Saturday, October 17, 2020
Public Access


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Category: All

17
October 2020
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  Exposition "Bêtes de scène"
Location:
Espace Monte-Cristo
Fondation Villa Datris Paris
9, rue Monte-Cristo
75020 Paris
M° Alexandre Dumas
France
Phone : +33 (0)1 48 17 60 60
Mail : montecristo@fondationvilladatris.com
Internet Site : www.fondationvilladatris.com
Description:
Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"

Du 14 mars au 12 juillet 2020
Prolongation de l'exposition du 2 septembre au 20 décembre 2020
Du mercredi au dimanche de 11:00 à 18:30

Entrée libre : gratuit

Commissariat d'exposition et scénographie :
Pauline Ruiz et Jules Fourtine

« L'art ne cesse pas d'être hanté par l'animal. »
Gilles Deleuze et Félix Guattari


Pour la troisième année consécutive, l'Espace Monte-Cristo présente à Paris les nouvelles acquisitions de la Collection Fondation Villa Datris (située à L'Isle-sur-la-Sorgue dans le Luberon).
Bêtes de scène à Paris ! Les animaux dans la sculpture contemporaine revisite dans une nouvelle scénographie l'exposition qui a réuni plus de 51 000 visiteurs à l'Isle-sur-la-Sorgue en 2019.
À travers la sélection de 57 sculptures de 29 artistes français et internationaux, elle pose un regard artistique contemporain sur l'animal : de la beauté sauvage à la bête qui sommeille en nous.


Ils nous surprennent, nous font rire, nous agacent et nous émeuvent. Véritables bêtes de scène toujours prêtes à faire le show, les animaux sont une source inépuisable d'inspiration pour les artistes. Pour s'en convaincre, il suffit de faire un tour à la Fondation Villa Datris, qui présente en ce moment 57 sculptures réalisées par 29 artistes contemporains français et internationaux en hommage à ces drôles de bestioles.

Lapin aux aguets de Françoise Pétrovitch, albatros en néons lumineux du collectif Art Orienté Objet, renard blessé de Pascal Bernier, louve folklorique de Katia Bourdarel ... Les animaux sont représentés ici sous toutes leurs coutures. Certains s'inspirent de la mythologie et des récits fondateurs - Kate MccGwire et son serpent à plume rappelant le Quetzalcoatl mésoaméricain, Evert Lindfors revisitant l'Arche de Noé -, d'autres s'intéressent à la frontière entre animalité et domesticité, comme Sébastien Gouju qui imagine une pieuvre vivant dans une salle de bain !

Laurent Perbos joue la carte de l'originalité et de l'humour en affublant un petit oiseau d'une cagoule de catcheur mexicain tandis que Samuel Rousseau revisite les peintures rupestres préhistoriques. Autant d'initiatives surprenantes qui nous invitent à reconsidérer notre rapport avec les animaux.

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Art orienté objet, Albatros, 2017, Collection Fondation Villa Datris
©Franck Couvreur

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Kate MccGWIRE, Paradox, 2019, Collection Fondation Villa Datris
©JP Bland-détail

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Katia Bourdarel, Je suis une louve, 2012, Collection Fondation Villa Datris
© Bourdarel, Paris 2019 Photo Aeroplastics, Bruxelles

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Laurent Perbos - Inséparables, rouge gorge et canaris 2014
© Galerie Baudoin / Photographie Jacques Penon et Michel Erlich

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Laurent PERBOS, De Marbre et d'or, 2005
© Galerie Baudoin Lebon / Raphaël Chipault

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Laurent Perbos, Sans titre (Lucha Libre), 2017
© Baudoin Lebon / Photographie Laurent Perbos

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Laurent Perbos, The Birds, 2012
© Galerie Baudoin Lebon / Laurent Perbos, détail

Vernissage de l'exposition "Bêtes de scène"
Pascal BERNIER, Accident de chasse (renard), Collection Fondation Villa Datris
©Eric de Ville ©Pascal Bernier_ADAGP, Paris 2019

08:00  
09:00  
10:00  
11:00 [11:00-19:00] Vernissage de Hernan Bas "Creature Comforts"
Location:
Galerie Emmanuel Perrotin
76, rue de Turenne
10, Impasse Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 42 16 79 79
Fax : +33 (0)1 42 16 79 74
Mail : info-paris@galerieperrotin.com
Internet Site : www.galerieperrotin.com
Description:
17 OCTOBRE - 19 DÉCEMBRE 2020

Perrotin présente au public Creature Comforts, la cinquième exposition que la galerie consacre au peintre américain Hernan Bas, dans laquelle figurent treize nouveaux tableaux créés par l'artiste depuis le mois de mars dans son studio de Miami.

Un sentiment de tension poétique imprègne les travaux de Bas, réalisés à différentes échelles, de formats plus grands que nature à des dimensions intimistes, reflétant la vaste palette d'émotions éprouvées par leurs protagonistes. Figures récurrentes de l'univers fastueux assumé de l'artiste, de jeunes hommes adultes peuplent des mises en scène presque surréalistes, empreintes des vestiges d'une angoisse adolescente et d'une fragilité face à la masculinité imminente. Ces dandys blasés à la rémanence et la délicatesse invariables exécutent avec prudence des actes extravagants : ils flirtent avec le danger, valsent avec la mort et se drapent dans la douleur.

Vernissage de Hernan Bas "Creature Comforts"
Vue du studio ©Silvia Ros. Courtesy of the artist and Perrotin

It's not the beginning of the play and it's not the end. It's literally that intermission where you walk out, take a breath and say let me think about that for a minute before I go finish this.
- Hernan Bas (pour le magazine Garage)

Élégance et morbidité se répondent dans Dinner hour at the Little Shop of Horrors, où l'on voit un jeune homme équipé de gants verts hisser la carcasse d'un animal à l'aide d'une chaîne en métal, dans une serre peuplée de plantes carnivores. L'appétit délicatement barbare des plantes est ainsi apaisé, non pas grâce à l'énorme bloc de viande, mais aux mouches attirées par l'odeur de la chair crue, qui est représentée à la manière de Chaim Soutine.

Vernissage de Hernan Bas "Creature Comforts"
Dinner hour at the little shop of horrors, 2020
274.3 x 213.4 cm | 9 x 7 ft
Acrylique sur toile

Dans Hot Seat, un long serpent suspendu au plafond vient se lover autour du cou d'un jeune homme, dans une atmosphère sous haute tension. Baignée de tonalités rouges, la pièce contient en arrière-plan un terrarium empli de reptiles. Une lampe incandescente et la chemise assortie du jeune homme complètent cette fournaise, que Bas illumine en s'inspirant de l'Autoportrait en enfer de Munch (1903).

Vernissage de Hernan Bas "Creature Comforts"
The hot seat, 2020
182.9 x 152.4 cm | 72 x 60 inch
Acrylique sur toile

How Best to Suffer Swamp Life at Dusk montre un autre gentleman s'abritant derrière un voile transparent qui, retombant d'un parapluie, masque ses yeux bleus et le protège de moustiques voraces. Résistant malgré sa légèreté, le voile est déjà constellé d'insectes assoiffés du sang du jeune homme. Comme les autres sujets de l'exposition, ce personnage adopte une attitude entre inconfort et posture, assumant délibérément sa position précaire dans un duel avec des créatures naturelles.

