processus de transformation appliqués aux images des modèles (maquillage, effet de lumière, retouches photo, etc.) leur retirent toute personnalité, au bénéfice des marques qui les métamorphose en appâts.

A ses débuts, l'artiste espagnol utilise diverses mixtures nocives qu'il trouve dans le commerce. Ignorant alors quasiment tout de leurs ingrédients, il ne peut anticiper le rendu résultant des réactions avec tel ou tel type de papier. Leur composition initiale, si elle est un bon point de départ, mérite au fil du temps d'être adaptée plus spécifiquement à son processus créatif. L'artiste a donc eu à cœur de développer un solvant répondant à ses prérequis esthétiques, techniques et idéologiques. Ses composants chimiques élaborés en laboratoire sont les plus purs et de la plus haute qualité que l'on puisse trouver. Leur toxicité réduite lui permet désormais de mieux maîtriser l'alchimie entre les matières, en fonction de ses besoins.

Cette exposition présente une vingtaine d'œuvres originales réalisées sur papier avec ce nouveau solvant dont Vermibus a le secret. Reflets de son champ d'inspiration de prédilection, les créations de taille moyenne proviennent d'affiches publicitaires et les plus petites d'ouvrages de photographie et de mode, incluant des figures humaines mais pas seulement.

Vermibus : « L'emploi du mot H U M A N est pour moi une manière d'appréhender certains conflits intérieurs, des choses que nous portons en nous, que nous ne comprenons pas vraiment mais qui sont liées intrinsèquement à notre personnalité. Les pièces de cette exposition reflètent ces choses de façon visuelle et partielle ; qu'elles soient positives ou négatives, elles sont communes à tous les êtres humains».

En s'attaquant au monde asphyxiant des fashion victims l'artiste tente peut-être de faire ressortir le ver du fruit... Ces (dé)compositions systématiques tiraillent le spectateur entre répulsion et fascination, transformant les multiples représentations mercantiles de la beauté en une armée de figures à la cosmétique déstructurée.

Chrixcel

Vernissage de Vermibus "H U M A N"

Vernissage de Vermibus "H U M A N"

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Charles Pollock"
Location:
Galerie ETC
28, rue Saint-Claude
75003 Paris
France
Mobile : +33 (0)6 72 86 41 49
Mail : contact@galerie-etc.com
Internet Site : www.galerie-etc.com
Description:
Exposition du 11 octobre au 1er décembre 2019
Vernissage le 10 octobre 2019 (18h-21h)

La galerie ETC a l'honneur de présenter l'œuvre de Charles Pollock, pour la première fois à Paris.

Né en 1902, à Denver, dans le Colorado. Aîné d'une fratrie de cinq enfants, Charles s'intéresse très tôt au travail de Rivera et Orozco, des peintres muralistes mexicains. En 1926, il quitte Los Angeles pour New York, où Jackson, son plus jeune frère, le rejoint quelques années plus tard. Ils suivent ensemble l'enseignement de Thomas Hart Benton à l'Art Students League. De 1950 et la fin des années 1960, il enseigne la calligraphie, la gravure et le graphisme au Michigan State College. Dès 1954, l'œuvre de Charles Pollock oscille entre un certain lyrisme et une abstraction colorée proche du Color Field.

En 1971, il s'installe, avec son épouse et sa fille, à Paris, où il passe les dix-sept dernières années de sa vie et meurt, le 8 mai 1988.

D'abord passionné par la calligraphie, qu'il a enseignée toute sa vie, il puise son inspiration dans cette discipline, où il affirme son goût pour les symboles cosmiques et les signes hermétiques dont il parsème ses toiles. Puis les formes prennent leur envol, la couleur se fait profonde et dense avant de rejaillir, éclatante et poétique.

Reconnues sur la scène internationale grâce à une rétrospective au Guggenheim de Venise en 2015, ces œuvres des années 1960 sont présentées, pour la première fois à Paris, dans le cadre d'une exposition individuelle à la galerie ETC, en étroite collaboration avec les Charles Pollock Archives, dirigées par Sylvia et Francesca Pollock, la veuve et la fille de l'artiste.

Un catalogue d'exposition avec un texte de Maurice Benhamou est publié par la galerie à cette occasion.

Vernissage de l'exposition "Charles Pollock"

Vernissage de l'exposition "Charles Pollock"
Rome One, huile sur toile, 155x130 cm, 1962 © Charles Pollock Archives

Vernissage de l'exposition "Charles Pollock"
Study #3 for Rome series, 1963, fusain sur papier Fabriano © Charles Pollock Archives

Vernissage de l'exposition "Charles Pollock"
Untitled [Last Drawings #11], 1983. Encre de Chine sur Arches © Charles Pollock Archives, 2

Vernissage de l'exposition "Charles Pollock"
Arches Paintings II, 20, 1981 © Charles Pollock Archives

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Felicità 2019"
Location:
Palais des Beaux-Arts de Paris
Salle Melpomène
13, quai Malaquais
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés
France
Phone : +33 (0)1 47 03 50 83
Internet Site : palaisdesbeauxarts.tumblr.com
Description:
11 octobre - 10 novembre 2019
du mercredi au dimanche (fermé lundi et mardi) de 12h à 21h

L'automne est un rendez-vous incontournable de l'art à Paris - la FIAC, les musées, galeries et fondations participent à cette effervescence. Il ne peut y avoir meilleure occasion pour présenter les œuvres des talents des écoles d'art. Les Beaux-Arts de Paris y prendront part et ont souhaité convier une école d'art à partager ce moment intense.

Pour la première fois, Felicità réunira les diplômés des Beaux-Arts de Paris et des Beaux-Arts de Nantes, soit une quarantaine de jeunes artistes ayant obtenu les félicitations des jurys professionnels. L'exposition sera développée dans tous les espaces du Palais des Beaux-Arts et offrira ainsi un large aperçu de la création contemporaine telle que se la représente une jeune génération d'artistes.

38 artistes seront présentés : 23 félicités 2018 des Beaux-Arts de Paris et 15 félicités 2019 des Beaux-Arts de Nantes.

