Germain Pire - Week from April 23, 2018 to April 29, 2018

Description:

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Time:

19:00-22:00

Description:

La 27e édition du Tour Auto Optic 2000 se tiendra du 23 au 28 avril 2018. Organisé par Peter Auto, ce rendez-vous annuel qui réunit pas moins de 230 voitures anciennes se présente comme un évènement majeur dans le calendrier des compétitions historiques. Vicomte A. est le partenaire officiel et propose à cette occasion toute une gamme de vêtements.

Soirée de lancement du Tour Auto Optic 2000

Soirée de lancement du Tour Auto Optic 2000

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 20 AVRIL au 03 MAI 2018
Vernissage mardi 24 AVRIL 18h à 21h

avec :
TONY QUIMBEL
RAYMOND SANCHEZ
GUIGNARD
MIA GARDEL
LARGILLIER
BERNARDI
LEE.K

Time:

19:00-21:00

Description:

Fabrice Neddam présente son exposition photographique à la Cantine mardi 24 avril, et tout amateur de photo, de concerts et/ou de musique y est chaleureusement invité ! Un dj-set est prévu pour l'occasion :)

A propos du travail de Fabrice :
L'écriture et la musique. Voilà ses trucs à lui du début. Ses bagages de départ (acquis néanmoins en cours de route). La photographie vint ensuite, sans la rechercher, au moment de réaliser que l'écriture est aussi possible avec des pixels. Noir sur blanc notamment. Et que la musique peut être source de toutes les inspirations et de toutes les transcriptions. Ecrire une image à la lumière du spectacle musical : c'est l'encre du travail de Fabrice Neddam, la clé de son approche de photographe. En force et en sensibilité.

Cette exposition de treize photos en noir et blanc marque cette évolution, cette juxtaposition des plaisirs. Car, pour cet expérimentateur opiniâtre, « Treize » n'est pas seulement un nombre. C'est un heureux hasard. C'est un porte-bonheur. C'est le jour d'une rencontre qui donne vie à cette exposition.

Vernissage de Fabrice Neddam "Treize"

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Description:

Libération d'Italie par les Alliés et les partisans et fin du régime fasciste en 1945

Time:

08:30-18:00

Description:

RetMo Paris, 3ème édition au Palais des Congrès. Plus de 400 retailers et e-commerçants vont se réunir le 25 avril 2018 au Palais des Congrès de Paris.

Pour cette 3ème édition, RetMo s'impose comme l'évènement incontournable du commerce sur mobile. En 2017, Sephora, Beaumanoir, Brico Dépôt, Trainline, Solocal ou encore Petit Bâteau étaient sur scène et 20 conférences avaient rythmées la journée.

Cette année, plus de 25 conférences pour découvrir les innovations sur mobile et les tendances du marché seront proposées aux participants.

3 points sont mis à l'honneur sur cette édition : Contenu, networking & partage d'expérience.

Dans un cadre convivial et idéalement situé, RetMo s'installe cette année au Palais des Congrès de Paris. 3 salles de conférences, 40 partenaires, plus de 400 retailers et e-commerçants, un petit-déjeuner, un buffet déjeunatoire et de nombreuses surprises pour animer la journée. Tout sera fait pour favoriser les rencontres et échanges entre professionnels du secteur.

Un évènement exclusif et sur invitation uniquement. La journée de conférence est réservée aux retailers et e-commerçant, accessible uniquement sur invitation. Mieux vaut être coopté pour accéder à cette journée 100% mobile pour être certain d'avoir sa place. Direction Marketing, E-Commerce, Mobile, DSI, Chefs de projets & développeurs mobile sont les bienvenus pour cette journée d'échanges et de conférences.

Un networking unique dans le secteur du retail et du mobile. RetMo permet aux acteurs du retail et du mobile de se retrouver pour une journée riche en échange. L'occasion pour les commerçants de retrouver leurs partenaires et d'en découvrir de nouveaux, sur de nouveaux segments. 40 partenaires réunit à Paris garantissant la meilleure expertise mobile en France pour une journée 100% mobile.

Une fin de journée festive pour prolonger les discussions. Après plus de 25 conférences et une journée riche en contenu, place au relationnel autour d'une coupe de champagne ! Dernière occasion d'échanger entre commerçants sur les problématiques liées au mobile, d'assister à des démos de la part des partenaires de RetMo et de rencontrer les speakers de la journée, le cocktail de clôture est organisé au Palais des Congrès (pas de déplacement à prévoir)

>> RSVP

Description:

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Description:

Fête nationale de Tanzanie

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Time:

17:00-21:00

Description:

Pour la seconde partie de son exposition personnelle De More Cry Sea, Babi Badalov a invité Nikita Kadan (1982, Kiev) pour une Carte Blanche faisant dialoguer leurs oeuvres les plus récentes. Avec la complicité du commissaire russe Sasha Pevak, Nikita Kadan exposera pour la première fois à Paris une série de nouvelles oeuvres dont la série au charbon "Observations on archives" (2015), ainsi qu'un grand dessin au fusain de la série "Pogrom" (2016), ainsi qu'une nouvelle sculpture réalisée spécifiquement pour l'exposition.

Parallèlement à sa Carte Blanche, le Centre Georges Pompidou a invité Nikita Kadan pour une discussion avec la curatrice serbe Maja Ciric, animée par Alicia Knock, conservatrice au Musée National d'Art Moderne. Le mercredi 25 avril à 19h (Petite salle - entrée libre).

Après plusieurs expositions communes en Europe de l'Est (Pologne et Ukraine), Babi Badalov et Nikita Kadan ont tissé des liens aussi bien sur le plan artistique qu'humain. Bien que leurs démarches artistiques soient formellement différentes, les artistes questionnent des thématiques politiques et sociales communes. La démarche de Kadan trouve un écho dans le travail de Badalov en ce qu'il se saisit d'objets, vestiges et traces l'entourant et témoignant de ce qu'il nomme des "symptômes sociaux".

Nikita Kadan
Né à Kiev (UA) en 1982, l'artiste vit et travaille à Kiev (UA).
Figure émergente de la scène artistique ukrainienne, Nikita Kadan est membre du collectif d'artiste REP (Revolutionary Experimental Space) depuis 2004 et membre de HUDRADA, un collectif curatorial qu'il a co-fondé en 2008. Diplomé de l'Académie Nationale des Beaux-Arts de Kiev où il étudié la peinture monumentale, l'artiste aborde aujourd'hui une pratique pluridisciplinaire puisqu'il travaille aussi bien l'installation, le graphisme, la peinture, le dessin en collaboration avec des architectes, des militants des droits de l'hommes ou encore des sociologues. Le MUKHA d'Anvers lui consacre actuellement une exposition monographique jusqu'au 19 avril. Kadan a participé à de nombreuses biennales notamment celle de Venise (2015 et 2017), d'Istanbul, de Kiev ou encore d'Odessa. En 2011 il est nommé lauréat du Pinchuk Art Centre Prize et l'année dernière, il se voit décerné le prix du Future Generation Art Prize à la Biennale de Venise.