Vernissage de Hernan Bas "Creature Comforts"
How best to suffer swamp life at dusk, 2020
274.3 x 213.4 cm | 9 x 7 ft
Acrylique sur toile

"Peints par Hernan Bas depuis presque vingt ans, ces Ganymède, Tadzio et Elio des temps modernes incarnent aujourd'hui la transition vers la maturité, symbolisée par leurs gestes d'une abnégation et d'une générosité fatales. Ces jeunes hommes s'exposent aux risques au détriment de leur beauté, qui était jusqu'alors à la fois leur armure et leur parure. Auparavant esthètes indulgents et romantiques mélancoliques, ils sacrifient désormais leurs fluides vitaux ou leurs demeures, en tentant d'assurer le confort de créatures qu'ils chérissent courageusement.

Dans Adult Security Blanket, l'un d'entre eux orne sa tenue entièrement noire d'une pièce de tissu bleu roi portant l'inscription : « Adult security blanket. If lost return to D. Bell » (Doudou pour adulte. En cas de perte, merci de le retourner à D. Bell). Cet élément est inspiré d'une trouvaille en friperie appartenant à la collection de l'artiste depuis plus de dix ans. La boîte du doudou original, qui n'est pas représentée dans le tableau, indique : « When all seems to fail, try this 'true companion' for comforting consolation... » (Quand rien ne va, faites appel à ce 'vrai compagnon' pour vous réconforter...)."

Osman Can Yerebakan


J'aime garder les peintures aussi intemporelles que possible, même dans le style des personnages qui est toujours simples : jean, t-shirt, etc. cela permet au spectateur de s'engager dans le récit qu'il choisit de lire dans l'œuvre. J'essaie de ne pas le préciser pour le spectateur; l'ambiguïté est toujours l'amie des œuvres, à l'exception des titres avec lesquels je m'amuse beaucoup.
- Hernan Bas (pour Aesthetica)

Vernissage de Hernan Bas "Creature Comforts"

HERNAN BAS
Né en 1978 à Miami, Florida, USA
Habite et travaille à Miami, Florida, and Detroit, Michigan, USA

Les peintures expressionnistes figuratives très détaillées de Hernan Bas sont ouvertement inspirées de l'esthétique décadente de la fin du XIXe siècle en art et en littérature, mais aussi du style symboliste et décoratif des Nabis. Ancrés esthétiquement dans l'iconographie du dandy androgyne, les jeunes protagonistes de ses visions oniriques sont généralement montrés seuls ou en petits groupes, dans des représentations de flânerie la plus totale. Qu'ils soient confinés dans l'intimité d'une scène de genre ou perdus dans le vertige d'un paysage romantique dense et luxuriant, ils vivent dans un monde fantasmé d'érotisme implicite et de sensualité ambiguë. Ils semblent toujours suspendus dans le temps, entre l'adolescence et l'âge adulte, et incarnent ainsi cet état intermédiaire fragile que l'artiste appelle « fag limbo » (« les limbes homo »). Au moyen d'une palette flamboyante et d'une touche raffinée, Hernan Bas revisite et réinterprète avec une maîtrise totale toutes les catégories de la peinture classique dans une perspective homoérotique en apparence mélancolique, mais souvent humoristique et pleine d'esprit.

[11:00-19:00] Vernissage de Johan Creten "Entracte"
Location:
Galerie Emmanuel Perrotin
76, rue de Turenne
10, Impasse Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 42 16 79 79
Fax : +33 (0)1 42 16 79 74
Mail : info-paris@galerieperrotin.com
Internet Site : www.galerieperrotin.com
Description:
17 OCTOBRE - 19 DÉCEMBRE 2020

Précurseur du renouveau de la céramique dans l'art contemporain, Johan Creten est de retour avec Entracte, sa quatrième exposition personnelle à la galerie de Paris. Cette exposition intervient comme une pause symbolique et invite à la réflexion, à la respiration.

Avec Entracte l'artiste souligne l'importance de la beauté dans son œuvre, tout en réaffirmant sa conscience humaniste et la résonance sociale et politique de sa pratique. Elle dialoguera avec I Peccati, son exposition monographique à L'Académie de France à Rome - Villa Médicis, du 15 octobre au 31 janvier 2021.

Dans la grande salle, plusieurs ensembles se mélangent en un panorama éveillant un imaginaire toujours marin. Algues et coquillages demeurent des motifs identifiables, gorgeant l'iconographie en présence par leur graphisme et leur contenance. Des pétales encore humides hérissent plusieurs Vénus naissantes. Leur parure semble faite d'une nuée de lèvres toniques, figées dans l'imperméabilité de la glaçure. La marée se fait sentir. Les contours féminins se précisent dans des séries telles qu'Odore Di Femmina ou La Perle Noire, et bien-sûr avec The Herring qui surveille divinement ce paysage trempé.

Vernissage de Johan Creten "Entracte"
THE HERRING, 2018
Sculpture : 154 x 50 x 43 cm | 60 5/8 x 19 11/16 x 16 15/16 inch
Socle : 87 x 82 x 82 cm | 34 1/4 x 32 5/16 x 32 5/16 inch
Total : 241 x 82 x 82 cm | 94 7/8 x 32 5/16 x 32 5/16 inch
Bronze patiné, fonte à la cire perdue

Clay is excremental, it's the ashes of the dead, at the same time it's mother earth, it links the sacred and the profane, in a brutal way, disgusting and magical at the same time.
- Johan Creten (pour Modern Painters)

Johan Creten stimule en permanence la tentation du toucher. Interdit primordial dans nombre de religions, celle de l'art comprise, le contact alimente le gonflement du désir, faisant passer les autres sens pour pré-liminaires face à l'accomplissement qu'il réclame. L'ultime tabou prétend souvent préserver le statut d'une œuvre, intouchable, en opposition à la vulgarité de l'objet caractérisé par sa préhension. Caresser un bronze, effleurer une céramique, relève de la transgression.

Johan Creten ouvre suffisamment ses formes et leurs connotations, pour ne pas les figer dans une lecture unique. Les interprétations doivent rester malléables, de l'humour au dégoût. Lui-même se nourrit de la quête incessante d'une image qu'il ne méduse pas.

Vernissage de Johan Creten "Entracte"
ODORE DI FEMMINA - SOLFATARA, 2019
Sculpture : 100 x 52 x 46 cm | 39 3/8 x 20 1/2 x 18 1/8 inch
Socle : 76 x 70 x 70 cm | 29 15/16 x 27 9/16 x 27 9/16 inch
Total : 176 x 70 x 70 cm | 69 5/16 x 27 9/16 x 27 9/16 inch
Grès émaillé

Avec son corpus inédit des Bolders, sept possibles assises arriment chacune un péché capital. L'installation joue d'une symétrie avec sa version italienne déployée à la Villa Medicis à Rome, qui consacre une importante monographie ostensiblement intitulée I Peccati. Campée dans l'attente d'une prise, la situation rappelle l'articulation stimulante entre pécheur et pêcheur.