LES FÉLICITÉS 2018 DES BEAUX-ARTS DE PARIS
Parmi les 70 étudiants diplômés, 23 ont obtenu les félicitations du jury, présidé par Dominique Radrizzani et composé de Samuel Richardot, Mathilde Villeneuve et Virginie Yassef.
Les artistes présentés sont : Laurène Barnel, Olivier Bemer, Jules Bernagaud, Emma Boccanfuso, Kamil Bouzoubaa-Grivel, Matthieu Brion & Gabriel Gauthier, Agathe Dos Santos, Flore Eckmann, Savana Elahcene, Yoann Estevenin, Tessa Gustin, Agata Ingarden, Shengqi Kong, Maïlys Lamotte-Paulet, Karen Luong, Juliette Minchin, Joseph Perez, Nicolas Rodriguez-Sol, Camille Sauer, Estelle Schorpp, Lévana Schütz, Anna Zoria

Jury 2018 : Dominique Radrizzani est historien de l'art, commissaire et directeur artistique de BDFIL (Festival international de bande dessinée de Lausanne). Virginie Yassef et Samue l Richardot sont tous les deux artistes et Mathilde Villeneuve est critique d'art et commissaire d'exposition indépendante.

LES FÉLICITÉS 2019 DES BEAUX-ARTS DE NANTES
Parmi les 44 étudiants diplômés, 15 ont obtenu les félicitations : Clélia Berthier, Meg Boury, François Briand, Lou Chenivesse, Léa Desmousseaux, Paul Garcin, Maxime Juin, Martha-Maria Le Bars, Chloé Malaise, Louise Masson, Alice Martin, Matthieu Blake, Simon Rolland, Zhitong Yu, Eugénie Zély.

Ces félicités sont répartis au sein de 4 parcours, chaque parcours étant évalué par un jury distinct composé de 4 professionnels du monde de l'art.


L'exposition est accompagnée d'un catalogue en français (162 pages)
Préface de Jean de Loisy et Rozenn Le Merrer.
Notices de Charlotte Cosson et Emmanuelle Luciani, Anaïd Demir, Ingrid Luquet-Gad, Makis Malafekas, Camille Paulhan, Elisa Rigoulet, Anne-Lou Vicente et Pauline Weber.

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Hans Hartung - La fabrique du geste"
Location:
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
ARC
11, avenue du Président Wilson
75116 Paris
M° Iéna, Alma - Marceau
France
Phone : +33 (0)1 53 67 40 00
Internet Site : www.mam.paris.fr
Description:
Du 11 octobre 2019 au 01 mars 2020

À l'occasion de sa réouverture après d'ambitieux travaux de rénovation, le Musée d'Art Moderne présente une rétrospective du peintre Hans Hartung (1904-1989).

La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu'il mérite. L'exposition porte un nouveau regard sur l'ensemble de l'oeuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l'histoire de l'art. Hans Hartung fut un précurseur de l'une des inventions artistiques les plus marquantes de son temps : l'abstraction.

Acteur d'un siècle de peinture, qu'il traverse avec une soif de liberté à la mesure des phénomènes qui viennent l'entraver - de la montée du fascisme dans son pays d'origine l'Allemagne à la précarité de l'après-guerre en France et à ses conséquences physiques et morales - jamais, il ne cessera de peindre.

Le parcours de la rétrospective comprend une sélection resserrée d'environ trois cent oeuvres, provenant de collections publiques et particulières françaises et internationales et pour une grande part de la Fondation Hartung-Bergman. Cet hommage fait suite à l'acquisition du musée en 2017 d'un ensemble de quatre oeuvres de l'artiste.

L'exposition donne à voir la grande diversité des supports, la richesse des innovations techniques et la panoplie d'outils utilisés durant six décennies de production. Hans Hartung, qui place l'expérimentation au coeur de son travail, incarne aussi une modernité sans compromis, à la dimension conceptuelle. Les essais sur la couleur et le format érigés en méthode rigoureuse d'atelier, le cadrage, la photographie, l'agrandissement, la répétition, et plus surprenant encore, la reproduction à l'identique de nombre de ses oeuvres, sont autant de recherches menées sur l'original et l'authentique, qui résonnent aujourd'hui dans toute leur contemporanéité. Hans Hartung a ouvert la voie à certains de ses congénères, à l'instar de Pierre Soulages qui a toujours admis cette filiation.

L'exposition est construite comme une succession de séquences chronologiques sous la forme de quatre sections principales. Composée non seulement de peintures, elle comprend également des photographies, témoignant de cette pratique qui a accompagné l'ensemble de sa recherche artistique. Des ensembles d'oeuvres graphiques, des éditions limitées illustrées, des expérimentations sur céramique, ainsi qu'une sélection de galets peints complètent la présentation et retracent son itinéraire singulier.

Afin de mettre en relief le parcours d'Hans Hartung, en même temps que son rapport à l'histoire de son temps, cette exposition propose des documents d'archives, livres, correspondances, carnets, esquisses, journal de jeunesse, catalogues, cartons d'invitations, affiches, photographies, films documentaires, etc.

Figure incontournable de l'abstraction au XXe siècle, Hans Hartung ne se laisse pas pour autant circonscrire dans ce rôle de précurseur historique, car sa vision d'un art tourné vers l'avenir, vers le progrès humain et technologique, vient nous questionner aujourd'hui encore. Le parcours met en tension et en dialogue ces deux aspects complémentaires qui constituent le fil rouge de cette exposition.

Un catalogue comprenant une quinzaine d'essais et une anthologie de textes est publié aux Éditions Paris Musées.

Commissaire : Odile Burluraux
Assistante : Julie Sissia

Vernissage de l'exposition "Hans Hartung - La fabrique du geste"
Hans Hartung, T1973-E12, 1973 (détail)
Acrylique sur toile, 154 x 250 cm
Fondation Gandur pour l'Art, Genève © Fondation Gandur pour l'Art, Genève © ADAGP, Paris, 2019 Photo : Sandra Pointet

Vernissage de l'exposition "Hans Hartung - La fabrique du geste"
Hans Hartung, Sans titre, 1955
Encre sur papier
18.9 x 12.2 cm
Fondation Hartung-Bergman, Antibes

Vernissage de l'exposition "Hans Hartung - La fabrique du geste"
Hans Hartung, T1966-K40, 1966
Peinture vinylique sur toile
38 x 61 cm
Fondation Hartung Bergman, Antibes

Vernissage de l'exposition "Hans Hartung - La fabrique du geste"
Hans Hartung, Sans titre, 1935
Aquarelle sur papier
47 x 61.3 cm
Fondation Hartung-Bergman, Antibes

Vernissage de l'exposition "Hans Hartung - La fabrique du geste"
Hans Hartung, Autoportrait, 1966
Épreuve gélatino-argentique
59 x 49 cm
Fondation Hartung-Bergman, Antibes

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Peng Wan Ts - Regards"
Location:
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
ARC
11, avenue du Président Wilson
75116 Paris
M° Iéna, Alma - Marceau
France
Phone : +33 (0)1 53 67 40 00
Internet Site : www.mam.paris.fr
Description:
Du 11 octobre 2019 au 09 février 2020

Dans le parcours des collections, le Musée d'Art Moderne de Paris consacre une exposition à Peng Wan Ts, pour les quatre-vingts ans de l'artiste et à l'occasion du don de ce dernier au musée de l'une de ses plus importantes compositions Le Banquet (1981-2006).

