Germain Pire - Week from April 22, 2019 to April 28, 2019

Description:

Le Jour de la Terre marque tous les ans l'anniversaire de la naissance, en 1970, du mouvement environnemental tel qu'on le connaît aujourd'hui. Le jour de la Terre fut célébré pour la première fois le 22 avril 1970, lorsque le sénateur américain Gaylord Nelson encouragea les étudiants à mettre sur pied des projets de sensibilisation à l'environnement dans leurs communautés.

Gaylord Nelson, sénateur du Wisconsin, a proposé la première manifestation environnementale d'envergure sur le territoire américain pour secouer l'establishment politique et forcer l'insertion de la problématique environnementale à l'agenda national. « C'était un pari », se rappelle-t-il, « mais cela a fonctionné »[1]. En effet, ce premier Jour de la Terre a mené à la création de l'agence de protection de l'environnement des États-Unis (EPA) et à l'adoption de la loi « Clean Air, Clean Water, and Endangered Species ». En 1990, sous l'égide de l'environnementaliste américain Denis Hayes, le Jour de la Terre est devenu un événement planétaire, mobilisant 200 millions de personnes dans 141 pays et jouant un rôle de levier pour les enjeux environnementaux globaux. Le Jour de la Terre a donné un élan énorme aux campagnes de sensibilisation à la réutilisation et au recyclage, et a aidé à préparer le terrain pour le Sommet de la Terre des Nations Unies à Rio de Janeiro en 1992.

Au Québec, c'est depuis 1995 qu'on le célèbre en organisant toutes sortes d'activités de sensibilisation face aux enjeux environnementaux. Le Jour de la Terre fait résonner haut et fort le message que des citoyens de toute la planète souhaitent une action rapide et décisive en faveur de l'énergie propre.

Aujourd'hui, plus de 500 millions de personnes dans 184 pays passent à l'action chaque année dans le cadre du Jour de la Terre. Au fil des ans, le Jour de la Terre est devenu l'événement participatif écologiste le plus important de la planète.

Time:

21:00-23:55

Description:

Du 18 au 22 avril 2019
21h - minuit (dernière entrée 23h45)

Wim Wenders présente les soirs du 18 au 22 avril 2019 une installation monumentale cinématographique conçue à partir de sa filmographie, projetée sur la structure intérieure de la Nef du Grand Palais.

Ni oeuvre d'art vidéo, ni film d'artiste, cette création visuelle constitue une proposition originale et spectaculaire d'« exposer » le cinéma de Wim Wenders comme un objet avant tout artistique.

L'oeuvre unique que Wim Wenders a créé pour cet événement est un montage inédit à partir d'images de ses propres films, affranchi de toute trame narrative, et concentré sur l'esthétique de l'artiste. A l'écran blanc d'une salle de cinéma se substitue l'architecture grandiose de la Nef du Grand Palais : regarder le cinéma ne sera plus une expérience frontale mais immersive.

Au cours de ces soirées exceptionnelles, venez déambuler gratuitement dans la Nef en contemplant les images de Wim Wenders projetées en taille monumentale grâce à un dispositif de projection unique en Europe, conçu et breveté par l'atelier ATHEM, scénographe de l'événement : 12 projecteurs 4k (ultra haute définition) recouvrent ainsi une grand partie de l'architecture de la Nef (toute sa largeur à 270°).

Cette installation est une coproduction entre la Réunion des musées nationaux - Grand Palais et la Wim Wenders Foundation, avec le soutien de Blain|Southern.

Cet événement bénéficie du soutien de ATHEM.

#EMOTIONWIMWENDERS

Wim Wenders : (E)motion au Grand Palais

Time:

18:00-22:00

Description:

28 rue des Saints-Pères, 75007 Paris

L'équipe du Prix Sciences Po pour l'art contemporain a le plaisir de vous convier à la cérémonie de remise des prix de sa 10e édition !

