Germain Pire - Week from November 18, 2019 to November 24, 2019

November 18, 2019 - November 24, 2019 (Week 47)
Public Access

Category: All

	Mon 18 Nov	Tue 19 Nov	Wed 20 Nov	Thu 21 Nov	Fri 22 Nov	Sat 23 Nov	Sun 24 Nov
		Fête Nationale de Monaco Salon des Maires et des Collectivités Locales 2019	Salon des Maires et des Collectivités Locales 2019	Salon des Maires et des Collectivités Locales 2019 Beaujolais nouveau	Fête nationale du Liban : anniversaire de l'indépendance Salon Mer & Vigne	Salon Mer & Vigne	Salon Mer & Vigne
08:00
09:00				09:00» Petit-déjeuner de l'emploi dans l'économie sociale et solidaire
10:00
11:00						11:00» Vernissage du 18ème Salon des Arts Plastiques de Pierrefitte
12:00
13:00
14:00
15:00						15:00» Vernissage de Harald Fernagu "L'hypothèse Dogon" 18:00» Vernissage de l'exposition "de l'art animalier !"
16:00
17:00		17:00» Lancement des "Étoiles et des Femmes" 17:00» Vernissage de l'exposition "Paris Arty-Show" 18:00» Lancement des illuminations de Noël du Faubourg Saint-Honoré 18:00» Vernissage de l'exposition "Les 111 des Arts 2019" 19:00» Grand Dîner du Louvre 19:00» Inauguration du Studio Pierre Henry 19:00» Vernissage de Marc Martin "Les Tasses" 19:00» Vernissage de l'exposition "Pierre et Gilles, la fabrique des idoles"		17:00» Vernissage de Harald Fernagu "L'hypothèse Dogon" 18:00» Vernissage d'Anna Orion 18:00» Vernissage d'Arthur Aeschbacher "Stores Transit" 18:00» Vernissage de Badia Marteau 18:00» Vernissage de Claude Como "Gaïa - Origines" 18:00» Vernissage de Daniele Noel & Piergiorgio Colombara "l'echelle" 18:00» Vernissage de Lamiel "Le murmure des saisons" 18:00» Vernissage de Monsta "Turbulence(s)" 18:00» Vernissage de Nasti "Prototypes" 18:00» Vernissage de Pablo Delgado "Space Matters" 18:00» Vernissage de Pierre Bonard "Transports" 18:00» Vernissage de l'exposition "Africa now II" 18:00» Vernissage de l'exposition "Dorothée Selz : A Girl with a Guy" 18:00» Vernissage de l'exposition "New Start : Part III" 18:00» Vernissage de la 23ème édition du festival "Territoires en Image" 18:30» 20ème édition des Worldwide Hospitality Awards 18:30» Vernissage d'Oleñka Carrasco "La liste des prénoms" 18:30» Vernissage de Maurice Renoma "Les Argentiques" 18:30» Vernissage de l'exposition "Épagôgè" 19:00» 6ème édition des Victoires des Leaders du Capital Humain VLCH 19:00» 130 ans du Musée Guimet 19:00» Vernissage du 32ème Salon des Artistes Peintres et Sculpteurs du 15ème 2019 19:30» Présentation de l'exposition "Présence Humaine" 20:00» Vernissage de Caroline Piat "Women" 20:30» Gala "Elle's Imagine'nt"
18:00	18:00» Nuit du Commerce Connecté 18:30» Vernissage de l'exposition "Frapper le fer, L'art des forgerons africains" 18:30» Vernissage de l'exposition "Helena Rubinstein, La collection de Madame" 18:30» Vernissage de l'exposition "Somuk, Premier artiste moderne du Pacifique" 20:30» Jubilé de Dave		18:00» Vernissage de Karin Boinet et Christine Guillemin "Mise en scènes" 19:00» 2ème édition du Grand Prix du Search 19:00» Rencontre avec Geneviève Fraisse		18:00» Lancement du livre "CBA │ Cyber Babs Art" 18:00» Vernissage du Salon PAGE(S) 2019 19:00» Vernissage de Thomas Tears & Yugnat999 "IRL MEME"
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Time:: 18:30-21:00
Description:: Mezzanine est

Du mardi 19 novembre 2019 au dimanche 29 mars 2020

À travers près de 230 œuvres exceptionnelles, l'exposition dévoile la technicité complexe et riche de l'une des traditions de fer forgé les plus sophistiquées au monde. Panorama inédit des créations de ces maîtres du feu depuis plus de 2500 ans.

À PROPOS DE L'EXPOSITION

Peu d'endroits dans le monde ont un rapport aussi puissant avec le fer que l'Afrique subsaharienne. Depuis plus de deux millénaires, le travail de l'un des matériaux les plus fondamentaux de la planète a révolutionné le continent et façonné en profondeur ses communautés et cultures, des champs aux foyers, des terrains de bataille aux lieux religieux. Sous le marteau du forgeron africain, maître du feu et virtuose de la transformation, le métal a été fondu, forgé, martelé puis métamorphosé en objets, et parfois investis d'un pouvoir social et spirituel, avec une sensibilité artistique impressionnante.

Orchestrée par l'artiste et forgeron américain Tom Joyce et les membres du comité scientifique, l'exposition "Frapper le fer, l'art des forgerons africains" déploie une diversité de formes et de traditions autour du fer dans différentes régions du continent subsaharien. Près de 230 pièces réalisées entre le 17e siècle et l'époque contemporaine, allant de la sculpture en bois à une myriade de formes de monnaies, instruments de musique, armes, objets de prestige, témoignent du talent et des prouesses techniques des forgerons d'Afrique, personnages autant vénérés que craints. Un ensemble unique d'œuvres, de collections publiques et privées, originaires de plus de quinze pays parmi lesquels le Nigeria, le Mali, le Bénin ou la République démocratique du Congo, est réuni au musée du quai Branly - Jacques Chirac pour l'une des présentations les plus complètes jamais réalisées.

"Frapper le fer, l'art des forgerons africains" est organisée par le Fowler Museum at UCLA, Los Angeles. Elle est rendue possible grâce aux contributions majeures du National Endowment for the Humanities et du National Endowment for the Arts. L'exposition a également reçu le soutien du Martha and Avrum Bluming Exhibition Fund.