Artiste né dans le Sichuan en 1939 et formé à Taïwan, où il arrive alors qu'il est encore enfant, Peng Wan Ts y observe les formes les plus récentes de l'art occidental avant de s'installer en France en 1965. Quatre ans auparavant, la Biennale de Paris présentait pour la première fois son œuvre au public parisien. C'est là l'origine d'un intense lien d'affection qui s'est renforcé au gré des rencontres. Paris, dans les années 1960, demeure en effet la ville où convergent les artistes, de Zao Wou-Ki avec lequel s'amorce un long compagnonnage indépendant des choix esthétiques de l'un et de l'autre, aux nombreux amis français avec lesquels il n'a cessé de dialoguer.

Peng Wan Ts a choisi d'offrir au Musée d'Art Moderne de Paris une peinture qu'il mit plus de vingt ans à composer, précédée de nombreuses esquisses : Le Banquet (1981-2006), œuvre complexe et savante, pourrait se comparer à une moderne comédie humaine dans laquelle la finesse des détails et l'harmonie chromatique contrebalancent l'acidité perçue. Portant la marque de Georg Grosz ou de Stanley Spencer, ses œuvres n'ont cessé d'emprunter à des sources plus anciennes, tant européennes qu'asiatiques. Son travail témoigne d'un intérêt presque obsessionnel pour la figure humaine. Par la violence contenue de ses peintures et dessins, Peng Wan Ts se tient toujours à la lisière de la critique sociale et politique, ayant été intimement touché par la dureté des temps. Autour de ce don d'une générosité extrême, l'artiste a choisi de présenter un ensemble d'œuvres composant les jalons d'un art profondément singulier, traversant les débats de la scène parisienne que Peng Wan Ts observait en philosophe.

Commissaire: François Michaud

Les Editions Cinq Continents font paraître un ouvrage sur Peng Wan Ts publié à l'occasion de l'exposition (25 €)

Vernissage de l'exposition "Peng Wan Ts - Regards"
Peng Wan Ts, Le Banquet, 1981-2006
huile sur toile
130 x 162 cm
© Musée d'Art Moderne de Paris Don de l'artiste, 2018 Photo Philippe Wang

[18:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Sarah Kaliski - Quel est ton nom, petite ?"
Location:
Galerie Loeve&Co
15, rue des Beaux-Arts
75006 Paris
France
Internet Site : www.loeveandco.com
Description:
jusqu'au 16 novembre
vernissage le 10 octobre 2019 à partir de 18h30, en présence du fils de l'artiste, le comédien Jonathan Zaccaï

Après un premier semestre riche en (re)découvertes, nous avons le plaisir de vous annoncer notre nouvelle exposition :
- Quel est ton nom, petite ? - Sarah Kaliski

dont le titre renvoie à celui de son « roman graphique » publié en facsimilé aux Éditions Fata Morgana en 2005 : Quel est ton nom petit ? Louis-Ferdinand Céline.

L'œuvre de cette artiste belge d'origine polonaise, marquée par les drames du nazisme, est irriguée à la fois par la souffrance et la jouissance, l'exubérance et la radicalité.
Neuf ans après sa disparition, nous sommes particulièrement heureux de vous présenter une vingtaine de ses œuvres, dont la force graphique et littéraire, la fragilité assumée, et surtout la liberté sauvage, apparaissent très actuelles.

L'exposition sera visible dès le jeudi 3 octobre, jusqu'au 16 novembre, et nous vous proposons de nous retrouver le jeudi 10 octobre à partir de 18h30, pour un vernissage en présence du fils de l'artiste, Jonathan Zaccaï.

Vernissage de l'exposition "Sarah Kaliski - Quel est ton nom, petite ?"

[18:00-23:00] Vernissage de l'exposition "Tapis !"
Location:
Villa Belleville
Résidence de Paris Belleville
23, rue Ramponeau
75020 Paris
M° Belleville, Couronnes
France
Mail : contact@villabelleville.org
Internet Site : www.villabelleville.org
Description:
Du 10/10/2019 au 17/10/2019.
Dans le cadre des Journées de l'artisanat à Belleville, la Villa Belleville - Résidences Paris Belleville propose une exposition de tapis créés par les artistes anciens résidents ou usagers des ateliers techniques de Villa Belleville

Sur une proposition d'Orphée Salvy et en collaboration avec la marque Djebelli
Vernissage le 10 octobre de 18h à 23h
Ouverture de l'exposition tous les jours de 14h à 18h

Artistes exposants:
Maximilien Pellet, Mehdi Ocre, Louis Gary, Lola Mercier, Elvire Caillon, Pierre Dusaussoy, Isbl Mju, Maxime Testu, Helene Labadie, Angèle Guerre, Eloïse Le Gallo, Lucas Ribeyron, Marina Vandra, Julia Borderie, Julie Michelin, Quentin Vuong, Lecomte Stéphane, Charlotte Gautier Van Tour

Vernissage de l'exposition "Tapis !"

[18:30-20:30] Soirée de lancement du calendrier des Dieux du Stade 2020
Location:
Galeries Lafayette Champs-Elysées
52/60, avenue des Champs-Elysées
75008 Paris
M° Franklin D. Roosevelt, George V
France
Internet Site : www.galerieslafayettechampselysees.com
Description:
L'édition 2020 du calendrier des Dieux du Stade est disponible depuis le 3 octobre 2019. Une grande soirée de lancement a été organisée une semaine plus tard aux Galeries Lafayette des Champs-Élysées, pour le plus grand plaisir des fans. Le photographe Pierre-Ange Carlotti, ainsi que huit des Dieux du Stade étaient présents.
Une soirée en excellente compagnie.