- le mardi 23 avril à 18h au 28 rue des Saints-Pères en présence des artistes
- la cérémonie se poursuivra par un cocktail de 18h30 à 22h

Artistes sélectionnés :
- Minia Biabiany
- Emilie Brout et Maxime Marion
- Marc Buchy
- Io Burgard
- Dorian Cohen
- Mathis Collins
- Hilary Galbreaith
- Jérôme Grivel
- Chrystèle Nicot
- Yan Tomaszewski

>> RSVP

Time:

19:00-22:00

Description:

En présence de Charlize Theron et Seth Rogen

Description:

Libération d'Italie par les Alliés et les partisans et fin du régime fasciste en 1945

Time:

16:00-20:00

Description:

Exposition du 25 avril au 25 mai 2019
Vernissage le 25 avril de 16h à 20h

"Octobre 1852. Dans son journal, l'écrivain et philosophe Henri Frédéric Amiel consigne le souvenir d'une promenade au jardin avant de conclure : « Un paysage quelconque est un état de l'âme ». Anticipant les préceptes d'une phénoménologie de la perception, telle que définie notamment par Maurice Merleau-Ponty près d'un siècle plus tard, Amiel distingue ici le paysage comme un espace subjectif, au creux duquel résonne le double retentissement de l'affectivité du sujet sur le monde et du monde sur le sujet. A la différence du lieu qui préexiste au promeneur et survit après lui, le paysage paraît tout entier dépendant de son passage. Image vivante et habitée par lui, il éclot et se fane au bord des yeux qui le contemplent, au seuil des mots qui le ressuscitent. Il n'est autre chose que le monde vécu et décrit par le sujet, un objet du désir et du souvenir.

Le travail de Sophie Kitching partage ce même attachement à retranscrire l'expérience affective du quotidien, avec laquelle elle ne cesse de renouer à travers ses installations, peintures, vidéos et sculptures. Sa méthode, fondée sur l'observation analytique de son environnement, lui permet d'en décomposer chaque élément et chaque mouvement pour n'en garder in fine que les formes les plus essentielles : le miroitement de l'onde et le crépitement des frondaisons, la lame d'un reflet ou la fraîcheur d'une ombre. Puis cette question, nichée au cœur de sa pratique : comment répéter le paysage ? Par où y entrer de nouveau ?

Conçus comme des dispositifs actifs, ses peintures sur polycarbonate et miroir sans tain répondent à ces interrogations
en dépassant le simple enjeu de la description du paysage pour en réactiver les vibrations de la lumière et recouvrer les possibilités d'une expérience subjective pure, à la lisière de l'abstraction. Ces objets ambigus, entre peinture et architecture,
parviennent à dégager une ouverture dans l'espace et le temps, comme autant de respirations.

Pour sa première exposition à la Galerie Isabelle Gounod, Sophie Kitching met en relation ce travail pictural avec un projet inédit d'installation et de photographie, inspiré des devantures de «Deli», ces épiceries de New York dont les vitrines de fortune en toile vinyle et aluminium présentent aux passants leurs alignements de fleurs, de jour comme de nuit. L'artiste s'emploie ici à en retranscrire les effets vibratiles et les couleurs, avec cette même attention portée aux détails du quotidien que l'on retrouve plus loin dans sa vidéo « Parades », dont le montage par superposition semble rejouer la mécanique du souvenir.

Observer, répéter, recouvrir. Par ses gestes l'artiste redonne aux objets les plus simples, aux instants anodins, une charge poétique nouvelle : la promesse d'un ré-enchantement énoncée par la porte entr'ouverte de l'imagination. Entrez, vous qui passez.

Thibault Bissirier, avril 2019

Vernissage de Sophie Kitching

Time:

17:00-21:00

Description:

vernissage le jeudi 25 avril de 17h à 21h
exposition du 26 avril au 25 mai 2019

Quelques mois après l'exposition "Notoriété Discrète" programmée à la galerie Arts Factory en 2015, Aurélie William Levaux publiait chez Atrabile, "Sisyphe, les joies du couple", où elle disséquait avec la plus grande justesse les affres et les tourments d'une relation amoureuse terriblement toxique. Avec "La Vie intelligente" - son nouveau livre pour le même éditeur - les choses semblent s'être bien apaisées, même si la vie, bien qu'intelligente donc, reste toujours aussi compliquée.
C'est avec énormément d'humour que l'autrice nous parle de ce nouveau départ, grâce à une plume volatile, emportée et aérienne, qui passe de digression en digression (la révolution, les pizzas à un euro, la place de l'artiste, Les Grosses Têtes ... ) pour mieux décrire un quotidien cocasse où l'autobiographie n'est jamais loin.

