Saturday, November 9, 2019
Public Access


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Category: All

09
November 2019
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  Salon de la Photo 2019
Location:
Paris Expo - Porte de Versailles
Parc des Expositions de Paris
1, place de la Porte de Versailles
75015 Paris
M° Porte de Versailles
France
Phone : +33 (0)1 43 95 37 00
Fax : +33 (0)1 43 95 30 31
Internet Site : www.viparis.com/viparisFront/do/centre/paris-expo-porte-de-versailles/Accueil
Description:
Pavillons 5.1 et 5.2

Du jeudi 7 novembre au lundi 11 novembre 2019
De 10h à 19h (lundi jusqu'à 18h)

>> RSVP (code SIGM19)

08:00  
09:00  
10:00 [10:30-12:00] Vernissage de l'exposition "le mur du Mur"
Location:
Mairie du 15ème arrondissement
31, rue Péclet
75015 Paris
M° Vaugirard
France
Phone : +33 (0)1 55 76 75 15
Internet Site : mairie15.paris.fr
Description:
Samedi 9 novembre, 30e anniversaire de la chute du Mur de Berlin

Le samedi 9 novembre prochain, le monde célébrera le 30e anniversaire de la chute du Mur de Berlin. Cet événement prend une dimension particulière dans le 15e arrondissement qui accueille porte de Versailles un pan du Mur offert par la ville de Berlin.

La Mairie du 15e accueillera une exposition d'affiches « le mur du Mur » que vous pourrez découvrir du lundi 4 novembre au vendredi 15 novembre. A l'occasion de cette commémoration, une cérémonie officielle sera accompagnée de témoignages historiques, d'un concert de musique classique et d'un concours artistique entre les étudiants en art du 15e avec la remise d'un prix.

Nous vous attendons nombreux pour célébrer, en compagnie de Philippe Goujon et de Thomas Lenk, Ministre Conseiller de l'Ambassade d'Allemagne en France, l'un des événements de notre histoire européenne commune.

Vernissage de l'exposition "le mur du Mur"

11:00
12:00  
13:00  
14:00 [14:00] Vernissage de l'exposition "Iran : Visions irréelles"
Location:
Marché aux Puces de Paris - Saint-Ouen
Puces de Saint-Ouen
Rue des Rosiers
93400 Saint-Ouen
M° Porte de Clignancourt, Garibaldi
France
Phone : +33 (0)1 40 12 32 58
Fax : +33 (0)1 40 12 32 58
Internet Site : www.parispuces.com
Description:
Marché Dauphine - Galerie 50 & 51
132 - 140 rue des Rosiers

Iran : Visions irréelles - Photographes iraniens contemporains

Artistes Participants :
Hamed Alizadeh, Niloufar Banisadr, Majid Hojati, Mehdi Nazeri, Farhad Safari & Mohsen Shahmardi

La photographie s'expose traditionnellement à Paris au mois de novembre. L'association BADGUIR vous convie à découvrir au Marché Dauphine les photographies de jeunes artistes iraniens à partir du 7 novembre.

L'exposition "Iran : Visions irréelles" donne à voir en noir et blanc et en couleur des regards sur la nature, des scènes du quotidien et des personnages de l'Iran contemporain dont la composition puise dans l'imagination et le talent de ces jeunes artistes.

BADGUIR soutient le travail de photographes iraniens et d'artistes iraniens confirmés à travers l'organisation d'évènements et d'expositions notamment IRAN PHOTO dont la troisième édition se déroulera au dernier trimestre 2020.

A noter, deux événements:
- Samedi 9 novembre : Vernissage à 14 heures suivi par la rencontre avec l'artiste photographe Niloufar Banisadr et dédicace de son livre (14h-18h).
- Samedi 16 novembre : présentation des livres de photographies de "Abbas Kiarostami"

Exposition organisée et financée par l'Association BADGUIR
www.badguir.com

Vernissage de l'exposition "Iran : Visions irréelles"

[14:30-19:00] Signature par Eric Pillot du livre "Parois"
Location:
Galerie Dumonteil
38, rue de l'Université
75007 Paris
M° Rue du Bac, RER C Musée d'Orsay
France
Phone : +33 (0)1 42 61 23 38
Fax : +33 (0)1 42 61 14 61
Mail : paris@dumonteil.com
Internet Site : www.dumonteil.com
Description:
ERIC PILLOT 埃里克·裴欧
Parois 隔墙

Book Release 新书发布
Signature by the artist at the gallery 艺术家签售会
Éditions La Pionnière
Limited, numbered and signed edition
Preface by Michel Pastoureau


Dans le cadre de l'exposition d'Eric Pillot "Parois"

Exposition du 18 octobre au 16 novembre

À l'occasion de l'exposition de cette nouvelle série de photographies, nous sommes heureux d'annoncer la sortie du livre «Parois» aux éditions La Pionnière, avec une préface de Michel Pastoureau.

Signature le samedi 9 novembre de 14h30 à 19h.

Vernissage d'Eric Pillot "Parois"

Du 18 octobre au 16 novembre 2019, la Galerie DUMONTEIL présentera pour la première fois, dans le cadre de son programme d'expositions « contemporaines » et à l'occasion du mois de la photographie, la dernière série de photographies d'Éric PILLOT.

Intitulée « Parois », à l'instar de la multi-récompensée « In Situ » et « Horizons », cette nouvelle série fait appel à l'imaginaire du spectateur et continue de questionner le rapport de l'homme aux paysages et à l'espace.
Artiste contemporain reconnu pour son approche architecturale, picturale et poétique de l'image, Eric PILLOT propose, à nouveau, avec cette série, une photographie à la frontière de la peinture.

Vernissage d'Eric Pillot "Parois"
Eric PILLOT | Parois 0237 | tirage à encres pigmentaires sur papier fine-art baryté, contrecollé sur aluminium
I 80 x 110 cm I édition limitée à 8 exemplaires

Vernissage d'Eric Pillot "Parois"
Eric PILLOT | Parois 6773 | tirage à encres pigmentaires sur papier fine-art baryté, contrecollé sur aluminium I 125 x 176.5 cm I édition limitée à 8 exemplaires

Vernissage d'Eric Pillot "Parois"
Eric PILLOT | Parois 0130 | tirage à encres pigmentaires sur papier fine-art baryté, contrecollé sur aluminium I 58 x 80 cm I édition limitée à 8 exemplaires

Vernissage d'Eric Pillot "Parois"
Eric PILLOT | Parois 0183 | tirage à encres pigmentaires sur papier fine-art baryté, contrecollé sur aluminium I 58 x 80 cm I édition limitée à 8 exemplaires


[15:00-17:00] Artists Talks
Location:
GESTE
10, rue Croix des Petits Champs
75001 Paris
M° Palais Royal - Musée du Louvre
France
Mobile : +33 (0)7 81 28 49 03
Mail : gesteparis@gmail.com
Internet Site : www.gesteparis.com
Description:
Artist Talk : "Authenticity in reference and appropriation-the fine line between homage and pillage."

This discussion will focus on repositioning the imagery of refugees and war victims, colonial and cultural histories.

With GESTE artists Shiva Lynn Burgos, Baptiste Giroudon, Felipe Jacome, Miki Nitadori and Gloria Oyarzabal.


Dans le cadre de l'exposition "La Vérité Déguisée"

GESTE Paris a le plaisir d'annoncer sa 4ème édition, du 1 au 30 novembre 2019: une exposition collective dédiée à l'image, un lieu de dialogue et de rencontre où artistes établis et émergents se rencontrent autour d'un thème

La Vérité Déguisée.

"La Vérité Déguisée" dans l'image, présente de nombreuses facettes. L'image peut être un faux-semblant. On peut accoutrer, altérer, arranger, camoufler, changer, colorer, recomposer, contrefaire, habiller, couvrir, décorer, défigurer, déformer, dénaturer, désillusionner, enrober, envelopper, fausser, maquiller, masquer, recouvrir, transformer, travestir, truquer, voiler... la "réalité" des choses, des situations, des personnes. Comment nos perceptions peuvent-elles être affectées par les techniques qui dissimulent ou altèrent? À l'ère de la télé-réalité et des fausses informations, de la culture selfie et des identités virtuelles des réseaux sociaux, de l'intelligence artificielle et de la propagande politique, comment la vérité est-elle déguisée ou au contraire révélée?

Parmi les artistes: Idris Khan, The Mariwai Project, Christer Strömholm, Laia Abril, Naomi B. Cook, Nicole Cohen, David Young, John Stezaker, Yuken Teruya, Joan Foncuberta, Tom Lovelace, Andreas Gursky, Sebastiaan Bremer, C. Javier Barrera, Marina Abramovič & Ulay

Des œuvres uniques ou inédites, une diversité créative dont le thème résonne au travers des images via divers supports tels que tirages photographiques, vidéos, sculptures et performances.

L'exposition, ainsi que des performances et des conférences auront lieu tout au long du mois de novembre, à deux pas du Palais Royal. GESTE est reconnu, aujourd'hui, pour être un lieu de découverte et de rencontre entre artistes établis et émergents issus de toutes les régions du monde; l'événement donne l'occasion, une nouvelle fois, d'engager un dialogue ouvert dans le cadre de visites privées, d'événements et de conférences.
GESTE est le lien entre une collection privée, des œuvres d'art provenant de prestigieuses galeries, une sélection de commissaires invités et un appel à candidatures qui offre l'occasion de présenter le travail de nouveaux artistes.

Exposition du 1er au 30 novembre 2019

Vernissage & Preview Lundi 4 novembre 2019, 18h-22h

Performance de Lovelace, conférence d'artistes, en présence des commissaires et membres du jury, Jeudi 7 novembre 2019, 18h-23h

Première semaine ouvert tous les jours du mardi 5 au dimanche 10 novembre et puis ouvert du mercredi au samedi du 13 au 30 novembre. 12h-18h et sur rdv

Veuillez noter qu'il s'agit d'une résidence privée, les réservations sont donc obligatoires pour la visite de l'exposition et la participation aux événements rsvp@gesteparis.com

A PROPOS DE L'APPEL A CANDIDATURE DE GESTE

La section de l'appel à candidature de l'exposition reçoit des projets du monde entier et offre l'occasion de présenter le travail de nouveaux artistes qui n'ont pas eu la visibilité qu'ils méritent. Le jury se compose du Professeur A.C. Grayling CBE MA DPhil (Oxon) FRSL FRSA (Royaume-Uni), philosophe et maître du New College of the Humanities, à Londres. Anne-Claire Meffre (France) rédactrice, auteure et collaboratrice de Madame Figaro. Dominic Palfreyman (Royaume-Uni), collectionneur de photographies, philanthrope d'art. Anna Sansom (France), journaliste, rédactrice en chef, commissaire d'exposition et collaboratrice régulière du Art Newspaper, d'Art Now, Frame etc. Fabio Sindici (Italie) critique d'art, auteur de télévision et journaliste, La Stampa, Artribune, etc. Amber Terranova (États-Unis) directrice de photo et éducatrice, consultante pour Magnum Education, membre du corps professoral de BFA, School of Visual Arts, NY.

Un programme de visites et d'événements privés organisés par des artistes, des commissaires et des experts tout au long du mois de novembre, l'opportunité de contribuer au foisonnement artistique créé durant Paris Photo par sa legitimité auprès des collectionneurs, artistes et experts. Les dates spécifiques des tours et conférences du mois de novembre seront publiées prochainement dans la section Events.

