July 16, 2018    -    July 22, 2018 (Week 29) Public Access Category: All None Architecture Art & exhibition opening Cannes Charite, Caritatif, Charity, Charitable Corporate Design Entertainment & theatre Environment Events Fashion Film Food Literature Medias Music Night Life Politics Science Sport Technology Tourism Category: All

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Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
© Succession Picasso 2018

Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Time:

15:55

Description:

Après l'effort, le réconfort. Ou la fête, en l'occurrence. Après le sacre mondial acquis au bout de quatre semaines et demi de compétitions, et une aventure commune de plus de cinquante jours, les 23 joueurs de l'équipe de France, ainsi que le staff de Didier Deschamps, vont avoir droit au bain de foule auquel avaient eu droit leurs prédécesseurs de 1998. A partir de 17 heures, le bus des Bleus défilera de l'Arc de Triomphe jusqu'à l'Elysée. Une parade qui s'annonce grandiose : dimanche soir déjà, des centaines de milliers de personnes s'étaient rendus sur la plus belle avenue du monde.

Du retard sera sûrement à prévoir, puisqu'avec une telle ferveur, il n'est pas dit qu'en atterrissant à 15h55 à l'aéroport de Roissy Charles de Gaulle, les Bleus arrivent à l'heure sur les Champs-Elysées. «Je n'espère qu'une chose : arriver à Paris et voir tous les gens dans la rue et crier 'Vive la France'», avait lancé dimanche soir Lucas Hernandez. «Quand on arrivera demain (lundi) sur Paris, je pense qu'on va tous réaliser. (Je veux) fêter ça avec tous les Français!», annonçait-il. Il ne devrait pas être déçu.

Après la parade et le défilé, la bande de Didier Dechamps sera reçue à l'Elysée par le couple présidentiel. De nombreux sportifs et personnalités français sont également attendus parmi les quelques 4000 invités, à côté de jeunes de quatre clubs franciliens, Bondy, Roissy-en-brie, Vincennes et Suresnes, qui ont accueilli les premiers dribbles de Kylian Mbappé, Paul Pogba, Blaise Matuidi et N'Golo Kanté. Après cette réception en grande pompe, les Bleus passeront une dernière nuit tous ensemble, à l'hôtel Crillon sur la place de la Concorde.

Time:

17:30-18:30

Description:

Après l'effort, le réconfort. Ou la fête, en l'occurrence. Après le sacre mondial acquis au bout de quatre semaines et demi de compétitions, et une aventure commune de plus de cinquante jours, les 23 joueurs de l'équipe de France, ainsi que le staff de Didier Deschamps, vont avoir droit au bain de foule auquel avaient eu droit leurs prédécesseurs de 1998. A partir de 17 heures, le bus des Bleus défilera de l'Arc de Triomphe jusqu'à l'Elysée. Une parade qui s'annonce grandiose : dimanche soir déjà, des centaines de milliers de personnes s'étaient rendus sur la plus belle avenue du monde.

Du retard sera sûrement à prévoir, puisqu'avec une telle ferveur, il n'est pas dit qu'en atterrissant à 15h55 à l'aéroport de Roissy Charles de Gaulle, les Bleus arrivent à l'heure sur les Champs-Elysées. «Je n'espère qu'une chose : arriver à Paris et voir tous les gens dans la rue et crier 'Vive la France'», avait lancé dimanche soir Lucas Hernandez. «Quand on arrivera demain (lundi) sur Paris, je pense qu'on va tous réaliser. (Je veux) fêter ça avec tous les Français!», annonçait-il. Il ne devrait pas être déçu.

Après la parade et le défilé, la bande de Didier Dechamps sera reçue à l'Elysée par le couple présidentiel. De nombreux sportifs et personnalités français sont également attendus parmi les quelques 4000 invités, à côté de jeunes de quatre clubs franciliens, Bondy, Roissy-en-brie, Vincennes et Suresnes, qui ont accueilli les premiers dribbles de Kylian Mbappé, Paul Pogba, Blaise Matuidi et N'Golo Kanté. Après cette réception en grande pompe, les Bleus passeront une dernière nuit tous ensemble, à l'hôtel Crillon sur la place de la Concorde.

Time:

18:30-20:30

Description:

Après l'effort, le réconfort. Ou la fête, en l'occurrence. Après le sacre mondial acquis au bout de quatre semaines et demi de compétitions, et une aventure commune de plus de cinquante jours, les 23 joueurs de l'équipe de France, ainsi que le staff de Didier Deschamps, vont avoir droit au bain de foule auquel avaient eu droit leurs prédécesseurs de 1998. A partir de 17 heures, le bus des Bleus défilera de l'Arc de Triomphe jusqu'à l'Elysée. Une parade qui s'annonce grandiose : dimanche soir déjà, des centaines de milliers de personnes s'étaient rendus sur la plus belle avenue du monde.

Du retard sera sûrement à prévoir, puisqu'avec une telle ferveur, il n'est pas dit qu'en atterrissant à 15h55 à l'aéroport de Roissy Charles de Gaulle, les Bleus arrivent à l'heure sur les Champs-Elysées. «Je n'espère qu'une chose : arriver à Paris et voir tous les gens dans la rue et crier 'Vive la France'», avait lancé dimanche soir Lucas Hernandez. «Quand on arrivera demain (lundi) sur Paris, je pense qu'on va tous réaliser. (Je veux) fêter ça avec tous les Français!», annonçait-il. Il ne devrait pas être déçu.

Après la parade et le défilé, la bande de Didier Dechamps sera reçue à l'Elysée par le couple présidentiel. De nombreux sportifs et personnalités français sont également attendus parmi les quelques 4000 invités, à côté de jeunes de quatre clubs franciliens, Bondy, Roissy-en-brie, Vincennes et Suresnes, qui ont accueilli les premiers dribbles de Kylian Mbappé, Paul Pogba, Blaise Matuidi et N'Golo Kanté. Après cette réception en grande pompe, les Bleus passeront une dernière nuit tous ensemble, à l'hôtel Crillon sur la place de la Concorde.

Time:

22:00

Description:

Après l'effort, le réconfort. Ou la fête, en l'occurrence. Après le sacre mondial acquis au bout de quatre semaines et demi de compétitions, et une aventure commune de plus de cinquante jours, les 23 joueurs de l'équipe de France, ainsi que le staff de Didier Deschamps, vont avoir droit au bain de foule auquel avaient eu droit leurs prédécesseurs de 1998. A partir de 17 heures, le bus des Bleus défilera de l'Arc de Triomphe jusqu'à l'Elysée. Une parade qui s'annonce grandiose : dimanche soir déjà, des centaines de milliers de personnes s'étaient rendus sur la plus belle avenue du monde.

Du retard sera sûrement à prévoir, puisqu'avec une telle ferveur, il n'est pas dit qu'en atterrissant à 15h55 à l'aéroport de Roissy Charles de Gaulle, les Bleus arrivent à l'heure sur les Champs-Elysées. «Je n'espère qu'une chose : arriver à Paris et voir tous les gens dans la rue et crier 'Vive la France'», avait lancé dimanche soir Lucas Hernandez. «Quand on arrivera demain (lundi) sur Paris, je pense qu'on va tous réaliser. (Je veux) fêter ça avec tous les Français!», annonçait-il. Il ne devrait pas être déçu.

Après la parade et le défilé, la bande de Didier Dechamps sera reçue à l'Elysée par le couple présidentiel. De nombreux sportifs et personnalités français sont également attendus parmi les quelques 4000 invités, à côté de jeunes de quatre clubs franciliens, Bondy, Roissy-en-brie, Vincennes et Suresnes, qui ont accueilli les premiers dribbles de Kylian Mbappé, Paul Pogba, Blaise Matuidi et N'Golo Kanté. Après cette réception en grande pompe, les Bleus passeront une dernière nuit tous ensemble, à l'hôtel Crillon sur la place de la Concorde.

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet







Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury












Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
© Succession Picasso 2018

Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Description:

Fête nationale d'Irak

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 13 au 26 JUILLET 2018
Vernissage mardi 17 JUILLET 18h à 21h

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet







Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury












Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
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Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
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Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Time:

18:30-22:00

Description:

"Fabien Zocco investit la façade numérique de l'EP7, lui donnant la parole grâce à un chatbot.
Des phrases se succèdent, toutes construites à partir du même modèle "Je suis ... et tu es ...".
Les qualificatifs qui complètent la phrase sont tirés au hasard dans une liste répertoriant l'ensemble des adjectifs de la langue française.
Le processus déplie une suite d'assertions allant du tragique au grotesque, réduisant toute définition de l'identité à un ensemble de qualités énoncées aléatoirement par la machine".

Time:

18:30-21:00

Description:

18.07 > 02.09

Vernissage le mercredi 18 juillet à 18h30
w/ dj set de la mafia bretonne Kaviar Special

L'artiste Maëlle Puligny présente une sélection de sa série de peintures Orgia pour sa nouvelle exposition Exploding Inevitable.

Son travail tente d'immortaliser cet état quasi extatique que provoque un bon concert de rock. Maëlle Puligny se met au défi de capter ce moment d'évasion et de vibration à travers une peinture immersive, nerveuse et bruyante. Par le pigment et la matière, l'artiste capte l'urgence et l'ultime appel à la jouissance d'un concert de rock.

Time:

21:00-23:55

Description:

Si on chantait ?

Du 18 juillet au 19 août

Depuis 28 étés, la prairie du triangle de La Villette devient la plus grande salle de cinéma de Paris à ciel ouvert. Venez (re)voir des films sur le thème de la chanson. 25 soirées pour donner l'occasion à Wes Anderson, François Truffaut, ou encore Xavier Dolan de nous faire voyager en musique. Alors à vos micros ! #CineVillette

LE FESTIVAL

Des comédies musicales, des reprises à gogo, que ce soit Résiste interprété par Agnès Jaoui, The River of no return par Marilyn Monroe ou encore It's not Unusual par Tom Jones lui-même ! Des biopics pour se remémorer la brève et fulgurante carrière de Ian Curtis ou découvrir l'histoire abracadabrante du retour sur scène de Sixto Rodriguez, et quelques scènes cultes avec Jeanne Moreau chantant Le Tourbillon ou Anna Karina reprenant Ma ligne de chance.