Au delà du texte, "La femme", "la fille", "Néandertal", principaux personnages de cette histoire prennent véritablement corps avec les dessins sur tissu, à la fois bruts et fragiles, véritable marque de fabrique de l'artiste. Certes, les couleurs sont plus vives que sur des travaux précédents, évoquant une certaine forme d'insouciance et de légèreté, elles n'en dissimulent pas moins une violence sociale en prise avec l'actualité récente.

la vie intelligente - aurélie william levaux
152 pages couleur / noir & blanc - 15 x 22.5 cm
couverture souple
éditions atrabile - 19.50 €

Vernissage d'Aurélie William Levaux

Time:

17:00-21:00

Description:

du 21 au 30 avril

gulheran@gmail.com

Time:

17:00-21:00

Description:

vernissage le jeudi 25 avril de 17h à 21h
dédicace le samedi 27 avril de 17h à 21h
exposition du 26 avril au 25 mai 2019

Arts Factory programme du 25 avril au 25 mai 2019 la première exposition d'envergure en galerie de l'artiste genevois Helge Reumann. A la fois plasticien, illustrateur et auteur de bande dessinée, la production de ce génial touche-à-tout aura longtemps été associée au collectif Elvis Studio, co-fondé avec Xavier Robel en 1996. Parmi leurs nombreux faits d'armes, l'impressionnant leporello "Elvis Road" - un dessin panoramique de plus de 7 mètres de long, d'abord édité par Pipifax en 2002, puis Buenaventura Press en 2007 - reste à ce jour un véritable tour de force dans l'histoire de la scène graphique contemporaine avec ses 8433 personnages recensés !

S'appuyant sur les oeuvres réalisées par Helge Reumann pour ses deux derniers ouvrages "Black Medicine Book" et "SUV" - respectivement publiés chez Atrabile en 2017 et 2019 - l'exposition propose une fascinante immersion dans un environnement particulièrement hostile.
Très différents sur la forme, "Black Medicine Book" est une monographie documentant peintures, dessins et installations, "SUV" une bande dessinée entièrement muette, ils forment néanmoins un diptyque dépeignant un monde sous tension, où les scènes de guérilla urbaine se déploient peu à peu au sein d'une nature aride que l'homme tente péniblement de dompter pour mieux l'uniformiser.

Si l'absurdité des situations vient distiller une certaine forme d'humour, il y a toutefois peu d'espoir dans les images de Reumann, les tribus de fanatiques anonymes qui traversent ces paysages aussi colorés que désolés semblent nous souffler que si l'enfer existe, il est clairement peuplé de démons à visage humain.

"Helge Reumann pense graphiquement la violence, sans doute par fascination, sans doute pour contrer la paranoïa aiguë qui sévit de nos jours, érigeant en système les mesures de sécurité et la censure pour tenter de minimiser les risques."
Karine Tissot, directrice du CACY
Centre d'Art Contemporain d'Yverdon, Suisse

/

SUV - helge reumann
120 pages en noir & blanc - 22.5x31 cm
couverture cartonnée
éditions atrabile - 25 €

BLACK MEDICINE BOOK - helge reumann
264 pages couleur / noir & blanc - 24x29 cm
couverture cartonnée
éditions atrabile - 39 €

Vernissage de Helge Reumann

Time:

18:00-21:00

Description:

Première exposition parisienne de Flore Kunst "Plastic People!" (titre inspiré du morceau de Zappa) est une rétrospective du travail de l'artiste-collagiste et présente plus de 30 de ses ouvrages.

Du 24 avril au 21 mai

- Les collages Pop & Dada de Flore Kunst semblent émerger du hasard : corps féminins, paysages oniriques, architectures, machines ou éléments graphiques, ainsi mixés, expriment avec poésie et dérision la complexité des sentiments, la vie dans sa beauté absurde, la critique d'une société consumériste, l'utopie comme respiration.