Sa suite Glory témoigne particulièrement de cette esquive. Son lustre doré empêche au regard de s'ancrer, tant sa phanie nous fait riper sur les reliefs. Il y a un dynamisme opérant par le mouvement et la lumière, qui affirme la charge cinétique de ces modules. Leur perspective est pénétrante. Elle nous entraîne en un hypnotique vortex, qui inspire, qui expire. Les rayons s'élargissent vers les splendeurs baroques érigées pour exalter le sacré, tout en se contractant pour percer les tréfonds les plus secrets de la morphologie humaine. Au loin, il y a ce trou noir originel. Une béance, appelons-la Vulva. Et comme tout passe depuis toujours par une fente, c'est justement par là que l'artiste tient à nous faire commencer.»

Joël Riff

Vernissage de Johan Creten "Entracte"
GLORY - OKVIK IV, 2018
95 x 71 x 22 cm | 37 3/8 x 27 15/16 x 8 11/16 inch
Grès émaillé, lustre or

To use beauty to talk about very serious subjects on a secondary level is very important to me. These hidden stories can be social, political or sexual, and these pieces open up slowly if you take the time to look at them from different angles.
- Johan Creten (pour Forbes)

Vernissage de Johan Creten "Entracte"

JOHAN CRETEN
Né en 1963 à Sint-Truiden, Belgique
Habite et travaille à Paris, France

Johan Creten travaille de façon itinérante depuis 25 ans, de Mexico à Rome, de Miami à Amsterdam. Il vit actuellement à Paris. Creten commence à travailler l'argile à la fin des années 1980, à une époque où ce matériau est encore tabou dans le monde de l'art. L'argile est alors jugée sale et humide, et le créateur est également perçu comme un usurpateur qui transgresse les interdits religieux en prenant la place de Dieu. Pourtant, la terre symbolise aussi la « Terre-Mère », qui lie le sacré au profane. Creten est un des premiers adeptes de l'argile dans l'art contemporain et est considéré comme un précurseur, au même titre que Thomas Schütte et Lucio Fontana. Pionnier du renouveau de la céramique moderne, Creten continue à influencer aujourd'hui toute une génération de jeunes artistes.

[11:00-19:00] Vernissage de Pieter Vermeersch
Location:
Galerie Emmanuel Perrotin
76, rue de Turenne
10, Impasse Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 42 16 79 79
Fax : +33 (0)1 42 16 79 74
Mail : info-paris@galerieperrotin.com
Internet Site : www.galerieperrotin.com
Description:
17 OCTOBRE - 19 DÉCEMBRE 2020

La galerie Perrotin Paris est heureuse d'accueillir une nouvelle exposition des oeuvres de l'artiste Belge Pieter Vermeersch.

Cette exposition se nourrit de tous les antagonismes de la discipline, se voulant par exemple à la fois figurative (elle a toujours une source photographique, ces photographies sont toujours faites par Vermeersch, même lorsqu'il s'agit de photos qu'il qualifie d'« accidentelles ») et abstraites (car ces photographies « accidentelles » n'ont souvent à offrir que quelques variations colorées informelles).

Vernissage de Pieter Vermeersch
Untitled, 2020. Silkscreen on marble. 162.5 x 217 x 2 cm | 64 x 85 7/16 x 0 13/16 inch. 195.00 kg

Même lorsque la toile est « abstraite », elle est paradoxalement fabriquée comme une peinture photoréaliste, l'image photographique y étant reproduite avec un méticuleux système de grilles. De la toile elle garde parfois souvenir uniquement du format (et encore peut-elle être shaped) l'entrainant vers d'autres supports : dans l'exposition parisienne, la première salle comprend des sérigraphies sur marbre et la dernière permet de déployer un ensemble de peintures à l'huile sur bois fossilisé - un bois que, comme le décrit Vermeersch, le temps aurait « rendu minéral ». Dans les sérigraphies sur marbre, « la matière devient image » au bénéfice d'une "industrialisation du pointillisme ».

Vernissage de Pieter Vermeersch
Vue de l'exposition de Pieter Vermeersch à la galerie Perrotin. Photo : ©Claire Dorn

L'art de Vermeersch n'est ni illustratif ni narratif : il n'a, en somme, que l'art comme béquille. Les choses partent souvent des matériaux (sur le marbre, ce sont des images de marbre qui sont sérigraphiées - l'image est tellement agrandie que chaque point de la grille laisse voir autour de lui le support) et des vertus (et récits personnels) que l'artiste y projette. Les œuvres, et plus encore les expositions, traduisent en expérience physique les réflexions scientifiques et poétiques (les deux, simultanément) de Vermeersch qui, ici précisément mais aussi auparavant, se focalisent sur le temps et l'espace, et la manière dont leurs divisions définissent le quotidien.

La pierre est très primaire. Si vous cassez un rocher de la rivière, vous pouvez voir des millions d'années figées dans ses veines. En extrayant, coupant et polissant (...) nous rendons la nature plus visible. Le temps qui passe devient palpable! Et nous avons un aperçu de quelque chose qui n'était pas visible auparavant. L'histoire de la pierre a une dimension presque cosmique, que je souhaite explorer dans mon travail. Le marbre est une pierre qui se métamorphose sous l'influence de la température, de la pression ou des fluides hydrothermaux; il a souvent des millions d'années et contient des fossiles. Un tel morceau de marbre est comme une critalisation du temps et de l'espace cristallisés.
- Pieter Vermeersch (pour le magazine DAMN)

Le moment de l'exposition, chez Peter Vermeersch, est véritablement un moment de cristallisation qui excède la présentation des œuvres. Ses expositions sont plus exactement des dispositifs ingénieux - de perception, de réflexion, d'appréhension - qui, eux, mettent en pratique de manière plus littérale les divisions du temps et de l'espace.

Le moment de l'exposition est aussi celui où les œuvres murales sont provisoirement confrontées aux matériaux et aux couleurs de ce « room divider » : dans l'exposition parisienne, le polycarbonate et le miroir, produits industriels, mettent en scène le marbre et le bois sur un mode conflictuel. Pareillement, les œuvres elles-mêmes exposent des conflits entre l'industriel et le naturel, via par exemple l'application des composants chimiques de l'encre de sérigraphie sur le marbre brut. Conflictuel ou « Beau comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d'une machine à coudre et d'un parapluie » ? Le dispositif qui fabrique l'exposition de Vermeersch organise pour le spectateur l'expérience de ces conflits sur un mode qui, lui aussi, tient à distance la logique.

Les peintures sont basées sur des sources photographiques, et il est important qu'elles viennent de notre réalité, même si elles peuvent paraître indéfinies, car je ne suis pas un peintre abstrait à part entière. L'aspect du temps me préoccupe beaucoup et la photographie est un outil connexe dans ce domaine spécifique. Mon souci est de créer des images qui ont une sorte de degré zéro de représentation, nous amenant à un niveau de temps et d'espace où nous pouvons sentir l'écho de l'inconnu que nous connaissons tous.
- Pieter Vermeersch (pour Blouin Art Info)

Vernissage de Pieter Vermeersch

PIETER VERMEERSCH

Né en 1973 à Kortrijk, Belgique
Habite et travaille à Brussels, Belgique

La recherche picturale de Pieter Vermeersch (Courtrai, 1973) dépasse les limites de la toile. Son travail consiste souvent en de grandes interventions spatiales, subvertissant constamment le territoire conçu pour un espace d'exposition ou ajusté à un site architectural préexistant. Outre les installations picturales immersives et les peintures murales en dégradé, son œuvre inclut aussi un ensemble de peintures sur toile éphémères faisant référence au degré zéro de la peinture. Les pièces deviennent une réalité concrète par le processus irréversible du ciselage et du fraisage de la pierre naturelle. Ses œuvres sont complétées par une série d'épreuves photographiques de plaques de marbre réactivées par des touches délicates de peinture, un coup de pinceau ou des aplats graduels de couleur. Avec la représentation et l'abstraction comme paramètres, l'œuvre de Vermeersch déclenche des expériences perceptives infinitésimales, nous présentant un sens de la couleur qui renvoie à l'espace entre l'apparition et la disparition, dans lequel s'effacent les divisions entre le bidimensionnel et le tridimensionnel, entre l'immatériel et le tangible, entre l'espace et le temps.