COMMISSAIRE PRINCIPAL
Tom Joyce, sculpteur lauréat du prix MacArthur initialement formé à la ferronnerie

COMITÉ SCIENTIFIQUE
Allen F. Roberts, professeur des Arts et Cultures/Danse du monde à UCLA
Marla C. Berns, Shirley & Ralph Shapiro Director, Fowler Museum
William J. Dewey, directeur du programme d'études africaines et professeur associé d'Histoire de l'art africain à l'Université d'État de Pennsylvanie
Henry John Drewal, professeur Evjue-Bascom d'histoire de l'art et d'Études africaines-américaines à l'université du Wisconsin à Madison

RENCONTRE
MARDI 19 NOVEMBRE À 17H (EN SALLE DE CINÉMA)
Rencontre exceptionnelle avec Henry John Drewal, commissaire associé de l'exposition et projection de ses deux derniers documentaires sur les forgerons du Maroc et sur le dieu Ogun en République du Bénin (sous-titres français).
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

Time:: 20:30-23:00
Description:: en présence de Marc-Olivier Fogiel, Sylvie Vartan, Renaud, Daniel Auteuil, Michel Drucker, Nadine Trintignant, Marc-Olivier Fogiel, Gilbert Montagné

"A 75 ans, sans fausse modestie, je dois reconnaître que ma voix n'a pas bougé, comme un cadeau du ciel!": Dave qui a dominé les seventies, fait son grand retour pour fêter cinquante ans de carrière.

"Mes cordes vocales me permettent de gagner ma vie. C'est mieux que de faire vieille pute!", confie-t-il à l'AFP, avec ce ton très direct qui l'a rendu populaire autant que ses ritournelles: "Du côté de chez Swann", "Est-ce par hasard" ou "Mon cœur est malade" au Panthéon de la chanson francophone.

Pour ses 50 ans de carrière, il sort un nouvel album studio qu'il va étrenner lundi sur la scène de Bobino, avant une tournée.

Ce retour sous les projecteurs, Dave estime qu'il le doit à son plus proche voisin à l'Ile-sur-la-Sorgue: Renaud a décidé de produire ce nouvel album "Souviens-toi d'aimer", regroupant douze titres dont plusieurs abordent des questions sociétales.

"Il est venu me voir en concert. Il m'a félicité en me disant que j'étais un clown musical pour toutes les bêtises que j'ai l'habitude de dire entre les chansons", raconte Dave.

"Renaud n'a pas bu depuis un an. Il est très bien", observe-t-il au passage. Mister Renard signe d'ailleurs l'un des nouveaux titres de Dave, "Une Femme qui s'en va", aux tonalités personnelles : "Une femme qui s'en va, ça ne revient jamais/Et la mélancolie vient alors s'installer/Comme une pierre tombale".

- "Pas le mal de mère" -

Avec "La fille aux deux papas", Dave aborde la GPA, avec un regard plein de tendresse sur une fillette élevée par un couple homosexuel: "Elle n'a pas le mal de mère/Au contraire/Dans son cœur, tout est clair/Elle a tous ses repères".

"C'est Marc-Olivier Fogiel (NDLR : papa de deux fillettes nées par GPA) qui a suggéré une chanson sur ce thème. Pour moi, ce n'est qu'une chanson d'amour sous un autre angle", estime Dave.

"Avant, je n'interprétais pas de chansons clivantes. Je ne suis pas un politicien en train de transformer le monde. En tout cas, aux Pays-Bas, la GPA est passée comme une lettre à la poste il y a fort longtemps", ajoute le plus Français des Néerlandais.

"Je suis juste un chanteur d'amour. Je suis content de ne pas être président de la République. La France est un pays ingérable, intransformable..."

Les affres de l'amour inspirent plusieurs titres dont "Quittons-nous bons amants", "Inséparés" et "Deux moitiés d'une même orange" en écho au couple qu'il forme depuis 48 ans avec Patrick Loiseau, son parolier attitré depuis son premier grand succès, l'adaptation en français de "Sugar Baby Love" des Rubbets en 1974, avant le million d'exemplaires de "Vanina".

- "Pas une limace" -

"Je suis un chanteur de varietoche et fier de l'être, même si cet album va apparaître comme celui de la maturité. A 75 ans, il est temps!", souligne Dave qui attribue sa popularité à la manière dont il aborde les choses, maniant souvent l'auto-dérision et la raillerie sympathique.

"J'ai la langue bien pendue et j'ai beaucoup de facilité à dire des gros mots français, pas ceux de ma langue d'origine! Et si je suis caustique, c'est avec bon cœur!", assure celui qui a animé de nombreuses émissions de TV, en parfait "entertainer".

Pour Dave, la scène, "c'est le Nirvana": "il ne faut pas trop le dire sinon les gens ne paieront plus leur place!".

"Même si une chanson de variété peut accompagner la vie des gens, je ne suis pas une limace : je sais que je ne vais pas laisser de traces!". "La chose qui m'a fait plaisir est d'entendre Calogero reprendre à sa manière +Du côté de chez Swann+. Un standard, c'est peut-être une chanson avec plusieurs interprètes".

Time:: 19:00-22:00
Description:: COLLECTION PERMANENTE
NOUVEL ESPACE : STUDIO PIERRE HENRY

Du dimanche 1 septembre 2019 au dimanche 30 août 2020
mercredi-vendredi 12h-18h, samedi-dimanche 10h-18h

Studio Pierre Henry
Le Musée de la musique accueille dans un nouvel espace les instruments, appareils et objets du Studio Son/Ré de Pierre Henry.
Le Studio Pierre Henry constitue la dernière salle du parcours du Musée, il est accessible du mercredi au dimanche.

À la Philharmonie de Paris, le studio révolutionnaire de Pierre Henry revient à la vie

La Cité de la musique - Philharmonie de Paris consacre une nouvelle salle passionnante au pionnier de la musique concrète, décédé en 2017. Une réussite.