- Flore a la passion des images, elle chine, les repère sur de vieux papiers, des magazines, des cartes postales, des journaux, puis les découpe, les colle, et crée avec ces morceaux recyclés de nouvelles images. A la manière des surréalistes, le processus de création est fait de rencontres incongrues entre différents personnages, de clashs entre différents univers, qui, confrontés les uns aux autres, racontent quelque chose de neuf.
Jouant avec les clichés du passé post 1945 où la représentation de la femme est au même rang qu'un robot de cuisine, Flore change les objets de contexte, et crée par le collage d'éléments hétéroclites des contrastes saisissants qui déconstruisent les images en une métamorphose poétique et inventive.

- « Diplômée en 1999 de l'école Émile Cohl (...) passée par l'illustration vectorielle, le dessin textile, la photographie ou encore la linogravure, Flore Kunst a finalement adopté la technique du collage en 2010, sous l'influence de John Baldessari. De quoi éclairer son jeu de doubles, caractéristique du post-modernisme, ces motifs empruntés au passé, cet éclectisme s'appuyant sur un regard nouveau, portant aussi bien sur la culture populaire, que ce qui fait aujourd'hui figure de « tradition » picturale. Sans pour autant nier l'émotion et la passion charnelle qui transparaissent de ces découpes audacieuses. » - Présentation de Flore par LA SPIRALE.

- "Plastic people!" s'écoute aussi, avec Frank Zappa : https://www.youtube.com/watch?v=SKTFfT4sMhQ

Vernissage de Flore Kunst "Plastic People !"

Vernissage de Flore Kunst "Plastic People !"

Time:

18:00-22:00

Description:

Vernissage en présence de l'artiste
Marta Zgierska (1987, Pologne), est une artiste visuelle qui s'intéresse au trauma, aux expériences qui frisent les limites de la conscience et au processus de disparition. Elle se pose souvent comme sujet, explorant les frontières intimes de la photographie.
Afterbeauty & Votive Figure est la deuxième exposition de Marta Zgierska à la galerie Intervalle, après Post (Prix HSBC pour le photographie en 2016). L'artiste joue de la fascination pour l'esthétique et sape les canons de la beauté. Elle dénonce la pression sociale exercée par cette nouvelle religion qu'est devenue l'apparence et déjoue les attentes vis-à-vis de l'image féminine.
Afterbeauty. Les formes qui flottent dans l'espace sont modelées à partir de masques usagés utilisés en chirurgie esthétique. Afin d'obtenir le sujet de son travail, Marta Zgierska effectue le rituel consistant à placer le masque sur son visage et elle répète le geste jusqu'à ce que la matière devienne nocive pour la peau. Elle transforme son image en forme pure, privée du contenu mimétique et du genre. Le matériau utilisé est séparé de son contexte principal, le visage féminin, et pourtant cela reste un autoportrait. Bien que Marta Zgierska rejette son genre lors de la transition vers l'abstraction, la fonction première du masque (re)met en évidence la question du genre.
Votive Figure. Marta Zgierska créé des figures votives cireuses à partir de son corps dans l'intention de se magnifier par la technologie. L'image produite est douce et agréable, c'est l'image divine de la beauté, une Vénus artificielle et numérique dont les disciples se comptent sur les réseaux sociaux.

Time:

18:30-21:30

Description:

Du 26 avril au 25 mai

Lancement privé de cet ouvrage à la Galerie Rive Gauche - Marcel Strouk
Le jeudi 25 avril
de 18h30 à 21h30, en présence de l'artiste.

JonOne aux Éditions Skira

Avec une préface d'Agnès B. et une interview de l'artiste retraçant l'ensemble sur son parcours, cette nouvelle publication Skira conçue sous la direction de Théophile Pillault, auteur et journaliste, donne à voir les œuvres les plus intenses des dernières séries de JonOne. Des créations à expérimenter pleine-page, des embardées brutes.