Et cette année encore, le jeune public n'est pas oublié avec une journée spéciale à Little Villette suivie de la projection du Livre de la jungle de Wolfgang Reitherman.

PREMIERS PAS
Chaque samedi (excepté le 21 juillet), en première partie de soirée, projection d'un court métrage d'un réalisateur ayant sorti en salle son premier long métrage en 2017.

DES CROISIÈRES MUSICALES À BORD D'UNE PÉNICHE
Tous les samedis et dimanches, L'Eté du Canal s'associe à La Villette pour concocter des croisières gourmandes aux saveurs des films à découvrir ensuite sur l'écran géant du Cinéma en plein air !

SOIRÉES SPÉCIALES
Les mercredi 18 juillet et jeudi 9 août, Garden Party au jardin 21 du Glazart !

Le vendredi 10 août, balade indienne autour du film Devdas avec l'association Anardana.

Le samedi 18 août, à l'issue de la projection, venez danser sur l'album Discovery des Daft Punk !
La soirée continuera sur des sets d'électro cosmique et de mapping futuriste avec Les Animaux du Futur, à la Folie des Merveilles / Villette Makerz by WOMA.

INFOS TRANSATS
LOCATION DE TRANSAT, À PARTIR DE 19H30, DANS L'ESPACE SÉCURISÉ
FORFAIT 5 TRANSATS : 20 €
PLEIN TARIF : 7 €
ABONNEMENTS ET CARTES : GRATUIT
ABONNEMENTS/ & CARTES VILLETTE, QUELS AUTRES AVANTAGES ?

À NOTER
POUR DES RAISONS DE SÉCURITÉ, LA PRAIRIE DU TRIANGLE SERA ÉVACUÉE ENTRE 18H ET 19H LES JOURS DU CINÉMA EN PLEIN AIR. INTERDICTION AUX COUVERTS EN MÉTAL, ET TIRE-BOUCHONS.
VERRES ET BOUTEILLES EN VERRE DÉBOUCHÉES SONT AUTORISÉS. DES TIRE-BOUCHONS SERONT À VOTRE DISPOSITION.
LES OBJETS INTERDITS SERONT CONSIGNÉS
LES CHIENS NE SONT PAS AUTORISÉS.


PROGRAMME
LA LA LAND - DAMIEN CHAZELLE
Mercredi 18 juillet
L'histoire d'amour de Mia (Emma Stone), aspirante actrice, et de Sebastian (Ryan Gosling), un pianiste de jazz, résistera-t-elle à la vie trépidante du Hollywood des années 90 ? La comédie musicale culte La La Land a été récompensée par 6 Oscars, dont celui du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle.

LA VIE AQUATIQUE - WES ANDERSON
Jeudi 19 juillet
La Vie aquatique retrace l'odyssée absurde et comique de l'océanographe Steve Zissou (Bill Muray), aux faux airs de commandant Cousteau. Et surprise : ce film de Wes Anderson, avec Cate Blanchett, Owen Wilson et Jeff Goldblum, comprend une dizaine de reprises de David Bowie en portugais.

ARTE FAIT SON KARAOKÉ
Vendredi 20 juillet
Et si vous veniez chanter les plus grands tubes de la chanson française ? De Barbara à Carmen, en passant par Etienne Daho, ARTE vous invite à son karaoké ! L'événement sera précédé de plusieurs épisodes de Silex and the City et 50 Nuances de Grecs, d'après les BD de Jul, et d'un court-métrage de Olivier Klein. Soirée présentée par Aline Afanoukoé

LE LIVRE DE LA JUNGLE - WOLFGANG REITHERMAN
Samedi 21 juillet
Abandonné dans la jungle, Mowgli doit faire face au tigre Shere Khan aux côtés de la panthère Bagheera et de l'ours Baloo... Retrouvez en famille Le Livre de la Jungle, un classique Disney qui rappelle qu'il en faut peu pour être heureux ! Il sera suivi d'Allons Enfants de Stéphane Desmoutier, tourné à la Villette !

YELLOW SUBMARINE - GEORGE DUNNING
Dimanche 22 juillet
Il était une fois un royaume enchanté protégé par le Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, où le bonheur et la musique règnent en maîtres. Mais un jour, les méchants Blue Meanies leur déclarent la guerre... Yellow Submarine est un film d'animation de George Dunning, sur les inoubliables chansons des Beatles.

LENINGRAD COWBOYS GO AMERICA - Aki Kaurismäki
Mercredi 25 juillet
Quelque part dans la toundra sibérienne vit le plus mauvais groupe de rock du monde ! Il décide de partir chercher fortune aux États-Unis. Mais la route qui mène au succès est longue et sinueuse... Leningrad Cowboys go America est une comédie d'Aki Kaurismäki, avec les Leningrad Cowboys dans leurs propres rôles !

HOLY MOTORS - LEOS CARAX
Jeudi 26 juillet
Accompagné par la mystérieuse Céline, M. Oscar est, à bord de sa luxueuse limousine, tantôt père de famille, tantôt meurtrier ou grand patron. Mais est-il l'homme sans attache qu'il prétend être ? Holy Motors est un film de Leos Carax, avec Eva Mendes et Kylie Minogue, en compétition au festival de Cannes 2012.

MOMMY - XAVIER DOLAN
Vendredi 27 juillet
Mommy raconte l'histoire d'une veuve qui récupère la garde de son fils, adolescent impulsif et violent. Grâce à la voisine, le trio inattendu retrouve une forme d'équilibre. Ce drame de Xavier Dolan, ponctué de chansons de Céline Dion, Dido et tant d'autres, a remporté le prix du Jury du festival de Cannes 2014.

LES CHANSONS D'AMOUR - Christophe Honoré
Samedi 28 juillet
Pour surmonter leurs problèmes de couple, Julie (Ludivine Sagnier) et Ismaël (Louis Garrel) décident de commencer une relation à trois en accueillant Alice (Clothilde Hesme) dans leur appartement. Les Chansons d'amour de Christophe Honoré a remporté le César 2008 de la meilleure musique de film.

JULES ET JIM - FRANÇOIS TRUFFAUT
Dimanche 29 juillet
Paris, 1907. Jules et Jim sont des amis inséparables. Pourtant, ils tombent tous les deux amoureux de Catherine, incarnée par Jeanne Moreau. Leur relation résistera-t-elle aux écueils des sentiments ? C'est dans ce film de François Truffaut, que l'on trouve la chanson Le tourbillon de la vie écrite par Serge Rezvani.

SUGAR MAN - MALIK BENDJELLOUL
Mercredi 1 août
Dans les années 70, Sixto Rodríguez enregistre deux albums dans l'indifférence du public. En Afrique du Sud, il devient pourtant l'idole des jeunes. Des années plus tard, deux fans du Cap se lancent à sa recherche. Sugar Man de Malik Bendjelloul remporte l'Oscar du meilleur film documentaire en 2012.

SPRING BREAKERS - HARMONY KORINE
Jeudi 2 août
Pour financer leur Spring Break, quatre filles braquent une banque. Alors qu'elles sont arrêtées par la police, un malfrat paie leur caution et les prend sous son aile... Spring Breakers de Harmony Korine, avec James Franco, Vanessa Hudgens et Selena Gomez, a été présenté à la 69e Mostra de Venise.
interdit aux moins de 12 ans

ON CONNAÎT LA CHANSON - ALAIN RESNAIS
Vendredi 3 août
Odile (Sabine Azéma) et Claude (Pierre Arditi) forment en apparence un couple solide. Pourtant, l'éternelle indécision de Claude finit par agacer Odile, qui observe avec nostalgie le retour d'un vieil amour, Nicolas (Jean-Pierre Bacri)... On connaît la chanson d'Alain Resnais a remporté 7 Césars en 1998.

MARS ATTACKS! - TIM BURTON
Samedi 4 août
Les Martiens ont décidé de rendre visite à la planète Terre, ce qui provoque l'effervescence. Le film de science-fiction parodique Mars Attacks! de Tim Burton, avec Jack Nickolson, Glenn Close et Pierce Brosnan, sera précédé du court-métrage Junior de Julia Ducournau, la réalisatrice du très remarqué Grave.

PIERROT LE FOU - JEAN-LUC GODARD
Dimanche 5 août
Fernand Griffon (Jean-Paul Belmondo) est désabusé : il vient de perdre son emploi. Sur un coup de tête, il quitte femme et enfants pour partir avec un ancien flirt (Anna Karina) dans le Sud de la France. Précurseur du road movie, le film Pierrot le fou de Jean-Luc Godard a été primé à la Mostra de Venise en 1965.

FRANCES HA - NOAH BAUMBACH
Mercredi 8 août
Frances espère intégrer une compagnie de danse. En attendant, elle donne des cours à des enfants. Dans les rues de New-York, elle s'amuse, danse un peu, et s'égare beaucoup... Frances Ha, de Noah Baumbach, a permis à Greta Gerwig de remporter le Golden Globes 2014 de la meilleure actrice dans un film musical.

CONTROL - ANTON CORBIJN
Jeudi 9 août
Control d'Anton Corbijn retrace la vie de Ian Curtis, leader du groupe de rock anglais Joy Division, tiraillé entre sa vie de famille, sa gloire naissante et son amour pour une autre femme. Le film a été distingué au festival de Cannes 2007, en remportant entre autres le Prix Regards Jeunes.

DEVDAS - SANJAY LEELA BHANSALI
Vendredi 10 août
Devdas rentre en Inde après ses études et retrouve Parvati, qu'il aime depuis l'enfance. Mais l'emprise des castes sera-t-elle plus puissante que la passion ? Véritable Roméo et Juliette indien, ce film de Sanjay Leela Bhansalt, avec Shahrukh Khan, a popularisé la culture Bollywood en Occident.

ATTACHE-MOI ! - Pedro Almodóvar
Samedi 11 août
Marina (Victoria Abril), actrice porno, cherche à faire carrière dans le cinéma traditionnel. Mais elle est séquestrée par Ricky (Antonio Banderas), un admirateur qui espère la séduire... Le film Attache-moi ! de Pedro Almodóvar sera précédé du court-métrage Le Diable est dans les détails, de Fabien Gorgeart.