Rendez-vous avait été donné le jeudi 10 octobre 2019 à 18h30 aux Galeries Lafayette situées 60 avenue des Champs-Élysées, dans un corner du rez-de-chaussée. "Nous avons le plaisir de vous inviter au cocktail de lancement du calendrier des Dieux du Stade 2020 photographié par Pierre-Ange Carlotti. Venez découvrir la nouvelle édition en compagnie de certains joueurs présents pour l'occasion ", avait-il été publié sur la page Instagram des Dieux du Stade.

Habitués à être à l'heure avec les matchs et les séances d'entraînement, Pierre Fouyssac, Arthur Bonneval, Yoann Maestri, Clément Daguin, Ryan Chapuis, Jules Plisson (qui fait la couverture du calendrier) et Jean-Marc Doussain étaient bien là pour nous accueillir à 18h30. Seul Sylvain Nicolas, le jeune retraité de la bande (le joueur de 32 ans a annoncé sa retraite en juin dernier) est arrivé après les autres.

Heureux de passer la soirée ensemble et de dédicacer le nouveau calendrier, les rugbymen du Top 14 ont pris le temps de discuter avec les fans et les journalistes, de répondre aux questions, et de s'envoyer aussi quelques vannes.

De toutes les interviews accordées, il ressort une participation totalement assumée et une excellente entente des joueurs. Tous sont proches de Yoann Maestri, l'un des modèles du calendrier, qui a également géré la production artistique avec son frère Marco, avec qui il a fondé l'agence Yoann et Marco. Marco Maestri est également connu pour être le petit ami du styliste français en vogue Simon Porte Jacquemus. Ce dernier était d'ailleurs présent à la soirée de lancement du calendrier.

Les Dieux du Stade sont-ils pudiques ? Sont-ils en couple ? Qu'ont pensé leurs parents de leurs photos ? Ont-ils déjà envoyé des photos d'eux nus ? Vous le saurez très bientôt !

L'ÉDITION 2020, LE RETOUR AUX SOURCES
Avec cette nouvelle édition, c'est l'univers brut du rugby qui est mis en avant par le photographe Pierre-Ange Carlotti : le stade et son ambiance, des corps et des visages non retouchés.

D'ordinaire habitué à l'univers de la mode et à shooter des stars internationales comme Rihanna, Bella Hadid ou des Françaises comme Juliette Binoche et Adèle Exarchopoulos, Pierre-Ange Carlotti a réalisé un rêve de gosses en participant à l'édition 2020 du calendrier des Dieux du Stade.

Voici la liste complète des joueurs présents dans le calendrier : Clément Daguin, Frédérick Michalak, Sylvain Nicolas, Sofiane Guitoune, Baptiste Couilloud, Pierre-Louis Barassi, Kelian Galletier, Jean-Marc Doussain, Antoine Dupont, Pierre Fouyssac, Xavier Mignot, Jules Plisson, Yoann Maestri, Djibril Camara, Arthur Bonneval et Ryan Chapuis.

Soirée de lancement du calendrier des Dieux du Stade 2020

[18:30-21:00] Vernissage-performance de L'Atlas "LINES OF DIVERGENCE"
Location:
Galerie Brugier-Rigail
Art Partner Galerie
40, rue Volta
75003 Paris
M° Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 77 09 00
Mobile : +33 (0)6 99 42 10 50
Fax : +33 (0)1 42 77 09 00
Mail : contact@artpartnergalerie.com
Internet Site : www.artpartnergalerie.com
Description:
En octobre, venez vous perdre dans les visions labyrinthiques de L'Atlas, ces méandres bicolores qui constituent le cœur de sa nouvelle exposition, « Lines of divergence », accueillie par la Galerie Brugier-Rigail à partir du 10 octobre prochain. Œuvres inédites pour un évènement qui, de par son ampleur, l'est tout autant, performance et séance de signature de l'artiste : le mois à venir promet d'être riche en créativité. Vernissage le 10 octobre à partir de 18h.
Paris en octobre se fait le théâtre de la scène artistique contemporaine : expositions, foires et salons se liguent pour parer l'automne de magie et de couleurs - et la Galerie Brugier-Rigail ne manque pas de participer à la fête ! Nous serons ainsi présents sr deux évènements majeurs : URBAN ART FAIR Solo Show, du 15 au 20 octobre, avec un solo show consacré à JonOne, et Art Elysées, du 16 au 21 octobre. Sur ce salon, voisin de la FIAC, nous vous proposerons une exposition de prestige où se côtoieront des œuvres de Keith Haring, Basquiat, Nick Walker, JonOne et Speedy Graphito.

Vernissage-performance de L'Atlas "LINES OF DIVERGENCE"

Vernissage-performance de L'Atlas "LINES OF DIVERGENCE"
Surface, Ripple, Wave
Aérosol sur toile - 2019
150x200cm
Signée et titrée au dos

Vernissage-performance de L'Atlas "LINES OF DIVERGENCE"
Bent Out of shape II
Aérosol sur toile
155 x 135cm, 2019
Signée et titrée au dos

Vernissage-performance de L'Atlas "LINES OF DIVERGENCE"
Split duality II
Aérosol sur toile
160 x 100 cm, 2019
Signée et titrée au dos

Vernissage-performance de L'Atlas "LINES OF DIVERGENCE"
Sky dust
Aérosol sur toile
120 x 60 cm, 2019
Signée et titrée au dos

[18:30-21:00] Vernissage d'Anouk Rabot & Max Coulon "On a oublié la radio"
Location:
La Galerie du C.R.O.U.S. de Paris
11, rue des Beaux-Arts
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés, Odéon, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 43 54 10 99
Fax : +33 (0)1 43 54 10 99
Mail : galerie@crous-paris.fr
Internet Site : www.crous-paris.fr/article.asp?idcat=AABD
Description:
EXPOSITION // 10 au 19 octobre 2019
VERNISSAGE // jeudi 10 octobre de 18h à 21h

Un thé dansant, Ana épluche et mange des oranges, « ein echt gejagte falsche Vogel », le soleil se lève, un avion dans le ventre, des glaces à l'indécision, un groupe de rock joue sa dernière chanson, des cordes nouées, des statues de soldats recomposés jouent à la guerre ; à l'abris d'un mur de briques vert, on a oublié la radio.