Vernissage de JonOne

Time:

19:00-21:00

Description:

https://twitter.com/annebregeaut

Time:

19:00-22:00

Description:

Exposition Afro Funk: Malick Sidibé, King Massassy, Evans Mbugua, Francklin Mbungu, et Nyaba Ouedraogo
Avec Dupif Photo

du 25 avril au 26 mai

Bamako, Kinshasa, Nairobi, Lagos ...
Après les indépendances, les villes africaines ont secoué les chapes de poussière de la colonisation et du néocolonialisme, qui avaient terni leur éclat. Avec un dynamisme et une vitalité inouïes, le jazz, le rock, le funk, la rumba, la soul, ont ouvert le domaine du merveilleux. Le paysage mental, la topographie des villes ont peu à peu intégré ce « deuxième monde » : le monde de la nuit.
Vivre « branché » c'est vivre avec son temps...
Les artistes de l'exposition « Afro Funk » s'inscrivent dans une nouvelle temporalité.
Ils recyclent et incarnent un vocabulaire et une esthétique surprenants. Aujourd'hui comme autrefois, cet « art de vivre » reflète fiévreusement l'histoire sociale de Kinshasa, Bamako, Nairobi ou Lagos.
Le célèbre photographe malien Malick Sidibé (1936-2016) a été, après l'indépendance du Mali, dans les années 1960-1970, le photographe des nuits de la jeunesse de Bamako. Pouvant enchaîner plusieurs fêtes avant de rentrer tirer ses photos jusqu'à l'aube, il réalisait aussi de nombreux portraits dans son studio, où il y avait toujours foule. Nous rendons hommage à celui que l'on surnommait « L'œil de Bamako » en exposant ses portraits et clichés inédits des 70's.
L'artiste Evans Mbugua puise son inspiration aux sources de la conception graphique et en particulier les écritures et alphabets africains. En véritable « recycleur graphique », il crée un nouveau « vocabulaire », tiré aussi bien des emballages de produits que des enseignes de rue. L'artiste souhaite redonner une seconde vie, plus colorée et plus vive, à des motifs présents dans sa culture, en particulier dans les tissus africains (wax, khangas, batik,...). Les « fixés » sous verre d'Evans fonctionnent comme des vitraux, avec ce pouvoir qu'a la lumière de révéler les couleurs du fond, leur répétition rythmique. Son écriture moderne et son style pointilliste se condense en portraits et instantanés pris dans cette turbulence de remous et d'images dont l'Afrique est le centre.
Francklin Mbungu est un artiste surprenant de la scène contemporaine congolaise. Fils d'antiquaire, il démarre une carrière d'agent d'artistes pour s'orienter ensuite vers l'art contemporain en creusant un sillon personnel, loin des traces des grands maîtres de la peinture populaire congolaise. Francklin joue du ciseau, et de la colle... Il crée des découpes particulières dans des feuilles de papier de toutes couleurs, et opère des collages sur des cartons rigides. Des personnages émergent, ici un musicien de rue, là un couple de danseurs. Des histoires se racontent...
Autodidacte inclassable, « King » Massassy n'est jamais là où on l'attend. Au début des années 1990, il figurait parmi les pionniers du rap malien. Ses textes mordants contre les esclavages arabo-musulmans et européens, le système patriarcal ou la dé-pigmentation le propulsaient avec son groupe Sofa sur la scène internationale. 10 ans plus tard, nous le retrouvons comédien. Aujourd'hui, il s'impose comme photographe. Rebaptisé « Fotolala King Massassy », il était le seul Malien à exposer aux 11e Rencontre de Bamako, la biennale africaine de la photographie. Ses portraits de musiciens ou de sapeurs dévoilent une Afrique vibrante, pleine de joie et d'espoir.
Vous êtes invités à découvrir ces quatre artistes lors de l'exposition Afro Funk du 25 avril au 26 mai.

Vernissage de l'exposition "Afro Funk"

Time:

19:00-21:00

Description:

Exposition de photographie d'Ali Öz
du 24 avril au 20 mai 2019
Hall de la Mairie du 10e

TARLABAŞI : Quartier profane d'Istanbul

En plein cœur d'Istanbul, un quartier disparaît !
Des milliers de bâtiments, de maisons, de bureaux; d'hommes, de femmes et d'enfants qui donnent de la couleur et de la vie à ces rues composant le tissu urbain, sont en passe d'être effacés et détruits.

Tarlabaşı est sacrifié au nom de la «gentrification»!
Ali Öz, photographe chevronné, a vécu pratiquement deux ans dans ce quartier Tarlabaşı, le quartier profane d'Istanbul.