Babi Badalov
Né à Lérik (Azerbaïdjan) en 1959. Vit et travaille aujourd'hui à Paris.
L'oeuvre de Babi Badalov explore les limites du langage et s'intéresse notamment à la manière dont celui-ci peut nous isoler des individus avec lesquels nous ne partageons pas la même langue, alors même que la fonction première du langage est de permettre la communication. Par ce biais, l'artiste aborde des questions géo-politiques très actuelles qui font écho à ses propres expériences. Après avoir vécu en Russie, il a en effet tenté de s'installer au Royaume-Uni, à Cardiff, mais sa demande d'asile lui fut refusée. Renvoyé en Azerbaïdjan, il obtient finalement le statut de réfugié politique en France en 2011 et acquiert la nationalité française en ce début d'année 2018. Grand voyageur et poète lui-même, Babi Badalov intègre souvent ses propres écrits dans ses oeuvres, les combinant avec des images manipulées : souvent à caractère fortement politique, pour créer des installations, des objets, des peintures ou bien des performances, qualifiant volontiers son travail de « poésie visuelle ».

Vernissage de Nikita Kadan

Nikita Kadan, Observation On Archives, 2015, paper, coal and charcoal. Courtesy of the artist

dans le cadre de l'exposition de Babi Badalov "De More Cry Sea"

du 24 mars au 27 mai

La Galerie Jérôme Poggi est heureuse d'annoncer la seconde exposition monographique qu'elle consacre à l'artiste et poète azéri Babi Badalov (Lérik, 1959). De More Cry Sea présentera ses dernières œuvres sur tissu dans la continuité de son travail de poésie ornementale, ainsi qu'une reconstitution d'alcoves rassemblant un corpus d'œuvres sculpturales et picturales plus anciennes, d'archives et d'objets qui accompagnent l'artiste dans son processus créatif.
Dans un second temps, l'exposition se renouvelle pour inclure une carte blanche adressée par Babi Badalov à l'artiste Nikita Kadan.

Vernissage de Babi Badalov "De More Cry Sea"

Vernissage de Babi Badalov "De More Cry Sea"

De more cry see, 2018, painting on fabric, 154 x 97 cm. Courtesy Galerie Jérôme Poggi, Paris

Time:

17:00-21:00

Description:

Vernissage le jeudi 26 avril partir de 17h
Exposition du vendredi 27 avril 2018 au samedi 28 avril 2018

Pour chaque édition d'INTOTO, T. Fougeirol, J. Carreyn et P. Salazar fouillent méthodiquement une sélection d'ateliers d'artistes, en quête d'objets à trouver : test-pressing, produits fragmentaires du travail d'atelier, résidus domestiques. Leur regard y découvre le témoignage d'une pratique primitive, en-deçà de tout achèvement manufacturé.

Cette collecte est accrochée linéairement, sans encadrement ni préséance - comme le menu déroulant du tumblr INTOTO qui la documente. L'inventaire offre au flâneur la possibilité de s'approprier à son tour telle ou telle de ces pièces hors-commerce.

tumblr : https://i-n-t-o-t-o.tumblr.com/

ARTISTES :
18HF / Juan Pérez Agirregoikoa / Xavier Antin / Pierre Ardouvin / Félicia Atkinson / Fabienne Audeoud / Laëtitia Badaut Haussmann / Daniela Baldelli / Pauline Bastard / Andrés Baron / Grégoire Belot / Bells Angels / Emilie Benoist / Jean-Luc Blanc / Bianca Bondi / Julien Bouillon / Jade Boyeldieu d'Auvigny / Guillaume Bresson / Aïda Bruyère / Nancy Brooks Brody / Robin Cameron / Julien Carreyn / Davide Cascio / Léo Chalié / Lorraine Chateaux / Eléonore Cheneau / César Chevalier / Léo Chesneau / David Cousinard / Jagna Ciuchta / Guillaume Dimanche / Nicolas Descottes / Antoine Donzeaud / Mimosa Echard / Joy Episalla / Sylvie Fanchon / Camila Farina / Mar Garcìa Albert / Louis Gary / Théo Ghiglia / Daiga Grantina / Jason Gringler / My-Lan Hoang-Thuy / Katherine Hubbard / Joseph Imhauser / Thomas Jeppe / Paloma Jimenez / Betsy Kenyon / Tarik Kiswanson / Dominique Koch / Gabriela Kraviez / Tatiana Kronberg / Antonia Kuo / Nokukhanya Langa / Raphaël Lugassy / Israel Lund / Magasin Sommier / Thomas Mailaender / Tangui Marchand / Hubert Marot / Jonathan Martin / Linda Matalon / Adrien Menard & Victoire Coyon / Rayane Mcirdi / Caroline Mesquita / Anthony Miler / James Miller / Antoine Mondou / Nadine Monnin / Charlotte Moth / Anne Neukamp / Aapo Nikkanen / Cécile Noguès / Jorge Pedro Nuñez / Nick Oberthaler / Païen / Gérald Petit / Amélie Petit Moreau / Emilie Pitoiset / Arnaud Pyvka / Shanta Rao / Renaud Regnery / Kristin Reiman / Patricia Reinhart / Mandla Reuter / Evariste Richer / Christophe De Rohan Chabot / Alice Rosati / Matthew Rose / Clémence Roudil / Sébastien Rouet / Anne-Laure Sacriste / Pepo Salazar / Loup Sarion / Louise Siffert / Allison Somers / Jo-Ey Tang / Gwenn Thomas / Gérard Traquandi / Delphine Trouche / France Vallicioni / Sergio Verastegui / Sara de la Villejegu / Camille Vivier / Gary William Webb / Suzanne Wirz / Carrie Yamaoka

Time:

18:00-22:00

Description:

Au programme de ce happening :
- performance du street artist Jo Di Bona sur une toile de 2 mètres !
- Live DJ set by Ben Manson
- Photocall
- Cocktails...

Du 9 mars au 9 juin 2018, les superhéros tombent le masque à la galerie Sakura. Omniprésents dans notre quotidien, les superhéros se téléportent à Paris pour nous en mettre plein la vue!

Après une exposition récemment consacrée au rêve américain, la galerie d'art Sakura a en effet choisi de mettre en lumière et pendant plus de deux mois 30 artistes internationaux talentueux qui travaillent et revisitent ces figures imaginaires très populaires.

Les amateurs du genre et collectionneurs de pop art sont donc invités à enfiler leur masque, leur cape et leurs collants avant de venir faire un tour dans le Marais !

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

© Travis Durden

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

© Rodolfo Loaiza

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

© Josh Siegel

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

© Cristhian Hova

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

© Filip Hodas

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

© Agan Harahap

Vernissage de l'exposition "Super Normaux II"

Time:

18:00-21:00

Description:

Capucine Vever
"Une terre qu'on ne voit jamais au même endroit, de jour comme de nuit"

Exposition du 26 avril au 01 juillet 2018
Exposition ouverte du mercredi au dimanche 15h/19h - entrée libre
Vernissage JEUDI 26 AVRIL - 18h/21h

Commissariat : Guillaume Constantin

RENDEZ-VOUS DANS L'EXPOSITION >

> DIMANCHE 13 MAI - 16H - ENTRÉE LIBRE
CONCERT in situ > VALENTIN FERRÉ

> SAMEDI 26 MAI - 16H - ENTRÉE LIBRE
VISITE de l'exposition > avec CAPUCINE VEVER & GUILLAUME CONSTANTIN, commissaire de l'exposition.