Vernissage d'Anouk Rabot & Max Coulon "On a oublié la radio"

[18:30-21:00] Vernissage de Marc Bati "Trajectoire"
Location:
Galerie Barbier & Mathon
10, rue Choron
75009 Paris
M° Notre-Dame-de-Lorette, Saint-Georges, Cadet
France
Mobile : +33 (0)6 80 06 29 95
Mail : info@barbiermathon.com
Internet Site : www.barbiermathon.com
Description:
Du 11 octobre au 2 novembre

À l'occasion de l'exposition de Marc Bati qui aura lieu du 11 octobre au 2 novembre prochain, la galerie publie Trajectoire, catalogue de l'exposition et monographie de l'artiste en tirage limité à 175 exemplaires, accompagnés d'une digigraphie numérotée et signée.
Les planches originales de La nuit de l'étoile (Ed Aedena, 1986) y sont reproduites ainsi que des dessins originaux récents, témoignant de la puissance de son imagination et de son talent graphique.

Vernissage de Marc Bati "Trajectoire"

[18:30-21:00] Vernissage de Pierre-Luc Poujol "Between the lines #2"
Location:
Ida Médicis
9, rue de Médicis
75006 Paris
M° RER B Luxembourg, Odéon
France
Phone : +33 (0)1 42 01 27 49
Mail : contact@idamedicis.com
Description:
Du 9 octobre au 25 novembre 2019

Vernissage de Pierre-Luc Poujol "Between the lines #2"

Vernissage de Pierre-Luc Poujol "Between the lines #2"

Vernissage de Pierre-Luc Poujol "Between the lines #2"

[18:30-21:00] Vernissage de l'exposition "Les reflets de Laetitia Lesaffre"
Location:
Mairie du 9ème arrondissement
6, rue Drouot
75009 Paris
M° Richelieu - Drouot
France
Phone : +33 (0)1 71 37 75 09
Internet Site : mairie09.paris.fr
Description:
Dans le cadre de la 4e édition de l'exposition-événement
Objectif FEMMES 2019, qui met en lumière les photographes au féminin,

Delphine Bürkli
Maire du 9e arrondissement et Conseillère Régionale de Paris-Ile-de-France
&
Karine Paoli
Présidente de ParisArtistes# et d'Objectif FEMMES

ont le plaisir de vous convier au vernissage de l'exposition

« LES REFLETS DE LAETITIA LESAFFRE »
Photographe lauréate d'Objectif FEMMES 2018

Jeudi 10 octobre
à 18h30
Salons Aguado - Mairie du 9e

Laetitia Lesaffre est peintre laqueur et photographe. Son travail explore le reflet. Elle photographie ses sujets en reflet dans ses laques. Dans la droite ligne du courant pictorialiste, elle cherche à dissoudre la frontière entre peinture et photographie.

Vernissage de l'exposition "Les reflets de Laetitia Lesaffre"

[18:30-21:00] Vernissage de l'exposition "Max Touret"
Location:
Mairie du 5ème arrondissement
21, place du Panthéon
75005 Paris
M° RER B Luxembourg
France
Phone : +33 (0)1 56 81 75 05
Internet Site : www.mairie5.paris.fr
Description:
Exposition du 9 au 30 octobre 2019
Lundi au vendredi 10h-18h, jeudi 10h-19h30,
samedi 10h-13h, fermé le dimanche
Vernissage le jeudi 10 octobre 2019 à 18h30

Vernissage de l'exposition "Max Touret"
Vernissage de l'exposition "Max Touret"











[19:00-22:00] Launch Party Avnier x Saint James
Location:
Centre Commercial
2, rue de Marseille
75010 Paris
M° Jacques Bonsergent, République
France
Phone : +33 (0)1 42 02 26 08
Mail : contact@centrecommercial.cc
Internet Site : www.centrecommercial.cc
Description:
Launch Party Avnier x Saint James

[19:00-21:00] Vernissage "La collection Weisman & Michel, Fin de siècle - Belle époque"
Location:
Musée de Montmartre
12, rue Cortot
75018 Paris
M° Lamarck - Caulaincourt, Abbesses, Anvers, Château Rouge
France
Phone : +33 (0)1 49 25 89 37
Fax : +33 (0)1 46 06 30 75
Mail : infos@museedemontmartre.fr
Internet Site : www.museedemontmartre.fr
Description:
La collection Weisman & Michel, Fin de siècle - Belle époque (1880-1916)

11 octobre 2019 au 19 janvier 2020

Le Musée de Montmartre donne à voir pour la première fois dans sa totalité l'importante Collection de David E. Weisman et Jacqueline E. Michel. Un ensemble unique et rare qui comporte 130 pièces (dessins, peintures, aquarelles, pastels, affiches et lithographies) réalisées par les artistes, qui par leur art, ont offert à Montmartre sa réputation universelle.

En concentrant leur choix sur la période de la fin du 19e et le début du 20e siècle (1880-1914), les collectionneurs américains David E. Weisman et Jacqueline E. Michel dressent avec ce corpus le portrait d'un Montmartre éclectique où triomphent la créativité et la beauté de l'instantané.

Après la défaite de la guerre franco-prussienne de 1871, la France retrouve une certaine insouciance que marquent les grandes réussites économiques. C'est ainsi un moment de libertés et de foisonnement culturel intense où la fête est à l'honneur. Un quartier indépendant de Paris en deviendra le symbole, c'est Montmartre ! Les cafés-concerts, cabarets, cirques, les rues et places seront de véritables sources d'inspiration pour les artistes qui souhaitent rompre avec l'art académique. Ibels, Steinlen, Henri de Toulouse-Lautrec, Anquetin, Grasset, Rivière, Chéret, Faverot, Carrière, Valtat, Valadon et Willette... présents dans la collection avec plusieurs œuvres, en sont les célèbres témoins.

Théophile Alexandre Steinlen et Suzanne Valadon tiennent une place importante dans la collection avec un grand nombre d'œuvres. Des œuvres de Pierre Bonnard, Georges Rouault, Louis Valtat et Eugène Grasset ont été patiemment recherchées pour compléter le témoignage sur cette période d'avant-garde. Gravures, illustrations, journaux de l'époque complètent la collection et plongent le visiteur dans le Montmartre d'antan.


COMMISSARIAT
Philip Dennis CATE, commissaire de l'exposition
conservateur de la Weisman-Michel Collection, directeur émérite du Zimmerli Art Museum of New Jersey. Commissaire d'expositions.

En collaboration avec Saskia OOMS, responsable de la conservation du Musée de Montmartre.