L'exposition collective La Vérité Déguisée est conçue par l'artiste et commissaire Shiva Lynn Burgos et Dominique Charlet, Directeur de l'Agence Charlet Photographies et commissaire d'exposition indépendant.

Shiva Lynn Burgos
Fondatrice
GESTE Paris

Vernissage de l'exposition "La Vérité Déguisée"

[15:00-21:00] Finissage de l'exposition "Do The Locomotion"
Location:
Le Lavo//matik
arts urbains
20, boulevard du Général Jean Simon
75013 Paris
M° Tram 3a Avenue de France, Bibliothèque François Mitterrand
France
Phone : +33 (0)1 45 83 69 92
Mail : benoit.maitre@wanadoo.fr
Description:
Tous les ans nous vous proposons un Mur Ouvert thématique. Il y a eu "Maudite soit la Guerre" consacré à 14-18, l'Enfant, Paris, l'Asie. Cette année nous avons choisi comme thème la Locomotion, sur une bande son de little Eva, interprète du vieux tube Do the Locomotion.
Cette exposition vous proposera donc la vision des artistes sur les outils de la locomotion et de tout ce qui permet le mouvement. Gageons que nous prendrons le train, ferons de la moto, du vélo, riderons en skate-booard, voyagerons dans des machines à vapeur, survolerons les nuages en avion, ferons les kékés au volant de notre belle voiture, ou marcherons tout simplement :)
Bref, en ces temps de changement, de mouvement, d'accélération, nous avions envie de sortir des sujets habituels pour approcher ce thème au combien actuel et crucial : l'humain en mouvement, une liberté qui nous condamne ?
Bon, je m'égare, rendez-vous le samedi 26 octobre dès 15 heures pour profiter de tout ça, et venez avec les moyens du bord, vous serez bien accueillis lol
L'expo sera visible jusqu'au samedi 9 novembre

Avec des oeuvres de :

Adey
Ador
Akelo
Al Tatou
Andrew Wallas
Anna Conda
Anne-Laure Colmon
Artiste-Ouvrier
Atomist
Christophe Verdon / A côté de la plaque
Diane
Die as Trash
Diksa / Rega
Docteur Bergman
Elgee
EZK
Fé Tavie
Férial Hart
Frères d'art
Gaudefroy
Graffmatt
Guy Denning
H2H
Irda
Jef Aérosol
Jérôme Mesnager
Jessica Pliez
Joko
Jolek
Ju
Kronyk
Le H
Levalet
Locéphale
Marlène Ehrhard
Matttieu
MG La Bomba
Miss Fuck
Mr. Lolo
Néa
Nice Art
Nikko KKO
Ninin
Nubu
Parvati
Peter Parker
Pogo
Psycoffi
Raïa
Raphael Federici
Rastoni
Reano Feros
Rémi Cierco
Rougerune
Sax
SE BD
Silex Project
SonJ
Stoul
Süyer
Toc Toc
Trassh
Xavier Magaldi
Yarps

Vernissage de l'exposition "Do The Locomotion"

[15:00-17:00] Signature par Romain Duris de son livre "FÉROCE"
Location:
Rivoli Building
118, rue de Rivoli
75001 Paris
M° Châtelet, Les Halles, Louvre - Rivoli
France
Description:
Dans le cadre du salon d'artistes YIA ART FAIR 2019

Art-Trope is pleased to announce the representation of Big Bald Gallery during the Paris Contemporary Art Fair. We will be presenting the multi-talented photographer, Norman Reedus with his new collection of photographs:


A l'occasion de la semaine de Paris Photo, nous vous donnons rendez-vous dès jeudi (Preview&Opening) au 118, Rue de Rivoli pour la dix-neuvième édition du salon international d'art contemporain YIA Art Fair.
Sur 4 niveaux d'exposition, venez découvrir une sélection de 35 galeries françaises et internationales ainsi que les statements et projets curatoriaux organisés par nos artistes invités.
A tous, nous vous donnons rendez-vous du jeudi 7 novembre au lundi 11 novembre au 118, Rue de Rivoli pour une nouvelle semaine dédiée à l'art contemporain, aux galeries et artistes.

Dans l'attente de vous rencontrer lors du salon.
Bien à vous l'équipe P/CAS - Paris Contemporary Art Show by YIA Art Fair

EXPOSANTS :
GALERIE ANALIX FOREVER (MIMIKO TÜRKKAN) / GALERIE ANNE PERRÉ (GROUP-SHOW) / ART TROPE (GROUP-SHOW) / BIG BALD GALLERY OF NORMAN REEDUS / BILD PARK GALLERY (GROUP-SHOW) / GALERIE CÉDRIC BACQUEVILLE (GROUP-SHOW) / ANGEL ORENSANZ (FONDATION) / GALERIE LOU CARTER (LIN ZHIPENG) / GALERIE CHARRON (GROUP-SHOW) / ARNAUD COHEN - DANCE OVER ME / GALERIE DE LA CLÉ (GROUP-SHOW) / GALERIE COSTÉ (GROUP-SHOW) / DELTA STUDIO ARTIST RUN SPACE (GROUP-SHOW) / FILLEUL GALERIE (SO-SHOW) / GALERIE CHRISTOPHE GRATADOU (DAVID TEMPLIER, JAVIER HIRSCHFELD) / STUDIO GÉRARD ESCOUGNOU / NICOLAS GASIOROWSKI STUDIO / GALERIE DU SOLEIL (GROUP-SHOW) / GALERIE VICTOR SFEZ (GROUP-SHOW) / GALERIJA FOTOGRAFIJA (DK, TILYEN MUCIK, ANDRE LAMUT, BORIS GABERSCIK, EURO ROTELLI) / CHRISTOPHE GOUTAL & CHRIS MORIN-EITNER (GROUP-SHOW) / CHRISTOPHE GOUTAL - CHRIS MORIN-EITNER / ALAIN GUTHARC (MATHIAS KISS) / GALERIE MARGUERITE MILIN (GROUP-SHOW) / GALERIE JEAN-MARIE OGER (MARIA DÁVILA) / NINA KOLTCHITSKAIA DRAWING PROJECT / KULTPROEKT GALLERI (GROUP-SHOW) / LANCE LETSCHER / NDF GALLERY (GROUP-SHOW) / GASPARD NOËL / EDITIONS NOEVE PARIS (ROMAIN DURIS) / GALERIE PATRICIA DORFMANN (MATHIEU BOISADAN) / CHRYSTÈLE LERISSE STUDIO / GALERIE ANNE PERRÉ (T-KID 170, OLIVIER DE CAYRON)/ COLLECTIF PAÏEN / GALERIE PERCEPT MÊME (GROUP-SHOW) / GALERIE CHRISTOPHE TAILLEUR & GALERIE LALALANDE (EMMANUEL RENARD, THOMAS HENRIOT, HALIM KARIBIBENE & SLIMEN EL KAMEL) / GALERIE CURIOUS EYE (GROUP-SHOW) / TOOLS GALERIE (BRAM VANDERBEKE) / TSUKIYO TO SYONEN (GROUP -SHOW) / THE ROGER PROJECTS (GREGORY WATIN) / VALVERDE ART GALLERY (MURIEL BORDIER) / WHITECONCEPTS GALLERY (WANDA STANG) / Z.A.N. (CHRISTIAN TIERNEY, EMRE CELIKCAN).
// SECOND FLOOR: RÉSIDENCE D'ARTISTES EN BRENNE BY BONNIE TCHIEN.

« Chantons aux Vaches », la Résidence d'Artiste en Brenne est organisée par l'artiste Bonnie Tchien HwenYing, elle s'est tenue depuis 2014 à ce jour sur la commune de Migné (36800) situés dans le Parc National Régional de la Brenne, Indre (France). Monsieur Jérôme Tellier, exploitant agricole à La Ferme de Grand Albert, et Léonard Desjardin à La Plotonnerie accueillent les artistes dans leurs lieux respectifs. « Chantons aux Vaches », un workshop artistique international avec les artistes pratiquent différentes disciplines : peintres, plasticiens, musiciens, performeurs, poètes, cuisiniers... Réunis durant dizaines de jours, ils ont été invités à travailler sur le thème de la communication : d'homme à homme, d'humains aux animaux, d'homme à son environnement. Artistes et participants : Amélie Pironneau, Ana Bloom, Aymeric Ebrard, Bonnie Tchien Hwen-Ying, Christophe Raymond, Davide Napoli, Ellie Chen, Elodie Lachaud, Hsia-Fei Chang, Hui-Yu Tsui, Iara Guedes, Javier Blanco Chicchio, Linda Lin, Loïc Connanski, Ludovic De Vita, Michel Lebrun Franzaroli, Olivier Brachat, Raluca Sidon, Ro-Husan Chen, Si-Nae Kim, Stéphanie Bouvier, Tereza Guedes, Yessy Jasminy, Yi-Ting Wang, Yiyan Zhou, Yohan Kim, Yuju Lin, Yvonne Changavec la participation de Chloé Lenfant-Mongin et Jeanne Corpet.

HORAIRES :
PRESS PREVIEW (sur invitation uniquement):
Jeudi 07 novembre 2019 de midi à 18 heures.
VERNISSAGE (sur invitation uniquement):
Jeudi 07 novembre 2019 de 18 heures à 22 heures.

JOURNÉES PUBLIQUES:
Vendredi 08 novembre 2019 de midi à 20 heures. Samedi 09 novembre et dimanche 10 novembre 2019 de 11 heures à 19 heures. Lundi 11 novembre de 11 heures à 18 heures.

Vernissage du salon d'artistes YIA ART FAIR 2019

[15:00-21:00] Vernissage de Jean-Baptiste Ambroselli
Location:
Galerie Peinture Fraîche
29, rue de Bourgogne
75007 Paris
M° Varenne, Solférino, Assemblée Nationale
France
Phone : +33 (0)1 45 51 00 85
Mail : peinturefraiche@wanadoo.fr
Description:
du 5 au 23 novembre 2019

Vernissage de Jean-Baptiste Ambroselli

[15:00-19:00] Vernissage de Nathalie Domingo "Terrain de Je"
Location:
Granville Gallery
23, rue du Départ
75014 Paris
M° Montparnasse - Bienvenüe
France
Phone : +33 (0)1 43 22 41 94
Mobile : +33 (0)6 87 31 45 34
Mail : granvillegallery@wanadoo.fr
Internet Site : www.granvillegallery.org
Description:
Vernissage de Nathalie Domingo "Terrain de Je"
Vernissage de Nathalie Domingo "Terrain de Je"

[15:00-19:00] Vernissage de l'exposition "Formel / Informel"
Location:
Espace d'art Chaillioux Fresnes 94‏
7, rue Louise Bourgeois
94260 Fresnes
M° RER C Gare de Chemin D'Antony
France
Mobile : +33 (0)6 89 91 47 00
Mail : contact@art-fresnes94.fr
Internet Site : www.art-fresnes94.fr
Description:
Nicola Bonessa - Élodie Boutry
Vincent Creuzeau - Soumisha Dauthel
Maëlle Labussière - Dominique Liquois
Matthieu Pilaud - Serge Saunière

du 9 novembre au 21 décembre 2019

Nous voulions, depuis longtemps, organiser une exposition sur le thème de l'art abstrait contemporain pour montrer que, malgré un évident retour à la figuration, cette forme d'expression reste encore bien vivace et riche dans la diversité de ses modes et techniques. Nous avons choisi les œuvres de huit plasticiens, couvrant deux générations, pour montrer que ces artistes ne sont en rien des conservateurs ni des réactionnaires mais que chacun, à sa façon, innove, chamboule les conventions ou les redéfinit...