RIVIÈRE SANS RETOUR - OTTO PREMINGER
Dimanche 12 août
A sa sortie de prison, Matt retrouve son fils. Alors qu'ils aspirent à une vie calme, leur route croise celle d'une chanteuse de bar et de son amant, aux intentions troubles... Le western Rivière sans retour d'Otto Preminger marque la rencontre des stars d'Hollywood Robert Mitchum et Marilyn Monroe.

BANDE DE FILLES - Céline Sciamma
Mercredi 15 août
Pour Marieme, 16 ans, la vie est une succession d'interdits. Sa rencontre avec trois filles affranchies va tout changer. Présenté en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs, Bande de filles de Céline Sciamma a été sélectionné dans de nombreux festival lors de sa sortie en 2014, et a reçu 3 nominations aux Césars.

TONI ERDMANN - MAREN ADE
Jeudi 16 août
Inès est l'une des brillantes associées d'une société allemande. Quand son père débarque sans prévenir et lui demande si elle est heureuse, c'est pour elle le début d'un bouleversement profond... Le film Toni Erdmann de Maren Ade a remporté de nombreux prix dont celui de la critique internationale à Cannes en 2016.

PROMISED LAND - GUS VAN SANT
Vendredi 17 août
Deux représentants d'un grand groupe proposent aux habitants d'un village de racheter leurs terres, pour en exploiter les ressources énergétiques. Ce qui s'annonçait comme un jeu d'enfant va pourtant se compliquer. Promised Land, de Gus Van Sant avec Matt Damon, a reçu la mention spéciale du jury à la Berlinale 2013.

INTERSTELLA 5555 - DAFT PUNK/LEIJI MATSUMOTO/KAZUHISA TAKENOUCHI
Samedi 18 août
Quatre musiciens d'une autre galaxie sont kidnappés par un manager maléfique. Dans Interstella 5555: The Story of the Secret Star System, les dessins de Leiji Matsumoto rencontrent les musiques des Daft Punk. Le film sera précédé du court-métrage Fox-Terrier de Hubert Charuel réalisateur de Petit Paysan.

LES PARAPLUIES DE CHERBOURG - JACQUES DEMY
Dimanche 19 août
Geneviève (Catherine Deneuve) vit avec sa mère, qui tient un magasin de parapluies à Cherbourg. Avec Guy, ils se jurent une passion éternelle. Hélas, il part faire son service militaire... La célèbre comédie musicale Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy a remporté la Palme d'or au festival de Cannes 1964.

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet







Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury












Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
© Succession Picasso 2018

Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Time:

18:15-20:00

Description:

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Heure : De 18h15 à 20h00
Lieu : ESSEC Executive Education, CNIT, Paris-La Défense
Langue : Anglais


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PROGRAMME

18h15 : Accueil
18h30 : Présentation du programme et témoignages de diplômés
19h30 : Cocktail & networking

>> RSVP

Time:

19:00-21:00

Description:

Exposition "Gueule de Paname" par Sandy Bee
Exposition du 9 au 25 juillet

VERNISSAGE Jeudi 19 juillet - À partir de 19:00
ART // DRINK // FOOD

Ca gueule, les gens marchent vite, regardent leurs portables, marchent encore.
L'heure du déjeuner. Ils se posent dans un café, un bistrot. Ils mangent, regardent et analysent les gens.
A Paname, nous suivons cette fameuse citation « Métro-boulot-dodo ». Nous allons au travail, collés devant toute sorte d'écrans. Si ce n'est pas un portable, c'est un Ipad ou un ordinateur.
A Paname, les gens aiment parler du bon et du mauvais temps et surtout râler. Nous analysons et constatons des choses sur les autres beaucoup trop vite. Paname est le salon des parisiens. Un peu comme la télévision posée dans le salon chez soi. Nous zappons les chaînes de télévision, comme nous zappons les gens dans la rue. Nous nous endormons devant et nous éteignons la lumière, comme la ville de Paris.

Sandy Bee dépeint la gueule des parisiens. Elle fait rejaillir les figures des gens, les situations et les personnages oubliés de notre quotidien. L'exposition parle des gens croisés dans le métro et dans la rue. Les phrases des passants ou des profiteurs des cafés l'ont également beaucoup inspirée.
Voici l'exposition « Gueule de Paname » ; la vie de tous les jours vue et interprétée par Sandy Bee. Son regard traverse votre corps.

Sandy Bee

Sandy Bee, artiste peintre, installée à Paris et originaire de Finlande sort diplômée de l'ENSAAMA Olivier de Serres en 2017.

Ses peintures représentent des situations quotidiennes capturées dans le métro et dans la rue. Les oeuvres racontent la misère, mais également la joie et le bonheur présents à nos côtés. Les couleurs puissantes utilisées soulèvent les messages cachés de notre société, notre vie et notre environnement. Elle s'inspire de sa vie à Paris, de sa sensibilité et de sa liberté de création.

Ses plus grandes sources d'inspirations sont Keith Haring, Jean Dubuffet, David Hockney ainsi que les anciennes peintures des Aborigènes et des Mayas.

Time:

20:15-22:00

Description:

Gina, hôtesse de l'air en escale à Paris, et Jérôme passent la nuit ensemble après une soirée bien arrosée.
Soudain Gina est partout : au bar où Jérôme travaille, dans la rue où il habite, et même dans l'appartement
qu'il partage avec sa petite amie Clémence... Gina est décidément folle de lui, et ira jusqu'au bout pour le conquérir.
L'(anti)-comédie romantique de l'été.

Time:

21:00-23:55

Description:

Si on chantait ?

Du 18 juillet au 19 août

Depuis 28 étés, la prairie du triangle de La Villette devient la plus grande salle de cinéma de Paris à ciel ouvert. Venez (re)voir des films sur le thème de la chanson. 25 soirées pour donner l'occasion à Wes Anderson, François Truffaut, ou encore Xavier Dolan de nous faire voyager en musique. Alors à vos micros ! #CineVillette

LE FESTIVAL

Des comédies musicales, des reprises à gogo, que ce soit Résiste interprété par Agnès Jaoui, The River of no return par Marilyn Monroe ou encore It's not Unusual par Tom Jones lui-même ! Des biopics pour se remémorer la brève et fulgurante carrière de Ian Curtis ou découvrir l'histoire abracadabrante du retour sur scène de Sixto Rodriguez, et quelques scènes cultes avec Jeanne Moreau chantant Le Tourbillon ou Anna Karina reprenant Ma ligne de chance.

Et cette année encore, le jeune public n'est pas oublié avec une journée spéciale à Little Villette suivie de la projection du Livre de la jungle de Wolfgang Reitherman.

PREMIERS PAS
Chaque samedi (excepté le 21 juillet), en première partie de soirée, projection d'un court métrage d'un réalisateur ayant sorti en salle son premier long métrage en 2017.

DES CROISIÈRES MUSICALES À BORD D'UNE PÉNICHE
Tous les samedis et dimanches, L'Eté du Canal s'associe à La Villette pour concocter des croisières gourmandes aux saveurs des films à découvrir ensuite sur l'écran géant du Cinéma en plein air !

SOIRÉES SPÉCIALES
Les mercredi 18 juillet et jeudi 9 août, Garden Party au jardin 21 du Glazart !

Le vendredi 10 août, balade indienne autour du film Devdas avec l'association Anardana.

Le samedi 18 août, à l'issue de la projection, venez danser sur l'album Discovery des Daft Punk !
La soirée continuera sur des sets d'électro cosmique et de mapping futuriste avec Les Animaux du Futur, à la Folie des Merveilles / Villette Makerz by WOMA.

INFOS TRANSATS
LOCATION DE TRANSAT, À PARTIR DE 19H30, DANS L'ESPACE SÉCURISÉ
FORFAIT 5 TRANSATS : 20 €
PLEIN TARIF : 7 €
ABONNEMENTS ET CARTES : GRATUIT
ABONNEMENTS/ & CARTES VILLETTE, QUELS AUTRES AVANTAGES ?

À NOTER
POUR DES RAISONS DE SÉCURITÉ, LA PRAIRIE DU TRIANGLE SERA ÉVACUÉE ENTRE 18H ET 19H LES JOURS DU CINÉMA EN PLEIN AIR. INTERDICTION AUX COUVERTS EN MÉTAL, ET TIRE-BOUCHONS.
VERRES ET BOUTEILLES EN VERRE DÉBOUCHÉES SONT AUTORISÉS. DES TIRE-BOUCHONS SERONT À VOTRE DISPOSITION.
LES OBJETS INTERDITS SERONT CONSIGNÉS
LES CHIENS NE SONT PAS AUTORISÉS.


PROGRAMME
LA LA LAND - DAMIEN CHAZELLE
Mercredi 18 juillet
L'histoire d'amour de Mia (Emma Stone), aspirante actrice, et de Sebastian (Ryan Gosling), un pianiste de jazz, résistera-t-elle à la vie trépidante du Hollywood des années 90 ? La comédie musicale culte La La Land a été récompensée par 6 Oscars, dont celui du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle.

LA VIE AQUATIQUE - WES ANDERSON
Jeudi 19 juillet
La Vie aquatique retrace l'odyssée absurde et comique de l'océanographe Steve Zissou (Bill Muray), aux faux airs de commandant Cousteau. Et surprise : ce film de Wes Anderson, avec Cate Blanchett, Owen Wilson et Jeff Goldblum, comprend une dizaine de reprises de David Bowie en portugais.

ARTE FAIT SON KARAOKÉ
Vendredi 20 juillet
Et si vous veniez chanter les plus grands tubes de la chanson française ? De Barbara à Carmen, en passant par Etienne Daho, ARTE vous invite à son karaoké ! L'événement sera précédé de plusieurs épisodes de Silex and the City et 50 Nuances de Grecs, d'après les BD de Jul, et d'un court-métrage de Olivier Klein. Soirée présentée par Aline Afanoukoé

LE LIVRE DE LA JUNGLE - WOLFGANG REITHERMAN
Samedi 21 juillet
Abandonné dans la jungle, Mowgli doit faire face au tigre Shere Khan aux côtés de la panthère Bagheera et de l'ours Baloo... Retrouvez en famille Le Livre de la Jungle, un classique Disney qui rappelle qu'il en faut peu pour être heureux ! Il sera suivi d'Allons Enfants de Stéphane Desmoutier, tourné à la Villette !