Vernissage de l'exposition "La collection Weisman & Michel, Fin de siècle - Belle époque (1880-1916)"

[19:00-21:00] Vernissage d'Ali Kedjam "Etat(s) d'esprit"
Location:
La CLEF
Culture, Loisirs, Et Formation
46, rue de Mareil
78100 Saint-Germain-en-Laye
M° RER A Saint-Germain-en-Laye
France
Phone : +33 (0)1 39 21 54 90
Mail : contact@laclef.asso.fr
Internet Site : www.laclef.asso.fr
Description:
Peinture, sculpture

Du 5 octobre au 6 novembre
Vernissage le jeudi 10 octobre à partir de 19h

Ali Kedjam surprend à chaque création tant il explore les techniques comme autant de vecteurs pour déclamer son (ses) "Etat(s) d'esprit" et libérer sa poésie


"Si son nom évoque l'autre rive de la méditerranée, Ali Kedjam est un enfant du nord de la France. Le paysage peuplé de terrils et la culture minière de sa famille semblent ressurgir par le noir, la matière brute, le feu. Au contact d'œuvres de musée tout au long de sa carrière, il nourrira sa culture esthétique.

Voilà 10 ans qu'il s'est emparé des pinceaux. Le souvenir d'un professeur de dessin de collège qui avait montré à son élève l'étendue des possibles, et des circonstances puissantes de la vie qui interrogent sur l'essentiel l'ont décidé à franchir le pas. La technique se pliera à l'énergie créatrice comme un défoulement instinctif.

L'homme est plein de contrastes. Sensible, paisible, bienveillant, il est aussi profond et doté d'une grande force. Drôle, il est délicatement facétieux. Sans doute lui fallait-il un langage impudique mais secret pour dire sans parler, pour crier sans un bruit, pour aimer sans larme, pour s'amuser en guettant du coin de l'œil son effet. C'est ce qu'il nous est donné de voir."

Bruno Cordeau, administrateur de l'Arc de Triomphe, CMN - Paris


https://alikedjam.fr

Vernissage d'Ali Kedjam "Etat(s) d'esprit"

[19:00-22:00] Vernissage d'AstridB
Location:
Vivienne Art Galerie
30, galerie Vivienne
75002 Paris
M° Bourse, Pyramides
France
Phone : +33 (0)9 50 84 09 54
Mobile : +33 (0)6 74 54 73 13
Mail : info@vivienneartgalerie.com
Internet Site : www.vivienneartgalerie.com
Description:
Vernissage d'AstridB

[19:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Chaplin, l'homme-orchestre"
Location:
Philharmonie de Paris
221, avenue Jean Jaurès
Parc de la Villette
75019 Paris
M° Porte de Pantin
France
Phone : +33 (0)1 44 84 44 84
Mail : contact@philharmoniedeparis.fr
Internet Site : www.philharmoniedeparis.fr
Description:
Espace d'exposition

Exposition du 11 octobre 2019 - 26 janvier 2020
Du mardi au jeudi de 12h à 18h | vendredi de 12h à 20h | samedi et dimanche de 10h à 20h

Une exposition pour redécouvrir l'œuvre de Charlie Chaplin dans sa dimension musicale et, plus largement, dans son rapport étroit à la danse, au rythme, à l'illusion de la parole et du son.

PARLER AUX YEUX AUSSI BIEN QU'À L'OREILLE

Confrontant l'art cinématographique de Chaplin à de nombreuses œuvres, machines, partitions et manuscrits, cette exposition restitue toute l'« éloquence » de son génie, dont l'influence s'étend des avant-gardes à la culture populaire. Scrutant tout ce qui, dans son oeuvre, fait « bruit », et « parle » aux yeux aussi bien qu'à l'oreille, elle montre combien la recherche d'une expression sonore et musicale catalyse son imaginaire tout entier.

Cette exposition élargit le champ (souvent restreint) du musical à d'autres objets, comme le bruit, le geste et le rythme. Résolument, la pantomime muette de Charlot s'est imposée comme l'un des « corps sonores » les plus emblématiques du XXe siècle, et même l'un des plus visionnaires et politiquement engagés.

Commissaire de l'exposition : Sam Stourdzé
Commissaire associée : Mathilde Thibault-Starzyk
Conseillère scientifique : Kate Guyonvarch
Scénographie : Freaks architecture

Vernissage de l'exposition "Chaplin, l'homme-orchestre"

[19:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Location:
Musée de l'Homme
Palais de Chaillot
17, place du Trocadéro et du 11 Novembre
75116 Paris
M° Trocadéro
France
Phone : +33 (0)1 44 05 72 72
Mail : contatc.mdh@mnhn.fr
Internet Site : www.mnhn.fr
Description:
Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"

Du 16 octobre 2019 au 1er juin 2020

#JeMangeDoncJeSuis

À l'automne 2019, le Musée de l'Homme ouvre une exposition d'envergure sur un sujet au goût du jour : l'alimentation. Je mange donc je suis vous propose de découvrir les aspects biologiques, culturels et écologiques de notre alimentation.

Comment l'acte de se nourrir, vital et quotidien, façonne-t-il en même temps nos identités à travers des pratiques culturelles, des rituels et des interdits ? Quel rôle a joué l'alimentation dans notre évolution ? Existe-t-il des aliments « genrés » ? Quels sont les impacts environnementaux liés à la production de ressources pour nourrir l'humanité d'aujourd'hui et celle de demain ?

Exposition « fait maison », "Je mange donc je suis" restitue au plus grand nombre les recherches menées par les scientifiques du Muséum national d'Histoire naturelle dans des domaines aussi variés que la formation du goût, les manières de table, la gastrodiplomatie, les modèles agricoles, les patrimoines culinaires, la consommation de viande, les OGM, l'alimentation de nos ancêtres...

La visite alterne thèmes de fonds, débats de sociétés et sujets « surprises » à travers la présentation foisonnante d'objets prestigieux, de collectes de terrain et d'œuvres d'artistes modernes et contemporains comme Pablo Picasso, Gilles Barbier, Pilar Albarracin ou Liu Bolin.

Au fil des trois salles, découvrez les enjeux contemporains de l'alimentation dans une mise en scène parfois décalée : vous pourrez vous asseoir à la table de l'Élysée, dialoguer avec une vache fictive sur les différents régimes alimentaires, regarder un extrait de l'Aile ou la cuisse ou admirer un crâne de pâtissier !

Cerise sur le gâteau, la programmation culturelle associée à l'exposition vous convie à de grands banquets commentés par des chefs et des chercheurs sur, entre autres, « L'alimentation à la Préhistoire » ou le « Bien manger » mais également à des tables rondes avec des experts ou encore des visites contées et olfactives. De quoi rassasier les plus gourmands... de connaissances !

