Germain Pire - Week from January 20, 2020 to January 26, 2020

Time:

10:00-11:00

Description:

Défilé Schiaparelli

Time:

11:00-12:00

Description:

Défilé Ulyana Sergeenko

Time:

11:30-12:30

Description:

Tony Ward Couture SS20 Fashion Show

Come discover the new Tony Ward collection !

RSVP at press@lappartpr.fr

Défilé Tony Ward

Time:

12:00-13:00

Description:

Défilé Iris Van Herpen

Time:

12:00-21:00

Description:

PALOMO SPAIN
MR. SATURDAY
PORTVEL - NULABEL
WILLY CHAVARRIA
OCCHII
NAME.
IROQUOIS
IMPERFECTION
ERIC PAYNE
TOMOE

14 janvier 2020 -> 20 janvier 2020
open bar every day 12.00 am - Late

8@plan-8.com

Plan 8 showroom

Time:

13:00-14:00

Description:

avec maya henry

Time:

14:30-15:30

Description:

Défilé Dior

Time:

15:00-19:00

Description:

Salon Offenbach

Fort du succès de l'évènement « AKITA EXQUISE » en 2017 et en 2018, mettant en avant les meilleurs Sakés de cette région du Nord du Japon, nous sommes heureux de vous convier à sa 3ème édition qui aura lieu le :

Lundi 20 Janvier 2020
de 15 heures à 19 heures

Entrée gratuite (merci de vous présenter à l'accueil avec votre carte de visite)

Vous pourrez y déguster d'excellents sakés de la région et échanger avec les producteurs présents sur place pour vous initier aux subtilités du saké et répondre à vos questions.

Nous serions honorés de vous compter parmi nos invités afin de partager ce moment.

Louis Robuchon Abe
Directeur de la société JAPAN EXQUISE

Time:

16:00-17:00

Description:

Défilé Maison Rabih Kayrouz

Time:

17:00-18:00

Description:

Défilé Ralph & Russo

Time:

18:00-19:00

Description:

Défilé Antonio Grimaldi

Time:

18:15-19:15

Description:

Printemps-Été 2020

Time:

18:30-21:00

Description:

évènement annuel sur la sécurité numérique destiné aux clients, aux autorités et à la presse

Time:

18:30-19:30

Description:

Défilé Georges Chakra

Time:

19:00-21:00

Description:

Lancement du livre de Guillaume Pinard
en présence de Franck Balland, Julie Portier et Guillaume Pinard

À l'occasion du lancement de la première monographie de Guillaume Pinard aux éditions Tombolo Presses à la Fondation d'entreprise Ricard, Guillaume Pinard, Julie Portier et Franck Balland se retrouvent pour une discussion.

Ce livre propose une traversée dans l'oeuvre de Guillaume Pinard via un entretien au long cours réalisé avec les critiques Franck Balland et Julie Portier. Si le commentaire est venu avant les images, leur agencement guidé par le texte pourrait produire des récits inédits

Il sera notamment question : du recul du service public, de l'inspecteur Columbo, de la foire au boudin de Locronan, de formes organiques, sexuelles, fécales, de profanation, de copie, de médiation culturelle, de réseaux sociaux, de virtuosité, de rencontre, de Gustave Courbet, de Rahan, de Mondrian, des Pokémon, de peinture, de psychanalyse, du refus de l'inconscient, de micro- histoire, de signes, de l'évolution des espèces, du tarot, de beauté.

Ce livre a bénéficié du soutien de l'aide à la publication du CNAP : Centre National des Arts Plastiques, FRAC Bretagne, Le Carré - Centre d'art du pays de Château-Gontier, Lendroit Editions, Galerie Edouard Manet-Genevilliers, Galerie Anne Barrault, Ars Ultima - Stein & Guillot Art, 2019.

Lancement du livre de Guillaume Pinard "Du Fennec au Sahara"

Lancement du livre de Guillaume Pinard "Du Fennec au Sahara"

Time:

19:00-23:00

Description:

Le lundi 20 janvier prochain, à l'occasion des 50 ans de la biodynamie en Alsace, les vignerons alsaciens s'invitent sur le devant de la scène pour une soirée « ALSACE ROCKS ! ».
20 producteurs alsaciens investiront un espace à leur image : Ground Control.
Au cœur de ce lieu de vie culturel, les porte-paroles du renouveau du vignoble alsacien vous présenteront leurs cuvées bio et biodynamiques.