[11:00-19:00] Vernissage de Stéphanie Saadé "Choses sues et oubliées"
Location:
Galerie Anne Barrault
51, rue des Archives
75003 Paris
M° Rambuteau, Hôtel de Ville
France
Phone : +33 (0)9 51 70 02 43
Mobile : +33 (0)6 62 28 51 68
Mail : info@galerieannebarrault.com
Internet Site : www.galerieannebarrault.com
Description:
Du 17 octobre au 28 novembre
Ouverture le samedi 17 octobre, de 11h à 19h,
et le dimanche 18 octobre de 14h à 18h

Vernissage de Stéphanie Saadé "Choses sues et oubliées"
La rencontre entre la Première et la Dernière Particule de Poussière (détail), voilage usagé provenant de la chambre d'enfant de l'artiste, broderie, 294 cm (largeur) x 322.5 cm (hauteur), 2020

A l'occasion de la semaine de l'art du 18 au 25 octobre 2020, la Galerie Anne Barrault est heureuse d'inviter les galeries Akinci (Amsterdam), et Grey Noise (Dubai), en parallèle à l'ouverture de la nouvelle exposition de Stéphanie Saadé.
Akinci présentera des aquarelles de Thomas Huber et Grey Noise exposera des œuvres de Charbel-joseph H. Boutros.

[11:00-20:00] Vernissage de Wes Lang
Location:
Galerie Almine Rech
64, rue de Turenne
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart, Chemin Vert
France
Phone : +33 (0)1 45 83 71 90
Fax : +33 (0)1 45 70 91 30
Mail : contact.paris@alminerech.com
Internet Site : www.alminerech.com
Description:
October 17 - November 14, 2020
Opening on Saturday, 17 October, from 11 am - 8 pm.

Almine Rech Paris is pleased to announce Wes Lang's first solo exhibition with the gallery.

Over the last several decades, artist Wes Lang has been honing his craft involving, amongst other things, a tireless, obsessive mining of a post-pop American landscape. A great many of the artist's influences are a function of a distinct autobiographical experience with certain exceptions; the indigenous American as well as other totems of the American West, and painters and sculptors from middle of last century such as Twombly, Guston, Kline, Mitchell, Bacon dove-tailing on up to the more contemporary such as Basquiat, Kippenberger, and Mike Kelley. To date, Lang has made his mark primarily on canvas and paper -- though his practice extends to include cast bronze sculpture, collage, hotel stationary, fabric, glass and precious metals -- and is known for creating surfaces that sizzle; bombastic mélanges often brimming with elegantly rendered, still rough-around-the-edges imagery of grim reapers, Indian chiefs, fallen country music icons, sultry seductresses, long lost folk legends, dead authors, motorcycles, roses and other flora, birds, horses, all of which jockey for prominence within compositions sewn together (and resolved) by cryptic scrawls with a bittersweet vernacular resonate of Ram Dass and the Tao by way of the edge of the universe.

Vernissage de Wes Lang


[12:00-19:00] Vernissage de Levi van Veluw "Origin of creation"
Location:
Galerie Praz-Delavallade
5, rue des Haudriettes
75003 Paris
M° Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 45 86 20 00
Fax : +33 (0)1 45 86 20 10
Mail : gallery@praz-delavallade.com
Internet Site : www.praz-delavallade.com
Description:
Viewing room

17 octobre - 28 novembre 2020
Vernissage : 17 octobre, 12h - 19h

La galerie Praz-Delavallade a le plaisir d'annoncer la représentation de Levi Van Veluw ainsi que sa première exposition personnelle "Origin of creation".

Pour ce premier opus, Levi Van Veluw présente une série de peintures-sculpures à la fois géométriques et de formes austères - voire statiques, composées de successions de répétitions rythmiques, semblant rappeler des reliques, utilisées comme pour magnifier un but supérieur. L'artiste met en évidence les similitudes entre les symboles de différentes croyances. Il révèle le désir de l'homme de rendre tangible à travers la matière le côté invisible et spirituel de la foi et, ce faisant, met en doute sa crédibilité.

Petit fils de pasteur, Levi Van Veluw fut totalement fasciné dès sa tendre enfance par les rites religieux et les pratiques qui les accompagnent. Une inclination qui va au delà de la stricte spiritualité pour atteindre les territoires de l'art par lesquels l'architecture joue un rôle majeur pour forger un langage formel que Van Veluw a méticuleusement étudié. En réalité, l'artiste est particulièrement intéressé par la procédure qui donne voie à un imaginaire conduisant à renforcer les croyants dans leur foi. Ainsi, à travers l'utilisation de la lumière, de la symétrie et l'harmonie, souvent utilisée pour décrire cette perfection divine, il souligne la proximité que l'homme entretient avec ce besoin de croyance justifiant le rôle éminent que joue l'artiste en prônant ce concept du «gesamtkunstwerk» d'œuvre d'art totale. Principe esthétique cher au romantisme allemand apparu en Europe au XIXème siècle, ce dernier désigne une œuvre synesthétique comportant l'unification de plusieurs médiums artistiques, c'est à dire la pluridisciplinarité d'une œuvre d'art dans sa conception. Levi Van Veluw reprend à son compte ce principe de dissolution des frontières entre art et vie mêlant tous les sens à une oeuvre autonome. Ce n'est pas seulement une référence à la création divine, comme ce fut l'usage dans l'art entre le gothique et le baroque. L'artiste revendique ici sa propre validité. Il part du principe que la notion de sacré se veut une notion sociale, un produit collectif voire anthropologique, laïque et il s'interroge sur la manière dont l'art devient lui-même objet de sacralisation dans notre époque contemporaine. Cette première présentation à la galerie Praz-Delavallade rend compte de cette complexité qu'il y a à faire allusion à un art tel que l'abrite nombre de nos églises en Europe. Levi Van Veluw met en avant cette richesse artistique, oeuvres essentielles à ces peuples de croyants confortés dans la complexité de leur foi par la magnificence de l'art.

Levi Van Veluw (né en 1985 à Hoevelake), vit et travaille à Zaandam. Diplômé en 2007 de l'ARTEZ, son travail est depuis exposé à l'international : Het Hem Museum, Zaandam, NL (2020); Rijksmuseum Twente, Enschede, NL (2019); Domaine de Kerguéhennec, Bignan, FR (2018); La Galerie particulière, Paris, FR (2017); Momentum Bienal, Norway, NOR (2017); Frac Normandie Rouen, FR (2016) - et lui a offert plusieurs nominations et prix d'art contemporain. Son travail est inclus dans de nombreuses collections privées et publiques parmi lesquelles: Borusan Contemporary, the Caldic Collection, the Ekard Collection et Kpmg.