Commissaire d'exposition : Marie Merlin
Commissaire scientifique : Christophe Lavelle

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Plat à couscous, céramique, Maroc, début 20ème siècle. Collection d'ethnologie du Muséum national d'Histoire naturelle, 2004. © MNHN - J-C Domenech

CORPS ET NOURRITURES

Prenez une pincée d'histoire, ajoutez une touche de culturel, saupoudrez-le tout d'un peu de biologie et vous comprendrez mieux l'alimentation du point de vue du corps humain. Pour vous aider, des pièces originales préhistoriques questionnent l'alimentation dans l'évolution, un diorama interactif explique les interdits alimentaires, et un cabinet de curiosités raconte les rapports entre genre et alimentation.

LA VIANDE, UN ALIMENT ENJEU

La viande est un aliment au statut particulier, qui nourrit les corps comme les imaginaires. Incontournable dans l'alimentation de nombreuses sociétés, presque inexistante pour d'autres, sa consommation fait aujourd'hui l'objet de débats de plus en plus passionnés qui en questionnent les conséquences éthiques, écologiques et sanitaires.

Découvrez différents enjeux liés à la consommation de viande : son rôle dans notre évolution, son « poids » écologique croissant, les visions du monde qui la favorisent ou la proscrivent, ou encore les ritualisations autour de l'acte de tuer pour manger.

NOURRITURE PRÉHISTORIQUE

Ce début de 21e siècle signe l'aube d'une nouvelle ère alimentaire. Les bouleversements de nos modes de vie comme de nos manières de nous nourrir suscitent des interrogations, d'autant qu'ils semblent de plus en plus menacer notre santé.

La connaissance du passé peut être l'une des clés pour répondre aux défis de demain, nous invitant à repenser le lien entre nos habitudes alimentaires et nos besoins nutritionnels. Le Paléolithique représente 99.5 % de l'aventure de notre espèce. Je mange donc je suis revient sur cette longe « histoire alimentaire » pour comprendre l'impact de l'alimentation sur notre anatomie, notre patrimoine génétique et nos habitudes sociales. À l'appui : outils de chasse, aliments fossilisés, parures de coquillages, mandibules...

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Hiding in the City, Paris II, Meat Factory, 2013 © Liu Bolin / Galerie Paris-Beijing

NOURRITURES FEMININES, NOURRITURES MASCULINES

Dans la vie comme à table, il existe des inégalités entre femmes et hommes qui ont une incidence sur le corps et peuvent être créatrices de souffrances.

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Une femme en train d'être gavée. Mauritanie, 2009. © Joost de Raeymaeker

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Compétition internationale de bodybuilding à Moscou. © akg-images / Sputnik

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Défilé Jean Paul Gaultier. France, Paris, 4 juillet 2007. © Rip Hopkins / Agence VU'

CULTURES COMESTIBLES

Explorez l'alimentation du point de vue des sociétés humaines. Prenez place à un grand « banquet ethno-culinaire » pour découvrir les dimensions religieuses, identitaires, politiques et artistiques de l'alimentation. Des arts de la table aux beaux-arts, rappelons combien l'alimentation nourrit les imaginaires.

MANGER MAGIQUE

Je mange donc je suis ! Toutes les sociétés humaines partagent cette croyance selon laquelle en incorporant tel ou tel aliment, on assimile certaines vertus de la chose mangée. Alimentation et sacré entretiennent ainsi de puissants liens.

À TABLE

« Ne coupe pas ta salade ! ». À table, nos coutumes, couverts, horaires et lieux de repas varient d'un pays à l'autre. Découvrez quatre « manières de table » avec une série de petits films contextualisant chaque repas présenté. Direction le Japon, les États-Unis, l'Algérie et l'Indonésie !

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
La communauté du village de Kiminimbus, en Papouasie-Nouvelle-Guinée, commente la taille d'un igname. © Marc Dozier

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Théière. Djanet, Tassili n'Ajjer. Algérie, époque actuelle. © MNHN - J.C Domenech

IDENTITÉS CULINAIRES

Si le repas gastronomique des Français est maintenant reconnu de tous et inscrit depuis 2010 au patrimoine culturel immatériel, de nombreux pays, comme le Mexique, cherchent à faire reconnaître leur savoir-faire en matière de gastronomie. Preuve que la cuisine construit une identité nationale.

ART CULINAIRE

Comme les toques des chefs étoilés, la cuisine a su se hisser au plus haut pour atteindre le rang d'art, et ce, depuis les réalisations monumentales d'Antonin Carême. En parallèle, la cuisine, la nourriture ou l'aliment, sont devenus des « motifs » qui traversent l'histoire de l'art et les genres, le plus célèbre de tous étant la « nature morte ».

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Extrait tiré de "Le livre de pâtisserie" par Jules Gouffé © BNF

CONSOMMER LA NATURE

Pour consommer, il faut produire, ce qui ne va pas sans poser de problèmes lorsqu'il faut nourrir 7 milliards de bouches. Découvrez les enjeux de l'alimentation à l'échelle mondiale à travers une quarantaine de photographies et d'objets du quotidien.

TERRES NOURRICIÈRES

Horticulture autour du Rio Negro, dans l'Amazonie brésilienne, arboriculture en Grèce et au Burkina Faso, élevage extensif chez les nomades kirghizes, faites le tour du monde pour vous rendre compte de la disparité des impacts écologiques et nutritionnels de nos pratiques à l'échelle mondiale.

MIEUX CONNAÎTRE SON ASSIETTE

Bien malin qui saura donner la recette pour une alimentation à la fois plus saine, plus respectueuse de la planète, et qui prendrait en compte les ressources naturelles épuisables, tout en faisant face à l'augmentation de la population... Pourtant, des solutions existent ! Mais pas de réponses simplistes, et au milieu de tout ça, une figure a émergé, celle du « consommacteur ».

DOCTEUR MEUH

Quels sont nos besoins en alimentation carnée ? Bénéficiez des conseils nutritionnels du Dr Meuh, personnage fictif, grâce à un dispositif téléphonique original. À l'heure où les régimes alimentaires (flexitarien, végétalien, pesco-végétarien) se multiplient aussi vite que les livres de cuisine dans les rayons des libraires, une piqûre de rappel s'impose pour bien comprendre cette diversité nouvelle.