YELLOW SUBMARINE - GEORGE DUNNING
Dimanche 22 juillet
Il était une fois un royaume enchanté protégé par le Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, où le bonheur et la musique règnent en maîtres. Mais un jour, les méchants Blue Meanies leur déclarent la guerre... Yellow Submarine est un film d'animation de George Dunning, sur les inoubliables chansons des Beatles.

LENINGRAD COWBOYS GO AMERICA - Aki Kaurismäki
Mercredi 25 juillet
Quelque part dans la toundra sibérienne vit le plus mauvais groupe de rock du monde ! Il décide de partir chercher fortune aux États-Unis. Mais la route qui mène au succès est longue et sinueuse... Leningrad Cowboys go America est une comédie d'Aki Kaurismäki, avec les Leningrad Cowboys dans leurs propres rôles !

HOLY MOTORS - LEOS CARAX
Jeudi 26 juillet
Accompagné par la mystérieuse Céline, M. Oscar est, à bord de sa luxueuse limousine, tantôt père de famille, tantôt meurtrier ou grand patron. Mais est-il l'homme sans attache qu'il prétend être ? Holy Motors est un film de Leos Carax, avec Eva Mendes et Kylie Minogue, en compétition au festival de Cannes 2012.

MOMMY - XAVIER DOLAN
Vendredi 27 juillet
Mommy raconte l'histoire d'une veuve qui récupère la garde de son fils, adolescent impulsif et violent. Grâce à la voisine, le trio inattendu retrouve une forme d'équilibre. Ce drame de Xavier Dolan, ponctué de chansons de Céline Dion, Dido et tant d'autres, a remporté le prix du Jury du festival de Cannes 2014.

LES CHANSONS D'AMOUR - Christophe Honoré
Samedi 28 juillet
Pour surmonter leurs problèmes de couple, Julie (Ludivine Sagnier) et Ismaël (Louis Garrel) décident de commencer une relation à trois en accueillant Alice (Clothilde Hesme) dans leur appartement. Les Chansons d'amour de Christophe Honoré a remporté le César 2008 de la meilleure musique de film.

JULES ET JIM - FRANÇOIS TRUFFAUT
Dimanche 29 juillet
Paris, 1907. Jules et Jim sont des amis inséparables. Pourtant, ils tombent tous les deux amoureux de Catherine, incarnée par Jeanne Moreau. Leur relation résistera-t-elle aux écueils des sentiments ? C'est dans ce film de François Truffaut, que l'on trouve la chanson Le tourbillon de la vie écrite par Serge Rezvani.

SUGAR MAN - MALIK BENDJELLOUL
Mercredi 1 août
Dans les années 70, Sixto Rodríguez enregistre deux albums dans l'indifférence du public. En Afrique du Sud, il devient pourtant l'idole des jeunes. Des années plus tard, deux fans du Cap se lancent à sa recherche. Sugar Man de Malik Bendjelloul remporte l'Oscar du meilleur film documentaire en 2012.

SPRING BREAKERS - HARMONY KORINE
Jeudi 2 août
Pour financer leur Spring Break, quatre filles braquent une banque. Alors qu'elles sont arrêtées par la police, un malfrat paie leur caution et les prend sous son aile... Spring Breakers de Harmony Korine, avec James Franco, Vanessa Hudgens et Selena Gomez, a été présenté à la 69e Mostra de Venise.
interdit aux moins de 12 ans

ON CONNAÎT LA CHANSON - ALAIN RESNAIS
Vendredi 3 août
Odile (Sabine Azéma) et Claude (Pierre Arditi) forment en apparence un couple solide. Pourtant, l'éternelle indécision de Claude finit par agacer Odile, qui observe avec nostalgie le retour d'un vieil amour, Nicolas (Jean-Pierre Bacri)... On connaît la chanson d'Alain Resnais a remporté 7 Césars en 1998.

MARS ATTACKS! - TIM BURTON
Samedi 4 août
Les Martiens ont décidé de rendre visite à la planète Terre, ce qui provoque l'effervescence. Le film de science-fiction parodique Mars Attacks! de Tim Burton, avec Jack Nickolson, Glenn Close et Pierce Brosnan, sera précédé du court-métrage Junior de Julia Ducournau, la réalisatrice du très remarqué Grave.

PIERROT LE FOU - JEAN-LUC GODARD
Dimanche 5 août
Fernand Griffon (Jean-Paul Belmondo) est désabusé : il vient de perdre son emploi. Sur un coup de tête, il quitte femme et enfants pour partir avec un ancien flirt (Anna Karina) dans le Sud de la France. Précurseur du road movie, le film Pierrot le fou de Jean-Luc Godard a été primé à la Mostra de Venise en 1965.

FRANCES HA - NOAH BAUMBACH
Mercredi 8 août
Frances espère intégrer une compagnie de danse. En attendant, elle donne des cours à des enfants. Dans les rues de New-York, elle s'amuse, danse un peu, et s'égare beaucoup... Frances Ha, de Noah Baumbach, a permis à Greta Gerwig de remporter le Golden Globes 2014 de la meilleure actrice dans un film musical.

CONTROL - ANTON CORBIJN
Jeudi 9 août
Control d'Anton Corbijn retrace la vie de Ian Curtis, leader du groupe de rock anglais Joy Division, tiraillé entre sa vie de famille, sa gloire naissante et son amour pour une autre femme. Le film a été distingué au festival de Cannes 2007, en remportant entre autres le Prix Regards Jeunes.

DEVDAS - SANJAY LEELA BHANSALI
Vendredi 10 août
Devdas rentre en Inde après ses études et retrouve Parvati, qu'il aime depuis l'enfance. Mais l'emprise des castes sera-t-elle plus puissante que la passion ? Véritable Roméo et Juliette indien, ce film de Sanjay Leela Bhansalt, avec Shahrukh Khan, a popularisé la culture Bollywood en Occident.

ATTACHE-MOI ! - Pedro Almodóvar
Samedi 11 août
Marina (Victoria Abril), actrice porno, cherche à faire carrière dans le cinéma traditionnel. Mais elle est séquestrée par Ricky (Antonio Banderas), un admirateur qui espère la séduire... Le film Attache-moi ! de Pedro Almodóvar sera précédé du court-métrage Le Diable est dans les détails, de Fabien Gorgeart.

RIVIÈRE SANS RETOUR - OTTO PREMINGER
Dimanche 12 août
A sa sortie de prison, Matt retrouve son fils. Alors qu'ils aspirent à une vie calme, leur route croise celle d'une chanteuse de bar et de son amant, aux intentions troubles... Le western Rivière sans retour d'Otto Preminger marque la rencontre des stars d'Hollywood Robert Mitchum et Marilyn Monroe.

BANDE DE FILLES - Céline Sciamma
Mercredi 15 août
Pour Marieme, 16 ans, la vie est une succession d'interdits. Sa rencontre avec trois filles affranchies va tout changer. Présenté en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs, Bande de filles de Céline Sciamma a été sélectionné dans de nombreux festival lors de sa sortie en 2014, et a reçu 3 nominations aux Césars.

TONI ERDMANN - MAREN ADE
Jeudi 16 août
Inès est l'une des brillantes associées d'une société allemande. Quand son père débarque sans prévenir et lui demande si elle est heureuse, c'est pour elle le début d'un bouleversement profond... Le film Toni Erdmann de Maren Ade a remporté de nombreux prix dont celui de la critique internationale à Cannes en 2016.

PROMISED LAND - GUS VAN SANT
Vendredi 17 août
Deux représentants d'un grand groupe proposent aux habitants d'un village de racheter leurs terres, pour en exploiter les ressources énergétiques. Ce qui s'annonçait comme un jeu d'enfant va pourtant se compliquer. Promised Land, de Gus Van Sant avec Matt Damon, a reçu la mention spéciale du jury à la Berlinale 2013.

INTERSTELLA 5555 - DAFT PUNK/LEIJI MATSUMOTO/KAZUHISA TAKENOUCHI
Samedi 18 août
Quatre musiciens d'une autre galaxie sont kidnappés par un manager maléfique. Dans Interstella 5555: The Story of the Secret Star System, les dessins de Leiji Matsumoto rencontrent les musiques des Daft Punk. Le film sera précédé du court-métrage Fox-Terrier de Hubert Charuel réalisateur de Petit Paysan.

LES PARAPLUIES DE CHERBOURG - JACQUES DEMY
Dimanche 19 août
Geneviève (Catherine Deneuve) vit avec sa mère, qui tient un magasin de parapluies à Cherbourg. Avec Guy, ils se jurent une passion éternelle. Hélas, il part faire son service militaire... La célèbre comédie musicale Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy a remporté la Palme d'or au festival de Cannes 1964.

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet







Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury












Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
© Succession Picasso 2018

Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Description:

Anniversaire de l'Indépendance de la Colombie en 1810

Time:

21:00-23:55

Description:

Si on chantait ?

Du 18 juillet au 19 août

Depuis 28 étés, la prairie du triangle de La Villette devient la plus grande salle de cinéma de Paris à ciel ouvert. Venez (re)voir des films sur le thème de la chanson. 25 soirées pour donner l'occasion à Wes Anderson, François Truffaut, ou encore Xavier Dolan de nous faire voyager en musique. Alors à vos micros ! #CineVillette

LE FESTIVAL

Des comédies musicales, des reprises à gogo, que ce soit Résiste interprété par Agnès Jaoui, The River of no return par Marilyn Monroe ou encore It's not Unusual par Tom Jones lui-même ! Des biopics pour se remémorer la brève et fulgurante carrière de Ian Curtis ou découvrir l'histoire abracadabrante du retour sur scène de Sixto Rodriguez, et quelques scènes cultes avec Jeanne Moreau chantant Le Tourbillon ou Anna Karina reprenant Ma ligne de chance.

Et cette année encore, le jeune public n'est pas oublié avec une journée spéciale à Little Villette suivie de la projection du Livre de la jungle de Wolfgang Reitherman.