Une des difficultés majeures a été de trouver un titre pour cette exposition. En effet, si la plupart des observateurs s'accordent assez facilement pour reconnaître qu'une œuvre est abstraite, cette notion reste très intuitive et formuler une définition précise de ce qu'est l'abstraction n'en demeure pas moins une gageure.

Dans un des chapitres liminaires de son monumental ouvrage en cinq volumes L'art abstrait, Michel Seuphor écrit: « J'appelle art abstrait tout art qui ne contient aucun rappel, aucune évocation de la réalité observée, que cette réalité soit ou ne soit pas le point de départ de l'artiste. » Si cette définition reste assez large, elle n'en est pas moins très discutable. On sait, par exemple, que certaines des œuvres abstraites de Piet Mondrian résultent de la réduction progressive de l'image d'un pommier à ses lignes essentielles. Le rappel et l'évocation de l'arbre sont bien présents, même s'ils ne sont pas toujours perceptibles pour qui ne connaît pas la genèse de l'œuvre.

Dans sa thèse Abstraktion und Einfühlung, Wilhelm Worringer oppose abstraction et empathie, la première notion étant associée à une certaine forme de primitivisme ou à ce qu'il désignera sous le terme d'expressionnisme, la seconde au réalisme : « tout comme le désir d'empathie en tant que base de l'expérience esthétique trouve sa satisfaction dans la beauté organique, le désir d'abstraction trouve sa beauté dans les formes inorganiques renonçant au vivant, dans le cristallin, bref, dans toute régularité et nécessité abstraites. » Pour Worringer, le moteur de l'abstraction est l'angoisse. Cependant, beaucoup des artistes que l'on qualifie volontiers d'abstraits ne sont pas des angoissés.

L'opposition entre abstrait et concret a alimenté bien des querelles. Dans l'unique numéro de la revue Art Concret, Theo Van Doesburg écrivait, en 1930 : « peinture concrète et non abstraite, parce que rien n'est plus concret, plus réel qu'une ligne, qu'une couleur, qu'une surface. » Pour lui, l'œuvre concrète doit être « entièrement conçue et formée par l'esprit avant son exécution ». Elle doit viser à la « clarté absolue » en excluant toute expression subjective et « la construction du tableau, aussi bien que ses éléments, doit être simple et contrôlable visuellement. »

Le terme non-figuration est tout aussi ambigu. La non-figuration s'oppose aux courants picturaux qui l'ont précédée - réalisme, impressionnisme, surréalisme... - dont l'objet était la figuration de thèmes empruntés au monde réel ou à l'imaginaire de l'artiste. En cela, la non-figuration récuse, dans un même mouvement, Vassily Kandinsky, dont l'univers pictural, bien qu'intérieur, est très réel, la peinture gestuelle, dont les adeptes assurent que les traces du geste de l'artiste constituent une réalité tangible, les matiéristes qui font l'apologie de la réalité de la matière, les paysagistes abstraits...

Nous avons donc rejeté tous ces vocables et avons fini par opter pour l'opposition entre formel et informel, deux axes qui, sans le définir ni le circonscrire, permettent de structurer le champ de la création communément désignée comme abstraite... On retrouve ici, actualisée au XXIe siècle, la fameuse confrontation entre abstractions chaudes et froides des années 1950. Ce choix est évidemment critiquable, mais il fallait trancher et nous l'avons fait...


La peinture de Nicola Bonessa part d'un substrat figuratif, progressivement masqué par des jeux de superposition de matières et de couleurs, appliquées dans des mouvements rapides, amples et nerveux. Le résultat est explosif mais reste parfaitement cohérent dans sa construction, laissant imaginer, çà et là, des fragments anatomiques, un visage, une silhouette, dont le spectateur peut se demander s'il s'agit d'une image subliminale ou de l'interprétation subjective d'aléas formels et chromatiques générés par le geste de l'artiste. La filiation de ses œuvres est à rechercher dans une synthèse décapante des apports de CoBrA et de l'expressionnisme abstrait américain.

Élodie Boutry appréhende la peinture comme vecteur de stimulation et de plaisir rétinien. La débarrassant de ses supports traditionnels, elle la projette dans l'espace. Ses couleurs franches, ses lignes brisées aux angles aigus s'imposent. Tels des rochers venus d'ailleurs, surfaces lisses et rugueuses alternent pour former un motif. L'artiste questionne ainsi la frontière mince entre peinture et sculpture. Ses installations se caractérisent par un choix de couleurs vives, exacerbées, dans des constructions aux angles vifs et aigus concentrant toutes les teintes de leur environnement. L'académique planéité du support n'est plus opérante. Elle fait sortir formes et couleurs du plan. Elles viennent s'inscrire sur des objets en volume, semant le doute sur la nature de son travail : peinture ou sculpture ? Finalement, peu importe : son approche ludique s'affranchit facétieusement des catégories.

La peinture de Vincent Creuzeau est un hommage sensuel et gourmand à la matière picturale. Ses toiles affichent des superpositions de couches de matière généreuses, provisoirement figées. Elles peuvent évoquer le développement organique de l'écorce d'un arbre, les strates de coulées de laves volcaniques, la corrosion de structures métalliques ou les dépôts de limons sur une terre devenue aride... Si ce n'est que la couleur s'invite au rendez-vous dans ces formes de palimpsestes qui matérialisent la profondeur d'un geste, la mémoire d'une action plastique, la durée de la réflexion de l'artiste, la résurgence de brèves fulgurances difficiles à enfouir et à oublier... Bref, l'épaisseur palpable d'une existence humaine et sensible...

Chez Soumisha Dauthel, comme chez ses aînés de Supports / Surfaces, on constate l'importance égale accordée aux matériaux, aux gestes de l'artiste et à l'œuvre résultante, la recherche d'un sujet, qu'il soit universel ou anecdotique, étant reléguée au second plan. Son travail se singularise cependant par son exubérance. Son généreux foisonnement s'exprime de façon évidente dans la profusion des couleurs mais aussi et surtout dans une recherche permanente de nouvelles techniques et procédés picturaux, comme si elle s'appliquait à en épuiser les infinies possibilités pour atteindre les frontières extrêmes des territoires de la peinture. Dans ce qu'on ne peut appeler autrement qu'une fabrique d'images, elle peint, découpe, colle, assemble, grave, réplique, décale, dessine, numérise, adapte des prises de vue photographiques, imprime sur des autocollants... Et bien d'autres choses encore...

Maëlle Labussière développe des réseaux de lignes, tracées dans un geste obsessionnel, rehaussées de couleurs vives qui suscitent de fascinantes interférences optiques. Elle élimine la question du champ pictural en pratiquant une forme de all-over qui repousse les limites du tableau au-delà de ses bornes géométriques. Elle ne s'appuie pas sur la répétition obsessionnelle d'un module unique, mais développe plutôt un processus de type génésique, à caractère fractal, où les autosimilarités suscitent une forme de vertige, celui de la mise en abîme. Les lignes parallèles ou légèrement obliques se combinent pour créer des battements optiques qui animent et font vivre le plan du support. Quand l'œil arrive à se concentrer sur un des traits et à le suivre, il constate de légères imperfections dans sa linéarité, des décrochements, des petits détours pour éviter des obstacles inexistants, des rapprochements et des écartements avec ses voisins... Accidents, voulus ou subis, qui évitent la froideur impersonnelle et sans âme que généreraient des parallèles parfaites.

Dans ses peintures comme dans ses créations en volume, Dominique Liquois intègre des modèles formels qui appartiennent à divers registres, naturels ou technologiques, présents ou passés, réels ou fantasmés. Elle les dénature par le recours à des couleurs vives, parfois acidulées, puis les assemble par collage, juxtaposition, superposition, ligature ou couture, sans souci d'échelle, pour créer des univers ludiques et joyeux dans lesquels toute référence aux éléments d'origine s'efface au profit d'une unité d'ensemble. De ce point de vue, la peinture de Dominique Liquois peut être considérée comme une résurgence du baroque, un baroque qui aurait été expurgé de tout pathos, de toute velléité ostentatoire ou démonstratrice, au profit de la seule forme, de ses interactions avec ses voisines et avec son environnement. Il en résulte un mouvement, un dynamisme, obtenu sans recourir aux vieilles ficelles de la gestualité. En cela, sa démarche se rapproche de celle de Shirley Jaffe qu'elle a beaucoup fréquentée.

Les sculptures de Matthieu Pilaud sont, selon les mots de l'artiste, des métamorphoses de l'objet. Quelles que soient leurs dimensions originelles, ces objets sont reconstruits selon un rapport d'échelle qui a l'homme pour référent. Si le bois est son matériau de prédilection, il recourt aussi à d'autres matières premières - métal, élastomères, caoutchouc... - dans une approche qui combine les savoir-faire traditionnels et les ressources de l'ingénierie contemporaine avec ses outils numériques. Il convoque ainsi mathématiques, géomorphologie, topographique, modélisation, sérialité et impression 3D... en renfort des pratiques artisanales traditionnelles de découpe, taille, empreinte, moulage, fonte... Les œuvres résultantes interrogent le spectateur qui est invité à en découvrir le sens, la raison d'être, leur énergie latente...

Serge Saunière est un chantre du noir et blanc, dans la lignée de la peinture chinoise et de la calligraphie. Ses compositions ne singent cependant pas l'exotisme. Elles s'ancrent bel et bien dans une tradition occidentale, notamment dans celle de la peinture hollandaise classique, qui cultive et valorise les contrastes d'ombres et de lumière et, surtout, ces zones ni noires ni colorées, ce gris, ce ni ni où tout peut advenir. Les lavis de Serge Saunière sont aussi musicaux, non pas dans une écriture rythmique à lecture horizontale, mais dans cette riche verticalité chromatique qui sublime la musique de Messiaen et des compositeurs dit spectraux. Mutatis mutandi, Serge Saunière pourrait être le Gérard Grisey des arts plastiques.

Vernissage de l'exposition "Formel / Informel"

[15:30-17:00] Dédicace de Françoise Lemarchand & Aline Le Grand
Location:
Librairie Galignani
224, rue de Rivoli
75001 Paris
M° Tuileries
France
Phone : +33 (0)1 42 60 76 07
Fax : +33 (0)1 42 86 09 31
Mail : galignani@galignani.com
Internet Site : www.galignani.com
Description:
La librairie Galignani a le plaisir de vous inviter à la dédicace de

Songe d'hiver à Versailles,

accompagnée d'une exposition de photos extraites du livre

Dédicace de Françoise Lemarchand & Aline Le Grand



[16:00-19:00] Finissage de Romain Froquet "même à sec la rivière garde son nom"
Location:
Joël Knafo Art Gallery
182, rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris
M° Saint-Philippe du Roule, George V
France
Mobile : +33 (0)7 81 61 21 57
Mail : galerie@joelknafo-art.com
Internet Site : www.joelknafo-art.com
Description:
Romain Froquet s'intéresse à la mémoire, à l'Histoire et à l'être humain.

Le titre de son exposition, issu du nom d'un motif wax, met en avant cette notion d'échange, de connexion et de permanence.