Le déménagement remonte au 31 octobre 2018. Un an, tout pile, depuis que les clés de la maison de Pierre Henry, dans le 12e arrondissement de Paris, ont été remises au promoteur immobilier qui s'en est porté acquéreur avant destruction. Le compositeur pionnier de la musique concrète, qui y a vécu et œuvré depuis 1971, est décédé le 5 juillet 2017 et sa veuve, Isabelle Warnier, fut priée de libérer les lieux par leur propriétaire. Un crève-cœur, pour elle et pour tous ceux qui poussèrent un jour la porte du 32, rue de Toul - plus de 10 000 personnes y ont assisté à des concerts, par petits groupes, au fil du temps. Une extraordinaire maison-studio d'enregistrement dont les murs étaient couverts de tableaux-sculptures et les étagères remplies de bandes magnétiques, que la mobilisation du public ne parvint pas à sauver. « À la mort de Pierre, on nous a laissé un an pour tout déménager, dit Isabelle Warnier. Heureusement, l'idée de transporter le studio s'est rapidement concrétisée, grâce à l'enthousiasme du ministère de la Culture et de Laurent Bayle. »

Pérenniser le contact de son œuvre avec le public
Laurent Bayle est le directeur général de la Cité de la musique - Philharmonie de Paris où le studio Son/Ré de Pierre Henry est reconstitué, depuis un mois, dans un nouvel espace du Musée de la musique. « Pierre et moi parlions peu de son héritage, parce que ça ne lui plaisait pas, raconte Isabelle Warnier. Il aimait vivre ici et maintenant, jusqu'à la fin. Certes, il espérait que sa maison soit préservée, mais il n'y tenait pas tant que ça. Plutôt que la voir transformée en musée, je crois qu'il aurait préféré cette solution qui pérennise le contact de son œuvre avec le public, notamment la jeune génération. »

« Mes premiers souvenirs de la musique sont l'orage, le vent et le train », est-il inscrit sur un mur en surplomb de la salle consacrée à Pierre Henry, chainon manquant dans les collections du musée qui, richement doté du patrimoine musical jusqu'aux années 1960, souhaite développer son fonds depuis la fin du XXe siècle, dans la foulée de la récente exposition Électro à la Philharmonie. « Parce que Pierre Henry et la Philharmonie avaient noué un compagnonnage de longue date, la continuation allait de soi », éclaire Marie-Pauline Martin, directrice du Musée de la musique, en désignant les instruments et machines du studio Son/Ré que l'institution a reçus en donation - il est en état de marche et sera « joué » une ou deux fois par an, sous la supervision de Thierry Balasse. On y voit aussi 90 bandes magnétiques (intitulées « Trompes d'auto », « Jets soufflants », « Animaux synthétiques »...) sur les 14 000 qui ont été transportées à la BNF pour y être numérisées, ainsi qu'une paire de tableaux « concrets » parmi les 300 déplacés dans un local proche de Daumesnil.

La tentation est vive d'y passer beaucoup de temps

En plus d'un focus sur Variations pour une porte et un soupir (1963) chorégraphié par Maurice Béjart, la salle est équipée de dix modules manipulables, permettant de reproduire « La maison des sons » (1989) et « Psyché Rock » (1967) ou de mixer les œuvres de Beethoven, Bach, Schubert et Debussy comme Pierre Henry s'y amusait - la dimension ludique est intrinsèque de son travail. Démonstration de sa postérité, on y écoute aussi ses disciples tels que le duo anglais Coldcut et le jeune Français Jacques, sous une cartographie qui trace une nébuleuse d'Olivier Messiaen à Aphex Twin en passant par Jean-Michel Jarre, du thérémine au synthétiseur Yamaha DX7 en passant par l'UPIC de Iannis Xenakis. La tentation est vive d'y passer beaucoup de temps.

Une réussite, dont l'ouverture est accompagnée par un « Week-end Pierre Henry », du 20 au 24 novembre à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris. Y sera notamment donnée la Dixième Symphonie (1979-1998) qui revisite les neuf symphonies de Beethoven et sera interprétée pour la première fois dans la version dont Pierre Henry rêvait, avec trois orchestres et choeur. Des actualités discographiques se profilent aussi. Deux ans après la disparition du compositeur, et malgré les inquiétudes nourries par la disparition de sa maison-studio, la flamme d'Isabelle Warnier a stimulé les complicités qui placent son héritage artistique entre de bonnes mains.

Time:: 19:00-21:00
Description:: DU 19 NOVEMBRE AU 01 DÉCEMBRE
DE 13H00 À 20H00

PHOTOGRAPHIES & DOCUMENTS HISTORIOGRAPHIQUES

Dans le placard de la belle Histoire, les tasses font tache. La tasse, dans l'argot du siècle dernier, c'était la vespasienne. Érigées dans l'espace public à l'heure de l'hygiénisme, les vespasiennes devaient répondre aux besoins naturels de la population masculine. En privé, les tasses ont répondu à un besoin social. Des hommes en quête d'identité y ont posé les premières pierres du vivre ensemble.

Inaugurée l'an dernier au Schwules Museum de Berlin, l'exposition de Marc Martin a été prolongée en raison de son succès. Parce qu'il s'inscrit en marge de la mémoire convenue, aujourd'hui, à Paris, aucune institution classique n'a souhaité mettre en lumière le sujet. « Les pissotières ont mauvaise réputation. Elles sont davantage synonyme de honte que de fierté au sein même de la communauté. Pourtant, ces édifices, qui se confondent avec les aventures de nombreux gays, travestis, prostitués, libertaires, offraient une liberté échappant à tout enjeu économique. Ces lieux de passage et de sociabilité atypique voyaient les classes sociales s'estomper, les cultures se mélanger... On a souvent reproché aux hommes qui fréquentaient les pissotières d'être lâches, qualifié de sordides leurs rencontres en ces lieux publics. Or, n'ont-ils pas osé, en milieu hostile à la diversité, braver les interdits ? N'ont-ils pas, pendant plus d'un siècle, osé affronter des plaisirs défendus par la loi ? J'aimerais qu'on reconnaisse à ces hommes un certain courage. Je voudrais rendre à ces endroits, qui ont abrité tant de frissons, leur part troublante de sensualité ».

Au politiquement correct, le travail plastique de Marc Martin privilégie l'humainement exact. Voilà pourquoi Le Point Ephémère, centre d'Art vivant dédié aux idées émergentes, est fier de présenter « Les tasses, toilettes publiques - affaires privées ».

RENCONTRE LE 21.11 À 19H

performance / lecture
Binôme AlArmand : "Boire La Tasse"
Al et Armand sont deux jeunes pédés queer qui rendent hommage aux pissotières qu'ils n'ont pas vécues.

CONFÉRENCE LE 22.11 À 19H

Conférence de Regis Schlagdenhauffen, chercheur à l'EHESS : « Quand le tribunal de Paris juge les outrages publics à la pudeur : archives de la drague homosexuelle dans les vespasiennes »

DJ SET LE 28.11 À 21H

Disco-cuir et Techno-queer DE DJ LaBaldi. Clubbing autour des tasses !

http://www.marcmartin.paris
https://www.instagram.com/things_that_stink

Time:: 19:00-22:00
Description:: Musée de la musique

en présence de la chanteuse Marie France ("tendre assassine"), Sylvie Vartan

Exposition du 20 novembre 2019 au 23 février 2020

Conçue comme une installation musicale et visuelle, cette exposition explore l'univers de Pierre et Gilles au long d'un parcours réunissant une centaine de leurs peintures-photographies, mais également de nombreux objets et documents vidéo.