> DIMANCHE 1er JUILLET - 16H - ENTRÉE LIBRE
FINISSAGE > Sortie de l'édition Rupes Nigra en compagnie d'Elke Roloff, directrice du programme de résidences d'artistes NEKaTOENEa basé à Hendaye.

La notion de paysage et sa réalité perçue sont bien une invention, un objet culturel déposé, ayant sa fonction propre qui est de réassurer en permanence les cadres de la perception du temps et de l'espace.
Anne Cauquelin, L'invention du Paysage, Plon, 1989

Point errant né autant de la fiction que des instruments de navigation, il se déplace à une vitesse de 55 km par an, du Canada à la Russie. Bien que toutes les boussoles pointent vers lui, il est impossible de le harponner. Mobile et muet, il se fond dans la brume et transparaît sous les colonnes de limaille, se devine dans le souffle qui fait rouler les roses de Jéricho et se déplacer les montagnes. Il est l'espace où le champ magnétique terrestre pointe vers le bas, le lieu précis de convergence de tous les compas. Hypothèse scientifique au XII ème siècle, il trouve une représentation au XIV ème, dans le récit de voyage supposément écrit par un moine franciscain, Inventio Fortunate. Dans cet ouvrage, il est un rocher noir entouré de tourbillons géants, redoutables et dangereux. Le livre fut perdu mais influença durablement la cartographie comme la navigation : jamais rencontré, le point est pourtant bien représenté sur les mappemondes de Mercator, à la fin du XVIème siècle. Sa force d'attraction plus terrible que le chant de la sirène contraint les navires s'aventurant dans les eaux de l'Arctique à être construits avec des chevilles de bois et non de fer, car celles-ci seraient « inévitablement attirées par la montagne magnétique du nord »(1). Ce lieu indéterminé existe ainsi par la force de sa représentation fantasmée ; la fiction a un pouvoir de création. Tout comme la peinture fait naître le paysage, la carte crée le territoire. Espace atopique, il est sans lieu, déplacé ou malplacé.

Le paysage est issu des beaux-arts ; né des nouvelles structures de perception introduites par la perspective à la Renaissance, il devient l'équivalent construit de la nature, qui ne peut-être perçue qu'à travers son tableau. Le terme désigne l'étendue d'un pays que l'oeil peut embrasser dans son ensemble, déterminé par la place du regard. Le paysage est ainsi créé et limité par celui qui le voit. Construction sociale, il place l'individu au centre et devient alors « un artefact de la subjectivité moderne, sa projection de l'environnement »(2). Aucun paysage n'existe en soi, il change en fonction du déplacement et de l'interprétation culturelle que le regardeur en fait. Aux Instants Chavirés, il est cette dérive embuée vue des cieux, cette contemplation du crépuscule, ces clous attirés en équilibre fragile ; il est cette boule en laine d'acier, l'interprétation métallique de la rose de Jéricho. Plante à la capacité de reviviscence, elle se dessèche en cas de sécheresse et, poussée par le vent, roule jusqu'à trouver la pluie. L'espace d'exposition, lui, dévie vers l'Afrique, quand l'écriture en verre devient son horizon inatteignable.

Capucine Vever s'attelle à dessiner l'impossible : un pays mouvant, instable et voyageur, qui n'existe que dans le fantasme des hommes et la force de son attraction magnétique. L'artiste s'évertue à le saisir, mais il refuse d'être appréhendé, échappe au cadre, fuit l'interprétation univoque. Pas de perspective ici mais une mobilité des formes qui participe à faire émerger le pôle tant convoité. Peut-être pour le rencontrer faut-il se perdre, partir à la recherche d'un point qui circule entre imaginaire égaré et réel aspiré, pour enfin accepter le naufrage de nos capacités de préhension.

Sophie Lapalu

(1) Olaus Magnus, Historia de gentibus septentrionalibus, 1555.
(2) Anne Querrien, Les Annales de la Recherche Urbaine, n°46, PUCA, Paris, 1990, p. 121.

Née en 1986 à Paris, Capucine Vever explore la notion de récit via divers média comme la vidéo, la sculpture, l'installation, la marche sonore, l'édition, le dessin et l'intervention in-situ. Qu'il soit géographique, social et/ou culturel, le territoire est central dans sa démarche artistique. Sa pratique tente de s'y engager dans un rapport poétique en exploitant le potentiel narratif de chaque espace. Ses oeuvres procèdent ainsi par collages, analogies, frottements permanents entre réalité et fiction, recherche scientifique et narration, cartographie et légende, déplacement et immobilisme.

Suite à une invitation de Guillaume Constantin, programmateur arts visuels aux Instants Chavirés, cette nouvelle exposition fait suite à une résidence d'un an (2016-2017) en milieu scolaire à Montreuil, inscrite dans le cadre du Dispositif In Situ (résidences de créations artistiques en collèges) impulsé par le Conseil Départemental de la Seine-Saint-Denis.
À ce titre, cette exposition bénéficie du soutien financier du Conseil Départemental de la Seine-Saint-Denis. Conjointement au dispositif d'Aide Individuelle à la Création de la Drac Île-de-France, Capucine Vever a reçu le soutien de la de la résidence de création NEKaTOENEa (Hendaye) qui lui a permis de réaliser, durant l'automne 2017, le film Rupes Nigra qui sera présenté pour la toute première fois et sera accompagné par un ensemble d'oeuvres complètement inédites.

Diplômée de l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy en 2009, Capucine Vever est invitée en résidence comme à Eremi Arte (2017 Italie), Nekatoenea (2017), La Maison des Arts de Malakoff (2014), La Pommerie (2013), Géographie Variable (2013), etc. En 2014, elle obtient une bourse du CNC pour développer une marche sonore à Paris et Malakoff. L' oeuvre est présentée la même année lors d'une exposition personnelle à la Maison des Arts de Malakoff (commissariat d'Aude Cartier) et à la biennale de Belleville (commissariat de Patrice Joly). En 2016, elle est associée au projet KM1 du Grand Paris Express (commissariat de Jérôme Sans).

Le travail de Capucine Vever a été présenté récemment lors de deux expositions personnelles à la galerie de l'École Supérieure d'Art Pays Basque (2017) et à la galerie du Second Jeudi Bayonne (2017). Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives, en 2018 à Mains d'Oeuvres (commissariat de Chloé Grondeau), en 2017 à la Galerie Éric Mouchet, Paris (commissariat de Léo Marin) et au Centre d'Art La Halle des Bouchers (commissariat de Marianne Derrien et Sarah Ihler-Meyer), en 2016 à Glassbox (commissariat de Sophie Lapalu), à Khiasma et au Nam June Paik Art Center (commissariat d'Eric Maillet et de Jinsang Yoo), en 2015 à la galerie Underconstruction (commissariat d'Aurélie Faure), au Centre d'Art Contemporain Le Quartier (commissariat de Michela Sacchetto) et au Centre d'Art Contemporain Passerelle (commissariat de Julie Morel), en 2014 à la Maison Salvan (commissariat de Paul de Sorbier)... Capucine Vever est représentée par la galerie Éric Mouchet depuis 2017.