PREMIERS PAS
Chaque samedi (excepté le 21 juillet), en première partie de soirée, projection d'un court métrage d'un réalisateur ayant sorti en salle son premier long métrage en 2017.

DES CROISIÈRES MUSICALES À BORD D'UNE PÉNICHE
Tous les samedis et dimanches, L'Eté du Canal s'associe à La Villette pour concocter des croisières gourmandes aux saveurs des films à découvrir ensuite sur l'écran géant du Cinéma en plein air !

SOIRÉES SPÉCIALES
Les mercredi 18 juillet et jeudi 9 août, Garden Party au jardin 21 du Glazart !

Le vendredi 10 août, balade indienne autour du film Devdas avec l'association Anardana.

Le samedi 18 août, à l'issue de la projection, venez danser sur l'album Discovery des Daft Punk !
La soirée continuera sur des sets d'électro cosmique et de mapping futuriste avec Les Animaux du Futur, à la Folie des Merveilles / Villette Makerz by WOMA.

INFOS TRANSATS
LOCATION DE TRANSAT, À PARTIR DE 19H30, DANS L'ESPACE SÉCURISÉ
FORFAIT 5 TRANSATS : 20 €
PLEIN TARIF : 7 €
ABONNEMENTS ET CARTES : GRATUIT
ABONNEMENTS/ & CARTES VILLETTE, QUELS AUTRES AVANTAGES ?

À NOTER
POUR DES RAISONS DE SÉCURITÉ, LA PRAIRIE DU TRIANGLE SERA ÉVACUÉE ENTRE 18H ET 19H LES JOURS DU CINÉMA EN PLEIN AIR. INTERDICTION AUX COUVERTS EN MÉTAL, ET TIRE-BOUCHONS.
VERRES ET BOUTEILLES EN VERRE DÉBOUCHÉES SONT AUTORISÉS. DES TIRE-BOUCHONS SERONT À VOTRE DISPOSITION.
LES OBJETS INTERDITS SERONT CONSIGNÉS
LES CHIENS NE SONT PAS AUTORISÉS.


PROGRAMME
LA LA LAND - DAMIEN CHAZELLE
Mercredi 18 juillet
L'histoire d'amour de Mia (Emma Stone), aspirante actrice, et de Sebastian (Ryan Gosling), un pianiste de jazz, résistera-t-elle à la vie trépidante du Hollywood des années 90 ? La comédie musicale culte La La Land a été récompensée par 6 Oscars, dont celui du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle.

LA VIE AQUATIQUE - WES ANDERSON
Jeudi 19 juillet
La Vie aquatique retrace l'odyssée absurde et comique de l'océanographe Steve Zissou (Bill Muray), aux faux airs de commandant Cousteau. Et surprise : ce film de Wes Anderson, avec Cate Blanchett, Owen Wilson et Jeff Goldblum, comprend une dizaine de reprises de David Bowie en portugais.

ARTE FAIT SON KARAOKÉ
Vendredi 20 juillet
Et si vous veniez chanter les plus grands tubes de la chanson française ? De Barbara à Carmen, en passant par Etienne Daho, ARTE vous invite à son karaoké ! L'événement sera précédé de plusieurs épisodes de Silex and the City et 50 Nuances de Grecs, d'après les BD de Jul, et d'un court-métrage de Olivier Klein. Soirée présentée par Aline Afanoukoé

LE LIVRE DE LA JUNGLE - WOLFGANG REITHERMAN
Samedi 21 juillet
Abandonné dans la jungle, Mowgli doit faire face au tigre Shere Khan aux côtés de la panthère Bagheera et de l'ours Baloo... Retrouvez en famille Le Livre de la Jungle, un classique Disney qui rappelle qu'il en faut peu pour être heureux ! Il sera suivi d'Allons Enfants de Stéphane Desmoutier, tourné à la Villette !

YELLOW SUBMARINE - GEORGE DUNNING
Dimanche 22 juillet
Il était une fois un royaume enchanté protégé par le Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, où le bonheur et la musique règnent en maîtres. Mais un jour, les méchants Blue Meanies leur déclarent la guerre... Yellow Submarine est un film d'animation de George Dunning, sur les inoubliables chansons des Beatles.

LENINGRAD COWBOYS GO AMERICA - Aki Kaurismäki
Mercredi 25 juillet
Quelque part dans la toundra sibérienne vit le plus mauvais groupe de rock du monde ! Il décide de partir chercher fortune aux États-Unis. Mais la route qui mène au succès est longue et sinueuse... Leningrad Cowboys go America est une comédie d'Aki Kaurismäki, avec les Leningrad Cowboys dans leurs propres rôles !

HOLY MOTORS - LEOS CARAX
Jeudi 26 juillet
Accompagné par la mystérieuse Céline, M. Oscar est, à bord de sa luxueuse limousine, tantôt père de famille, tantôt meurtrier ou grand patron. Mais est-il l'homme sans attache qu'il prétend être ? Holy Motors est un film de Leos Carax, avec Eva Mendes et Kylie Minogue, en compétition au festival de Cannes 2012.

MOMMY - XAVIER DOLAN
Vendredi 27 juillet
Mommy raconte l'histoire d'une veuve qui récupère la garde de son fils, adolescent impulsif et violent. Grâce à la voisine, le trio inattendu retrouve une forme d'équilibre. Ce drame de Xavier Dolan, ponctué de chansons de Céline Dion, Dido et tant d'autres, a remporté le prix du Jury du festival de Cannes 2014.

LES CHANSONS D'AMOUR - Christophe Honoré
Samedi 28 juillet
Pour surmonter leurs problèmes de couple, Julie (Ludivine Sagnier) et Ismaël (Louis Garrel) décident de commencer une relation à trois en accueillant Alice (Clothilde Hesme) dans leur appartement. Les Chansons d'amour de Christophe Honoré a remporté le César 2008 de la meilleure musique de film.

JULES ET JIM - FRANÇOIS TRUFFAUT
Dimanche 29 juillet
Paris, 1907. Jules et Jim sont des amis inséparables. Pourtant, ils tombent tous les deux amoureux de Catherine, incarnée par Jeanne Moreau. Leur relation résistera-t-elle aux écueils des sentiments ? C'est dans ce film de François Truffaut, que l'on trouve la chanson Le tourbillon de la vie écrite par Serge Rezvani.

SUGAR MAN - MALIK BENDJELLOUL
Mercredi 1 août
Dans les années 70, Sixto Rodríguez enregistre deux albums dans l'indifférence du public. En Afrique du Sud, il devient pourtant l'idole des jeunes. Des années plus tard, deux fans du Cap se lancent à sa recherche. Sugar Man de Malik Bendjelloul remporte l'Oscar du meilleur film documentaire en 2012.

SPRING BREAKERS - HARMONY KORINE
Jeudi 2 août
Pour financer leur Spring Break, quatre filles braquent une banque. Alors qu'elles sont arrêtées par la police, un malfrat paie leur caution et les prend sous son aile... Spring Breakers de Harmony Korine, avec James Franco, Vanessa Hudgens et Selena Gomez, a été présenté à la 69e Mostra de Venise.
interdit aux moins de 12 ans

ON CONNAÎT LA CHANSON - ALAIN RESNAIS
Vendredi 3 août
Odile (Sabine Azéma) et Claude (Pierre Arditi) forment en apparence un couple solide. Pourtant, l'éternelle indécision de Claude finit par agacer Odile, qui observe avec nostalgie le retour d'un vieil amour, Nicolas (Jean-Pierre Bacri)... On connaît la chanson d'Alain Resnais a remporté 7 Césars en 1998.

MARS ATTACKS! - TIM BURTON
Samedi 4 août
Les Martiens ont décidé de rendre visite à la planète Terre, ce qui provoque l'effervescence. Le film de science-fiction parodique Mars Attacks! de Tim Burton, avec Jack Nickolson, Glenn Close et Pierce Brosnan, sera précédé du court-métrage Junior de Julia Ducournau, la réalisatrice du très remarqué Grave.

PIERROT LE FOU - JEAN-LUC GODARD
Dimanche 5 août
Fernand Griffon (Jean-Paul Belmondo) est désabusé : il vient de perdre son emploi. Sur un coup de tête, il quitte femme et enfants pour partir avec un ancien flirt (Anna Karina) dans le Sud de la France. Précurseur du road movie, le film Pierrot le fou de Jean-Luc Godard a été primé à la Mostra de Venise en 1965.

FRANCES HA - NOAH BAUMBACH
Mercredi 8 août
Frances espère intégrer une compagnie de danse. En attendant, elle donne des cours à des enfants. Dans les rues de New-York, elle s'amuse, danse un peu, et s'égare beaucoup... Frances Ha, de Noah Baumbach, a permis à Greta Gerwig de remporter le Golden Globes 2014 de la meilleure actrice dans un film musical.

CONTROL - ANTON CORBIJN
Jeudi 9 août
Control d'Anton Corbijn retrace la vie de Ian Curtis, leader du groupe de rock anglais Joy Division, tiraillé entre sa vie de famille, sa gloire naissante et son amour pour une autre femme. Le film a été distingué au festival de Cannes 2007, en remportant entre autres le Prix Regards Jeunes.

DEVDAS - SANJAY LEELA BHANSALI
Vendredi 10 août
Devdas rentre en Inde après ses études et retrouve Parvati, qu'il aime depuis l'enfance. Mais l'emprise des castes sera-t-elle plus puissante que la passion ? Véritable Roméo et Juliette indien, ce film de Sanjay Leela Bhansalt, avec Shahrukh Khan, a popularisé la culture Bollywood en Occident.

ATTACHE-MOI ! - Pedro Almodóvar
Samedi 11 août
Marina (Victoria Abril), actrice porno, cherche à faire carrière dans le cinéma traditionnel. Mais elle est séquestrée par Ricky (Antonio Banderas), un admirateur qui espère la séduire... Le film Attache-moi ! de Pedro Almodóvar sera précédé du court-métrage Le Diable est dans les détails, de Fabien Gorgeart.

RIVIÈRE SANS RETOUR - OTTO PREMINGER
Dimanche 12 août
A sa sortie de prison, Matt retrouve son fils. Alors qu'ils aspirent à une vie calme, leur route croise celle d'une chanteuse de bar et de son amant, aux intentions troubles... Le western Rivière sans retour d'Otto Preminger marque la rencontre des stars d'Hollywood Robert Mitchum et Marilyn Monroe.