Pierre et Gilles ont photographié et sublimé plusieurs générations de célébrités, d'Étienne Daho à Stromae, de Sylvie Vartan à Nina Hagen, de Claude François à Marilyn Manson, de Lio à Madonna.

Cette exposition conçue comme une installation musicale et visuelle dévoile les secrets de leur fabrique des idoles. Une centaine de leurs peintures-photographies sont réunies, dont certaines exposées pour la première fois. Un juke-box de chansons, deux cents objets issus de leur atelier, des pochettes de disques et des vidéo-clips complètent cet éclairage inédit sur l'histoire d'amour qui lie les deux artistes à la musique.

Conçue en étroite collaboration avec Pierre et Gilles, l'exposition explore leur rapport à la musique, à ses codes, ses symboles. Accompagnée d'une playlist composée par les artistes en écho à chaque tableau comme un juke-box géant, elle offre au visiteur des documents inédits, installations d'objets mémoriels et autres reliques issues de leur atelier d'illusionnistes pour raconter et comprendre comment fonctionne leur fabrique des idoles.

PIERRE & GILLES

Depuis 1976, le duo Pierre et Gilles, développe une œuvre singulière entre peinture et photographie. Pierre, le photographe, est né en 1950 à la Roche-sur-Yon et Gilles, le peintre, en 1953 au Havre.

Leur rencontre a donné naissance à un mode opératoire précis et original. Ils font d'abord poser leurs modèles - inconnus, amis ou célébrités - dans des décors sophistiqués réalisés dans l'atelier. Une fois la photographie prise et imprimée, commence un long travail de peinture, avec à la clef un tableau, unique, dont le cadre est conçu par les artistes. Représentés par la Galerie Templon depuis 2012, ils ont exposé dans le monde entier. Constituée de 110 œuvres et de deux installations inédites réalisées par les artistes, l'exposition de la Philharmonie de Paris est leur première exposition monographique sur le thème de la musique.

Les deux marins - autoportrait, 1993 © Pierre et Gilles

PARCOURS DE L'EXPOSITION

Trois espaces distincts représentent les trois grandes thématiques de l'exposition : la fête, la mythologie, le rêve et le cauchemar.

ESPACE DORÉ

Juke-box années 1980
À la manière d'un kaléidoscope géant, Pierre et Gilles présentent pour la première fois dans leur ensemble ces œuvres rares, datant de la fin des années 1970 aux années 1980. Condensé de la production musicale de l'époque - variété, pop, disco, rock indépendant, chanson française - cette galerie de portraits illustre leur style si particulier: des photographies minutieusement peintes à la main, présentant souvent de larges aplats de couleurs acidulées, qui donnent à leurs images une dimension pop presque irréelle. Parfois réalisés dans le cadre de commandes, ces tableaux ont servi de couverture d'album ou de maxi. Certains tels que « Les brunes comptent pas pour des prunes » de Lio (1986), « Naufrage en hiver » de Mikado (1985) ou « Tes yeux noirs » du groupe Indochine (1986) restent durablement associés à l'image des musiciens concernés.

La vie en blanc, en bleu, en rouge : enchanter le réel
Contrairement aux tableaux de Pierre et Gilles qui fixent l'instant sur la pellicule et confient au pinceau le soin de l'embellir comme pour contrer le temps qui passe, la musique est une expérience éphémère. Elle s'inscrit pourtant dans notre souvenir en perdurant après l'écoute, et contribue ainsi à l'élaboration d'une mémoire collective. La représentation de musiciens chez Pierre et Gilles, souvent allégorique, empreinte de mélancolie, joue sans cesse sur ces dimensions. L'intime côtoie le populaire. Le cliché se frotte au sublime. Se dessine ainsi un certain portrait de la France en chanson, idyllique, comme si la musique pouvait enchanter le réel.

Les années Palace
En 1978, en pleine vague disco, Fabrice Emaer ouvre une discothèque rue du Faubourg Montmartre: le Palace. Avec son concert inaugural de Grace Jones et ses décors de Gérard Garouste, le Palace annonce une nouvelle ère où concerts et fêtes fastueuses se succèdent. Le lieu devient rapidement le rendez-vous incontournable des nuits parisiennes. S'y pressent jeunes noctambules, VIP et personnalités de la mode ou du cinéma. On y croise Mick Jagger, Andy Warhol ou Serge Gainsbourg en passant par Roland Barthes et Yves Saint Laurent.

Pierre et Gilles y retrouvent régulièrement leur bande et s'y font de nombreux amis qui deviendront plus tard leurs modèles. Creuset de la culture gay, le Palace fermera ses portes en 1983, en pleine épidémie de sida. Pierre et Gilles proposent des œuvres inspirées par cette parenthèse folle des « années Palace ». Temps de la jeunesse et de l'insouciance, elles sont aussi celles d'un brassage artistique et musical inédit qui rejoint l'imaginaire des artistes.

Amanda Lear, 1979 © Pierre et Gilles

L'autel de la musique
Conçue comme un autel, cette installation s'inspire du décor de l'atelier-studio des artistes. Au centre, la télévision diffuse les clips réalisés par le duo: elle témoigne de l'époque foisonnante du vidéo-clip, dans les années 1980, lorsque des chaînes musicales en continu telles que MTV ont révolutionné le genre. Avec jubilation, les artistes ont choisi d'accumuler autographes et figurines comme autant de reliques ou d'ex-voto, créant ainsi un vrai-faux cabinet de curiosité musical, caractéristique de leur imaginaire.

ESPACE BLEU

Les icônes
Le christianisme hante le travail de Pierre et Gilles depuis leurs débuts. À la fois pétris de culture catholique depuis l'enfance et grands admirateurs de la peinture classique, Pierre et Gilles sont par ailleurs fascinés par la beauté naïve de l'imagerie pieuse. C'est naturellement que la représentation de figures bibliques s'est imposée dans leur travail et de nombreux musiciens se sont vus métamorphosés en saint, chacun reconnaissable à ses attributs.