La toile est le support d'un geste spontané.
Le trait noir circule entre les aplats de couleur et peut s'effacer pour interroger le spectateur sur ce qui nous lie et nous sépare.

Vernissage de Romain Froquet "même à sec la rivière garde son nom"

[16:00-18:00] Signature du livre "Red Harvest" de Marguerite Bornhauser
Location:
Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts
ENSBA
14, rue Bonaparte
13, quai Malaquais
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés
France
Phone : +33 (0)1 47 03 50 00
Fax : +33 (0)1 47 03 50 80
Mail : info@ensba.fr
Internet Site : www.ensba.fr
Description:
chez OFF PRINT

À l'occasion de son exposition à Paris Photo (Secteur Curiosa SC9 / du 7 au 10 Novembre 2019), Marguerite Bornhauser sort son troisième livre Red Harvest, parut chez Poursuite Editions. Empruntant son titre au livre de Dashiell Hammett, pionnier du roman noir américain, Red Harvest est le prolongement du travail initié et présenté à la Maison Européenne de la Photographie au mois de juin 2019.

« L'artiste présente une sélection de clichés issus de sa production récente qui, par des associations visuelles inédites, semblent être le point de départ d'un récit énigmatique. Ces images plantent un décor où la torpeur des ciels d'été, des corps indolents et des jeux de lumière se trouve soudain interrompu par le bris d'un verre ou une éclaboussure - autant d'indices que quelque chose vient de se passer. Le travail de Marguerite Bornhauser mêle scènes fortuites et compositions soigneusement construites, brouillant ainsi les pistes entre réalité et fiction. En refusant de légender ses clichés et de les situer dans leur contexte de prise de vue, l'artiste fait de chaque image l'origine d'un récit volontairement subjectif. Son langage photographique, marqué par des couleurs intenses, des ombres implacables et des plans rapprochés, offre une libre interprétation du réel. »

Red Harvest
Poursuite Editions, Novembre 2019
Format : 23 x 32 cm, 32 pages, reliure spirale
Texte de Simon Baker

Lancement et signature du livre "Red Harvest" de Marguerite Bornhauser

[16:00-20:30] Vernissage d'Alejandra Laviada "Painted Geometries"
Location:
Bendana-Pinel Art Contemporain
4, rue du Perche
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Rambuteau, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 42 74 22 97
Fax : +33 (0)1 42 74 25 29
Mail : galerie@bendana-pinel.com
Internet Site : www.bendana-pinel.com
Description:
65th show

9 novembre > 21 décembre 2019
Vernissage en présence de l'artiste : le samedi 9 novembre 2019 | 16h > 20h30

Bendana | Pinel Art Contemporain a le plaisir de présenter « Painted Geometries » la deuxième exposition personnelle d'Alejandra Laviada.

Painted Geometries est le travail le plus récent d'Alejandra Laviada et reflète son étude de la relation entre la photographie, la peinture et la sculpture. Le travail de Laviada se concentre autour d'œuvres qui sont à l'intersection de différentes techniques : photographie, peinture, sculpture. Son travail ne rentre donc dans aucune catégorie et a pour objectif de remettre en question et de redéfinir le rôle de la photographie dans le contexte de l'art contemporain.

Les photographies représentent des objets en bois, peints en blanc, et photographiés dans le studio de l'artiste. La surface de chaque photographie est peinte à la main pour obtenir différentes formes géométriques. Les coups de pinceau blancs, visibles sur les objets en bois, induisent un doute, quelle surface est peinte ou photographiée, en brouillant la limite entre représentation et abstraction, entre réel et mise en scène.

Entrer dans la galerie c'est pénétrer dans l'une de ces photographies peintes. On est encerclé de triangles et de formes géométriques, dont certaines sont directement peintes sur le mur. D'autres formes sont créées par la lumière traversant les formes triangulaires fixées sur les fenêtres ; des sculptures pyramidales sont installées dans la galerie. Tous ces éléments deviennent la base d'un langage visuel propre ; le dialogue établi entre les images s'étend à la photographie et à la sculpture, entre l'image et l'objet.

Vernissage d'Alejandra Laviada "Painted Geometries"
Alejandra Laviada, Disruption, 2019, Peinture acrylique sur impression photographique pigmentaire, 81 x 61 cm

[16:00-21:00] Vernissage de l'exposition "Ombres et lumières"
Location:
Galerie Nicolas Silin
13, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 42 77 76 14
Mobile : +33 (0)6 74 41 14 34
Mail : ns@galeriesilin.com
Internet Site : www.galeriesilin.com
Description:
09.11.2019 - 21.12.2019
Vernissage le 09.11.2019 à partir de 16h

Ed Alcock - John Batho - Katayoun Karami - Abbas Kowsari - Tadzio

Ed Alcock extrait de son intimité familiale de remarquables photos, à la fois troublantes et énigmatiques. Les photos choisies ici diffusent une sérénité angoissante : un réverbère isolé dans la nuit, un chemin de campagne envoûtant au crépuscule, une ampoule devant l'étendue infinie de la mer.

Une très grande photo, en noir et blanc, de John Batho - 180 cm x 270 cm - accueille les visiteurs. Lui, que l'usage de la couleur a rendu célèbre ! « Neige » représente comme son nom l'indique des flocons de neige qui tombent par une nuit noire ; elle a été présentée à la Bibliothèque nationale de France (Le champ d'un regard, 2009). Face à cette vision, une dimension métaphysique nous envahit ; « c'est l'irruption de l'invisible dans le champ du visible », comme l'a écrit François Dominique.

Katayoun Karami s'expose courageusement dans une série d'autoportraits poignants. Elle se représente crucifiée, à demi-nue, dans la position du Christ. Juste pour montrer que les femmes aussi soufrent en Iran. Dans cette série Katayoun Karami fait passer cette souffrance de l'ombre à la lumière.

Abbas Kowsari présente une photo qui illustre une célébration rituelle chiite : des décorations habillent la ville durant la nuit : lampions, papiers colorés, arcs de triomphe. Ces rituels pratiqués la nuit où la lumière a une importance majeure. Les couleurs vives et gaies - le rose, le bleu, le rouge côtoient une dominante verte, la couleur symbolique de l'Iran - laissent cependant apparaître une mélancolie diffuse ; peut-être celle de tout un peuple ?

Tadzio propose des formes d'architecture dont les masses emboitées forment des tableaux abstraits aux couleurs sombres qui varient du gris pale au noir. Aucun personnage ne figure dans ces photos.
« Lueur d'orage, ou actuelle lumière du monde comme le suggère Tadzio », pour citer Daniel Abadie.

Nicolas Silin

[16:00-21:00] Vernissage du Salon des Artistes du Val-de-Marne 2019
Location:
Musée de Saint-Maur
Villa Médicis
5, rue Saint-Hilaire
94210 La Varenne Saint-Hilaire
M° RER A La Varenne - Chennevières
France
Phone : +33 (0)1 48 86 33 28
Fax : +33 (0)1 48 83 49 12
Mail : musee@mairie-saint-maur.com
Internet Site : www.saint-maur.com/musee
Description:
Villa Médicis

Vernissage du 133ème Salon des Artistes du Val-de-Marne 2019

du 9 au 24 novembre

[16:00-18:00] Vernissage du Salon des Artistes du Val-de-Marne 2019
Location:
Ateliers d'Art de Saint-Maur
Association des artistes du Val-de-Marne
5 ter, avenue du Bac
94210 La Varenne Saint-Hilaire
M° RER A La Varenne - Chennevières
France
Mobile : +33 (0)6 30 96 24 97
Mail : salonartistesduvaldemarne@gmail.com
Description:
Villa Médicis

133ème salon de la société des artistes du Val-de Marne

3 invités d'honneur, 101 artistes dessinateurs, graveurs, peintres et sculpteurs

Sabine CHERKI
Présidente de la Société des Artistes du Val de Marne, les Membres du Comité ont le plaisir de vous convier
AU VERNISSAGE DU SALON 2019
À la Villa Médicis de Saint-Maur
Le samedi 9 novembre 2019 de 16h à 18h

Invités d'honneur : JEANNE-MARIE VERON CHRISTIAN PAIX & GALERIE ART MANIAK présentent des œuvres originales de bande dessinée.

Exposition du 9 au 24 novembre
Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 18h
Entrée libre




[17:00-21:00] 75eme Salon d'Automne de l'Académie Argentolienne de peinture
Location:
Argenteuil
Argenteuil
95100 Argenteuil
M° Gare SNCF d'Argenteuil, Gare SNCF du Val d'Argenteuil
France
Internet Site : www.argenteuil.fr
Description:
Salle des fêtes Atrium
route de Cormeilles

du 09 au 17 novembre
tous les jours de 14h à 18h

75eme Salon d'Automne de l'Académie Argentolienne de peinture

[17:00-19:00] Rencontre avec Arno Rafael Minkkinen
Location:
Galerie Camera Obscura
268, boulevard Raspail
75014 Paris
M° Raspail, Denfert-Rochereau
France
Phone : +33 (0)1 45 45 67 08
Mail : cameraobscura@free.fr
Internet Site : www.galeriecameraobscura.fr
Description:
pour la signature de sa nouvelle monographie :
MINKKINEN
Kehrer ed.

27 x 30.5 cm. 330 pages
288 photographies en trichromie
Textes de Keith F. Davis, Vicki Goldberg et Arno Minkkinen.
Prix : 75 €

Avec la participation de Pablo Lentini Riva à la guitare classique

Pour la présentation de son CD "Sarabande"
réalisé en collaboration avec Arno Rafael Minkkinen

Rencontre avec Arno Rafael Minkkinen

Dans le cadre de l'exposition d'Arno Rafael Minkkinen

Exposition
du 25 octobre au 28 décembre

Vernissage
jeudi 24 octobre à 17h

Vernissage d'Arno Rafael Minkkinen
Halfway up Mt. Mitchell, North Carolina, 2013

Vernissage d'Arno Rafael Minkkinen
Fosters Pond, 1989

Vernissage d'Arno Rafael Minkkinen
From the Shelton Hotel Looking East, 2005

[17:00-21:00] Vernissage de Flavio Tarquinio "Rêves, Gloire et Passion"
Location:
Photo Doc. Galerie
chez Atelier Jean-Pascal Laux
9, rue Charlot
Hôtel de Retz
ESC B à gauche / 1er étage droite
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire, Saint-Paul, Rambuteau
France
Mail : photodoc365@gmail.com
Internet Site : www.photodocparis.com
Description:
Vernissage de Flavio Tarquinio "Rêves, Gloire et Passion"

Rêves, Gloire et Passion
par le photographe Flavio Tarquinio

Exposition du 9 novembre au 14 décembre 2019
du mardi au samedi de 14h00 à 19h00

"Assis à leur table, habillés comme les acteurs d'un film de Duvivier, Marie Claude et Alain ne manquaient pas une occasion pour danser sur les airs joués par Bernard l'accordéoniste. Je les ai tout de suite remarqués. Leur façon d'exprimer leurs émotions, leur énergie capable du meilleur comme du pire."
Flavio Tarquinio

La Gloire des Govaert
par Jean-Pascal Billaud

« Je garde de ces moments avec Marie Claude, Alain et les autres le fort sentiment d'une construction. »

Cette construction commence pour Flavio Tarquinio, photographe à l'affut des univers populaires, par la rencontre en 1989 dans un bistrot du Nord, La Cigale, avec le couple Govaert, qu'il remarque pour sa vivacité, sa tenue soignée et la bande de potes qui voltigent autour d'eux. Marie Claude, que tous appellent Marie, sanglée dans un tailleur à rayure et Alain veste, chemise blanche et cravate flamboyante semblent présider à la valse des consos qui précèdent le bal sur les notes de Bernard l'accordéoniste.
Flavio discute avec ce duo qui l'attire, parle de tout et de rien et de son métier de photographe, sans se douter qu'il va partager pendant des années le monde très réel de ces gens sans moyen qu'on a peu l'habitude de voir photographiés, surtout de si joyeuse humeur.
« Marie, raconte Alain, montrait un vrai bonheur qu'un photographe s'intéresse à elle. » Une muse de la photographie documentaire se penche alors sur cette complicité instantanée qui fabriquera au cours des 18 prochaines années, de fêtes en moments d'intimité, la chronique photographique et épique de ces vies mêlées.
Marie Claude la baptisera elle même « Rêves Gloire et Passion » le jour de la première prise de vue en couleur de son improbable apparition en « Femme Fatale ».
Flavio conte en images (et en mots vibrants dans un livre éponyme) comment s'est bâtit la proximité, jusqu'à l'intime, avec ceux qui seront les auteurs et héros de ce feuilleton prolétaire et baroque qu'il capte au fil des jours dans son objectif.