Il a immortalisé, image par image, rue après rue, ce processus d' «effacement / destruction» dont la ville et le quartier ont souffert et, à travers ses photographies, le spectateur est témoin d'un processus d'embourgeoisement, dans toute l'étendue de son malheur; une réalité poignante et peu esthétique.

De l'Azerbaïdjanais au Pakistanais et à l'Africain, de ceux qui ont cherché refuge à Istanbul après le séisme de Bingöl aux vendeurs de moules farcies... des cafés aux brasseries, des bars aux boites de nuit bon marché, il a révélé à chaque coin de rue le vrai visage et le destin de Tarlabaşı.

Dans son ouvrage "Great Streets" en 1994, Allan B. Jacobs disait: « Les meilleures rues sont celles dont on se souvient. Elles laissent des impressions positives fortes et durables. Si l'on pense à une ville, y compris à la sienne, on pourrait penser à une rue en particulier et vouloir y être; une telle rue est mémorable... Les meilleures [rues] sont aussi joyeuses qu'utilitaires. Elles sont divertissantes et ouvertes à tous. Elles permettent l'anonymat en même temps que la reconnaissance individuelle. Elles sont des symboles d'une communauté et de son histoire. Elles représentent une mémoire commune. »

Alors que nos symboles et mémoires urbains, historiques et communaux sont en train d'être détruits, nous commémorons les souvenirs effacés avec l'exposition d'Ali Öz: TARLABAŞI, quartier profane d'Istanbul.

Exposition organisée dans le cadre de la 10e édition de "La Petite Istanbul en Fête" qui aura lieu du 24 avril au 20 mai 2019

Vernissage de l'exposition "Tarlabaşi : quartier profane d'Istanbul"

Vernissage de l'exposition "Tarlabaşi : quartier profane d'Istanbul"

Description:

Fête nationale de Tanzanie

Time:

19:30-22:30

Description:

Le Beffroi - Salle Nicole Ginoux

Le Salon de Montrouge, véritable tremplin de promotion des artistes émergents, constitue un événement culturel majeur qui attire de nombreux découvreurs à l'affût de nouveaux talents de l'art contemporain.

Ce 64ème « millésime » offre l'opportunité d'appréhender l'énergie foisonnante de la création en France. L'exposition révèle à côté des artistes récemment diplômés, venant de l'ensemble du pays, des personnalités d'horizons culturels divers, comme en témoigne la présence de créateurs venus du reste de l'Europe, d'Afrique, d'Asie ou d'Amérique.

Témoin de son temps, le Salon de Montrouge rend compte de l'état de l'art aujourd'hui : un monde aux horizons pluriels et plus paritaire.

Ami Barak & Marie Gautier, assurent le commissariat du Salon de Montrouge pour la 4eme année.

Les artistes à découvrir : Elsa Abderhamani, María Alcaide, Charlie Aubry, Sabrina Belouaar, Thomas Benard, Quentin Blomet & Louise Mervelet, Flora Bouteille, Aïda Bruyère, Elvire Caillon, Traian Cherecheș, Pauline Cordier, Eléonore Deshayes, François Dufeil, Rémi Duprat, François-Noé Fabre, Marie Glaize, Amandine Guruceaga, Arthur Hoffner, Alex Housset / WORD, Ellande Jaureguiberry, Camille Juthier, Raphaëlle Kerbrat, Charlotte Khouri, Emmanuel Le Cerf, Pauline Lecerf, Rosanna Lefeuvre, Guillaume Mazauric, Eva Medin, Aline Morvan, Ioanna Neophytou, Jean-Julien Ney, Chrystèle Nicot, Antoine Palmier-Reynaud, Nefeli Papadimouli, Francis Raynaud, Han Ren, Alexandra Riss, Madeleine Roger-Lacan, Camila Salame, Camille Sauer, Chloé Serre, Yawen Shih, Mathilde Supe, Oussama Tabti, Maxime Testu, Adrien van Melle, Camille Varenne, Floryan Varennes, Maxime Verdier, Marine Wallon, Zohreh Zavareh et Radouan Zeghidour.