Vernissage de Levi van Veluw "Origin of creation"
Levi van Veluw, Sanctuary, 2020, Acrylic on Hahnemühle paper, 23 5/8 x 15 3/4 in (60 x 40 cm)




[14:00-19:00] Finissage d'Aurore Le Duc "Nos Cœurs Sur Les Cimaises"
Location:
Galerie Chloé Salgado
61, rue de Saintonge
75003 Paris
M° Filles du Calvaire, République, Oberkampf
France
Mail : contact@galeriechloesalgado.com
Internet Site : www.galeriechloesalgado.com
Description:
Ce samedi 17 octobre et à l'occasion de Paris Avant-Première, la Galerie Chloé Salgado est heureuse de vous convier au finissage de l'exposition personnelle d'Aurore Le Duc, Nos Cœurs Sur Les Cimaises. Cet évènement se tiendra de 14h à 19h, dans le respect des gestes barrières, et en présence de l'artiste. Hors-Jeu, le court-métrage de Léopold Gautier, Maeva Nicol et Diane de la Thibauderie sur Aurore Le Duc sera également projété sur demande tout au long de l'après-midi. Aurore Le Duc - Nos Cœurs Sur Les Cimaises

La GALERIE CHLOE SALGADO est heureuse de vous convier à Nos Cœurs Sur Les Cimaises, une exposition personnelle d'Aurore Le Duc.

L'exposition sera vernie le vendredi 11 septembre de 18h à 21h, et sera ensuite ouverte du mercredi au samedi, de 14h à 19h, jusqu'au 17 octobre.


UN DIMANCHE A LA GALERIE - DIMANCHE 13 SEPTEMBRE

À l'occasion d'Un Dimanche À La Galerie, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art, la galerie sera ouverte le dimanche 13 septembre de 13h à 19h.


PROJECTION HORS-JEU - LES SAMEDIS 19 SEPTEMBRE & 3 OCTOBRE

HORS-JEU, le court-metrage par de Léopold Gautier, Maëva Nicol et Diane de la Thibauderie sur Aurore Le Duc, sera projeté à la galerie le samedi 19 septembre, ainsi que le samedi 3 octobre à 16h. Aurore Le Duc et les réalisateurs seront présents.

Vernissage d'Aurore Le Duc "Nos Cœurs Sur Les Cimaises"

[14:00-18:00] Signatures de Christopher Anderson & Harry Gruyaert
Location:
Librairie La Nouvelle Chambre Claire
3, rue d'Arras
75005 Paris
M° Cardinal Lemoine
France
Phone : +33 (0)1 42 01 37 36
Mail : lachambreclaire@la-chambre-claire.fr
Internet Site : www.la-chambre-claire.fr
Description:
Samedi 17 Octobre
Rencontre / Signature

à 14h : Christopher ANDERSON
pour son livre "Pia"

à 16h : Harry Gruyaert
pour son livre "India"

[14:00-20:00] Vernissage de Jean-Baptiste Boyer "Horizon"
Location:
Galerie Laure Roynette
20, rue de Thorigny
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 42 71 06 35
Mobile : +33 (0)6 08 63 54 41
Mail : contact@laureroynette.com
Internet Site : www.galerie-art-paris-roynette.com
Description:
17.10 - 12.12.2020
Vernissage samedi 17 octobre de 14h à 20h

Vernissage de Jean-Baptiste Boyer "Horizon"

[14:00-21:00] Vernissage de Nina Childress "Phosphorescente"
Location:
Galerie Bernard Jordan
77, rue Charlot
75003 Paris
M° Filles du Calvaire, Temple, République
France
Phone : +33 (0)1 42 77 19 61
Mail : galerie@bernard-jordan.com
Internet Site : www.galeriebernardjordan.com
Description:
Vernissage le 17 octobre à la galerie en présence de l'artiste

Vernissage de Nina Childress "Phosphorescente"





[15:00-18:00] Dédicace de Jean-Michel Nicollet
Location:
Galerie Barbier
10, rue Choron
75009 Paris
M° Notre-Dame-de-Lorette, Saint-Georges, Cadet
France
Mobile : +33 (0)6 80 06 29 95
Mail : info@galeriebarbier.com
Internet Site : www.galeriebarbier.com
Description:
À l'occasion de l'exposition qui lui est consacrée, Jean-Michel Nicollet viendra dédicacer ses ouvrages parus aux éditions Zanpano le samedi 17 octobre de 15h à 18h.

***
Le diable, Miroirs, Chambres meublées, Oh ! Ce sera beau & Bruxelles stories...

***
Seuls les détenteurs de tickets numérotés pourront y accéder.
Pour obtenir un ticket, merci d'écrire à armeen@bdartiste.com

***
Les expositions de Jean-Michel Nicollet et Olivier Ledroit seront ouvertes pendant la durée de la dédicace.


Dans le cadre de l'exposition "Nicollet"

Vernissage de l'exposition "Nicollet"

[15:00-19:00] Séance de dédicace de Kosta Kulundzic
Location:
Galerie Brugier-Rigail
Art Partner Galerie
40, rue Volta
75003 Paris
M° Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 77 09 00
Mobile : +33 (0)6 99 42 10 50
Fax : +33 (0)1 42 77 09 00
Mail : contact@artpartnergalerie.com
Internet Site : www.artpartnergalerie.com
Description:
Dans le cadre de l'exposition de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"

15 Octobre - 7 Novembre 2020

Venez découvrir les œuvres pleines de couleurs de cet artiste franco-serbe établi à Hawaii

« Je ne fais pas un portrait, je fais un tableau » Henri Matisse

Notre rencontre avec Kosta remonte maintenant à plus de 10 ans, cela faisait des années que nous souhaitions travailler avec lui sur un projet d'envergure qui s'inscrive dans une série d'expositions qui parcourent le monde (Hawaii - Los Angeles-Paris).

Fils d'architecte, petit-fils de pope (prêtre chrétien orthodoxe), ayant grandi en France avec, pour toile de fond familiale, les tourments du conflit yougoslave, Kosta s'est construit dans un monde où se côtoient beauté, violence, croyance, espoir et mysticisme. Il est, en 2012, l'un des initiateurs du mouvement sous-réaliste, avec l'artiste serbe Vuk Vidor et l'artiste français Stéphane Pencréac'h, monté en réaction à la conceptualisation de la peinture contemporaine : pour ces artistes, l'image doit primer sur l'idée et non l'inverse.

Ses anciens travaux, mélanges de mysticisme, violence et dualisme, donnaient à voir une inversion des valeurs, un monde dans lequel les femmes ont pris le dessus sur les hommes, et s'adonnent aux crimes des plus terribles dans une atmosphère ludique. Avec « HAWAII EPIPHANY », Kosta Kulundzic expose l'aboutissement de ses dernières recherches picturales. Des œuvres puissantes, portraits de la vie quotidienne hawaiienne, interprétées magistralement par l'artiste et où se mêlent réalisme figuratif et expression de son introspection personnelle. Ce dualisme, si présent dans ses expositions précédentes, semble s'être déplacé dans une partie de la composition plus secondaire, tout en restant incroyablement présent.