Après les séquences réalistes en noir et blanc éclate un soap opéra hollywoodien aux costumes en technicolor, aux maquillages tragi-comiques, dégoulinants de mercurochrome et défiants toute authenticité, que seule la tendresse du regard du photographe métamorphosera en images claires obscures aux inventions poétiques sans esbroufe. Telle cette Passion du Christ où l'ami Jean Marie, sdf de son état, incarne un Jésus nimbé par la grâce et Alain un centurion brutal, casqué de papier d'alu tandis que les auréoles des anges, Mesdames Alice et Jacqueline sont des assiettes en carton.
Pour « La Sirène » Marie flottera sur une mer turquoise de sacs poubelle...
« Le but, dit Flavio, n'était pas leur transformation mais d'aller au delà de leur passivité pour révéler leur créativité... Il m'a suffi de les écouter de les encourager, de leur dire juste «pas mal»...et de sauvegarder leur spontanéité.
Pas de pleurnicheries dans ce minuscule logement d'une
maison ouvrière au fond d'une impasse où Monsieur Roland, handicapé et reclus les héberge, contre de menus services. Ils seront vite rejoints par Madame Jacqueline escroquée par son petit ami et la voisine Madame Alice... Des réfugiés de l'existence qui vont durant quelques années vivre gaiement leur exclusion.

Avec Flavio le passage du quotidien qui se raconte en noir et blanc à l'imaginaire qui s'exprime en couleur se fait dans une collaboration totale. C'est Marie Claude et Alain qui imagine les épisodes et fabriquent les costumes avec ce qu'ils ont sous la main.
Mais Flavio, témoin régulier de leurs vies assure ne s'être jamais insérer dans leurs problèmes, n'étant pas là pour çà.
Alain plus qu'amoureux après une vie sentimentale aussi mal débutée que chaotique s'enflamme : » Marie Claude rayonnait chaque jour que dieu fit ! »
Il l'épouse enfin à l'église en juillet 1997et propose à Flavio de remettre en scène l'apogée de son amour trois mois plus tard avec l'introduction de personnages, du rocker au chanteur mexicain, tous interprétés par Alain jouant avec son héroïne noyée dans la dentelle blanche.
Malgré ce Happy End glorieux Flavio insiste que tout ce complot obstiné contre le malheur fût une histoire d'amour tragique malgré les flots de passion qui s'en dégage.
Et conclut qu'il s'agit avant tout pour lui de vivre avec les autres, et d'oser cet acte révolutionnaire qu'est la connivence...

Vernissage de Flavio Tarquinio "Rêves, Gloire et Passion"

Vernissage de Flavio Tarquinio "Rêves, Gloire et Passion"

Vernissage de Flavio Tarquinio "Rêves, Gloire et Passion"

[17:00-21:00] Vernissage de l'exposition "L'horizon des évènements"
Location:
APONIA
scène conventionnée
6, avenue Montrichard
94350 Villiers-sur-Marne
M° RER A Noisy-le-Grand (Mont d'Est)
France
Phone : +33 (0)1 49 30 57 29
Mobile : +33 (0)6 20 49 36 90
Mail : aponia@wanadoo.fr
Internet Site : www.aponia.fr
Description:
du 9 novembre au 1er décembre 2019
Vernissage le 9 novembre à partir de 17h

Méryll Ampe, Matthieu Crimersmois, Cameron Graham, Frédéric Mathevet, Célio Paillard, Colin Roche, Hélène Singer, Alexandra Spence

L'horizon des évènements désigne la limite ultime où la lumière reste visible aux abords des trous noirs. L'horizon des évènements est le seul moyen de repérer lesdits trous noirs. Il s'agit d'un point limite, d'un point de basculement qui peut métaphoriquement représenter l'œuvre plastique sonore, sur le seuil.

Les productions plastiques des artistes sonores sont insaisissables. À la manière des specifics objets théorisés par Donald Judd, ils ne sont jamais vraiment des sculptures ou des installations, des objets picturaux ou graphiques. De la même manière, ils n'engagent jamais complètement ce que l'on considère traditionnellement comme une performance. Ils sont tout cela à la fois, autant qu'autre chose. Ils sont des objets hybrides, métis, sans assises fixes. Leurs spécificités sont d'être transdisciplinaires d'une part, et d'être fluides d'autre part : ils sont pris dans le flux des sons à venir ou des sons récoltés, ou celui de l'activation qu'ils supposent ou dont ils sont le témoignage.

Ces œuvres sonores sont des « ruines à l'envers », des objets qui promettent une potentialité de choses à construire. Objets sonores, corps sonores, partition, interprète et interprétation, écoute et jeux sont aux prises avec cette ambiguïté inhérente à la création en art sonore, et propose des œuvres mutables, toujours en mouvement.

Méryll Ampe
Dans son travail sonore, elle établit des liens entre sa pratique musicale et plastique. Elle puise dans des techniques directement liées à la sculpture : tailler dans la masse, modeler, sculpter.
http://meryllampe.com

Matthieu Crimersmois
« Une onde urbaine vient me chuchoter une intuition ». Matthieu Crimersmois est plasticien et platiniste travaillant sur ces ondes. Dans des cycles à vitesses variables, l'expérimentation l'amène à une recherche fondamentale sur le sensible. Elle entraîne un prototype, qui le plus souvent aboutit à un démonstrateur qui produit une trace visuelle et sonore : il l'appelle œuvre.
http://matthieucrimersmois.wixsite.com/mattcrime

Frédéric Mathevet
« Rien n'est écrit dans le marbre ! » : tel est le leitmotiv qui parcourt le travail artistique de Frédéric Mathevet. Dessins, matières sonores et signes se chahutent dans l'atelier. L'œuvre, qui ne peut alors être que nomade, devient un espace centrifuge de métamorphoses, de confrontations et de contaminations.
https://www.fredericmathevet.com

Célio Paillard
La démarche plastique de Célio Paillard est centrée sur les médias sonores et textuels. Elle prend la forme d'écritures numériques, de performances, d'installations sonores programmées ou, souvent à travers des collaborations avec d'autres artistes, de pièces sonores associées à un travail vidéo.
https://www.la-marelle.org/celio-paillard/

Colin Roche/Cameron Graham
Colin Roche et Cameron Graham, compositeurs, occupent et remplissent l'espace de leurs travaux : rencontres, objets trouvés, sons, écrits, photographies d'un lieu qu'ils explorent. Encounters se déploie, jour après jour, pour que l'accumulation des matériaux, les connexions établies infusent, se distillent dans des œuvres intermedia, pour aboutir à un ultime geste artistique, une sorte d'essence du temps.
http://www.colinroche.com
https://camerongrahammusic.com

Hélène Singer
Hélène Singer développe un travail pluridisciplinaire (photographie, installation et performance) autour de la voix, l'animalité, et la manifestation visuelle et sonore d'un invisible fantasmé. Dotée d'une formation en chant lyrique et nourrie de la culture rock, elle produit en solo des performances vocales et collabore régulièrement avec des musiciens, compositeurs électro ou acousmaticiens.
http://www.helenesinger.net

Alexandra Spence
Alexandra Spence est une artiste et musicienne originaire de Sydney. Elle réalise des installations, des compositions et des performances basées sur le son et l'écoute (du quotidien). Ses œuvres explorent l'idée d'écouter en tant que pratique active, en examinant la manière dont nos conceptions individuelles de lieu et d'identité sont formées et véhiculées par le son.
http://alexandraspence.net

Vernissage de l'exposition "L'horizon des évènements"

[17:30-21:00] Rencontre avec Pierre Wat
Location:
Galerie Berthet-Aittouarès
14&29, rue de Seine
75006 Paris
M° Mabillon, Saint-Germain-des-Prés, Odéon
France
Phone : +33 (0)1 43 26 53 09
Fax : +33 (0)1 43 26 95 66
Mail : contact@galerie-ba.com
Internet Site : www.galerie-ba.com
Description:
Dans le cadre de l'exposition "Mario Giacomelli - Paesaggio"

Dans le cadre de la 8ème édition du parcours PhotoSaintGermain 2019
http://www.photosaintgermain.com

Photographies 1960-1990

5 novembre - 14 décembre 2019
Vernissage le 5 novembre, 16h

Rencontre samedi 9 novembre, 17h30
Pierre Wat, auteur de l'ouvrage Pérégrinations, Paysage entre nature et histoire, parlera du Paysage selon Mario Giacomelli.

Vernissage de l'exposition "Mario Giacomelli - Paesaggio"

Vernissage de l'exposition "Mario Giacomelli - Paesaggio"





[18:00-21:00] Soirée de l'exposition "Anna Uchiyama"
Location:
Galerie 15 Martel
Galerie Rachel Hardouin 15 curiosity + experiences
15, rue Martel
BAT.1 #4e étage
interphone - intercom : 15 martel
75010 Paris
M° Château d'Eau, Gare de l'Est, Poissonnière
France
Mobile : +33 (0)6 60 22 50 14
Mail : contact@15martel.com
Internet Site : www.15martel.com
Description:
Photographies d'Anna Uchiyama réalisées en collaboration avec plusieurs photographes d'origine asiatique et européenne : Solène BALLESTA, Philippe BLACHE, Chris CALVET, FORMENTO + FORMENTO, Tomohide IKEYA, Tetsuro HIGASHI, Aki & Cole NORTON, Misuzu SHIBUYA, Ivan TOSCANELLI et Hajime YOSHIDA.