Vernissage de Capucine Vever

EXTRAIT DU FILM RUPES NIGRA, 2016 Production: résidence NEKaTOENEa, Conseil Départemental
de la Seine Saint-Denis et DRAC île-de-France © Léo Leibovici / Capucine Vever
teaser du film : https://vimeo.com/265065819

Vernissage de Capucine Vever

EXTRAIT DU FILM RUPES NIGRA, 2017 Production: résidence NEKaTOENEa, Conseil Départemental
de la Seine Saint-Denis et DRAC île-de-France © Léo Leibovici Capucine Vever
teaser du film : https://vimeo.com/265065819

Vernissage de Capucine Vever

LE SAUT DU BERGER, 2017 Installation in situ © Tito Iaffola Capucine Vever

Vernissage de Capucine Vever

YET ANOTHER HOLE I DIDN'T KNOW ABOUT, 2014-2016
Impression numérique sur papier et marche sonore sur application conçue par Capucine Vever et développée en collaboration avec Valentin Ferré sur les territoires de Malakoff, Belleville, Clamart et Issy-les-Moulineaux.© Capucine Vever

Time:

18:00-20:00

Description:

opening April 26 6 to 8 pm
April 26 - June 2

Gavin Kenyon and Eli Ping's work share an interest in the generative force of restraint. Fabric serves as membranes that evoke the deleterious and formative effects of gravity on flesh, as well as the most fundamental of sculptural concerns: the ascent of matter.

Vernissage de Gavin Kenyon & Eli Ping

Gavin Kenyon, Sinking Parapet, 2018, concrete, oil paint and fur

Vernissage de Gavin Kenyon & Eli Ping

Eli Ping, Aphakic 2018, Bronze

Time:

18:00-22:00

Description:

Isótopo, première exposition personnelle du peintre portugais José Loureiro en France.

Du 26 avril au 16 juin 2018
Vernissage jeudi 26 avril de 18h à 21h

« Un crayon, c'est comme un bateau, mais mon crayon passe son temps à échouer. Un voyage est la somme de plusieurs échouements. Les bancs de sable furent mes grands alliés. » se confie José Loureiro à Miguel Wandschneider

Depuis plus de 30 ans, le peintre portugais Jose Loureiro déploie un corpus d'œuvres, dessins et peintures, que lui-même caractérise par trois noms assez mystérieux : « bouvreuil », « filament » et « arceau ». « Bouvreuil » : évident quand on examine les couleurs et les formes de ce petit oiseau, alerte et courageux. « Filament », car, au delà de la matérialité de la lumière, c'est sa fragilité, son grésillement que veut peindre Loureiro. « Arceau », car les formes qu'il dessine ne sont jamais des droites bien droites ou des cercles complets. Nous sommes dans un entre-deux, une forme en train de se construire ou de se dérober. Rebelle.

L'exposition « Isótopo » n'est ni une rétrospective, ni une présentation des dernières oeuvres du peintre portugais. C'est une attention particulière à l'usage, dans la peinture de Loureiro, depuis 2000. Pas simplement le geste du peintre en lien avec la matérialité de la toile ou du papier, mais une représentation de cet usage selon des formes tangibles. En effet, José Loureiro brouille depuis toujours les frontières entre abstraction et figuration, et, ici, ses formes - carrés, lignes, sphères ... - reprennent vie par la gravité et le mouvement. Elles tombent, s'agrippent, roulent, se cognent, se suspendent. C'est un engrenage géant qui s'éveille sous nos yeux. Mais par la touche du pinceau, ces lignes reperdent toute matérialité, s'effacent, comme des masses lumineuses qui palpitent. Le tableau s'allume et s'éteint devant nous. Rythmé. Isotopique.

Dans un petit texte auto-ironique, intitulé « Pour bien dessiner comme moi », esquissé en 1993 sur un reçu de papeterie, José Loureiro affirme que, pour y parvenir, « il faut avoir de petites mains tremblantes ». Cette affirmation hilarante semble recouper sa volonté de montrer, de manière ostensible, la main qui exécute les dessins. Nous sommes bien dans l'usage : du geste à la manipulation. Et cette préoccupation, vient sans nul doute de l'attrait originel de Loureiro pour la nature morte : « Je me suis, depuis toujours, senti très attiré par la manière dont la nature morte a été traitée au fil du temps. On dispose trois ou quatre objets sur une table et on dit tout ce qu'il y a à dire, de manière simple et sans grands bavardages. » Ces objets, qu'il manipule à loisir, deviennent aujourd'hui formes en mouvement. Il y a beaucoup de plaisir et de jubilation dans la peinture de Loureiro. Sur certaines grandes toiles, les lignes horizontales incurvées multicolores qui s'accumulent sont en fait calquées sur la courbure du bras. L'usage, lié au bras et à la main qui crée, est bel et bien encore là.

Loureiro rapproche ainsi sa peinture et le regardeur, qui, potentiellement, peut s'imaginer manipuler ces formes. La peinture, même si le trait est virtuose, présente souvent des imperfections : les fonds peuvent paraître gribouillés, certaines lignes s'effacent ou se coupent. Comme témoin de manipulations potentielles que pourrait poursuivre, mentalement, le regardeur. « En 1995, je me suis rendu à New York où l'on pouvait voir une rétrospective de Mondrian au MoMA. Je n'avais jamais vu de Mondrian en vrai et j'étais subjugué par la beauté de cette peinture, faite avec une énorme économie de moyens et un grand raffinement. Des peintures qui n'étaient pas froides du tout, très manuelles et beaucoup plus petites que ce que je croyais. L'inverse de tout dogmatisme. Il faut y être confronté physiquement pour tout comprendre et admirer ses imperfections merveilleuses. Dans cette exposition, il y a avait un petit dessin fait sur ce qui semblait être le reste d'une boîte d'allumettes. Je me suis souvenu des petits dessins que je faisais sur des tickets de bus. Ce dessin était tellement dépourvu de rhétorique qu'il contenait, pour moi, tout ce à quoi on peut aspirer. Là, sur ce bout de papier minuscule, on voit la pensée de Mondrian en action : les lignes vont à gauche et à droite, vers le haut et vers le bas, elles se croisent orthogonalement ; et rien d'autre n'est nécessaire. Tout est extrêmement intuitif et du domaine de la peinture. Ce qu'on ne peut ressentir avec de simples reproductions de ses œuvres ».