La célébrité des chanteurs, réelle ou fantasmée, s'efface derrière la puissance de l'icône. Chaque modèle devient une « idole » au sens propre du terme. Chaque tableau actualise les codes de représentation du sacré et cherche à s'inscrire dans la longue lignée de l'histoire de l'art religieux occidental. Rassemblées sous forme de chapelles, ces œuvres semblent s'offrir à l'adoration et interrogent l'expression populaire de la foi et l'universalité du message chrétien.

La chambre Sylvie
Dans cette installation inédite, créée spécialement pour l'exposition, Pierre et Gilles imaginent la chambre fictive d'un fan de Sylvie Vartan. À la fois sanctuaire et refuge, cette pièce désertée, hors du temps, dans laquelle on ne peut pénétrer mêle à la fois posters, souvenirs, objets publicitaires ou collectors, mais aussi dessins et cahiers personnels des artistes. Avec humour et nostalgie, Pierre et Gilles proposent une ballade visuelle à travers le « culte » dont a pu faire l'objet celle qui fut l'une des « idoles des jeunes ».

Comme un garçon, Sylvie Vartan, 1996 © Pierre et Gilles

Mythologie

De leur familiarité avec l'iconographie chrétienne, Pierre et Gilles ont tiré une curiosité prononcée pour toutes les formes de représentation religieuse. Leurs premiers séjours au Maroc les marquent durablement. En Inde, où ils se rendent à plusieurs reprises, ils découvrent le cinéma de Bollywood, l'omniprésence des divinités, les vitrines des studios-photo artisanaux et leurs photographies peintes à la main. C'est cette artificialité haute en couleur, à la fois sophistiquée et directe, qui les fascine et qu'ils recherchent instinctivement dans leur pratique.

Les figures du bouddhisme et de l'hindouisme intègrent leur esthétique. Boy George devient le dieu Krishna. Nina Hagen devient Kali, déesse indienne de la destruction. Madonna prend les traits de Ushiwaka de la mythologie japonaise. Refusant tout exotisme facile, Pierre et Gilles s'interrogent sur le pouvoir des mythes en jouant du contre-emploi ou de rapprochements visuels inattendus. Avec humour et tolérance, leurs œuvres tissent ainsi de subtils liens entre différents univers culturels.

ESPACE ROUGE

Rêve et cauchemar
Pour ce dernier espace, le duo s'est amusé avec les stéréotypes des divers genres musicaux. Au paradis célébrant le désir et l'amour, Pierre et Gilles opposent leur vision d'un enfer, ludique et bigarré.

L'ambiguïté est au cœur de chacun des personnages, comme si Bien et Mal étaient intrinsèquement liés. Pierre Lapointe est ainsi montré en trappeur dans une nature de carte postale, mais ses mains sont couvertes de sang. L'univers de Pierre et Gilles refuse tout manichéisme: passant d'un registre à l'autre, détournant les conventions visuelles comme sociales, leurs œuvres font écho à la puissance transgressive de la musique.

Le grand amour, Marilyn Manson et Dita Von Teese © Pierre et Gilles

COMMISSARIAT
MILAN GARCIN

Historien de l'art et curateur, doctorant à l'Université Paris-Nanterre et à l'Ecole du Louvre sur l'oeuvre de Francis Bacon, Milan Garcin travaille sur les liens cachés dans et entre les images, sur la façon qu'ont les artistes de s'approprier l'histoire de l'art et sur l'épistémologie de sa discipline, des avant-gardes du XXe siècle à nos jours. Commissaire de plusieurs expositions, il a notamment collaboré avec Jean-Hubert Martin pour l'exposition Carambolages (RMN Grand Palais, 2016) et poursuit ce travail auprès de plusieurs musées en France et dans le monde.

#ExpoPierreEtGilles

Time:: 18:00-21:00
Description:: VERNISSAGE LE JEUDI 21 NOVEMBRE
Exposition du 22 novembre 2019 au 11 janvier 2020

Ce qui frappe, lorsque l'on découvre le travail de Claude Como, c'est son désir de trier, lister, répertorier. Depuis 30 ans, en effet, l'artiste marseillaise travaille le plus souvent par séries : le Szondi test (6 séries de 48 portraits de psychopathes, 1990-1992), Fragments agrandis d'anatomie (1996- 1999), Rosacerdoce (une installation de 1000 tableaux représentant une rose dans la serre du parc de Saint Cloud, 2004), Landscapes (2013- 2016), etc.

Ce travail sur des ensembles, qui sous entend implication sur la durée et immersion complète dans un sujet, traduit un besoin universel - exacerbé chez l'artiste - de trouver des réponses à ce qui nous dépasse. Une démarche touchante, parce qu'utopique, d'inventorier pour mieux comprendre ce qui nous entoure et de capturer l'infini des possibilités que nous offre le vivant.

C'est particulièrement le cas pour Gaia (Work in in Progress) entamée en 2018, dont la Galerie Lazarew a l'honneur de présenter le premier volet aujourd'hui. Ici, il est question d'une plongée au coeur de la terre nourricière, la terre mère, où l'humain, l'animal et le végétal s'entremêlent, où la sensualité, la vie et la mort rodent dans un écosystème silencieux. Chez Claude Como, ce silence, loin d'être associé à l'absence ou la mort, trouble parce qu'il est puissamment vivant.

Autour d'une installation centrale (La Flaque, 2019 - huile et résine sur bois, huile sur toile), Claude Como propose des oeuvres qui dialoguent par analogie de sens, de formes, de matières, de couleurs et d'expériences. Tout dans cette exposition est organique, vivant, depuis les sujets traités jusqu'à la scénographie, en passant par la manière dont les objets et tableaux se répondent. Les paysages au fusain qui ouvrent l'exposition se retrouvent sur les bustes de femme en céramique, dont le dos végétal rappelle les éléments marins (coraux, algues) des sculptures Hands remain. Au sein de celles-ci, on retrouve parfois un pied, une main, en écho aux puissantes huiles sur toile des mains nouées (Hand Made I et II). On ne peut rester insensibles à la vue des oiseaux aux ailes végétales de la série Icarus (céramique), disposés dans une position troublante... qui n'est pas sans rappeler celle de la femme allongée qui nous regarde (Allegoria, huile sur toile).

Huile sur toile, résine, fusain, céramique, Claude Como met au service de la diversité du vivant la pluralité des mediums, avec virtuosité et justesse; elle donne naissance à des oeuvres reliées mais qui revendiquent leur unicité, dans une exposition énigmatique et puissante.

Time:: 18:00-21:00
Description:: Vernissage public // Jeudi 21 novembre 2019 de 18h à 21h30

Exposition du 22 novembre au 15 décembre de 14h à 19h
Tous les jours sauf le mardi et le mercredi.