Vernissage de l'exposition "Anna Uchiyama"

[18:00-21:00] Vernissage de Caroline Reveillaud "Summa l O ∫"
Location:
Librairie Florence Loewy
Books by Artists
9-11, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 44 78 98 45
Fax : +33 (0)1 44 78 98 46
Mail : info@florenceloewy.com
Internet Site : www.florenceloewy.com
Description:
gallery

du 9 novembre 2019 au 11 janvier 2020

Texte de Garance Chabert

« Le temps de la montagne, le temps de la marche, le temps de la caméra et le temps du spectateur s'imbriquent, se superposent et se lient ». Cette pensée, extraite de la vidéo Summa l O ∫, apparait comme programmatique de l'approche sur le paysage que Caroline Reveillaud adopte pour cette seconde exposition personnelle à la Galerie Florence Loewy. La jeune artiste y présente un nouvel ensemble d'œuvres où s'entrecroisent des photographies, des sculptures et une vidéo, dont la complémentarité permet de cheminer par associations visuelles et strates successives dans l'histoire du paysage et du regard. Leur trajectoire commune naquit il y a peu, dans l'Italie du XVe siècle, du recul que les peintres prirent pour représenter la nature et la constituer en objet esthétique, par « artialisation » (Alain Roger, 1997). C'est l'épaisseur de ce prisme culturel, intériorisé, persistant, et défini par un œil vers lequel tout doit converger, que Caroline Reveillaud sonde dans cette exposition.

Son travail fondateur, une ligne de livres ouverts, déployait au sol des images d'architectures et d'œuvres d'art classés sous les items d' « Objet, Surface, Pli, Ligne, Sculpture I ». L'artiste poursuit ici cet inventaire personnel d'images et de figures recueillies au fil de lectures et de voyages, et arpente le paysage en y cherchant cadres et lignes, supports clés de la perspective illusionniste.

Dans l'exposition, la ligne est partout et prend différentes formes : faille immémoriale de l'érosion dans des roches de marbre (Vedute) et de granit (Map), elle serpente allègrement dans des figures abstraites sculptées au mur (Curves), et apparait, furtive, dans les plans filmés de crêtes montagneuse et d'ondulations de l'eau (Summa l O ∫). Le titre de l'exposition la place au premier plan, par une formule visuelle élémentaire élaborée à la Renaissance : les trois lignes droite, circulaire et serpentine (l O ∫) permettraient de représenter le réel dans tous ses mouvements (summa, le tout).

C'est le cas des Curves, par exemple, qui reprennent des schémas abstraits de phénomènes physiques et de changements d'état (mouvements des nuages, sublimation de corps gazeux en solides, etc.). Extraites de traités scientifiques, elles s'échappent du livre pour devenir de petits reliefs ornementaux, forment une mystérieuse écriture murale. Dans l'exposition, on circule facilement de la seconde à la troisième dimension, l'artiste jouant sur la matérialité de ses images pour démultiplier notre regard dans d'autres directions. Ainsi de Map, qui présente l'image de grands blocs de granit altéré. Le support d'impression grand format plié évoque instantanément la carte routière, et nous conduit vers une toute autre perception mentale du réseau de lignes : l'échelle schématisée et macro du paysage que l'on traverse, véhiculé à vive allure. Dans cette collision, il y a l'image vue, mais aussi la profondeur du regard et les projections du ressouvenir.

L'exposition baigne dans une atmosphère italienne, qui résonne dans les titres, dans les images et à nos oreilles. Est-ce parce que l'histoire de l'art s'invente comme discipline en Italie et qu'elle occupe une large part dans la construction du regard de l'auteur ? Vedute nous emmène à Carrare (Toscane), à travers une série de photographies réalisées dans les légendaires carrières, qui fournissent depuis l'Antiquité les blocs de marbre des fastueuses demeures et de précieuses œuvres d'art. Aujourd'hui, les carrières sont un lieu d'intérêt et d'inspiration pour nombre d'artistes contemporains qui en célèbrent le matériau et surtout sa photogénie (Aglaia Konrad, Danh Vo, Batia Suter, Daniel G. Cramer etc.). Dans ce paysage fortement « artialisé », Caroline Reveillaud réhausse ses images d'un filtre de verre fumé, lui-même partiellement incisé au jet d'eau de lignes intuitives prolongeant celles visibles sur le site. La coloration et l'épaisseur du verre sont manifestes, via cet écran qui oblige le regard à un ajustement des deux plans et trouble la perception habituelle de l'image : les découpes redonnent une densité physique aux failles originelles du bloc de pierre devenues traits, lignes dans l'image bi-dimensionnelle.

Summa l O ∫ est un film dans lequel se succèdent des séquences de paysages arpentés en Italie et ailleurs (montagnes, collines, falaises, côtes qui alternent et rendent sensible les mouvements de caméra - mise au point, zoom, travelling, etc.). Une voix de femme énonce en off des pensées sur la construction historique du paysage comme objet d'émotion esthétique et de représentation philosophique du monde. Ecrites par l'artiste qui se met néanmoins à distance en les faisant lire en italien, langue du Zibaldone, journal intellectuel de Leopardi dont la forme l'a inspirée, ses réflexions s'expriment avec une fluidité et dans un équilibre particulièrement maitrisé entre écriture et image. C'est tout l'enjeu et la réussite de ce film de permettre des points de convergence forts entre l'image et le texte, tout en les maintenant irréductibles à leur propre langage. L'œil et l'esprit peuvent déambuler dans ce film ensemble ou séparément, s'éclairer réciproquement à certains moments et se perdre à d'autres, de sorte que nos propres images et pensées prennent le relais. « Le paysage est en dedans », dit-elle, riche d'images intérieures dans un savoir ignorant de lui-même qui surgit dans la reconnaissance d'un paysage admiré. Les œuvres de Caroline Reveillaud nous ouvrent à cet abyme.

Vernissage de Caroline Reveillaud "Summa l O ∫"
Caroline Reveillaud, extrait de la vidéo Summa l O ∫, 2019, vidéo 26', sonore

[18:00-21:00] Vernissage de Christian Boltanski
Location:
Librairie Florence Loewy
Books by Artists
9-11, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 44 78 98 45
Fax : +33 (0)1 44 78 98 46
Mail : info@florenceloewy.com
Internet Site : www.florenceloewy.com
Description:
books

Christian Boltanski
+ Selection #14 by Daniel Bosser

[18:00-21:00] Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
Location:
Galerie Artcube
Espace Neolux
9, place Furstenberg
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés, Mabillon
France
Phone : +33 (0)6 48 10 28 45
Mail : jonathan.gervoson@artcube.fr
Internet Site : www.artcube.fr
Description:
Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
Le Manège

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
Narcisse

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
Self Portrait

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
L'assassine

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
L'hermaphrodite

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
Cache-Cache

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
Nimphée

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
La danseuse

Vernissage de Daiane Soares "Somnambules"
La Résurrection

[18:00-22:00] Vernissage de Hiroh Kikai "PERSONA - The Final Chapter 最終章"
Location:
in )( between gallery
39, rue Chapon
75003 Paris
M° Rambuteau, Arts et Métiers, Réaumur - Sébastopol, Etienne Marcel
France
Phone : +33 (0)9 67 45 58 38
Mobile : +33 (0)6 86 42 88 81
Mail : info@inbetweengallery.com
Internet Site : www.inbetweengallery.com
Description:
in)(between record vol. 42
Hiroh Kikai 鬼海弘雄
« PERSONA - The Final Chapter 最終章 »
Du 7 nov au 7 déc 2019
Vernissage le 9 novembre (18h-22h)

Vernissage de Hiroh Kikai "PERSONA - The Final Chapter 最終章"

The Basement Prints
in)(between record vol. 43

KOJI ONAKA - FARAWAY BOAT
CHRIS SHAW - GOLDEN BITCH
GILLES ROUDIÈRE - TROVA
MORTEN ANDERSEN - FAST CITY

Du 7 nov au 7 déc 2019 - Nov 7TH to Dec 7th 2019
Vernissage le 9 novembre - Opening Nov 9th

in)(between record vol. 43 (exposition groupe) fait partie de notre soirée habituelle des livres "Japanese) (Night - Book night" organisée chaque novembre pendant le week-end de Paris Photo.

Pour la septième édition de Japanese)(Night nous avons invité 4 artistes de la galerie à exposer et à présenter leurs dernières publications.

KOJI ONAKA - FARAWAY BOAT
Pour sa quatrième exposition à in)(inbetween Koji et Luigi ont choisi des photographies à partir de négatifs oubliés. Cette sélection se retrouve dans sa dernière publication "FARAWAY BOAT", probablement le dernier livre avec BOAT dans le titre.

Cette exposition et publication commémorent à 59 ans un tournant dans sa vie personnelle et sa vie de photographe. 43 ans depuis sa première chambre noire, 28 ans après la publication de son premier livre Seitaka-awadachiso en octobre 1991, à coup sûr, ça n'a pas été un court voyage, avec toujours la même caméra à portée de main, dérivant comme de lent twinboat d'une ville côtière (umimachi) à une autre... Avec les gesticulations d'un chat porte bonheur hissé sur un cheval, photographiant cactus, libellules, et autres bouteilles de bière dans les lointaines terres colorées de son Nogata natale. Des années 80 à Shinjuku, à sa boîte de bonbons adorée, ce fut un voyage de 30 livres publiés ainsi que de nombreux zines.

Koji dit : "J'espère qu'au fil du temps, ces photographies sélectionnées, autrefois oubliées, iront le plus loin possible, car je considère qu'elles traversent le temps tel un navire qui dérive dans l'infini."

CHRIS SHAW - GOLDEN BITCH
Pour sa seconde exposition à in)(between Chris montre une sélection de photographies en couleur de sa série "Golden Beach 85/87 à Paros, Cyclades, Grèce". Photographies prises lorsqu'il vécut sur la plage. Avec cette exposition, nous lancerons sa nouvelle publication - GOLDEN BITCH - Couverture souple, couleur et noir et blanc, publiée par Christopher Shaw et in)(between Nov. 2019.

Juin 1985, après avoir voyagé vers Athènes, sans aucune destination en tête si ce n'est d'aller au plus loin. Il est accidentellement arrivé dans l'île de Paros et a entendu parler d'une plage située à une heure de bus du port, un endroit appelé côte d'or ou Christi Akti. "Je suis descendu du bus... la poussière s'est dissipée... il y avait un chemin sinueux vers une plage sans fin... il semblait y avoir des coupe-vents faits de roseaux et de gens qui y vivaient, un café et une petite maison d'hôtes... les gens étaient nus... J'ai entendu le mot MALAKA. Ce fut mon Iliade et mon Odyssée personnelles entre les retsina, ouzo et autre metaxa. J'ai vendu mon billet d'avion retour, j'ai vécu sur la plage pendant six semaines, puis je suis rentré chez moi en auto-stop en traversant l'Europe ..."

GILLES ROUDIÈRE - TROVA
Pour sa quatrième fois à in)(between, Gilles présente TROVA, une série photographiée à Cuba.

"Gilles Roudière appartient à cette famille de la photographie intuitive et sensible, il ne dit pas le monde tel qu'il est, mais tel qu'il le ressent.

Aussi dans les images de Cuba qu'il livre, il n'y a ni intention de témoignage, ni intention documentaire.

Rien n'est descriptif. Aucun indice, aucune étude géographique ou sociale. Là n'est pas son dessein. - Caroline Benichou"

MORTEN ANDERSEN - FAST CITY
Pour sa quatrième fois à in)(between nous allons montrer un extrait de sa dernière exposition avec nous en septembre dernier, pour commémorer le 20e anniversaire du premier livre de Morten "FAST CITY" (Auto-publié novembre 1999) et le lancement de la deuxième édition à Paris (publié par Forlaget Fotografi May 2019)

FAST CITY est devenu une référence en matière de photographie. Il a été l'un des premiers livres à inclure à la fois des photographies couleur et noir et blanc. Depuis son édition il y a près de 20 ans, "FAST CITY" inspire les photographes qui veulent tenter d'adopter ce mélange. Ce livre est plus que les courants nommés "American City-Noir" et la "photographie de rue de nuit" Japonaise. Le style de photographie de Morten Andersen continue d'influencer les photographes du monde entier.