Cette imperfection témoigne en fait de l'attention particulière portée par Loureiro au comportement de l'œil. Avec les « dessins miroirs », en 1992, il esquissait de manière symétrique deux dessins, un pour chaque œil, sans qu'ils ne puissent fusionner en une seule image stéréoscopique. Une insoluble tension dans une composition apparemment équilibrée. Ensuite, dans les peintures accumulant les couches horizontales, le trait s'arrête à quelques centimètres du bord : l'attention de l'œil doit rester à l'intérieur de la toile, sans dépasser ses frontières. Ainsi la ligne s'efface, comme un filament tremblant. Dans les dessins et peintures qui suivent, les traits s'accumulent souvent par couches, comme si Loureiro corrigeait avec ironie une erreur qui a été laissée visible. Telle la peau et ses couches épidermiques qui expliquent l'histoire d'une vie selon Michel Serres, les peintures de Loureiro nous proposent les possibilités cinétiques de formes où le regard peut difficilement se fixer. Chez Loureiro, ce n'est donc plus le détail qui attire l'œil du spectateur. La peinture n'est plus une image. Au contraire, c'est son instabilité et son devenir. Chaque nouvelle ligne est une pensée fraîche, une correction ou une conversation avec la précédente ligne.
Le blanc acquiert une fonction de plus en plus importante dans la peinture de Loureiro. Associée aux grands rectangles de couleurs lumineuses, elle guide l'œil - encore - au centre de la toile, telle une fenêtre ouverte sur le vide. « J'ai beaucoup à explorer avec ce vide », se confie Loureiro. Ce vide, c'est aussi notre espace de réflexion : en nous plongeant dans la lumière tremblante et rebelle, José Loureiro nous ménage un espace protégé où nous pouvons admirer la superposition des formes, le mélange des couleurs. A nous de prendre le temps - et l'espace - de comprendre la peinture de Loureiro. Lui n'ira pas plus loin. « On ne fait pas de la bonne peinture avec de bonnes idées. Mallarmé disait de la poésie qu'elle n'est pas faite avec de grandes idées mais avec des mots. La peinture se fait en pressant des tubes de couleur. On juge qu'elle est bonne ou pas. On passe à la suivante... Chaque peinture est une nouvelle énigme. Je n'ai aucune explication plausible du fait que je passe la majeure partie de mon temps à peindre des rectangles aux pointes arrondies et des lignes qui choisissent invariablement les déviations les plus longues pour arriver quelque part... Pour quelle raison quelqu'un peindrait-il, avec une infatigable obstination, des pommes sur une table ? Pour tout, sauf pour être plausible... Je ne parlerai donc pas de mes peintures. D'une manière ou d'une autre, elles seront sur les murs ! »

Florent Maubert, Les mèches rebelles, 2018

Cette exposition est présentée dans le cadre de Lusoscopie - artistes portugais à Paris, initiative du Ministère des Affaires étrangères du Portugal, les 19 et 20 mai 2018.

Vernissage de José Loureiro "Isótopo"

Sans titre, gouache et huile sur papier, 160 x 120 cm, 2010

Vernissage de José Loureiro "Isótopo"

Vue de détails, Bosão de L, uma pintura, 2011

Vernissage de José Loureiro "Isótopo"

Sans titre, huile sur toile, 200 x 159 cm, 2010

Vernissage de José Loureiro "Isótopo"

Sans titre, gouache et huile sur papier, 160 x 120 cm, 2008

Vernissage de José Loureiro "Isótopo"

Sans titre, huile sur papier, 160 x 120 cm, 2015

Vernissage de José Loureiro "Isótopo"

Pulso, huile sur toile, 40 x 271 cm, 2012

Time:

18:00-21:00

Description:

du 26 avril au 2 juin 2018

Avec le soutien à une recherche/production artistique du Centre national des arts plastiques.

"Nous avons une ligne brisée, Amadeo, qui peut être beaucoup de choses. Les dents d'un requin, jeunes gens ? Un horizon montagneux ? La Sierra Madre occidentale ?"
Roberto Bolaño

(...)

Les origines de cette série sont, selon l'artiste, multiples. Il s'agissait de mener un « projet mexicain »[1] sur les traces des Infraréalistes et de Robert Smithson, en pays Maya. Mais ce n'est que récemment que le tas de notations rapportées de ce voyage, effectué en 2016, prit forme. De l'ordre du dessin quoique mobilisant plusieurs médiums, les pièces de cette série Scalp sont, et ne sont pas, des poèmes. On y trouve l'esperluette souvent utilisée par le poète Mario Santiago Papasquiaro (compagnon de route de Bolaño et personnage des détectives sauvages), des initiales, des acronymes, et d'autres annotations renseignant le projet mexicain littéralement tombé en ruines. Des tracés archaïsants, se mouvant entre différents régimes d'inscription - dessins, lettres, grilles ; mais pas seulement. S'y trouvent aussi des images, prises entre plusieurs couches de papier, et de la peinture.

Parmi les anthropologues qui se sont intéressés à l'art des motifs ornementaux et décoratifs, plusieurs ont relevé l'importance d'un type de motif, dit apotropaïque, dont le but serait de neutraliser les démons en les attirant dans les méandres d'un dessin labyrinthique. La principale fonction du labyrinthe étant de séparer le monde des vivants de celui des morts. Alfred Gell écrivait ainsi : « Les motifs apotropaïques sont des pièges à démons, des papiers tue-mouche où viennent s'engluer les démons, les rendant inoffensifs[2]. » Dans cette série de pièces de Sergio Verastegui, le piège est en cire d'abeille et attrape non pas des mouches mais des images imprimées, quoique le fonctionnement du piège laisse à désirer. En effet, les lignes parallèles qui finissent par se croiser, les crénelages par former des croix inquiétantes, tout comme les feuilles décollées de certaines des pièces, pourraient laisser penser que les démons n'ont pas été bien attrapés, que les images n'ont pu être enfouies et qu'elles remontent à la surface du temps, avec tous leurs fétiches et leurs langues cryptées. La surface n'est, en ce sens, pas seulement une surface d'inscription des gestes et des intentions de l'artiste mais une surface d'accidents, traversée par des événements organiques renvoyant les matériaux à leur temporalité « naturelle », débordée par les craquelures et autres micro événements telluriques.

(...) Attrapés par l'énigme des poèmes comme des démons dans un labyrinthe, la quête des personnages de Bolaño rappelle que l'interprétation de la poésie et de l'art est infinie. À sa suite, les pièces de Verastegui insistent, quant à elles, à situer ce dédale, l'espace de l'interprétation, qui sépare les vivants des morts, à l'aune de coordonnées à la fois historiques et culturelles. Qu'il s'agisse de Quetzalcóatl ou de Xipe Tótec, le dieu aztèque vêtu d'une peau humaine retournée, mythe que l'artiste situe à l'origine des pièces de cette série, la réflexion à laquelle invite Verastegui, loin de chercher d'impossibles formes universelles, convoque les vestiges et les hantises de civilisations vaincues, mais non pas disparues, du passé.

Extraits du texte d'Annabela Tournon Zubieta, 2018

[1] Entretien avec l'artiste, 23 mars 2018.
[2] Alfred Gell, L'Art et ses agents, une théorie anthropologique, Paris, Les Presses du Réel, « Fabula », 2009, p. 104.

Vernissage de Sergio Verastegui "(s)crypte"

Vernissage de Sergio Verastegui "(s)crypte"

"Scalp", 2018, détail

Time:

18:00-21:00

Description:

du 26 avril au 2 juin

Vernissage de l'exposition "Do The Write Thing : read between the lines II"

« Do The Write Thing: Read Between the Lines » est une invitation à déchiffrer le sens caché d'œuvres où les auteurs se servent de la langue sous diverses formes visuelles pour exprimer toutes sortes de pensées, d'émotions, de secrets, de frustrations, ou même la connaissance d'un autre monde.