La gnose dualiste est prépondérante dans l'œuvre de Kosta. Elle nous amène à une réflexion sur la place de la laideur et de la violence dans nos sociétés modernes, en opposition à la beauté de la nature et de la jeunesse (ou encore du couple religion/violence versus la pratique du surf dans les iles paradisiaques).

Cette dualité omniprésente dans l'œuvre de Kosta Kulundzic lui permet de peindre des portraits de famille qui s'inscrivent intégralement dans son parcours de recherche. "Le portrait de famille" est une nouvelle facette de l'expression de son art.

Et c'est un honneur pour nous d'avoir la chance de réaliser une monographie de cette période avec lui.

Vernissage de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"

Vernissage de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"
Georgia's barrel, 2020
Huile sur toile
122 x 185 cm
Signée en bas à droite

Vernissage de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"
Tropics beauty 3, 2020
Stylo à bille sur papier
150 x 110 cm
Signé en bas à droite

Vernissage de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"
Tropics beauty 7, 2020
Huile sur bois
21 x 15 cm
Signée en bas à droite

Vernissage de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"
Tropics beauty 8, 2020
Huile sur bois
21 x 15 cm
Signée en bas à droite

Vernissage de Kosta Kulundzic "Hawaii Epiphany"
La douce mélancolie de Sunset Beach éditions, 2020
Tirage pigmentaire sur papier Opale pur coton 250 gr.
76 x 56 cm
Edition de 60 exemplaires signés par l'artiste et numérotés

[15:00-19:00] Vernissage d'Henri Landier "Requiem pour les Barthélemy"
Location:
Musée de la Grande Guerre du Pays de Meaux
Rue Lazare Ponticelli
77100 Meaux
M° Gare SNCF de Meaux
France
Phone : +33 (0)1 60 32 14 18
Mail : reservation.museedelagrandeguerre@meaux.fr
Internet Site : www.museedelagrandeguerre.eu
Description:
Vernissage d'Henri Landier "Requiem pour les Barthélemy"

Requiem pour les Barthélemy
Peintures et dessins d'Henri Landier

Exposition temporaire du 17 octobre 2020 au 3 janvier 2021

En 2010, le peintre et graveur Henri Landier découvre dans la ville de Fuveau, au pied de la montagne Sainte- Victoire, un monument aux morts surmonté d'une statue de Marianne implorant le ciel avec rage. Les noms de onze membres de la famille Barthélemy sont gravés sur le monument.

L'artiste, né en 1935, est marqué par les conflits qui ont ébranlé le 20e siècle : il porte le prénom d'un cousin mort la veille de l'Armistice, il a connu enfant l'exode et les souffrances des civils pendant la Seconde Guerre mondiale, il a écouté les récits de guerre de son ami, le poète Pierre Mac Orlan.

À l'occasion du Centenaire du conflit, Landier décide de rendre un hommage pictural et de saluer la mémoire de tous les combattants de la Grande Guerre. Dès lors, il peint avec frénésie et sincérité, retranscrit ses souvenirs et ceux que lui a racontés Pierre Mac Orlan.

L'exposition propose, au coeur du parcours de visite, une sélection des oeuvres mémorielles les plus marquantes d'Henri Landier qui exprime sa vision humaniste et son amour de la vie sur les malheurs et les espoirs des hommes en guerre.

Vernissage d'Henri Landier "Requiem pour les Barthélemy"
Le quatuor de la Marne, huile 2017 - 130x195 cm

[15:00-20:00] Vernissage de Patrick de Glo de Besses "Fenêtres"
Location:
Granville Gallery
23, rue du Départ
75014 Paris
M° Montparnasse - Bienvenüe
France
Phone : +33 (0)1 43 22 41 94
Mobile : +33 (0)6 87 31 45 34
Mail : granvillegallery@wanadoo.fr
Internet Site : www.granvillegallery.org
Description:
Vernissage de Patrick de Glo de Besses "Fenêtres"
Vernissage de Patrick de Glo de Besses "Fenêtres"






[16:00-19:00] Finissage de Lucy Ralph "Derma Occupatio"
Location:
La Galerie du C.R.O.U.S. de Paris
11, rue des Beaux-Arts
75006 Paris
M° Saint-Germain-des-Prés, Mabillon
France
Phone : +33 (0)1 43 54 10 99
Fax : +33 (0)1 43 54 10 99
Mail : galerie@crous-paris.fr
Internet Site : www.crous-paris.fr/article.asp?idcat=AABD
Description:
EXPOSITION // Du 7 au 17 octobre 2020
INAUGURATION // Jeudi 8 octobre à partir de 16h

Derma Occupatio est un projet qui explore les subtilités et le fonctionnement intrinsèque du corps et de l'esprit humain. Des racines grecques Derma, la peau, et latine Occupatio, l'action d'occuper, ces deux termes fondateurs annonce la base de la réflexion de l'ensemble du travail de Lucy Ralph.

Finissage de Lucy Ralph "Derma Occupatio"

[16:00-21:00] Vernissage "Assemblage #25 : Les sirènes sont la mémoire du ciel"
Location:
Space in Progress
Julio Artist-run Space
13, rue Juillet
75020 Paris
M° Ménilmontant, Gambetta
France
Mail : bonjour@spaceinprogress.com
Internet Site : www.spaceinprogress.com
Description:
Assemblage #25
Les sirènes sont la mémoire du ciel

avec les artistes Marina De Caro, Juliette Dominati, Vanessa Fanuele
et la participation spéciale de Daiana Rose.

Vernissage samedi 17 octobre de 16h à 21h

Exposition du 17 octobre au 7 novembre 2020
Ouvert les jeudis, vendredis et samedis de 16h à 19h ou sur RDV

Maurice Blanchot écrit dans le Livre à venir: « Les Sirènes: il semble bien qu'elles chantaient, mais d'une manière qui ne satisfaisait pas, qui laissait seulement entendre dans quelle direction s'ouvraient les vraies sources et le vrai bonheur du chant. Toutefois, par leurs chants imparfaits qui n'étaient qu'un chant encore à venir, elles conduisaient le navigateur vers cet espace où chanter commencerait vraiment ».

Dans les œuvres présentes, le dessin est conçu comme un instrument de connaissance, de compréhension et de subversion de la réalité. Les sculptures prennent l'aspect d'ossatures aux formes archaïques pouvant dévoiler un temps futur. Les matériaux sont transformés en éléments pourvus de mémoire qui construisent notre engagement avec le temps présent.

Julio va participer dans le Belleville week-end et l'exposition sera ouverte au public le samedi 24 et dimanche 25 octobre de 12h à 19h avec tout le réseau du Grand Belleville.

Les œuvres sont en vente en soutien aux artistes et à l'association.


Marina De Caro. Née en 1961 à Mar del Plata. Vit et travaille à Buenos Aires.

Elle a fait des études d'histoire de l'art à l'Université de Buenos Aires. Intéressée par les processus pédagogiques, elle a coordonné le Proyecto Trama à Buenos Aires, un programme international de coopération et de confrontation entre artistes 2001/05, ainsi que les rencontres Video Bastardo et le Club de Herramientas disponibles para artistas. Depuis 2000, elle dirige un atelier pour la formation d'artistes contemporains, Escuela de sábados para la investigación de incertidumbres y materialización de ideas. (École du samedi pour la recherche sur les incertitudes et la matérialisation des idées).