[18:00-21:00] Vernissage de Jan Meissner "Downtown - Midday"
Location:
sometimeStudio
hub créatif: conseille, conçoit, produit, édite, diffuse, expose
26, rue Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)9 51 07 13 74
Mail : contact@sometimestudio.org
Internet Site : www.sometimestudio.org
Description:
Exposition du 9 Novembre au 6 Décembre 2019
Mardi au Samedi - de 14h30 à 19h

Du 9 Novembre au Vendredi 6 Décembre 2019, sometimeStudio consacre une exposition des photographies de l'artiste Jan Meissner.

Jan Meissner est une photographe américaine qui vit et travaille à New-York.
Ses photographies peuvent donner l'impression que rien ne se passe, nul incident ou anecdote pouvant les situer dans une temporalité ou un espace, aucun message, aucune signification cachée, aucune histoire.
Mais ce qu'elle recherche lorsqu'elle se trouve dans le tumulte des rues de la ville, c'est un intervalle de calme, de reconnaissance, un soudain éclat de lumière entre le regardeur et le regardé, un instant où les bruits s'évanouissent et que la rue se fige pour s'ancrer dans un monde de silence.

Vernissage de Jan Meissner "Downtown - Midday"

[18:00-21:00] Vernissage de Kristian Gavoille "Toutes Nues"
Location:
Rue Sans Fraise
9, rue Française
75002 Paris
M° Etienne Marcel, Les Hallles
France
Phone : +33 (0)1 42 33 73 96
Mobile : +33 (0)6 29 42 41 14
Mail : Cat.Soubbotnik@ruesansfraise.fr
Internet Site : www.ruesansfraise.fr
Description:
https://www.instagram.com/kristiangavoille

Vernissage de Kristian Gavoille "Toutes Nues"

Vernissage de Kristian Gavoille "Toutes Nues"

Vernissage de Kristian Gavoille "Toutes Nues"

[18:00-20:00] Vernissage de Yusuke Shimomura "L'art technique japonais du papier découpé"
Location:
Sway Gallery Paris
18-20, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 40 33 67 13
Mail : parisinfo@sway-gallery.com
Internet Site : paris.sway-gallery.com
Description:
切り絵作家 下村優介
Yusuke Shimomura

Du jeudi 7 au samedi 16 novembre 2019
De 11:00 à 19:00, sauf le samedi de 11:00 à 18:00
Vernissage le samedi 9 novembre - 18h à 20h

https://kirie-shimomura.wixsite.com/papercutart
https://twitter.com/yuusuke_shimo
https://www.instagram.com/shimokirie

"Je découpe les lignes qui capturent les êtres vivants en mouvement, et je les expose de manière délicate et dynamique.
Normalement le papier ne provoque aucune sensation de mouvement, cependant en ajoutant la technique de la découpage, cela devient une créature vivante."


Né à Osaka en 1988, Yusuke Shimomura commence à étudier tout seul l'art du kirie, le découpage de papier, en 2012. Il réalise des œuvres qui sont non seulement méticuleuses, mais qui vibrent avec une énergie vivante. Il cherche à produire des œuvres de kirie que nous n'avons jamais vu avant.

A partir de 2014, il élargit son champ avec des activités à l'étranger. Il expose dans une foire d'art à Paris pendant 3 années consécutives, et est aussi allé aux États-unis, en Espagne et en Nouvelle-Zélande.

Pour cette exposition personnelle, les oiseaux et les manekineko seront mise à l'honneur.

Vernissage de Yusuke Shimomura "L'art technique japonais du papier découpé"

Vernissage de Yusuke Shimomura "L'art technique japonais du papier découpé"

Vernissage de Yusuke Shimomura "L'art technique japonais du papier découpé"

[18:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Gotthard Graubner"
Location:
Galerie Karsten Greve
5, rue Debelleyme
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 37
Fax : +33 (0)1 42 77 05 58
Mail : galerieparis@karstengreve.fr
Internet Site : www.galerie-karsten-greve.com
Description:
09.11.2019 - 11.01.2020
Vernissage le samedi 9 novembre 2019 de 18h à 20h

La Galerie Karsten Greve a le plaisir de présenter l'exposition Gotthard Graubner, fruit de la collaboration directe de la galerie avec l'Estate de l'artiste, et dévoile ainsi une vingtaine d'oeuvres en provenance du studio et réalisées entre 1989 et 2011.
Dès ses années de formation, Gotthard Graubner apporte une grande importance à la couleur. Mais c'est vers la fin des années 1960 qu'il développe une approche de la peinture totalement novatrice où l'expérience corporelle de l'observateur et les qualités somatiques du tableau deviennent le centre de sa peinture. Et c'est avec les Farbraumkörper (Corps Spaciaux Colorés), réalisés dès 1970, que l'oeuvre de l'artiste allemand aboutit à une totale cohérence esthétique.
Dans la peinture de Graubner, la couleur se fait corps à travers un processus de superposition de couches de pigments naturels sur une toile, tendue sur une épaisse base de coton ou éponge synthétique. En résultent des tableaux à la lecture double : vue de côté, la tridimensionnalité de cette surface convexe permet à la couleur de rentrer dans l'espace, tandis qu'une vue frontale offre la vision d'une surface apparemment plane. Il ne s'agit pas ici de mettre en question la relation entre tableau et objet, comme c'était le cas pour les artistes du Groupe ZERO, mais de revenir aux sources du sens de la couleur en peinture. Si un premier regard percoit une oeuvre monochrome, une multiplicité de chromies superposées et en dialogue se révèlent bientôt à l'oeil. L'artiste cherche à faire de la couleur non seulement le médium de son oeuvre, mais son sujet unique.
La peinture de Gotthard Graubner se fait donc totale, absolue, elle ne cherche pas à reproduire le visible mais se fait elle-même organisme vivant. Elle porte en elle les traces du processus de création et en est l'aboutissement, elle est en même-temps le devenir et l'être, l'action et la contemplation.

Vernissage de l'exposition "Gotthard Graubner"
kornata, 1993-1996, Acrylic and mixed media on canvas over synthetic wool on canvas, 207 x 210 x 20 cm / 81 1/2 x 82 2/3 x 7 3/4 in
Photo: Werner J. Hannappel, Essen. Courtesy: Nachlass Gotthard Graubner. ©VG Bild-Kunst, Bonn

[18:00-19:30] Vernissage de l'exposition "Slash"
Location:
Saint-Germain-des-Prés
Saint-Germain-des-Prés
75006 Paris
M° Saint-Sulpice, Saint-Germain-des-Prés
France
Internet Site : www.saint-germain-des-pres.com
Description:
Exposition Slash / peintures / dessins / sculptures

au Showroom Duvivier Canapés, 27 rue Mazarine, 75006 Paris, Métro : Odéon

par la Galerie Africaine en présence de Josué Comoe lors des apéritifs

2 dates à retenir particulièrement cette semaine :
vendredi 8 et samedi 9 Novembre de 10h30 à 19h30

Vernissage de l'exposition "Slash"

[18:30-20:00] Présentation de 2 livres sur Allan Sekula
Location:
Galerie Michel Rein
42, rue de Turenne
75003 Paris
M° Chemin Vert, Saint-Paul
France
Phone : +33 (0)1 42 72 68 13
Fax : +33 (0)1 42 72 81 94
Mail : galerie@michelrein.com
Internet Site : www.michelrein.com
Description:
Presentation by Hilde Van Gelder, Bart De Baere, Carles Guerra of the two new books :
- Allan Sekula: Collective Sisyphus, eds., Carles Guerra, Anja Isabel Schneider, Hilde Van Gelder, London: Walther König Books, 2019
- "Disassembled Images." Allan Sekula and Contemporary Art, eds., Alexander Streitberger, Hilde Van Gelder, Louvain: Leuven University Press, 2019


Dans le cadre de l'exposition d'Allan Sekula "Art Isn't Fair"

5 novembre, 2019 - 18 janvier, 2020

Michel Rein, Paris est heureux de présenter la 8ème exposition personnelle d'Allan Sekula à la galerie, après The photographic works of the 70's (2014), Californian Sequences (2012), Polonia and... (2011), Allan Sekula (2008), Prayer for the Americans (2004), TITANIC's wake (2001) et Dead Letter Office (1998, Tours).

« Allan Sekula (1951-2013) est exposé et représenté par Michel Rein depuis 1998. Cette exposition d'automne 2019 présente des œuvres qui couvrent l'ensemble de sa carrière.

La série de photographies Untitled donne à voir des travailleurs du sud de la Californie quittant l'usine aéronautique à la fin de leur service. C'est l'une des premières séries d'Allan Sekula qui se veut un hommage assumé à La sortie de l'usine Lumière à Lyon, 1895. (Sekula définissait souvent ses séries de photographies comme des « films désassemblés »). Á partir de 1972 et pendant de nombreuses années, Allan Sekula a présenté cette séquence sous forme d'un diaporama. Reconnaissant plus tard que le diaporama tendait vers l'obsolescence, il réalisa une édition imprimée limitée de la même série. La version imprimée est présentée ici avec un certain nombre de California Stories qu'il a réalisées vers ses vingt ans au milieu des années 1970 et qu'il n'a imprimées et exposées que pendant la dernière décennie de sa vie.

Sont également présentes dans l'exposition des images liées à diverses thématiques abordées dans les séries que Sekula a poursuivies au long de sa carrière : Fish Story (1989-1995), TITANIC's wake (1998-2000), Black Tide (2002-2003), Polonia and Other Fables (2007-2009), ainsi qu'un still du film The Forgotten Space (co-réalisé en 2010 avec Noël Burch) réalisé plus tard par Sekula sous forme d'un tirage Cibachrome d'une taille exceptionnelle présenté dans un caisson lumineux.

Art Isn't Fair (2012), la toute dernière œuvre de Sekula est une courte vidéo dont nous avons emprunté le titre pour l'exposition. Allan Sekula a été justement honoré et souvent cité comme un auteur incisif, de livres, d'essais critiques, de récits dans son travail cinématographique et vidéo, et même pour les titres de ses photographies. Les titres ont toujours été soigneusement choisis, y compris pour les œuvres « sans titre ».

Art Isn't Fair (2012) est un maillage de plans rapprochés des premiers visiteurs d'une édition d'Art Basel Miami saisis dans leur expression d'initiés. Le titre lui-même de l'œuvre est porteur d'un double sens originel : « Fair » en anglais signifie à la fois juste ou équitable mais aussi la foire et le festif. Tout au long de sa vie Allan Sekula pensait que l'art pouvait appeler à la justice sociale sans jamais prétendre assurer son avènement. De même qu'il ne faut jamais confondre un travail porteur de sens avec les memes qui s'échangent si facilement sur le marché. »
Sally Stein, oct. 2019

Artiste, écrivain et cinéaste américain, Allan Sekula (1951-2013) est, à travers l'ensemble de ses pratiques, un représentant de premier plan d'un art socialement engagé. Débutant sa carrière par l'action et la performance à l'époque des mouvements de protestations contre la guerre américaine en Asie du Sud-Est, Allan Sekula s'est ensuite tourné, au début des années 70, vers une pratique du documentaire social en questionnant de façon permanente les limites du médium photographique comme outil de communication clair et fiable. Dans sa quête d'un réalisme critique, Allan Sekula a cherché à mettre en lumière la profonde ambiguïté des conditions actuelles de la vie sociale, en équilibre perpétuel et précaire entre les conditions objectives, les idéologies hégémoniques et les imaginaires personnels. Il s'est surtout attaché à montrer la vie quotidienne « performée » de différentes catégories de travailleurs, passant ses dernières années à dépeindre le monde du transport maritime et le travail portuaire comme l'espace oublié du capitalisme tardif.