BANDE DE FILLES - Céline Sciamma
Mercredi 15 août
Pour Marieme, 16 ans, la vie est une succession d'interdits. Sa rencontre avec trois filles affranchies va tout changer. Présenté en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs, Bande de filles de Céline Sciamma a été sélectionné dans de nombreux festival lors de sa sortie en 2014, et a reçu 3 nominations aux Césars.

TONI ERDMANN - MAREN ADE
Jeudi 16 août
Inès est l'une des brillantes associées d'une société allemande. Quand son père débarque sans prévenir et lui demande si elle est heureuse, c'est pour elle le début d'un bouleversement profond... Le film Toni Erdmann de Maren Ade a remporté de nombreux prix dont celui de la critique internationale à Cannes en 2016.

PROMISED LAND - GUS VAN SANT
Vendredi 17 août
Deux représentants d'un grand groupe proposent aux habitants d'un village de racheter leurs terres, pour en exploiter les ressources énergétiques. Ce qui s'annonçait comme un jeu d'enfant va pourtant se compliquer. Promised Land, de Gus Van Sant avec Matt Damon, a reçu la mention spéciale du jury à la Berlinale 2013.

INTERSTELLA 5555 - DAFT PUNK/LEIJI MATSUMOTO/KAZUHISA TAKENOUCHI
Samedi 18 août
Quatre musiciens d'une autre galaxie sont kidnappés par un manager maléfique. Dans Interstella 5555: The Story of the Secret Star System, les dessins de Leiji Matsumoto rencontrent les musiques des Daft Punk. Le film sera précédé du court-métrage Fox-Terrier de Hubert Charuel réalisateur de Petit Paysan.

LES PARAPLUIES DE CHERBOURG - JACQUES DEMY
Dimanche 19 août
Geneviève (Catherine Deneuve) vit avec sa mère, qui tient un magasin de parapluies à Cherbourg. Avec Guy, ils se jurent une passion éternelle. Hélas, il part faire son service militaire... La célèbre comédie musicale Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy a remporté la Palme d'or au festival de Cannes 1964.

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet







Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury












Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
© Succession Picasso 2018

Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Description:

Fête nationale belge, commémorant la prestation de serment du premier Roi des Belges, Léopold Ier en 1831.

Il refuse en 1830 la couronne de Grèce. Le Congrès national belge, dans ce pays indépendant des Pays-Bas depuis le 4 octobre 1830, élit d'abord roi des Belges Louis-Philippe Ier (qui vient d'être élu roi des Français par le Parlement), mais Louis-Philippe refuse le titre pour calmer les velléités de l'Angleterre.

Le Congrès belge propose alors à Léopold de devenir roi des Belges, où il est connu pour son passé militaire (il s'est battu contre Napoléon). Il accepte à la condition que soit réglé le problème des frontières et des dettes de la Belgique. Il obtient de la conférence de Londres le traité des XVIII articles, accepté par le congrès le 9 juillet 1831. Roi officiellement depuis le 26 juin, il est couronné à Bruxelles le 21 juillet suivant.

Time:

21:00-23:55

Description:

Si on chantait ?

Du 18 juillet au 19 août

Depuis 28 étés, la prairie du triangle de La Villette devient la plus grande salle de cinéma de Paris à ciel ouvert. Venez (re)voir des films sur le thème de la chanson. 25 soirées pour donner l'occasion à Wes Anderson, François Truffaut, ou encore Xavier Dolan de nous faire voyager en musique. Alors à vos micros ! #CineVillette

LE FESTIVAL

Des comédies musicales, des reprises à gogo, que ce soit Résiste interprété par Agnès Jaoui, The River of no return par Marilyn Monroe ou encore It's not Unusual par Tom Jones lui-même ! Des biopics pour se remémorer la brève et fulgurante carrière de Ian Curtis ou découvrir l'histoire abracadabrante du retour sur scène de Sixto Rodriguez, et quelques scènes cultes avec Jeanne Moreau chantant Le Tourbillon ou Anna Karina reprenant Ma ligne de chance.

Et cette année encore, le jeune public n'est pas oublié avec une journée spéciale à Little Villette suivie de la projection du Livre de la jungle de Wolfgang Reitherman.

PREMIERS PAS
Chaque samedi (excepté le 21 juillet), en première partie de soirée, projection d'un court métrage d'un réalisateur ayant sorti en salle son premier long métrage en 2017.

DES CROISIÈRES MUSICALES À BORD D'UNE PÉNICHE
Tous les samedis et dimanches, L'Eté du Canal s'associe à La Villette pour concocter des croisières gourmandes aux saveurs des films à découvrir ensuite sur l'écran géant du Cinéma en plein air !

SOIRÉES SPÉCIALES
Les mercredi 18 juillet et jeudi 9 août, Garden Party au jardin 21 du Glazart !

Le vendredi 10 août, balade indienne autour du film Devdas avec l'association Anardana.

Le samedi 18 août, à l'issue de la projection, venez danser sur l'album Discovery des Daft Punk !
La soirée continuera sur des sets d'électro cosmique et de mapping futuriste avec Les Animaux du Futur, à la Folie des Merveilles / Villette Makerz by WOMA.

INFOS TRANSATS
LOCATION DE TRANSAT, À PARTIR DE 19H30, DANS L'ESPACE SÉCURISÉ
FORFAIT 5 TRANSATS : 20 €
PLEIN TARIF : 7 €
ABONNEMENTS ET CARTES : GRATUIT
ABONNEMENTS/ & CARTES VILLETTE, QUELS AUTRES AVANTAGES ?

À NOTER
POUR DES RAISONS DE SÉCURITÉ, LA PRAIRIE DU TRIANGLE SERA ÉVACUÉE ENTRE 18H ET 19H LES JOURS DU CINÉMA EN PLEIN AIR. INTERDICTION AUX COUVERTS EN MÉTAL, ET TIRE-BOUCHONS.
VERRES ET BOUTEILLES EN VERRE DÉBOUCHÉES SONT AUTORISÉS. DES TIRE-BOUCHONS SERONT À VOTRE DISPOSITION.
LES OBJETS INTERDITS SERONT CONSIGNÉS
LES CHIENS NE SONT PAS AUTORISÉS.


PROGRAMME
LA LA LAND - DAMIEN CHAZELLE
Mercredi 18 juillet
L'histoire d'amour de Mia (Emma Stone), aspirante actrice, et de Sebastian (Ryan Gosling), un pianiste de jazz, résistera-t-elle à la vie trépidante du Hollywood des années 90 ? La comédie musicale culte La La Land a été récompensée par 6 Oscars, dont celui du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle.

LA VIE AQUATIQUE - WES ANDERSON
Jeudi 19 juillet
La Vie aquatique retrace l'odyssée absurde et comique de l'océanographe Steve Zissou (Bill Muray), aux faux airs de commandant Cousteau. Et surprise : ce film de Wes Anderson, avec Cate Blanchett, Owen Wilson et Jeff Goldblum, comprend une dizaine de reprises de David Bowie en portugais.

ARTE FAIT SON KARAOKÉ
Vendredi 20 juillet
Et si vous veniez chanter les plus grands tubes de la chanson française ? De Barbara à Carmen, en passant par Etienne Daho, ARTE vous invite à son karaoké ! L'événement sera précédé de plusieurs épisodes de Silex and the City et 50 Nuances de Grecs, d'après les BD de Jul, et d'un court-métrage de Olivier Klein. Soirée présentée par Aline Afanoukoé

LE LIVRE DE LA JUNGLE - WOLFGANG REITHERMAN
Samedi 21 juillet
Abandonné dans la jungle, Mowgli doit faire face au tigre Shere Khan aux côtés de la panthère Bagheera et de l'ours Baloo... Retrouvez en famille Le Livre de la Jungle, un classique Disney qui rappelle qu'il en faut peu pour être heureux ! Il sera suivi d'Allons Enfants de Stéphane Desmoutier, tourné à la Villette !

YELLOW SUBMARINE - GEORGE DUNNING
Dimanche 22 juillet
Il était une fois un royaume enchanté protégé par le Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, où le bonheur et la musique règnent en maîtres. Mais un jour, les méchants Blue Meanies leur déclarent la guerre... Yellow Submarine est un film d'animation de George Dunning, sur les inoubliables chansons des Beatles.

LENINGRAD COWBOYS GO AMERICA - Aki Kaurismäki
Mercredi 25 juillet
Quelque part dans la toundra sibérienne vit le plus mauvais groupe de rock du monde ! Il décide de partir chercher fortune aux États-Unis. Mais la route qui mène au succès est longue et sinueuse... Leningrad Cowboys go America est une comédie d'Aki Kaurismäki, avec les Leningrad Cowboys dans leurs propres rôles !

HOLY MOTORS - LEOS CARAX
Jeudi 26 juillet
Accompagné par la mystérieuse Céline, M. Oscar est, à bord de sa luxueuse limousine, tantôt père de famille, tantôt meurtrier ou grand patron. Mais est-il l'homme sans attache qu'il prétend être ? Holy Motors est un film de Leos Carax, avec Eva Mendes et Kylie Minogue, en compétition au festival de Cannes 2012.

MOMMY - XAVIER DOLAN
Vendredi 27 juillet
Mommy raconte l'histoire d'une veuve qui récupère la garde de son fils, adolescent impulsif et violent. Grâce à la voisine, le trio inattendu retrouve une forme d'équilibre. Ce drame de Xavier Dolan, ponctué de chansons de Céline Dion, Dido et tant d'autres, a remporté le prix du Jury du festival de Cannes 2014.

LES CHANSONS D'AMOUR - Christophe Honoré
Samedi 28 juillet
Pour surmonter leurs problèmes de couple, Julie (Ludivine Sagnier) et Ismaël (Louis Garrel) décident de commencer une relation à trois en accueillant Alice (Clothilde Hesme) dans leur appartement. Les Chansons d'amour de Christophe Honoré a remporté le César 2008 de la meilleure musique de film.