Elle a développé pour la 7e Biennale du Mercosul: Grito e Escuta, Porto Alegre Brésil le projet pédagogique Artistas en Disponibilidad, La educación como un espacio para el desarrollo de Micrópolis experimentales. (Artistes en disponnibilité. L'éducation comme espace de développement de micropoles expérimentales) et le projet éducatif El laberinto de los sentidos pour le Musée d'Art Moderne de Buenos Aires. Elle fait actuellement partie du collectif de militantisme poétique Cromoactivismo.

Elle a réalisé des nombreuses expositions individuelles, des performances et participé à des résidences, des expositions collectives et des biennales internationales .

Juliette Dominati: Née en 1990 à Paris. Vit et travaille à Paris.

Elle est diplômée de l'École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy en 2017. A la fois peintre, réalisatrice, metteur en scène, elle développe son travail dans le champ des superpositions entre réalité́ et fiction. Ses actions poursuivent la même esthétique de collage. Elle enregistre des histoires, des souvenirs, des détails du quotidien qu'elle assemble construisant ainsi un corpus d'histoires. Invitée à plusieurs résidences de création à l'étranger, son travail a été́ montré en 2019 à Buenos Aires, à Londres, et à Lisbonne. Elle aborde la peinture par le biais d'environnements sensibles. Alors que certaines pièces pourraient devenir des œuvres domestiques, d'autres pourraient revenir à ce qu'elles étaient, des rebuts.

Vanessa Fanuele: Née en 1971. Vit et travaille à Paris.

Après avoir évolué plusieurs années dans le domaine de l'architecture, son travail protéiforme, dessin, peinture sculpture et installation, s'articule autour d'interrogations complexes liées tant à la question de la mémoire, qu'à celle de la nature ou des espaces mentaux.

Des œuvres de Vanessa Fanuele, émane la sensation d'un monde à la lisière du trouble dans lequel l'espace et le temps oscillent entre passé et futur. Les ossatures révèlent des fragments de lieux perdus, érodés, qui semblent être recouverts la plupart du temps de strates fluides et transparentes.
Mêlant paysages peints et architectures-objets, Vanessa Fanuele crée un autre espace, tel un récit qui raconterait la survivance d'un monde à venir.

Exposition ouvert du 17 octobre au 7 novembre
Ouvert les jeudis, vendredis et samedis de 16 à 19h ou sur RDV

[16:00-20:00] Vernissage de Jason Dodge "They lifted me into..."
Location:
Gilles Drouault galerie/multiples
Galerie de Multiples, GDM
17, rue Saint-Gilles
75003 Paris
M° Chemin Vert
France
Phone : +33 (0)1 48 87 21 77
Fax : +33 (0)1 48 87 21 77
Mail : contact@galeriedemultiples.com
Internet Site : www.galeriedemultiples.com
Description:
"They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon" est une exposition produite en six exemplaires... et présentée simultanément dans six galeries situées en Europe et aux Etats-Unis, pendant la dernière semaine d'octobre et la première semaine de novembre.
Les galeries participantes sont Gilles Drouault galerie/multiples (Paris), les éditions More avec Gevaert Editions (Bruxelles), Guimaraes (Vienne), Akwa Ibom (Athènes), Gern en Regalia (NYC), et Galleria Franco Noero (Turin).

They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon is an exhibition as an edition of six shown in six venues simultaneously during the last week of October and the first week of November. Participating venues include Gilles Drouault galerie/multiples (Paris), with MORE publishers with Gevaert Editions (Brussels), Guimaraes (Vienna), Akwa Ibom (Athens), Gern en Regalia (NYC), and Galleria Franco Noero (Torino).


Nous admirons depuis longtemps le travail de Jason Dodge. En 2008, nous éditions Alphabet, 5 generations of bell makers Nürnberg, un multiple de 30 exemplaires. En 2015, nous éditions un nouveau multiple avec Jason pour notre Collection 100 %. Entre les deux, nous suivions attentivement l'évolution de son travail au fil de sa carrière internationale.
Nous sommes très heureux aujourd'hui de participer à la production d'une exposition multiple de Jason Dodge : They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon.
La très belle idée de Jason est de réaliser une exposition en 6 exemplaires... La même exposition, mais en 6 lieux différents, présentées simultanément.
Bien sûr, les lieux, les espaces, les personnes qui s'occuperont du montage feront, chaque fois, pour un œil attentif qui perçoit autant les singularités que les les similitudes, une exposition différente. C'est aussi l'intérêt de cette œuvre, que de poser que les œuvres d'art, comme les êtres humains, sont à la fois identiques et différents selon les contextes qui les accueillent.
Cette exposition, et son principe de simultanéité et de multiplicité, ne pouvait pas mieux arriver... 6 galeries, 5 en Europe, 1 aux Etats-Unis, présenteront donc simultanément la même exposition. Ainsi, des belges, des français, des américains, des italiens, des autrichiens, des grecs pourront visiter, simultanément, la même exposition (ou presque...) sans avoir à voyager. C'est l'inverse des propositions habituelles : inviter les amateurs d'art à se déplacer, par train, voiture, avion, pour aller voir en un lieu unique une exposition.
Cette idée est née avant la pandémie... Sa beauté en effet ne dépend pas des difficultés de déplacement actuelles. Et elle était d'autant plus forte qu'elle manifestait un choix, et non une contrainte. Mais ce qu'elle perd en manifeste, elle le gagne en réponse claire et évidente. Et même anticipatrice. L'art a moins besoin de voyager, désormais, pour être international, que de tisser des amours communes et des complicités dispersées en quelques points du monde.
L'exposition nous dit aussi que l'originalité d'une œuvre, ne dépend pas de son unicité. Une œuvre d'art est par définition toujours unique, quelque soit son nombre d'exemplaires. Parce qu'une œuvre d'art est toujours un objet autonome pris dans une relation singulière et spécifique.
They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon est une exposition qui, en un point précis du monde, fait échos a différents lieux du monde... En se multipliant, mais de façon nécessairement interprétée, elle souligne son unicité et l'originalité de l'expérience à laquelle elle nous invite.
Surtout, mais il faut la voir et la parcourir, parce que son émotion et sa sensibilité ne peuvent être traduites, They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon est une exposition conceptuelle à l'intelligence précise et délicate, et poétique, dans le sens où elle n'est réductible à aucune autre forme qu'elle-même.

Vernissage de Jason Dodge "They lifted me into the sun again and packed my skull with cinnamon"

[16:00-21:00] Vernissage de l'exposition "ni la neige ni la pluie ni l'obscurité"
Location:
Jousse Entreprise - Art Contemporain
6, rue Saint-Claude
75003 Paris
M° Saint-Sébastien - Froissart
France
Phone : +33 (0)1 53 82 10 18
Fax : +33 (0)1 53 82 13 63
Mail : art@jousse-entreprise.com
Internet Site : www.jousse-entreprise.com
Description:
exposition du 17.10.2020 au 12.12.2020

À l'occasion de LE PARI(S) organisé par le CPGA et de "A Paris pendant la FIAC" l'exposition sera exceptionnellement ouverte le jeudi 22 octobre jusqu'à 22h et le dimanche 25 octobre de 14h à 18h.