Les artistes de cette exposition emploient l'écriture à des fins variées et utilisent un large éventail de techniques. En effet, leur unique lien réside dans la représentation des symboles et des lignes issus de la langue. Pour le reste, certains travaux, comme ceux de Yuichi Saito et Beverly Baker, sont créés par la superposition obsessionnelle de texte, un processus qui rend la majorité des lettres et des mots indéchiffrables. D'autres, comme Royal Robertson, utilisent la langue dans sa fonction première, mais les messages expriment des visions apparues dans des états de transe ou sous la direction d'une puissance supérieure. Patricia Salen et Jill Gallieni produisent, elles, des écrits automatiques, agissant en tant qu'intermédiaires entre les mondes. Les lettres d'Harald Stoffers à sa mère, quant à elles, tissent le langage sur des portées musicales qui ondulent comme des vagues au fil de la page.

Toutes ces œuvres nous invitent à prendre conscience du fait que chaque message, filtré par le prisme de la langue, est forcément détourné de son essence originelle. La lutte pour communiquer efficacement transcende les frontières géographiques et temporelles, ce qui affecte tous les êtres humains à travers le monde et dans le temps, nous unissant et nous divisant à jamais dans ce processus.

Ce qui sourd alors, dans ces palimpsestes, ces chiffrements magiques, ces imprécations véhémentes, ces mots sédimentés, ces itérations hypnotiques, ces vocables secrets, c'est la formidable plasticité d'une langue primordiale qui les contiendrait toutes.

artistes exposés : zebedee armstrong, beverly baker, giovanni bosco, anibal brizuela, fernand desmoulin, john devlin, jose manuel egea, johann fischer, pepe gaitan, jill gallieni, yasuhiro hirano, anton hirschfeld, emile josome hodinos, josef hofer, john urho kemp, johann korec, zdenek kosec, joseph lambert, kunizo matsumoto, malcolm mc kesson, dan miller, yukio miyashita, oscar morales, michel nedjar, shogo ozaki, jean perdrizet, royal robertson, patricia salen, yuichi saito, milton schwartz, harald stoffers, ionel talpazan, pascal tassini, dominique theate, august walla, melvin way.

un catalogue bilingue (FR/EN) de 200 pages préfacé par éric dussert est publié.

Time:

18:30-22:00

Description:

/// L'ART DE LA RÉVOLUTION : UNE EXPOSITION HOMMAGE À MAI 68 ///

avec :
Guy Denning - Epsylon Point - Jérôme Mesnager

EXPOSITION : 26/04/2018 - 26/05/218
Vernissage le jeudi 26 avril 2018 de 18h30 à 22h

LA RÉVOLUTION DANS L'ART OU L'ART POUR LA RÉVOLUTION

Mai 68 a été le point de départ d'un virage sociétal fondamental dans la France de l'après-guerre. Nous souhaitons, par cette exposition, rendre hommage à cet évènement et présenter, 50 ans après, l'influence que mai 68 exerce encore sur les arts de la rue.
À Nanterre en avril et à Paris en mai 1968, le pochoir et la sérigraphie sont abondamment utilisés sur les murs pour exprimer la vindicte populaire. Les revendications d'une jeunesse intellectuelle, issue de la bourgeoisie, rejoignent le mécontentement des classes ouvrières pour remettre en cause le pouvoir dominant. En allant contre l'autorité des parents, des patrons et des générations précédentes, ils revendiquent alors la liberté d'inventer une société nouvelle. Les étudiants des Beaux-Arts de Paris ont mis au service de l'expression populaire les moyens graphiques et techniques à leur disposition pour investir l'espace urbain de Paris. Leurs slogans et phrases-chocs accompagnés des visuels simples, mais percutants ont traversé le temps et sont aujourd'hui devenus cultes.
Grâce à nos recherches iconographiques et textuelles, nous avons pu constituer un ensemble riche d'affiches, de publications et de journaux d'époque. Nous avons confié cette documentation historique aux artistes de cette exposition pour qu'ils réinterprètent, 50 ans après, l'impact de « La révolution Mai 68 » sur nos vies. Cette liberté tant visuelle qu'artistique, née à cette époque, constitue à nos yeux l'un des jalons fondateurs dans la naissance de l'art urbain, un art pour tous, aux vues de tous, sorti de l'intelligentsia muséale.
Laurent et Éric

Vernissage de l'exposition "L'art de la révolution : une exposition hommage à Mai 68"

Vernissage de l'exposition "L'art de la révolution : une exposition hommage à Mai 68"

Time:

18:30-22:00

Description:

A l'occasion du cinquantenaire de mai-68, Le nouveau Magazine Littéraire et Ground Control organisent du 26 avril au 13 mai une programmation spéciale interrogeant l'héritage du mouvement social ! Au menu : conférences, rencontres, émissions radio...

En parallèle, Polka propose un accrochage exceptionnel avec les images de Janine Nièpce, Bruno Barbey et Jean-Claude Gautrand dans la grande Halle ainsi qu'un cycle de projections de leurs photographies.

Retrouvez nous pour la soirée de lancement le jeudi 26 avril à partir de 18h30.

Vernissage de l'exposition "Mai 68 - Utopies d'hier, utopies de demain"

Vernissage de l'exposition "Mai 68 - Utopies d'hier, utopies de demain"

Time:

19:00-22:00

Description:

A PANTIN, les 26, 27 et 28 avril (nocturne le jeudi 26 avril de 20h30 à 23h, vendredi 27 & samedi 28 avril de 11h à 20h )

Soirée de lancement de la Grande Braderie du Design de AIDES le jeudi 26 avril à 19h aux Magasins Généraux

Plus de 1500 pièces de design de toutes marques sont proposées à la vente, avec des rabais entre -30 et -70%. Il y en aura pour tous les gouts et toutes les bourses !

L'intégralité des fonds collectés servira à financer les actions de prévention et de dépistage du VIH de l'association de lutte contre le sida AIDES, organisatrice de l'événement.

Toutes les informations pratiques sont à retrouver sur le site de AIDES
https://www.aides.org

Soirée de lancement de la Grande Braderie du Design de AIDES

Soirée de lancement de la Grande Braderie du Design de AIDES

Du 26 au 28 avril, ne manquez pas la seconde édition de la Grande Braderie du Design !

Trois jours pour acquérir des pièces exceptionnelles de créateurs et de marques de renom, à des prix imbattables. Trois jours à ne pas manquer, au profit de la lutte contre le sida.

Il y en aura pour tous les gouts et toutes les bourses. Des plats et assiettes Revol au design unique accessibles à partir de quelques euros, des lampes-cocotte Serge Mouille proposée à 900€ au lieu de 1500€, des bougies Diptyque à prix imbattables, des coffrets de couverts signés Philippe Starck et bradés jusqu'à -70%, ou encore un vase Saint Louis à 2000€ au lieu de 3450€... Du 26 au 28 avril, ce sont plus de 1500 pièces qui seront proposées à la vente, avec des rabais compris entre -30 et -70%. Chacun-e pourra y trouver son bonheur !

La Grande Braderie du Design, comment ça marche ? C'est simple, des créateurs-rices ainsi que des sociétés de diffusion et d'édition d'objets de design se mobilisent généreusement aux côtés de AIDES, en faisant don de pièces à l'association. La vente, ouverte au grand public et scénographiée par notre partenaire Buro Bonus, propose ensuite ces objets à des prix attractifs et accessibles à tous-tes. L'intégralité des fonds collectés lors de cette vente servira à financer les actions de prévention et de dépistage de l'association. Avec environ 40.000 tests de dépistage du VIH réalisés chaque année partout en France, AIDES a plus que jamais besoin de la générosité du public.