Vernissage du 64ème Salon de Montrouge

Description:

Déclaration d'Indépendance en 1957

Description:

Le jour de la Liberté (en anglais Freedom Day, en afrikaans Vryheidsdag) est un jour férié en Afrique du Sud depuis 1995 qui commémore notamment la fin de la domination politique de la minorité blanche sud-africaine.

Institué par Nelson Mandela, le premier président noir du pays, cette date commémore la tenue des premières élections nationales multiraciales depuis l'abolition de l'apartheid et de l'entrée en vigueur de la nouvelle constitution intérimaire, négociée pendant 3 ans au sein de la CODESA entre le gouvernement de Klerk, le congrès national africain (ANC), le parti national et 19 autres partis politiques de plus ou moins grande importance ainsi que les représentants des Bantoustans. Le scrutin eut lieu du 26 au 29 avril. Sur un total de 22,7 millions d'électeurs, plus de 16 millions de Noirs votaient pour la première fois pour élire leurs représentants au parlement et dans les nouvelles législatures provinciales. L'ANC remporta 252 sièges sur 400 dans la nouvelle Assemblée et la majorité des suffrages dans sept des neuf nouvelles provinces. Le 27 avril est également la date de la levée du nouveau drapeau sud-africain et du nouveau statut de Nkosi Sikelel' iAfrika en tant qu'hymne national au côté de Die Stem van Suid-Afrika, l'hymne national depuis 1927.

Auparavant, depuis 1910, seuls les Blancs d'Afrique du Sud avaient toujours bénéficié d'un droit de vote sans restriction, mise à part une obligation de résidence d'au moins 5 ans dans le pays pour être élu, alors que les droits électoraux des Coloureds acquis précédemment dans la colonie du Cap et maintenu dans la province du Cap par le South Africa Act lors de la formation de l'Union sud-africaine avaient été rognés par une loi d'apartheid en 19564. La constitution sud-africaine de 1983 mit en place un parlement tricaméral où les indiens et les métis purent élire leurs représentants dans des chambres séparées tandis que les Noirs continuaient à n'avoir aucune représentation élue au niveau national.

Time:

17:00-21:00

Description:

Dans le cadre de l'exposition de Helge Reumann

vernissage le jeudi 25 avril de 17h à 21h
dédicace le samedi 27 avril de 17h à 21h
exposition du 26 avril au 25 mai 2019

Arts Factory programme du 25 avril au 25 mai 2019 la première exposition d'envergure en galerie de l'artiste genevois Helge Reumann. A la fois plasticien, illustrateur et auteur de bande dessinée, la production de ce génial touche-à-tout aura longtemps été associée au collectif Elvis Studio, co-fondé avec Xavier Robel en 1996. Parmi leurs nombreux faits d'armes, l'impressionnant leporello "Elvis Road" - un dessin panoramique de plus de 7 mètres de long, d'abord édité par Pipifax en 2002, puis Buenaventura Press en 2007 - reste à ce jour un véritable tour de force dans l'histoire de la scène graphique contemporaine avec ses 8433 personnages recensés !

S'appuyant sur les oeuvres réalisées par Helge Reumann pour ses deux derniers ouvrages "Black Medicine Book" et "SUV" - respectivement publiés chez Atrabile en 2017 et 2019 - l'exposition propose une fascinante immersion dans un environnement particulièrement hostile.
Très différents sur la forme, "Black Medicine Book" est une monographie documentant peintures, dessins et installations, "SUV" une bande dessinée entièrement muette, ils forment néanmoins un diptyque dépeignant un monde sous tension, où les scènes de guérilla urbaine se déploient peu à peu au sein d'une nature aride que l'homme tente péniblement de dompter pour mieux l'uniformiser.

Si l'absurdité des situations vient distiller une certaine forme d'humour, il y a toutefois peu d'espoir dans les images de Reumann, les tribus de fanatiques anonymes qui traversent ces paysages aussi colorés que désolés semblent nous souffler que si l'enfer existe, il est clairement peuplé de démons à visage humain.