Monsta s'amuse, construit, apprend, ré apprend, s'associe...
Chacune de ces actions est motivée par l'envie de garder son âme d'enfant et ainsi continuer d'alimenter sa créativité pour ne jamais cesser d'avoir des idées à noter sur un bout de papier qu'il finira par concrétiser.

Monsta s'amuse à créer des personnages imaginaires, des monstres qu'on pense tout droit sortie de la tête d'un enfant, personnages qu'il met en scène dans ses oeuvres. Ces petits et grands monstres peuvent être si mignons et si cruels à la fois. L'ambivalence de chacune de ses oeuvres repose sur cette double appréciation de ses personnages et du contexte. Il choisit le monde de l'imaginaire pour se décrocher du monde réel, c'est une forme de thérapie où il préfère s'échapper que s'y retrouver.

Monsta construit des oeuvres sur des supports qui ne cessent d'évoluer. L'illustration sur toile, mais aussi sur des matériaux comme le bois ou bien encore les installations lui servent à exprimer ses idées. Les sculptures murales et dernièrement la sculpture dans l'espace sont aussi des outils médiateurs qu'il utilise. En effet pour l'exposition "Turbulences" Monsta réalise sa première sculpture en tant que telle. Il ne se fixe pas de limite quant aux moyens ou aux outils pour transmettre ses idées. Monsta note toutes ses pensées artistiques même les plus farfelues et attend le moment où il trouvera le support idéal pour l'exprimer. Chacun de ses choix que ce soit une toile, une sculpture, une installation... fait partie intégrante du message qu'il veut transmettre.

Monsta apprend et ré apprend chaque jour. Son attachement presque obsessionnel à la naïveté et la spontanéité le pousse à se dépasser en terme de créativité. Il a toujours dessiné, l'illustration est l'un de ses outils qu'il maîtrise à la perfection. Il fait pourtant le choix d'oublier cette dextérité pour ré apprendre à créer et dessiner d'un oeil neuf. Il se force à perdre ses réflexes de dessin pour réussir à capturer la spontanéité d'un trait nouveau. Monsta aime se challenger, le fait de sortir de sa zone de confort lui permet de produire un nouveau contenu plus authentique et en dehors du cadre. Il trouve qu'à l'âge adulte on perd notre regard pétillant et imaginatif, on se cantonne à ce qu'on sait déjà. Avec le temps et les préoccupations qui s'accumulent, on perd notre légèreté. Monsta met un point d'honneur à éveiller la part d'enfant qui sommeille encore en chacun de nous.

Monsta s'associe à une autre artiste Mlle Terite et ils créent ensembles "Enfants sauvages" : une association artistique qui entremêle leur deux univers. Ils nous racontent une histoire tout droit sortie de leur imaginaire à travers des créations empreintes de désenchantement et d'espoir. Ce duo fait écho au travail personnel de Monsta et ne déroge pas à son envie de nous partager un sentiment doux et sauvage à la fois.
Monsta a imaginé un univers bien à lui "the world of monsta", une création qui s'équilibre entre naïveté et dénonciation. A l'aide de ses supports visuels, il lance le début de l'histoire, laisse chacun se l'approprier et choisir la fin qui lui plait...

Une sensation qu'on peut notamment ressentir lors d'un périple en avion, ici Monsta fait écho aux turbulences que nous traversons dans le voyage de la vie.
Un mot aussi utilisé pour parler du comportement d'un enfant agité. "Quel enfant turbulent !" une réflexion souvent perçue négativement. Monsta lui fasciné par l'enfance prend exemple sur les faits et gestes des plus petits qui ne sont pas toujours réfléchis ou mesurés mais plutôt spontanés.

Un titre qui résonne en deux temps, l'innocence et la violence. L'exposition mêle une innocence douce, imaginaire et volatile. En opposition avec une violence réelle, ré échie et anxiogène.

L'adulte d'aujourd'hui et l'enfant perdu d'hier se retrouvent au sein des divers supports de l'artiste. Il crée un fil rouge entre ses oeuvres matérielles, qu'il s'agisse de toiles, de sculptures ou d'illustrations. Monsta fait appel à notre âme d'enfant pour une première lecture tout en douceur qui nous transporte vers un monde imaginaire comme il sait si bien le faire. Puis il vient réveiller notre conscience endurcie par les problèmes sociétaux pour une deuxième lecture plus brute et violente.

Chacune des oeuvres est réfléchie soigneusement pour transmettre un message engagé et libérateur sans pour autant diriger le regard et l'avis du spectateur. Monsta ne cherche pas à provoquer une seule analyse, au contraire il souhaite déclencher une pluralité de questionnements.

Monsta nous invite dans "the world of Monsta" où il nous expose un univers chaotique rempli de "Turbulences" ponctué d'une légèreté enfantine déconcertante, du 22 novembre au 15 décembre au coeur du loft du 34.

Time:: 18:00-21:00
Description:: Vernissage le jeudi 21 novembre à partir de 18 heures
Exposition du jeudi 21 novembre au dimanche 1er décembre 2019

Pablo Delgado est un artiste originaire du Mexique, il s'est installé dans l'est de Londres, où il a vécu et travaillé. Il est aujourd'hui un des artistes urbains les plus connus en Angleterre. Il est réputé pour ses scènes miniatures depuis 2012. Au départ ses premiers travaux se composaient uniquement de minuscules portes collées sur les murs. Ensuite il a commencé installer méticuleusement des humains, des animaux et des objets pour créer de petites scènes surréalistes et humoristiques. Delgado choisit soigneusement les lieux de son travail, il crée des illusions visuelles et joue à cache-cache avec le public. Ses scènes, une fois collées au bas des murs, sont portées à la vie avec des ombres noires très détaillées peintes sur la chaussée. L'artiste a exposé dans son pays d'origine en 2007, au Canada, en France au cabinet d'amateur en 2014, à Londres à la Howard Griffin Gallery, la Nelly Duff Gallery et plus récemment avec Isaac Cordal et Slinkachu à la Well Hung Gallery en 2019. Il a réussi à créer un véritable culte pour tous ceux qui sont la recherche de ses nouvelles interventions dans la rue.

Condamné à être libre

C'est sur la valse d'un Beau Danube Bleu aux accents mariachis que nous entraîne Pablo Delgado. Voyage aux confins de la pensée si tant est que l'on soit ouvert à l'inconnu et imperméable aux injonctions de la conformité.