En 2017, la première édition a reçu le soutien de plus de 70 marques et créateurs-trices, et la visite de plusieurs milliers de personnes lors de la vente. Un succès incontestable qui a permis de collecter plus de 55 000 euros. Nous espérons faire encore mieux cette année !

Jean Nouvel, parrain exceptionnel de la Grande Braderie du Design. Après une première édition parrainée par Philippe Starck, AIDES peut à nouveau s'enorgueillir d'un parrain engagé dont l'immense talent est reconnu dans le monde entier. « Le design et l'architecture ont toujours été des vecteurs de transformation sociale. Ce pourquoi AIDES agit depuis sa création dans le but de mettre fin au sida » explique Jean Nouvel. « Aujourd'hui l'engagement de toutes et de tous est essentiel pour y parvenir. Ensemble écrivons cette dernière page du sida » conclut le célèbre architecte contemporain. « Que Jean Nouvel ait accepté de parrainer cette seconde édition est un honneur incroyable fait à AIDES et à ses 1500 militants-es. Nous tenons à lui témoigner toute notre émotion et toute notre reconnaissance », confirme Aurélien Beaucamp, président de AIDES.

Une vente unique dans un lieu unique. Cette année encore, c'est aux Magasins Généraux que se déroulera la vente. L'occasion de (re)découvrir ce lieu incroyable réhabilité par l'agence BETC et l'architecte Frédéric Jung au bord du Canal de l'Ourcq à Pantin. L'agence, qui nous accompagne depuis plus de 15 ans sur la Grande Braderie de la Mode, montre une fois encore toute la force de son engagement à nos côtés. Retrouvez ici toutes les infos pratiques ainsi que les marques et créateurs-trices partenaires, ou sur la page Facebook de l'événement.

Time:

19:00-21:00

Description:

Exposition du 27 avril au 18 mai 2018
Du lundi au samedi de 11h à 19h

Vernissage le jeudi 26 avril
Preview collectionneurs de 16h à 19h
Vernissage public de 19h à 21h

La Galerie Artistik Rezo est ravie d'accueillir pour la première fois Quentin DMR pour son solo show.

En s'appropriant l'espace de la galerie, l'artiste nous entraîne dans son univers photographique, constitué d'œuvres délicatement abstraites et résolument humaines.
Quentin DMR se définit comme un "photographe-plasticien", deux termes qui s'opposent et se rejoignent.
Il expérimente, détourne, réoriente le regard.
Il interroge la place du photographique pour nous restituer ce qu'il nomme une déconstruction de l'image.

Vernissage de Quentin DMR "ENTER / EXIT"

Vernissage de Quentin DMR "ENTER / EXIT"

Description:

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Description:

Le jour de la Liberté (en anglais Freedom Day, en afrikaans Vryheidsdag) est un jour férié en Afrique du Sud depuis 1995 qui commémore notamment la fin de la domination politique de la minorité blanche sud-africaine.

Institué par Nelson Mandela, le premier président noir du pays, cette date commémore la tenue des premières élections nationales multiraciales depuis l'abolition de l'apartheid et de l'entrée en vigueur de la nouvelle constitution intérimaire, négociée pendant 3 ans au sein de la CODESA entre le gouvernement de Klerk, le congrès national africain (ANC), le parti national et 19 autres partis politiques de plus ou moins grande importance ainsi que les représentants des Bantoustans. Le scrutin eut lieu du 26 au 29 avril. Sur un total de 22,7 millions d'électeurs, plus de 16 millions de Noirs votaient pour la première fois pour élire leurs représentants au parlement et dans les nouvelles législatures provinciales. L'ANC remporta 252 sièges sur 400 dans la nouvelle Assemblée et la majorité des suffrages dans sept des neuf nouvelles provinces. Le 27 avril est également la date de la levée du nouveau drapeau sud-africain et du nouveau statut de Nkosi Sikelel' iAfrika en tant qu'hymne national au côté de Die Stem van Suid-Afrika, l'hymne national depuis 1927.

Auparavant, depuis 1910, seuls les Blancs d'Afrique du Sud avaient toujours bénéficié d'un droit de vote sans restriction, mise à part une obligation de résidence d'au moins 5 ans dans le pays pour être élu, alors que les droits électoraux des Coloureds acquis précédemment dans la colonie du Cap et maintenu dans la province du Cap par le South Africa Act lors de la formation de l'Union sud-africaine avaient été rognés par une loi d'apartheid en 19564. La constitution sud-africaine de 1983 mit en place un parlement tricaméral où les indiens et les métis purent élire leurs représentants dans des chambres séparées tandis que les Noirs continuaient à n'avoir aucune représentation élue au niveau national.

Description:

Déclaration d'Indépendance en 1957

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Time:

17:00-21:00

Description:

Noty Aroz se trouve à mi-chemin entre arts graphiques, arts narratifs et expérience sociale.

Leurs créations sont inspirées du livre La Théorie du syncrétisme fictif. Cet essai socio-théologique écrit par un anthropologue anonyme, dit Le Professeur, fait le constat suivant : depuis quelques décennies, certains peuples à travers le monde se seraient mis à vénérer des personnages issus à la fois de fictions populaires et de croyances traditionnelles. Cette mythologie moderne se nomme Mythologeny.

En mêlant anthropologie et analyse scénaristique, Noty Aroz ont déjà recensé 11 divinités classées en saisons et épisodes. À l'instar des anciens mythes fondateurs, chacune d'entre elles interroge différentes problématiques contemporaines et aborde des thématiques telles que la justice sociale, la stigmatisation, le féminisme, etc.

Cette nouvelle exposition interactive sera l'occasion de découvrir la douzième divinité, dénommée Ginteil, mêlant un personnage féminin de l'univers Marvel à la culture celte écossaise.

Voici le lien vers leur site pour aller plus loin dans la découverte :

https://www.noty-aroz.com

Vernissage de Noty Aroz

Time:

18:00-22:00

Description:

Du vendredi 27 avril 2018 au lundi 1er mai 2018 de 11h à 20h (sauf le vendredi de 11h à 22h)
vernissage le vendredi 27 avril de 18h à 22h

Un weekend à rallonge attend un certain nombre d'entre vous grâce au pont du premier mai ! Cela tombe bien particulièrement pour les amateurs d'expositions et d'art car un superbe marché se déroulera à cette date.

Une invitation au Grand Marché d'Art Contemporain de Vincennes vous ferait plaisir ?

Les amateurs et professionnels, savent que c'est un rendez-vous à ne pas manquer. Pour commencer par ce qu'il a lieu sur l'esplanade du magnifique château de Vincennes, rien que le décor est top. Mais qu'en plus c'est le moment de rencontrer de nombreux artistes talentueux qui ne demandent qu'à échanger et partager. Tout en simplicité, ils vous conteront le cheminement parcouru dans leur esprit entre le moment de la création et les œuvres qui se présenteront devant vous.