Anne-Charlotte Finel, Ange Leccia, Jean-Luc Vilmouth

Avec ni la neige ni la pluie ni l'obscurité, la galerie Jousse Entreprise invite Anne-Charlotte Finel et Ange Leccia à dialoguer avec les oeuvres de Jean-Luc Vilmouth.

Entre histoire et science-fiction, fracas du monde et nature énigmatique, cette exposition entend tisser des liens matériels et sensibles entre les différentes propositions pour mieux saisir le trouble de notre époque et sortir du régime transparent de la communication.

Fabien Danesi







[17:00-19:00] Signature de Sarah Moon & Clara Bouveresse
Location:
Librairie La Comète - Picto
anciennement Librairie Photographique Le 29
29, rue des Récollets
75010 Paris
M° Gare de l'Est
France
Phone : +33 (0)1 40 36 78 96
Mail : lacomete@picto.fr
Internet Site : www.lacomete.picto.fr
Description:
Signature de Sarah Moon & Clara Bouveresse

[17:00-20:00] Vernissage de Kriki "Mediase"
Location:
Galerie Suzanne Tarasiève
7, rue Pastourelle
75003 Paris
M° Filles du Calvaire, Saint-Sébastien - Froissart, Arts et Métiers
France
Phone : +33 (0)1 42 71 76 54
Mobile : +33 (0)6 11 01 16 79
Mail : info@suzanne-tarasieve.com
Internet Site : www.suzanne-tarasieve.com
Description:
17 octobre - 28 novembre 2020
Vernissage samedi 17 octobre de 17h à 20h

Exhibition catalogue - Text by Richard Leydier

MARAIS ART WEEK by marais.guide
In collaboration with LE PARI(S) Paris Art Week
Du dimanche 18 octobre au dimanche 25 octobre 2020, les galeries du Marais ont décidé d'organiser une semaine spéciale de l'art contemporain (fermeture le lundi)

"Pour sa première exposition à la Galerie Suzanne Tarasieve, Kriki présente un nouvel ensemble d'huiles sur toile et de dessins couleurs. Le titre de l'exposition « Médiase » est la contraction des mots médias et Méduse.
Ce nom évoque ici l'action anxiogène des journaux télévisés, et fait aussi référence à la déesse antique Gorgone, au regard pétrifiant. Dans le tableau qui porte ce titre, Kriki peint « Médiase » sous la forme d'une gigantesque méduse bleue, échouée sur la plage, et dont la tête formée de téléviseurs surmonte les tentacules de câbles de connections ; car ce sont bien les réseaux médiatiques qui diffusent les peurs. Si les conflits du Proche-Orient, la déforestation, ou encore les peuples représentés dans le tableau « Plastik » servent de sujet à l'artiste, d'autres scènes plus intimes font référence à sa punkitude autant qu'à son rôle de peintre dans la société. La peinture de Kriki résiste à notre premier regard, c'est une pensée rhizomique qui fonctionne par concaténation ; passant du global à l'intime, du sensible au subtil. Dans ces tableaux hyper construits, à la composition travaillée au préalable sur ordinateur, des personnages emblématiques et allégoriques peuplent l'espace, comme la figure renversée d'un danseur de hip hop, un hipster punk à la barbe verte ; ici un homme à facettes évoquant l'anonymat des mosaïques télévisuelles, ou bien encore, des hommes feuilles, des hommes fibres, coiffés de masques recyclés, hérités des ethnies africaines. Ou encore « Shêdu », le taureau androcéphale, dans le tableau « Syrian », sans oublier le FUZZ, célèbre figure inventée par l'artiste dans les années 1980. Dans les peintures de Kriki, des objets apparaissent aussi de manière récurrente, comme les troncs-platines, métaphores dendrochronologiques qui permettent d'écouter le silence de la nature. Des câbles, symboles d'un monde surconnecté, serpentent ça et là parmi des livres embrochés comme des kébabs, signe d'une fast-culture à consommer sur le pouce.
Le monde dépeint par Kriki nous apparait somme toute comme un rêve éveillé, sociologique et grinçant, d'une densité captivante et plutôt positive."
Richard Leydier

Vernissage de Kriki "Mediase"
Kriki, Plastik, 2020, huile sur toile / oil on canvas, 165 x 250 cm

[17:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Blast Over"
Location:
Ruttkowski;68
8, rue Charlot
75003 Paris
M° Rambuteau, Arts et Métiers, Saint-Sébastien - Froissart, Saint-Paul
France
Mail : info@ruttkowski68.com
Internet Site : www.ruttkowski68.com
Description:
curated by Christian Rex Van Minnen

17 OCTOBER - 22 NOVEMBER 2020

OPENING RECEPTION:
SATURDAY, 17 OCTOBER, 2020, 5-8 PM

Christian Rex van Minnen is the curator of the upcoming show Blast Over at Gallery Ruttkowski;68 in Paris. Borrowed from the world of tattoo art, the term blast over describes a new tattoo that is placed on top of an older one without covering it up completely. By overpainting the old image with a new one, without trying to conceal the traces of the past, an ambiguous effect is created that is at once harmonious and dissonant. A blast over is not comparable to a cover-up, nor is it a careful overlay; it is a strong gesture that symbolizes a certain creative attitude. It is a deliberate, impulsive act that shows a harsh irreverence for what exists beneath while keeping it visible at the same time. For this show at Ruttkowski;68, Rex van Minnen has collected works from fourteen artists that explore this idea of overlapping narratives and parallels in time such as layers of feeling, language, or cultural phenomena. The aim is to gather a multifaceted collection of artistic approaches that range from a focus on music to reflections on technology. With contributions by Antwan Horfee, Adam Shrewsbury, Asger Carlsen & Roger Ballen, Bert Krak, Bianca L. Fields, Colin Chillag, Daisy Parris, Delphine Hennelly, Erin M. Riley, Ishmael Butler, Jesse E. Edwards, Judith Supine and Willie Wayne Smith.

Vernissage de l'exposition "Blast Over"
Asger Carlsen & Roger Ballen

[17:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Contes et passions"
Location:
Galerie Placido
41, rue Chapon
75003 Paris
M° Arts et Métiers, Rambuteau
France
Phone : +33 (0)1 42 74 23 21
Mobile : +33 (0)6 10 22 21 92
Fax : +33 (0)1 42 12 09 86
Mail : info@galerie-placido.com
Internet Site : www.galerie-placido.com
Description:
Contes et passions
Tales and passions

Peter Halley
Yves Klein
Joerg Lozek
Jason Martin
François Morellet
Piero Pizzi Cannella
Joana Vasconcelos
Stefano Di Stasio
Balint Zsako

du lundi 19 octobre au jeudi 26 novembre 2020
de 14 à 19 heures








[18:00-20:00] Vernissage de l'exposition "Art abstrait"
Location:
Galerie Libre Est L'Art
52, rue Notre Dame de Nazareth
75003 Paris
M° Temple, Arts et Métiers, République
France
Mobile : +33 (0)6 50 53 34 40
Mail : galerie.libre_est_lart@yahoo.com
Internet Site : www.galerie-libre-est-lart.com
Description:
du 17 au 23 octobre

Vernissage de l'exposition "Art abstrait"

12:00
13:00
14:00
15:00
16:00
17:00
18:00
19:00
20:00
21:00  
22:00  
23:00  
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