Nulle grandiloquence, il chuchote à nos yeux de discrètes et subtiles confidences sur un vaste champ, celui des infinis possibles, aux larges surfaces de couleur. Cet espace vierge, exempt de toute antériorité et de tous préjugés, se révèle d'une inaltérable et potentielle ouverture.

L'homme existe d'abord, se rencontre, surgit dans le monde, et il se définit après.
(L'existentialisme est un humanisme, Jean-Paul Sartre)

A Singularity avait donné le coup d'envoi d'un voyage en trois temps.
Un personnage, seul, si petit que l'on pourrait douter de sa présence, semble flotter chevauchant des bulles aéronefs. Ni homme ni femme, ni jeune ni vieux. Atome d'un corps, poussière de la galaxie, cellule se mouvant sur de vastes à-plat colorés.
Image esquissée d'un soi à peaufiner. Une œuvre auto-suffisante, à nulle autre pareille, sans référence, préfiguratrice d'un monde nouveau, réinventé, débarrassé de tout virus régulateur d'une société sclérosée, formatée.
Cette image abstraite, mais paradoxalement figurative, éclaire précisément l'univers poétique et surréaliste auquel l'artiste a juré fidélité. Ces saynètes sont omniprésentes, tant dans ses expositions-installations que lors de ses interventions urbaines, à Londres, Paris, Los Angeles et ailleurs.

Allá, donde terminan las fronteras, los caminos se borran.
Donde empieza el silencio. Avanzo lentamente y pueblo la noche de estrellas,
de palabras, de la respiración de un agua remota que me espera donde comienza el alba.
(Libertad bajo palabra, Octavio Paz)

Là où cessent les frontières, les chemins s'effacent.
J'avance lentement et je peuple la nuit d'étoiles, de paroles,
de la respiration d'une eau lointaine qui m'attend où paraît l'aube.
(Liberté sur parole, Octavio Paz)

Space Matters est le deuxième étage d'une exposition en forme de triptyque.
Le personnage de Singularity rencontre l'autre. Un groupe de femmes mène la danse. Quelle fête, quelle joie, quelle excitation ! Virevolter, jouer, côtoyer, partager, échanger, comprendre ce qui nous rassemble dans le grand jeu de la vie et ce qui nous y différencie. Mettre en évidence les re-pères, la recon-naissance d'un « je », conscient et acteur de sa singularité, metteur en scène et réalisateur de lendemains qui chantent.
Des personnages dont la taille réduite au possible est proportionnelle à l'énormité de la tâche à accomplir, conscients de la difficulté qui les attend dans la construction d'une civilisation ouverte, aimante. Ils sont à peine visibles et néanmoins actifs au sein d'un espace à conquérir, acteurs essentiels d'une scène supposée bienveillante.
L'artiste tourne volontairement le dos au personal branding (marchandisation de l'individu par lui-même), aux posts, stories et autres nombrilismes des réseaux sociaux. Son œuvre ne copine pas avec les campagnes publicitaires, ne flirte pas avec les codes marketing ! Son imaginaire n'est pas un produit de consommation, pas plus que son ego.
À la surpopulation, au consumérisme forcené, à la pollution exponentielle de Mexico, mégapole au bord de la crise de nerf, Pablo Delgado, lui-même Defeño ou Capitalino (habitant de la capitale aztèque), répond par un travail de miniaturisation qui ne manque pas d'ambition : Smaller is Bigger.

Gaal s'éloigna ; dans le vide au-dessus de lui flottaient des lettres de feu :
TAXIS POUR TOUTES DIRECTIONS.
(Le cycle de Fondation, I, Asimov)

A Free Unit, troisième et dernière station de la trilogie « 2020, L'Odyssée de l'espèce », raisonnera sur les cimaises du cabinet d'amateur. Comme un nouveau départ où il ne s'agira pas de suivre « un » chemin tracé mais « le sien », imprévisible, dissonant, debout en « personne libre ».

Un parcours semé d'embûches que doctes penseurs et philosophes, tenants d'un déterminisme social, estiment infranchissables. Les personnages de Pablo Delgado, aux regards juvéniles émerveillés, sont quant à eux porteurs d'une énergie positive, d'un mélange de naïveté, d'ambition et d'espoir. Une force qui permet de soulever des montagnes. L'aventure ne fait que commencer !
Pablo a toute notre confiance !

Jean-Luc Hinsinger

Time:: 18:30-22:00
Description:: Les Worldwide Hospitality Awards, un évènement incontournable

Depuis 20 ans, Hospitality ON a entrepris de valoriser les initiatives de l'industrie hôtelière mondiale à travers les Worldwide Hospitality Awards. Cette compétition internationale, créée par Georges Panayotis, Président et CEO de Hospitality ON, est l'occasion pour les groupes hôteliers de mettre en avant les réalisations exemplaires de leurs équipes en matière de communication, de marketing, d'innovation, de ressources humaines, de responsabilité sociale et environnementale, de fidélisation client...

Avec la création des Worldwide Hospitality Management Schools Awards en 2010, un lien fort entre les écoles internationales de management hôtelier et les futurs responsables opérationnels s'est installé.

Depuis le début de l'évènement en 2000, les Hospitality Awards ont reçu plus de 1500 candidatures et plus de 200 trophées ont été attribués. Des candidats de tous les continents s'inscrivent à la compétition tous les ans. L'organisation et le déroulement des Worldwide Hospitality Awards sont placés sous le contrôle d'un Advisory Board qui est constitué de personnalités de l'industrie hôtelière mondiale pour les candidats hôteliers, et de personnalités des écoles de management hôtelier internationales ainsi que des managers en ressources humaines de groupes hôteliers pour les candidats des écoles hôtelières.

Un jury international composé d'une quarantaine de personnalités du monde des affaires, de l'industrie touristique et de la communication, hors hôtellerie-restauration, sélectionne les 3 finalistes des Worldwide Hospitality Awards.

Le jury pour les Worldwide Hospitality Schools Awards est composé de personnalités du monde de l'industrie hôtelière internationale. Chaque année, une personnalité d'un grand groupe hôtelier mondial préside la cérémonie qui se déroule au mois de novembre à Paris. Une innovation majeure a été apportée lors de la 13ème édition en 2012 avec l'introduction du vote des lecteurs du site hospitality-on.com

Programme de la cérémonie - Mercredi 21 novembre 2019

18:30 - Accueil et enregistrement des participants à l'InterContinental Paris Le Grand Hôtel
Les participants devront se munir du badge d'entrée qui leur a été communiqué par l'équipe organisatrice afin de pouvoir accéder à la cérémonie.