L'ambiance est chaleureuse et conviviale. De nombreuses animations sont prévues pour les enfants et les plus grands, des activités à Vincennes qui leurs feront plaisir (atelier dessin, mosaïque, sculpture et création de masques). Les inscriptions s'effectuent directement sur place auprès des animateurs.
C'est également l'occasion pour vous de dénicher de vraies belles œuvres à des tarifs très raisonnables.

Afin de profiter de cet espace d'art contemporain, n'oubliez pas de télécharger et de remplir vote invitation gratuite valable pour 2 personnes et indispensable pour pénétrer à l'intérieur du marché.

Les passionnés, et même ceux qui le sont moins, ne manqueront pas le vernissage de cet événement à Vincennes qui aura lieu le Vendredi de 18h à 22h.

>> invitation

Vernissage du Grand Marché d'Art Contemporain de Vincennes

Vernissage du Grand Marché d'Art Contemporain de Vincennes

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Description:

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Time:

18:00-21:00

Description:

"B L OB!"
Vernissage samedi 28 avril 18-21h

avec :
Anne-Charlotte Yver, Nelson Pernisco, Victoire Thierrée, Vincent Mauger

Cur. Marion ZILIO & Bertrand GRIMONT

Le blob n'est ni un champignon, ni une plante, ni un animal. II n'est pas mâle ou femelle, et a le choix entre 221 sexes. C'est une espèce inclassable dont la particularité est d'être composé d'une seule cellule et d'innombrables noyaux. Sans cerveau ni système nerveux, il est pourtant intelligent et peut apprendre ou transmettre des informations acquises. C'est une masse presque immortelle et divisible pouvant aussi fusionner pour ne former qu'un unique organisme. Adaptatif, il déploie des stratégies de défense ou peut s'étendre sur plusieurs mètres carrés. Il prolifère, s'infiltre, se propage comme de la mauvaise herbe dans tous les recoins. Blob est le nom de laboratoire de cette cellule géante, rampante et visqueuse, inspirée des films de science-fiction et d'épouvante. Objet des recherches scientifiques les plus pointues du moment, il fascine autant qu'il révulse. Cristallisant un imaginaire biologique, allant du chiendent végétal à la prédation animale, et remettant en cause les fondements sociologiques de genres ou d'espèces biopolitiques, le Physarum polycephalum déplace encore son champ d'investigation vers des questions relatives à l'esprit et la communication des non-humains. Il/elle/ça jouit d'une contamination positive et pervasive. Son mode d'existence ambigu pourrait bien être le paradigme d'une vision du futur dépassant tous les dualismes et animant la matière d'une énergie qui lui est propre.
Les œuvres réunies dans cette exposition ont le caractère du blob, sans en être l'illustration. Ces dernières prennent vie, tout en restant inertes, colonisent en douceur la surface des tableaux ou les murs de la galerie, visent l'adaptation à leur nouveau milieu pour mieux l'appréhender ou le reconfigurer. Chacun des artistes développe un dialogue intime avec la matière, au sein de rapports de forces, voire de relations d'ordre fétichiste ou érotique.

Marion Zilio

Vernissage de l'exposition collective "B L OB !"

Vernissage de l'exposition collective "B L OB !"

Anne-Charlotte Yver, Storage Facility II, 2017
Photo Anne-Charlotte Yver

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4,70 € / 3,60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3,60 € / 2,60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22,4 x 17,3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68,5 x 54,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71,7 x 119,5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Description:

Du 22 janvier au 10 juin
Tous les jours de 11h à 19h

Vernissage le dimanche 21 janvier en présence d'Olivier Saillard, Christoph bon Weyhe, Jean-Baptiste Mondino, Naomi Campbell, Didier Krzentowski, Jack Lang, Cindy Crawford Kaia Gerber, Farida Khelfa, Carla Sozzani, Paolo Roversi

Disparu le 18 novembre 2017, le génie d'Azzedine Alaïa s'expose au sein de son atelier et de sa galerie d'art dans le 4ème arrondissement de Paris dès aujourd'hui. Orchestrée par Olivier Saillard, cette exposition met en lumière les pièces les plus emblématiques du créateur, qui sera également à l'honneur du Design Museum de Londres qui, dès le mois de mai 2018, accueillera l'exposition "Azzedine Alaïa, The Couturier". Le plus ? C'est le créateur lui-même qui a choisi les 60 pièces couture exposées.

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Décédé le 18 novembre 2017, Azzedine Alaïa a laissé une mode meurtrie de son départ mais enrichie par ses créations. Avec son élégance et ses coupes précises sublimant les courbes comme marques de fabrique, le couturier se voit déjà célébré par une exposition parisienne. Direction l'atelier et la galerie d'art du créateur, situés au 18 rue de la Verrerie dans le quatrième arrondissement où les créations les plus emblématiques d'Azzedine Alaïa se donnent à voir, scénographiées par Olivier Saillard, ancien directeur du Palais Galliera. A voir jusqu'au 10 juin 2018. Et cette année sera assurément l'année Alaïa puisqu'Outre-Manche, le créateur sera également à l'honneur d'une exposition au Design Museum.

Du 10 mai au 7 octobre 2018, "Azzedine Alaïa : The Couturier" dévoilera une soixantaine de silhouettes choisies avec soin par le maître avant son décès. Curatée en partie par le créateur lui-même, cette exposition promet de mettre en scène des pièces plus qu'intimes et chargées d'histoire. C'est à même la peau de ses mannequins qu'il sculptait ses robes aujourd'hui pièces de collection. Travaillant les tissus les plus luxueux, Azzedine Alaïa mêlait aussi son savoir-faire précieux aux matières innovantes et aux techniques modernes.

Pour faire écho à plus de 35 ans de couture, des pièces architecturales seront commandées pour l'occasion. Artistes et designers rendront ainsi hommage au couturier à la passion brûlante de la mode.

Azzedine Alaïa : Je suis Couturier - jusqu'au 10 juin 2018 18 rue de la Verrerie 75004 Paris

Azzedine Alaïa : The Couturier - du 10 mai au 7 octobre 2018 Design Museum - 224-238 Kensington High St, Kensington, Londres

Vernissage de l'exposition "Azzedine Alaïa : Je suis Couturier"

Time:

11:00-12:00

Description:

Il y a un mois nous vous proposions de découvrir Le Grand Musée du Parfum à l'occasion d'une visite guidée. Fort du succès de cette visite et toujours en partenariat avec le Musée, nous sommes heureux de vous convier à une nouvelle expérience sensorielle à l'occasion d'un atelier de création de parfum autour de la Rose.

Au programme de cet atelier d'une heure :
- Introduction au métier de parfumeur
- Apprendre à sentir et entraîner sa mémoire olfactive
- Apprendre à composer un accord olfactif

Tous les participants repartiront avec leur composition de rose. Vous pourrez ensuite (re)découvrir le musée à l'occasion d'un visite libre.

Cet atelier habituellement proposé au tarif de 45 € par personne vous est OFFERT par le Grand Musée du Parfum mais attention, il n'y a que 10 places !

// Comment s'inscrire ? //

Pour faire une demande d'inscription, remplissez le formulaire qui se trouve ici :
>> RSVP

Les 10 "happy few" recevront un mail de confirmation de leur inscription dans les prochains jours.

Atelier olfactif autour de "La rose"