Le travail d'Allan Sekula a été exposé à la Tapies Foundation (Barcelone), au Beirut Art Center, MoMa (New York), Documenta (Kassel), Whitney Biennial (New York), Sao Paulo Biennial, Taipei Biennial, Centre Georges-Pompidou (Paris), Whitney Museum (New York), Hirschhorn Museum (Washington), New Museum of Contemporary Art (New York), Art Gallery of Ontario (Toronto), Winnipeg Art Gallery (Vancouver), The Barbican Centre (Londres), La Virreina - Centre de la Image (Barcelone), MACBA (Barcelone), Generali Foundation (Vienne), Foto Institute (Rotterdam), Akbank Sanat (Istanbul) etc.

Ses œuvres font parties de collections prestigieuses telles que le Centre Georges-Pompidou (Paris), le Musée d'Art Moderne de Paris, le CNAP - Centre National des Art Plastiques (Paris), le FNAC - Fonds National d'Art Contemporain (Paris), IAC - Institut d'Art Contemporain (Villeurbane), MACBA (Barcelone), Museo de Arte Reina Sofia (Madrid), FRAC : Grand Large - Hauts-de-France / Normandie Caen / Franche-Comté / Bretagne / Normandie Rouen, FMAC - Fond Municipal d'Art Contemporain, MoMa (New York), Whitney Museum (New York), Tate Modern (Londres), MOCA - Museum of Contemporary Art (Los Angeles), Stedelijk Museum (Amsterdam), M HKA (Anvers), Zacheta National Gallery of Art (Varsovie), Johann Jacobs Museum (Zurich), Generali Foundation (Vienne), collection TBA21 - Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Vienne), SFMOMA (San Francisco), Fotomuseum Winterthur, Wroclaw Contemporary Museum, MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Museum Folkwang (Essen), Ludwig Museum (Budapest), MCASD - Museum of Contemporary Art San Diego, entre autres.

Vernissage d'Allan Sekula "Art Isn't Fair"
(left) Replica of door to blacksmiths' shed, in situ (original in collection of Warsaw Ethnographic Museum.) Ochojno, Poland July, 2009 (detail) from Allan Sekula's «Polonia and Other Fables» / (right) Art Isn't Fair, 2012, video still (detail)

[18:30-21:00] Vernissage de Daphné Bitchatch "Les Eaux sombres"
Location:
Espace Canopy
19, rue Pajol
75018 Paris
M° La Chapelle
France
Mobile : +33 (0)6 06 72 26 67
Fax : +33 (0)1 55 79 70 74
Mail : canopy@labelette.info
Internet Site : www.labelette.info
Description:
Peinture, sculptures, objet et édition.

Daphné Bitchatch propose à la galerie Canopy la série de peintures « Les Eaux sombres », ainsi que des Assemblages sculptures, quelques publications de ses textes (Editions Derrière la Salle de Bains & Littérature Mineure), des livres illustrés de ses peintures (Editions Aencrages & Co & Editions Centrifuges).

DU 9 au 24 novembre Vernissage samedi 9 novembre à partir de 18h30.
Ouvert mercredi au vendredi 15h à 19h et samedi dimanche 15h à 20h.
Entrée libre.

« La série de peintures menée depuis une dizaine d'années fait écho à la métaphore des flots bourbeux de l'existence vers une mer inconnue, l'impermanence, rechercher un passage, l'irréversible dépouillement, choisir les récifs, une transformation pour embarquer vers un autre voyage, un autre soi sans plus d'appartenance, transit chaotique, le péril immanent à la vie, désapprendre, aborder l'eau, prendre le large, les eaux immobiles. Les volutes noires l'obscure en nous, les eaux secrètes, l'inconscient en son infini, des rayons de lumière immense, des couleurs absorbées par le soleil, l'insaisissable prenant toutes les formes, l'illusion du noir, les eaux songeuses, silencieuses, puis les ouragans, l'imprévisible, nos guerres, les eaux troubles, les eaux claires, l'originelle de la peinture peut-être en soi. » (D.B)
Les Assemblages-sculptures se composent en « une construction magique qui se révèle comme une évidence, les assemblages de Daphné Bitchatch n'évoquent pas seulement leur source d'inspiration, l'œuvre est devenue multiple et son âme nouvelle. L'artiste a provoqué ce détournement, honorant ainsi autrement avec une élégance de formes. Une énergie vitale qui lui permet d'atteindre la maitrise de l'harmonie, au-delà et dans une esthétique parfaite ; un clin d'œil assumé au ready-made et à l'Arte- povera qui valide et met en lumière ces assemblages devenus œuvre d'art. Daphné Bitchatch converse et s'exprime en créant une œuvre nouvelle dont sont empreints les secrets de la vie, du temps, mêlant intimement les interprétations symboliques et sa propre lecture dans un incessant dialogue avec l'autre. » (Extrait d'un texte de Sandra Agbessi)

Daphné Bitchatch est une peintre éperdue de la peinture à l'huile, à sa lumière, à son étoffe, à son ardeur. Aucune différence entre la peinture figurative et la peinture dite abstraite, pour Daphné Bitchatch. Seule la force des couleurs, l'énergie et le désir transcendés par le geste présent et vif, l'appel de la peinture creusent ses toiles, déchirent le silence du papier. La peinture de Daphné Bitchatch résulte d'une gestuelle et d'impulsions corporelles, ses toiles ou papiers sont peints à terre et directement avec les doigts, sans pinceau. Sa peinture est un cri, révélant des paysages intérieurs qui s'inventent la nuit, elle la jette dans un corps à corps avec la toile, la fige dans l'éclair de l'instant, la laisse advenir dans le surgissement des couleurs. Daphné Bitchatch conduit un travail de création artistique, politique et poétique simultanément au Mali, en France, au Bénin... Une peinture en voyage, à l'écoute du fleuve, du chemin qui chemine, de la vie, des rencontres... Depuis 1987, elle réalise des peintures et installations en Hollande, en Allemagne, au Bénin, en France, en Afrique du Sud, au Mali, en Azerbaïdjan, en Lituanie, en Russie, au Japon, de par "Le tout monde" comme nous l'a dit Edouard Glissant. Jean- Pierre Dhainault écrivait : « D.B. dessine sa version du déluge, dans l'espace même d'un temps millénaire qui s'achève et dont l'immémoriale peur diffuse creuse les possibles, à l'approche du basculement des computs, au verso de la page qu'on tourne ».

Vernissage de Daphné Bitchatch "Les Eaux sombres"
Les Eaux claires, par Daphné Bitchatch






[19:30-22:30] Elevastor presents [anatol] / Florian Hetz
Location:
Elevastor
1, rue Dupetit-Thouars
75003 Paris
M° Temple, République, Filles du Calvaire
France
Phone : +33 (0)1 43 70 86 18
Mail : contact@elevastor.com
Internet Site : elevastor.com
Description:
ELEVASTOR considers artistic input as part of its DNA. During "Paris Photo 2019" the concept store unites the work of Florian Hetz in an installation with the Europe launch of [anatol]'s capsule collection. The German-based brand collaborated with Florian Hetz for its very first capsule collection.
Thus, ELEVASTOR creates a space for Florian Hetz and [anatol] in direct juxtaposition with each other, where photography is being transformed into wearable artworks.
Since one of ELEVASTOR's goals is to elevate fashion to the rank of art, we cordially invite to Hetz's installation opening and [anatol]'s collection launch with drinks on Saturday, November 9th 2019 at 7:30 pm.

RSVP: event@anatol.store

ELEVASTOR, the high-end concept store in the Le Marais district, opens its doors during "Paris Photo 2019" to present artworks by Berlin-based photographer Florian Hetz and his collaboration with the brand [anatol].

Much of Florian Hetz's work deals with the absence of identity and intimacy. Memories of confusingly arousing moments, that many queer people experience without knowing how to read or act on them. The story takes place in your imagination rather than in the actual image. By taking close ups of seemingly normal body parts and gestures, Hetz brings the focus to their highly sexual undertone. His unique way of catching the body in action in a singular moment adds a new facet to common definitions about honesty and anonymity.

[anatol]'s vision is to create wearable artworks by interdisciplinarily collaborating with contemporary artists each season, emphasizing the mergence of diverse cultures. In "EDITION one: Buildings & Bodies" for Spring/Summer 2020 the German-based brand is questioning if anonymity in our society is a blessing or a curse.

For this, [anatol] is working with images from Florian Hetz's book "The Matter of Absence" combined with imagery of high-rise apartment buildings. The result is a limited capsule collection with a distinct concept and intense imagery. Implementing this topic into wearable artworks it becomes personal and subjective.

Being the latest addition to Paris' most exciting concept stores, ELEVASTOR offers a cutting-edge selection of collections by emerging designers. In the heart of the Marais area, the brick and mortar location has spawned from the retailer's e-commerce site, which launched in 2017.
Conceived by Thomas Guedj, ELEVASTOR is notable for its surprising stock, mixing technical streetwear with high-end couture. The store's current roster includes brands such as Xander Zhou, JOHNLAWRENCESULLIVAN, Telfar, AVALONE, Maison the Faux, M1992, and Dilara Findikoglu.

Elevastor presents [anatol] / Florian Hetz








[21:00-23:55] [Cannes] 21ème cérémonie des NRJ Music Awards 2019
Location:
Palais des Festivals et des Congrès de Cannes
1, Avenue Laugier
06403 Cannes Cedex
M° Gare SNCF Cannes
France
Phone : +33 4 93 39 01 01
Fax : +33 4 93 99 37 34
Internet Site : www.palaisdesfestivals.com
Description:
en présence d'Iris Mittenaere

C'est désormais officiel ! La prochaine cérémonie des NRJ Music Awards 2019 aura lieu le SAMEDI 9 NOVEMBRE en direct de Cannes. Tous les détails ci-dessous.

C'est le rendez-vous musical à ne pas manquer ! Une nouvelle cérémonie des NRJ Music Awards aura lieu en direct du Palais des Festivals de Cannes le SAMEDI 9 NOVEMBRE prochain.

Nikos Aliagas prendra une nouvelle fois les rênes de cette édition exceptionnelle qui promet déjà de belles surprises.

Comme chaque année, de nombreux artistes se retrouveront sur la scène du Palais des Festival pour interpréter leur plus grand hit. La précédente édition des NRJ Msuic Awards avaient été marqué notamment par la présence de la belle Dua Lipa, qui avait fait le buzz surle tapis rouge, et Bigflo & Oli qui sont repatis avec deux prix.

Les nommés sont...
Il faudra patienter encore quelques mois pour connaître les artistes qui seront nommés cette année ... La liste des nominations sera rendue publique le lundi 30 septembre 2019 et soumise aux votes du vote public.

Il sera alors possible de voter pour vos artistes préférés et ainsi leur permettre de décrocher une ou plusieurs récompenses ! Ne manquez donc pas l'ouverture des votes...

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