19:00
La cérémonie est officiellement ouverte. Le programme sera disponible ultérieurement.

21:00 - Début du Cocktail dînatoire
Une occasion unique et privilégiée de rencontrer les différents acteurs de l'industrie hôtelière internationale.

Time:: 19:00-22:00
Description:: Le Musée national des arts asiatiques - Guimet fête cette année ses 130 ans. Participez à une nocturne exceptionnelle sur le thème « Souffle et énergie au cœur » le jeudi 21 novembre de 19h à 22h.

Réservation obligatoire 130ans@guimet.fr

#130AnsGuimet

130 ans et pas une ride pour le musée national des arts asiatiques - Guimet

Le MNAAG s'apprête à célébrer son 130e anniversaire le 21 novembre par une soirée de festivités. Le musée a gardé l'esprit inventif et la fraicheur d'âme de son fondateur Émile Guimet (1836-1918). Sur le thème « Souffle et énergie au cœur » le musée vous propose à travers un parcours et des activités de découvrir ses facettes les plus dynamiques : musique fusion, créations contemporaines asiatiques à travers un parcours dans les collections où l'actuel et le passé jouent en résonance, expérience ludiques d'un escape game,... Le musée, fondé à l'origine sur l'expérience de découverte, l'intelligence des œuvres et la diversité des approches artistiques, continue au 21esiècle d'entretenir le goût et la curiosité pour une Asie qui d'hier à aujourd'hui est toujours porteuse d'innovation. . Entre un circuit dans l'Asie contemporaine, un jeu de piste à sensations, des morceaux de musique choisis et une performance d'artiste, le musée ouvre ses portes pour une nocturne exceptionnelle.

Lors de son voyage en Asie, notamment au Japon à la fin de 1876, outre sa quête de toutes les spiritualités, Émile Guimet traque la nouveauté et achète du « contemporain ». Dans son sillage, le MNAAG s'enrichit des créations d'aujourd'hui et présente L'Asie maintenant, parcours original au sein de la collection permanente où se retrouvent distingué un florilège de 150 œuvres contemporaines et nouvellement acquises, dont certaines ont été offertes au musée par les artistes venus répondre à « une carte blanche ». Une signalétique particulière permet de suivre plus d'un centaine d'œuvres installées dans les collections.

Totalement inédit au MNAAG, un escape game ou jeu de piste est mis en place pour la première fois pour faire découvrir la richesse de la collection et mettre en valeur l'histoire de l'institution. Il s'agit d'une expérience culturelle ludique et inédite dont le suspense demeure entier : « Une ombre plane dans les salles. Une divinité semble vous en vouloir et vous retient prisonnier. Saurez-vous trouver l'origine de ce mal ? ». C'est ainsi que d'énigme en énigme, d'œuvre en œuvre, il convient d'explorer l'extraordinaire collection du MNAAG et de trouver les indices qui conduisent à la source des énergies. D'énergie, de souffle, il sera aussi question dans la performance de Shoi, jeune artiste coréenne, qui remplira l'espace de la bibliothèque historique de plusieurs milliers de ballons blancs dans le cadre d'une performance aérienne et métaphorique.

Destiné à un large public, le MNAAG s'adresse à tous les visiteurs désireux de mieux connaître l'Asie, mais aussi de comprendre et de s'émouvoir, en réponse au souhait du fondateur de créer en 1889 « un musée qui pense, un musée qui parle, un musée qui vit ».

Time:: 19:30-21:00
Description:: Rencontre avec les artistes Brodbeck & de Barbuat et Cerise Doucède et le commissaire d'exposition Julien Hory

Dans le cadre de la 8ème édition du parcours PhotoSaintGermain 2019
http://www.photosaintgermain.com

Présence humaine,
un monde pour plusieurs planètes
Brodbeck & de Barbuat* / Cerise Doucède
Commissariat: Julien Hory

Exposition du 29 octobre au 30 novembre
Du mardi au vendredi de 14h30 à 19h30
et le samedi de 12h à 19h

* En collaboration avec la Galerie Papillon

Samedi 26 octobre de 16h à 20h :
Vernissage de l'exposition

Mardi 5 novembre de 16h à 21h :
Vernissage PhotoSaintGermain,
le parcours photo de la rive gauche

Jeudi 21 novembre 19h30 :
Rencontre / Présentation de l'exposition
par les artistes et le commissaire d'exposition

Tournés vers l'espace et l'univers, les chercheurs multiplient les projets de conquête et de colonisation des planètes. D'après leur pronostic, il faudra un jour quitter une terre malade devenue invivable. Il faudra déserter, abandonner un monde qui deviendrait alors silencieux. Et si le jour J était demain, qu'est ce que notre civilisation laisserait derrière elle, et à quoi ressembleraient nos nouvelles terres ? C'est ce que nous avons voulu imaginer dans cette exposition collective réunissant les artistes Brodbeck & de Barbuat et Cerise Doucède à la Galerie Ségolène Brossette.

Dans la série Memories of a Silent World. Les oeuvres de Simon Brodbeck et Lucie de Barbuat racontent un monde déserté par l'humanité. Quelques rescapés, pareils à des fantômes, hantent des espaces connus pour être des hauts lieux de l'activité humaine. Ces lieux deviennent des décors de théâtre d'où émane une mélancolie douce. Ces photographies nous renvoient aux origines de la photographie et finalement, à notre histoire commune.

Régulièrement, de nouvelles planètes sont découvertes en dehors de notre système solaire. Loin d'être un simple fantasme, ces exoplanètes font entrevoir la possibilité d'une vie loin de la Terre, lorsqu'on aura fini de l'exploiter et de la détruire. Il sera peut-être temps de coloniser l'Univers, mais que trouvera-t-on ? Pour nombre de scientifiques, les modes d'adaptation des organismes photosensibles pourraient modifier les conditions d'apparition des couleurs. Nous aurions donc des paysages inédits échappant à toute référence. Ces décors, Cerise Doucède les a imaginés dans sa série Nouvelles Terres.

Par une scénographie constituée de vestiges de notre époque, nous avons voulu réunir ces deux mondes. L'ancien, écrin de nos souvenirs et de notre histoire, et celui de demain, dans des paysages encore inexplorés et incertains. Une façon aussi de nous questionner sur notre rapport à l'environnement.

Julien Hory

Exposition dans le cadre de PhotoSaintGermain,
le parcours photo de la rive gauche

Cerise Doucède

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