JULES ET JIM - FRANÇOIS TRUFFAUT
Dimanche 29 juillet
Paris, 1907. Jules et Jim sont des amis inséparables. Pourtant, ils tombent tous les deux amoureux de Catherine, incarnée par Jeanne Moreau. Leur relation résistera-t-elle aux écueils des sentiments ? C'est dans ce film de François Truffaut, que l'on trouve la chanson Le tourbillon de la vie écrite par Serge Rezvani.

SUGAR MAN - MALIK BENDJELLOUL
Mercredi 1 août
Dans les années 70, Sixto Rodríguez enregistre deux albums dans l'indifférence du public. En Afrique du Sud, il devient pourtant l'idole des jeunes. Des années plus tard, deux fans du Cap se lancent à sa recherche. Sugar Man de Malik Bendjelloul remporte l'Oscar du meilleur film documentaire en 2012.

SPRING BREAKERS - HARMONY KORINE
Jeudi 2 août
Pour financer leur Spring Break, quatre filles braquent une banque. Alors qu'elles sont arrêtées par la police, un malfrat paie leur caution et les prend sous son aile... Spring Breakers de Harmony Korine, avec James Franco, Vanessa Hudgens et Selena Gomez, a été présenté à la 69e Mostra de Venise.
interdit aux moins de 12 ans

ON CONNAÎT LA CHANSON - ALAIN RESNAIS
Vendredi 3 août
Odile (Sabine Azéma) et Claude (Pierre Arditi) forment en apparence un couple solide. Pourtant, l'éternelle indécision de Claude finit par agacer Odile, qui observe avec nostalgie le retour d'un vieil amour, Nicolas (Jean-Pierre Bacri)... On connaît la chanson d'Alain Resnais a remporté 7 Césars en 1998.

MARS ATTACKS! - TIM BURTON
Samedi 4 août
Les Martiens ont décidé de rendre visite à la planète Terre, ce qui provoque l'effervescence. Le film de science-fiction parodique Mars Attacks! de Tim Burton, avec Jack Nickolson, Glenn Close et Pierce Brosnan, sera précédé du court-métrage Junior de Julia Ducournau, la réalisatrice du très remarqué Grave.

PIERROT LE FOU - JEAN-LUC GODARD
Dimanche 5 août
Fernand Griffon (Jean-Paul Belmondo) est désabusé : il vient de perdre son emploi. Sur un coup de tête, il quitte femme et enfants pour partir avec un ancien flirt (Anna Karina) dans le Sud de la France. Précurseur du road movie, le film Pierrot le fou de Jean-Luc Godard a été primé à la Mostra de Venise en 1965.

FRANCES HA - NOAH BAUMBACH
Mercredi 8 août
Frances espère intégrer une compagnie de danse. En attendant, elle donne des cours à des enfants. Dans les rues de New-York, elle s'amuse, danse un peu, et s'égare beaucoup... Frances Ha, de Noah Baumbach, a permis à Greta Gerwig de remporter le Golden Globes 2014 de la meilleure actrice dans un film musical.

CONTROL - ANTON CORBIJN
Jeudi 9 août
Control d'Anton Corbijn retrace la vie de Ian Curtis, leader du groupe de rock anglais Joy Division, tiraillé entre sa vie de famille, sa gloire naissante et son amour pour une autre femme. Le film a été distingué au festival de Cannes 2007, en remportant entre autres le Prix Regards Jeunes.

DEVDAS - SANJAY LEELA BHANSALI
Vendredi 10 août
Devdas rentre en Inde après ses études et retrouve Parvati, qu'il aime depuis l'enfance. Mais l'emprise des castes sera-t-elle plus puissante que la passion ? Véritable Roméo et Juliette indien, ce film de Sanjay Leela Bhansalt, avec Shahrukh Khan, a popularisé la culture Bollywood en Occident.

ATTACHE-MOI ! - Pedro Almodóvar
Samedi 11 août
Marina (Victoria Abril), actrice porno, cherche à faire carrière dans le cinéma traditionnel. Mais elle est séquestrée par Ricky (Antonio Banderas), un admirateur qui espère la séduire... Le film Attache-moi ! de Pedro Almodóvar sera précédé du court-métrage Le Diable est dans les détails, de Fabien Gorgeart.

RIVIÈRE SANS RETOUR - OTTO PREMINGER
Dimanche 12 août
A sa sortie de prison, Matt retrouve son fils. Alors qu'ils aspirent à une vie calme, leur route croise celle d'une chanteuse de bar et de son amant, aux intentions troubles... Le western Rivière sans retour d'Otto Preminger marque la rencontre des stars d'Hollywood Robert Mitchum et Marilyn Monroe.

BANDE DE FILLES - Céline Sciamma
Mercredi 15 août
Pour Marieme, 16 ans, la vie est une succession d'interdits. Sa rencontre avec trois filles affranchies va tout changer. Présenté en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs, Bande de filles de Céline Sciamma a été sélectionné dans de nombreux festival lors de sa sortie en 2014, et a reçu 3 nominations aux Césars.

TONI ERDMANN - MAREN ADE
Jeudi 16 août
Inès est l'une des brillantes associées d'une société allemande. Quand son père débarque sans prévenir et lui demande si elle est heureuse, c'est pour elle le début d'un bouleversement profond... Le film Toni Erdmann de Maren Ade a remporté de nombreux prix dont celui de la critique internationale à Cannes en 2016.

PROMISED LAND - GUS VAN SANT
Vendredi 17 août
Deux représentants d'un grand groupe proposent aux habitants d'un village de racheter leurs terres, pour en exploiter les ressources énergétiques. Ce qui s'annonçait comme un jeu d'enfant va pourtant se compliquer. Promised Land, de Gus Van Sant avec Matt Damon, a reçu la mention spéciale du jury à la Berlinale 2013.

INTERSTELLA 5555 - DAFT PUNK/LEIJI MATSUMOTO/KAZUHISA TAKENOUCHI
Samedi 18 août
Quatre musiciens d'une autre galaxie sont kidnappés par un manager maléfique. Dans Interstella 5555: The Story of the Secret Star System, les dessins de Leiji Matsumoto rencontrent les musiques des Daft Punk. Le film sera précédé du court-métrage Fox-Terrier de Hubert Charuel réalisateur de Petit Paysan.

LES PARAPLUIES DE CHERBOURG - JACQUES DEMY
Dimanche 19 août
Geneviève (Catherine Deneuve) vit avec sa mère, qui tient un magasin de parapluies à Cherbourg. Avec Guy, ils se jurent une passion éternelle. Hélas, il part faire son service militaire... La célèbre comédie musicale Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy a remporté la Palme d'or au festival de Cannes 1964.

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet







Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury












Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard


Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e



Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €


David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018


David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.


I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.


Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie


Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018


II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917


Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade, [1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919


Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
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Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
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Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920


Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924


Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962


Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.


III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques


Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018


Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.


Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.


IV. De la danse au geste dansé


Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Time:

21:00-23:55

Description:

Si on chantait ?

Du 18 juillet au 19 août

Depuis 28 étés, la prairie du triangle de La Villette devient la plus grande salle de cinéma de Paris à ciel ouvert. Venez (re)voir des films sur le thème de la chanson. 25 soirées pour donner l'occasion à Wes Anderson, François Truffaut, ou encore Xavier Dolan de nous faire voyager en musique. Alors à vos micros ! #CineVillette

LE FESTIVAL

Des comédies musicales, des reprises à gogo, que ce soit Résiste interprété par Agnès Jaoui, The River of no return par Marilyn Monroe ou encore It's not Unusual par Tom Jones lui-même ! Des biopics pour se remémorer la brève et fulgurante carrière de Ian Curtis ou découvrir l'histoire abracadabrante du retour sur scène de Sixto Rodriguez, et quelques scènes cultes avec Jeanne Moreau chantant Le Tourbillon ou Anna Karina reprenant Ma ligne de chance.

Et cette année encore, le jeune public n'est pas oublié avec une journée spéciale à Little Villette suivie de la projection du Livre de la jungle de Wolfgang Reitherman.

PREMIERS PAS
Chaque samedi (excepté le 21 juillet), en première partie de soirée, projection d'un court métrage d'un réalisateur ayant sorti en salle son premier long métrage en 2017.

DES CROISIÈRES MUSICALES À BORD D'UNE PÉNICHE
Tous les samedis et dimanches, L'Eté du Canal s'associe à La Villette pour concocter des croisières gourmandes aux saveurs des films à découvrir ensuite sur l'écran géant du Cinéma en plein air !

SOIRÉES SPÉCIALES
Les mercredi 18 juillet et jeudi 9 août, Garden Party au jardin 21 du Glazart !

Le vendredi 10 août, balade indienne autour du film Devdas avec l'association Anardana.

Le samedi 18 août, à l'issue de la projection, venez danser sur l'album Discovery des Daft Punk !
La soirée continuera sur des sets d'électro cosmique et de mapping futuriste avec Les Animaux du Futur, à la Folie des Merveilles / Villette Makerz by WOMA.

INFOS TRANSATS
LOCATION DE TRANSAT, À PARTIR DE 19H30, DANS L'ESPACE SÉCURISÉ
FORFAIT 5 TRANSATS : 20 €
PLEIN TARIF : 7 €
ABONNEMENTS ET CARTES : GRATUIT
ABONNEMENTS/ & CARTES VILLETTE, QUELS AUTRES AVANTAGES ?

À NOTER
POUR DES RAISONS DE SÉCURITÉ, LA PRAIRIE DU TRIANGLE SERA ÉVACUÉE ENTRE 18H ET 19H LES JOURS DU CINÉMA EN PLEIN AIR. INTERDICTION AUX COUVERTS EN MÉTAL, ET TIRE-BOUCHONS.
VERRES ET BOUTEILLES EN VERRE DÉBOUCHÉES SONT AUTORISÉS. DES TIRE-BOUCHONS SERONT À VOTRE DISPOSITION.
LES OBJETS INTERDITS SERONT CONSIGNÉS
LES CHIENS NE SONT PAS AUTORISÉS.


PROGRAMME
LA LA LAND - DAMIEN CHAZELLE
Mercredi 18 juillet
L'histoire d'amour de Mia (Emma Stone), aspirante actrice, et de Sebastian (Ryan Gosling), un pianiste de jazz, résistera-t-elle à la vie trépidante du Hollywood des années 90 ? La comédie musicale culte La La Land a été récompensée par 6 Oscars, dont celui du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle.