"Helge Reumann pense graphiquement la violence, sans doute par fascination, sans doute pour contrer la paranoïa aiguë qui sévit de nos jours, érigeant en système les mesures de sécurité et la censure pour tenter de minimiser les risques."
Karine Tissot, directrice du CACY
Centre d'Art Contemporain d'Yverdon, Suisse

/

SUV - helge reumann
120 pages en noir & blanc - 22.5x31 cm
couverture cartonnée
éditions atrabile - 25 €

BLACK MEDICINE BOOK - helge reumann
264 pages couleur / noir & blanc - 24x29 cm
couverture cartonnée
éditions atrabile - 39 €

Vernissage de Helge Reumann

Time:

18:00-21:00

Description:

La Galerie Alain Gutharc est heureuse d'annoncer le second solo show de l'artiste Kris Knight intitulé A little Time Out, à partir du 27 avril 2019. L'exposition présentera ses dernières productions picturales sur toile et papier révélant l'aspiration au calme de l'artiste au travers de scènes inspirées de l'expérience contemporaine et quotidienne d'hommes queer.
Dans cette nouvelle série à l'huile, l'artiste puise dans sa propre intériorité ainsi que dans les expériences intimes des hommes queer de son entourage pour proposer des images représentant avec réalisme des moments d'intimité solitaires ou à plusieurs. A partir de son expérience personnelle et de photos de ses amis et connaissances pour la plupart, Knight crée des œuvres qui jouent sur la dichotomie et entremêlent souvent humour et sensualité.
Il est difficile de s'écouter dans une société caractérisée par l'anxiété, un rythme de vie effréné, une production et des attentes toujours plus élevées. Les peintures de Knight évoquent son désir utopique d'instaurer un espace de silence. Les œuvres présentées échappent à l'agitation de la vie quotidienne et appellent au calme, évoquant ainsi l'intimité des visages, des corps, de l'amour et du toucher. On peut vivre avec un bruit constant en toile de fond sans en être conscient. De la même manière, on peut dire des peintures de Knight et de ses scènes quotidiennes moroses qu'elles suggèrent un silence profond et dérangeant. Avec A Little Time Out, Knight s'éloigne des thématiques du théâtre et de la représentation abordées dans ses précédentes séries pour se tourner vers le domestique - avec des images de moments pour soi, d'exercice, de bien-être, de loisir, d'intimité et de voyage au travers de peintures à la fois nostalgiques et insouciantes.
-
Kris Knight est un artiste canadien dont les œuvres jouent sur la frontière entre rêve et réalité, l'historique et le contemporain, la lumière et l'obscurité. Avec leur apparente ambiguïté, ses scènes et portraits d'hommes queer d'une grande sensibilité mêlent romantisme et nostalgie de manière évocatrice, abordant la problématique de la représentation, au théâtre comme dans la vie. Ses peintures à l'huile aux camaïeux pastel explorent différents états d'âme, thèmes et expériences mis en regard de différents points de vue sur le moi public et privé. Certaines œuvres sont mélancoliques et sombres ; d'autres empreintes d'humour, de sensualité, de douceur, d'élégance et de légèreté.
Kris Knight (1980, Canada) vit et travaille à Toronto. Il a reçu son diplôme d'associé de l'Ontario College of Art and Design (OCADU) en 2003. Au cours des dix dernières années, son travail a été montré lors d'expositions individuelles et collectives ainsi que de foires, notamment à Toronto, New York, Miami, Paris, Amsterdam, Copenhague et Los Angeles. Il a également été publié dans de nombreux journaux internationaux tels qu'Interview Magazine, Vogue, Public Art, Harper's Bazaar, The Globe and Mail, WWD, Fashion For Men, Esquire, GQ, The Miami New Times et L'Officiel Hommes. Son travail est également présent dans de nombreuses collections publiques et privées telles que la Royal Bank of Canada, la Beth Rudin DeWoody Collection, l'Oppenheimer Collection, le Nerman Museum of Contemporary Art, 21C Museum of Contemporary Art, et l'Agnes Etherington Art Centre of Queen's University, ainsi que dans des collections d'entreprise comme Gucci. En 2014-2015 l'artiste a collaboré sur différents projets avec la marque, notamment « Flora Knight », une appropriation ésotérique et sombre de l'iconique motif à fleurs de la grande maison de couture.

Vernissage de Kris Knight "A Little Time Out"

Vernissage de Kris Knight "A Little Time Out"