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Vache © ulleo / Pixabay

Vernissage de l'exposition "Je mange donc je suis"
Vue aérienne des plantations d'huile de palme, Kalimantan Indonésie. 2017. © Nanang Sujana/CIFOR

MÉCÈNE

Intermarché, mécène exclusif de l'exposition Je mange donc je suis.

Intermarché est la seule enseigne de distribution à fabriquer directement les produits à ses marques dans ses propres usines, les 62 unités de production d'Agromousquetaires, 4e opérateur agroalimentaire en France. Ce modèle unique, "Producteurs & Commerçants", permet à l'enseigne de s'engager pour le mieux-manger sur toute la chaîne de valeur, de la fourche à la fourchette, depuis ses 20 000 partenaires agricoles directs (producteurs, éleveurs, pêcheurs) jusqu'aux clients de ses 1 800 points de vente de l'Hexagone.

Construire des filières agricoles plus responsables et plus durables dans un dialogue constant avec toutes les parties prenantes (interprofessions, représentants de l'agroalimentaire, experts scientifiques et ONG) ; contribuer activement aux changements des pratiques agricoles pour bâtir une offre en adéquation avec les attentes environnementales et sociétales - qui préserve le pouvoir d'achat du plus grand nombre ; permettre à chaque consommateur d'accéder facilement au "mieux manger" ; soutenir les dynamiques économiques des territoires... : telles sont les ambitions d'Intermarché, mécène exclusif de l'exposition.

Pour en savoir plus :
mousquetaires.com / intermarche.com
@mousquetairesfr / @Agromousquetair / @intermarche

[19:00-21:30] Vernissage de l'exposition "Matières à penser"
Location:
Centre Tignous d'Art Contemporain - Le 116
116, rue de Paris
cactignous@montreuil.fr
93105 Montreuil Cedex
M° Robespierre
France
Phone : +33 (0)1 71 89 28 00
Mail : cactignous@montreuil.fr
Internet Site : www.montreuil.fr/centretignousdartcontemporain
Description:
Du 11 octobre au 14 décembre 2019
au Centre Tignous d'Art Contemporain de Montreuil

Cinq femmes artistes, repérées lors des Portes Ouvertes des Ateliers d'Artistes à Montreuil en 2018, explorent la matière pour faire émerger des formes humaines qui questionnent la création, la primauté de la pensée ou du corps et la représentation de cette fusion intime.
En présence des artistes : Paula Gellis, Monica Mariniello, Martine Salavize, An'do Tissier et Fernanda Tafner
et du commissaire Norbert Waysberg

Le vernissage aura lieu le jeudi 10 octobre dès 19h.

Concert exceptionnel du groupe Balima Trio à 20h
> Baba Sacko - Kora, chant
> Julien André - Djembé
> Ibrahima Diabat - Dundun

Vernissage de l'exposition "Matières à penser"

[19:30-23:30] 13ème édition des Trophées E-commerce 2019
Location:
The Westin Paris - Vendôme
Hôtel Westin
3, rue de Castiglione
75001 Paris
M° Tuileries, Concorde, Madeleine, Pyramides
France
Phone : +33 (0)1 44 77 11 11
Fax : +33 (0)1 44 77 14 60
Mail : reservation.01729@westin.com
Internet Site : www.westin.com/Paris
Description:
Les Trophées E-commerce sont une manifestation professionnelle organisée par la rédaction de E-commerce Magazine. L'objectif est de mettre en lumière les meilleures initiatives et les acteurs les plus remarquables du secteur, tout en favorisant les échanges et le networking entre professionnels lors d'une grande soirée de remise de prix. Il récompense également les personnalités E-commerce de l'année.

Les Trophées E-commerce présente donc un double palmarès avec :
- La remise des Trophées dans chacune des 8 catégories
- L'élection de la personnalité E-commerce de l'année

#tec19

https://www.trophees.ecommercemag.fr

>> RSVP












[20:00-22:00] Soirée de lancement du Who's Who in France 2020
Location:
Hôtel Plaza Athénée
25, avenue Montaigne
75008 Paris
M° Alma - Marceau
France
Phone : +33 (0)1 53 67 66 65
Fax : +33 (0)1 53 67 66 66
Mail : miaconis@plaza-athenee-paris.com
Internet Site : www.plaza-athenee-paris.com
Description:
Dîner du Who's Who

Who's Who in France 2020 : 51e édition

WHO'S WHO IN FRANCE - Editions Lafitte-Hébrard / 16 rue Camille Pelletan, 92300 Levallois-Perret / Tel : 01 41 27 28 30 / whoswho@whoswho.fr / www.whoswho.fr
CONTACT PRESSE BMRP / Pia de Warren : p.dewarren@bmrp.fr / 06 85 40 24 11

#WhosWhoInFrance

Mbappé, Griezmann et Biolay, nouveaux entrants du «Who's Who» 2020

Les footballeurs Kylian Mbappé et Antoine Griezmann, le chanteur Benjamin Biolay, Benjamin Smith à la tête d'Air France et Sharon Krief, cofondatrice de la marque de mode Bash, comptent parmi les 550 nouvelles personnalités du «Who's Who in France» 2020, a annoncé jeudi à l'AFP son éditeur Antoine Hébrard.

«Le +Who's Who in France+, ce n'est pas un réseau, c'est un maillage. Ce qui est remarquable cette année, c'est qu'il y a beaucoup de sportifs +mais pas que+», affirme-t-il, alors l'édition 2020 compte au total 20.409 biographies certifiées.

Toujours présents, les profils issus des grandes écoles cèdent un peu de terrain pour refléter une plus grande diversité des parcours professionnels.

«C'est nous qui allons chercher les personnes qui sont dedans», souligne l'éditeur depuis 36 ans aux manettes du dictionnaire biographique recensant des personnalités qui participent «au rayonnement de la France» dans des domaines variés (affaires, politique, armées, sciences, monde de l'art).

Près d'un quart des personnalités sont des femmes, se targue Antoine Hébrard, contre seulement 2% quand il a pris les commandes du bottin. Parmi les derniers impétrants de sexe féminin, figurent notamment Anne-Charlotte Bellanger, directrice générale France & Royaume-Uni de Piaget, la judoka Clarisse Agbegnenou ou Nathalie Balla, PDG de La Redoute.

Le plus jeune membre du «Who's Who 2020» est le footballeur Kylian Mbappé, bientôt 21 ans et la personnalité la plus âgée est l'actrice Suzy Delair, bientôt 102 ans.

Vendue 690 euros, l'édition 2020 comprend 2.324 pages et pèse 4.2 kg.

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