LA VIE AQUATIQUE - WES ANDERSON
Jeudi 19 juillet
La Vie aquatique retrace l'odyssée absurde et comique de l'océanographe Steve Zissou (Bill Muray), aux faux airs de commandant Cousteau. Et surprise : ce film de Wes Anderson, avec Cate Blanchett, Owen Wilson et Jeff Goldblum, comprend une dizaine de reprises de David Bowie en portugais.

ARTE FAIT SON KARAOKÉ
Vendredi 20 juillet
Et si vous veniez chanter les plus grands tubes de la chanson française ? De Barbara à Carmen, en passant par Etienne Daho, ARTE vous invite à son karaoké ! L'événement sera précédé de plusieurs épisodes de Silex and the City et 50 Nuances de Grecs, d'après les BD de Jul, et d'un court-métrage de Olivier Klein. Soirée présentée par Aline Afanoukoé

LE LIVRE DE LA JUNGLE - WOLFGANG REITHERMAN
Samedi 21 juillet
Abandonné dans la jungle, Mowgli doit faire face au tigre Shere Khan aux côtés de la panthère Bagheera et de l'ours Baloo... Retrouvez en famille Le Livre de la Jungle, un classique Disney qui rappelle qu'il en faut peu pour être heureux ! Il sera suivi d'Allons Enfants de Stéphane Desmoutier, tourné à la Villette !

YELLOW SUBMARINE - GEORGE DUNNING
Dimanche 22 juillet
Il était une fois un royaume enchanté protégé par le Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, où le bonheur et la musique règnent en maîtres. Mais un jour, les méchants Blue Meanies leur déclarent la guerre... Yellow Submarine est un film d'animation de George Dunning, sur les inoubliables chansons des Beatles.

LENINGRAD COWBOYS GO AMERICA - Aki Kaurismäki
Mercredi 25 juillet
Quelque part dans la toundra sibérienne vit le plus mauvais groupe de rock du monde ! Il décide de partir chercher fortune aux États-Unis. Mais la route qui mène au succès est longue et sinueuse... Leningrad Cowboys go America est une comédie d'Aki Kaurismäki, avec les Leningrad Cowboys dans leurs propres rôles !

HOLY MOTORS - LEOS CARAX
Jeudi 26 juillet
Accompagné par la mystérieuse Céline, M. Oscar est, à bord de sa luxueuse limousine, tantôt père de famille, tantôt meurtrier ou grand patron. Mais est-il l'homme sans attache qu'il prétend être ? Holy Motors est un film de Leos Carax, avec Eva Mendes et Kylie Minogue, en compétition au festival de Cannes 2012.

MOMMY - XAVIER DOLAN
Vendredi 27 juillet
Mommy raconte l'histoire d'une veuve qui récupère la garde de son fils, adolescent impulsif et violent. Grâce à la voisine, le trio inattendu retrouve une forme d'équilibre. Ce drame de Xavier Dolan, ponctué de chansons de Céline Dion, Dido et tant d'autres, a remporté le prix du Jury du festival de Cannes 2014.

LES CHANSONS D'AMOUR - Christophe Honoré
Samedi 28 juillet
Pour surmonter leurs problèmes de couple, Julie (Ludivine Sagnier) et Ismaël (Louis Garrel) décident de commencer une relation à trois en accueillant Alice (Clothilde Hesme) dans leur appartement. Les Chansons d'amour de Christophe Honoré a remporté le César 2008 de la meilleure musique de film.

JULES ET JIM - FRANÇOIS TRUFFAUT
Dimanche 29 juillet
Paris, 1907. Jules et Jim sont des amis inséparables. Pourtant, ils tombent tous les deux amoureux de Catherine, incarnée par Jeanne Moreau. Leur relation résistera-t-elle aux écueils des sentiments ? C'est dans ce film de François Truffaut, que l'on trouve la chanson Le tourbillon de la vie écrite par Serge Rezvani.

SUGAR MAN - MALIK BENDJELLOUL
Mercredi 1 août
Dans les années 70, Sixto Rodríguez enregistre deux albums dans l'indifférence du public. En Afrique du Sud, il devient pourtant l'idole des jeunes. Des années plus tard, deux fans du Cap se lancent à sa recherche. Sugar Man de Malik Bendjelloul remporte l'Oscar du meilleur film documentaire en 2012.

SPRING BREAKERS - HARMONY KORINE
Jeudi 2 août
Pour financer leur Spring Break, quatre filles braquent une banque. Alors qu'elles sont arrêtées par la police, un malfrat paie leur caution et les prend sous son aile... Spring Breakers de Harmony Korine, avec James Franco, Vanessa Hudgens et Selena Gomez, a été présenté à la 69e Mostra de Venise.
interdit aux moins de 12 ans

ON CONNAÎT LA CHANSON - ALAIN RESNAIS
Vendredi 3 août
Odile (Sabine Azéma) et Claude (Pierre Arditi) forment en apparence un couple solide. Pourtant, l'éternelle indécision de Claude finit par agacer Odile, qui observe avec nostalgie le retour d'un vieil amour, Nicolas (Jean-Pierre Bacri)... On connaît la chanson d'Alain Resnais a remporté 7 Césars en 1998.

MARS ATTACKS! - TIM BURTON
Samedi 4 août
Les Martiens ont décidé de rendre visite à la planète Terre, ce qui provoque l'effervescence. Le film de science-fiction parodique Mars Attacks! de Tim Burton, avec Jack Nickolson, Glenn Close et Pierce Brosnan, sera précédé du court-métrage Junior de Julia Ducournau, la réalisatrice du très remarqué Grave.

PIERROT LE FOU - JEAN-LUC GODARD
Dimanche 5 août
Fernand Griffon (Jean-Paul Belmondo) est désabusé : il vient de perdre son emploi. Sur un coup de tête, il quitte femme et enfants pour partir avec un ancien flirt (Anna Karina) dans le Sud de la France. Précurseur du road movie, le film Pierrot le fou de Jean-Luc Godard a été primé à la Mostra de Venise en 1965.

FRANCES HA - NOAH BAUMBACH
Mercredi 8 août
Frances espère intégrer une compagnie de danse. En attendant, elle donne des cours à des enfants. Dans les rues de New-York, elle s'amuse, danse un peu, et s'égare beaucoup... Frances Ha, de Noah Baumbach, a permis à Greta Gerwig de remporter le Golden Globes 2014 de la meilleure actrice dans un film musical.

CONTROL - ANTON CORBIJN
Jeudi 9 août
Control d'Anton Corbijn retrace la vie de Ian Curtis, leader du groupe de rock anglais Joy Division, tiraillé entre sa vie de famille, sa gloire naissante et son amour pour une autre femme. Le film a été distingué au festival de Cannes 2007, en remportant entre autres le Prix Regards Jeunes.

DEVDAS - SANJAY LEELA BHANSALI
Vendredi 10 août
Devdas rentre en Inde après ses études et retrouve Parvati, qu'il aime depuis l'enfance. Mais l'emprise des castes sera-t-elle plus puissante que la passion ? Véritable Roméo et Juliette indien, ce film de Sanjay Leela Bhansalt, avec Shahrukh Khan, a popularisé la culture Bollywood en Occident.

ATTACHE-MOI ! - Pedro Almodóvar
Samedi 11 août
Marina (Victoria Abril), actrice porno, cherche à faire carrière dans le cinéma traditionnel. Mais elle est séquestrée par Ricky (Antonio Banderas), un admirateur qui espère la séduire... Le film Attache-moi ! de Pedro Almodóvar sera précédé du court-métrage Le Diable est dans les détails, de Fabien Gorgeart.

RIVIÈRE SANS RETOUR - OTTO PREMINGER
Dimanche 12 août
A sa sortie de prison, Matt retrouve son fils. Alors qu'ils aspirent à une vie calme, leur route croise celle d'une chanteuse de bar et de son amant, aux intentions troubles... Le western Rivière sans retour d'Otto Preminger marque la rencontre des stars d'Hollywood Robert Mitchum et Marilyn Monroe.

BANDE DE FILLES - Céline Sciamma
Mercredi 15 août
Pour Marieme, 16 ans, la vie est une succession d'interdits. Sa rencontre avec trois filles affranchies va tout changer. Présenté en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs, Bande de filles de Céline Sciamma a été sélectionné dans de nombreux festival lors de sa sortie en 2014, et a reçu 3 nominations aux Césars.

TONI ERDMANN - MAREN ADE
Jeudi 16 août
Inès est l'une des brillantes associées d'une société allemande. Quand son père débarque sans prévenir et lui demande si elle est heureuse, c'est pour elle le début d'un bouleversement profond... Le film Toni Erdmann de Maren Ade a remporté de nombreux prix dont celui de la critique internationale à Cannes en 2016.

PROMISED LAND - GUS VAN SANT
Vendredi 17 août
Deux représentants d'un grand groupe proposent aux habitants d'un village de racheter leurs terres, pour en exploiter les ressources énergétiques. Ce qui s'annonçait comme un jeu d'enfant va pourtant se compliquer. Promised Land, de Gus Van Sant avec Matt Damon, a reçu la mention spéciale du jury à la Berlinale 2013.

INTERSTELLA 5555 - DAFT PUNK/LEIJI MATSUMOTO/KAZUHISA TAKENOUCHI
Samedi 18 août
Quatre musiciens d'une autre galaxie sont kidnappés par un manager maléfique. Dans Interstella 5555: The Story of the Secret Star System, les dessins de Leiji Matsumoto rencontrent les musiques des Daft Punk. Le film sera précédé du court-métrage Fox-Terrier de Hubert Charuel réalisateur de Petit Paysan.

LES PARAPLUIES DE CHERBOURG - JACQUES DEMY
Dimanche 19 août
Geneviève (Catherine Deneuve) vit avec sa mère, qui tient un magasin de parapluies à Cherbourg. Avec Guy, ils se jurent une passion éternelle. Hélas, il part faire son service militaire... La célèbre comédie musicale Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy a remporté la Palme d'or au festival de Cannes 1964.

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