19H - 23H : SOIREE AFTERWORK POUR LE GRAND PUBLIC

Au programme :
- 20 vignerons présents pour faire découvrir leurs cuvées
- Une offre food avec les Chefs de Coin-Op Table (cuisine taïwanaise) et de La Résidence (premier restaurant et lieu de formation dédié aux chefs réfugiés) sans oublier un bar à huîtres
- De nombreuses animations avec des ateliers autour du potager par l'École Comestible et un stand tatoo éphémères entre autres
- De la musique avec un DJ en live

Quels seront les domaines présents ?
Domaine Albert Mann
Domaine Valentin Zusslin
Domaine Stentz-Buecher
Domaine Rémy Gresser
Domaine Jean-Louis et Fabienne Mann
Domaine Camille Braun
Domaine Yves Amberg
Domaine Jean Becker
Domaine de l'Ecole
Domaine Paul Gaschy
Domaine Louis Hauller
Domaine Burckel-Jung
Domaine Kirrenbourg
Vins d'Alsace Kuentz-Bas
Domaine Charles Muller & Fils
Cave de Ribeauvillé
Domaine François Schmitt
Domaine Seltz Fernand
Cave de Turckheim
Wolfberger

Time:

19:30-20:30

Description:

en présence de Araya Alberta Hargate (Thai: อารยา อัลเบอร์ตา ฮาร์เก็ต), mieux connue sous le nom de Araya A. Hargate ou Chompoo

Pendant 3 heures, Giambattista Valli ouvre son exposition haute couture au grand public

"Nous sommes ravis d'annoncer que Giambattista Valli ouvre les portes de son univers haute couture et du savoir-faire de ses ateliers au public", peut-on lire dans une publication postée sur le compte Instagram officiel du créateur italien. Le lundi 20 janvier 2020, de 20h à 23h, en pleine semaine de la Fashion Week haute couture, Giambattista Valli organise une exposition gratuite ouverte au public à Paris. Pendant trois heures, les participants auront la chance de découvrir les pièces de la 18ème collection haute couture de la maison.

Un créateur proche du grand public

Ce n'est pas la première fois que le créateur italien, diplômé du prestigieux Central Saint Martins College of Art and Design, se lance dans un tel projet dédié au grand public. En juillet 2019, à l'occasion de la Fashion Week haute couture automne-hiver 2019-2020 (image ci-dessus), Giambattista Valli délaissait le classique défilé en présentant les pièces de sa collection à l'hôtel parisien Shangri La. Connu pour ses créations volumineuses, le créateur signait en 2019 deux collections exclusives avec H&M, sorties fin mai et début novembre.

"L'exhibition", showcase public de Giambattista Valli, lundi 20 janvier 2020 de 20h à 23h, Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, 75008 Paris.

Défilé Giambattista Valli

Time:

20:00-23:55

Description:

Dior after show dinner

Time:

20:00-21:00

Description:

collection Haute Couture printemps-été 2020

en présence de Maëva Coucke, Elodie Frégé, Sylvie Ortega Munos, Dièse

Lundi 20 janvier 2020, Maëva Coucke et Elodie Frégé se sont retrouvées au Paradis Latin, dans le 5e arrondissement. Elles y ont assisté au défilé de la maison On Aura Tout Vu, un défilé inspiré des cabarets qui a marqué les esprits.

Grâce à sa Fashion Week, Paris jouit du titre de capitale de la planète Mode ! Cette folle semaine de défilés continue avec les jours consacrés à la Haute Couture. Maëva Coucke et Elodie Frégé s'y sont distinguées lors du défilé On Aura Tout Vu, un show aux allures de cabaret endiablé...

C'est justement au Paradis Latin, le cabaret de la rue du Cardinal-Lemoine dans le 5e arrondissement, que la marque On Aura Tout Vu a dévoilé sa collection Haute Couture, saisons printemps-été 2020. L'événement a eu lieu lundi 20 janvier 2020. Maëva Coucke et Elodie Frégé en étaient deux des invités de marque.

Vêtue d'une robe en dentelle blanc cassé On Aura Tout Vu légèrement transparente, brodée de roses et dotée d'un col en plumes noires, Maëva Coucke a inévitablement attiré les regards dès son arrivée. La Miss France 2018 a suivi le défilé à côté d'Elodie Frégé. La chanteuse avait également sorti le grand jeu, malgré sa tenue plus discrète que celle de sa voisine de premier rang.

Sylvie Ortega Munos et la chanteuse Dièse (révélée par l'émission The Voice) étaient également de la partie. Toutes ont suivi avec attention les passages successifs des mannequins. Le show a été rythmé par un numéro de danse et s'est conclu sur l'apparition des couturiers Yassen Samouilov et Livia Stoianova.

La Fashion Week de Paris a commencé le mardi 14 janvier 2020, par de la mode masculine. Elle prendra fin ce jeudi 23 janvier sur la Haute Couture. Jean-Paul Gaultier a annoncé que son défilé serait le dernier, un nouvel adieu après l'arrêt de sa ligne de prêt-à-porter.

Time:

20:00-23:55

Description:

Avec concert de Ne-Yo

Time:

20:30-21:30

Description:

Défilé Azzaro Couture

Time:

21:00-23:55

Description:

PRADA MEMBERS CLUB

Time:

10:00-11:00

Description:

Défilé Chanel

Time:

10:00-19:00

Description:

Salon Psyché

Time:

12:00-13:00

Description:

Défilé Chanel

Time:

12:30-14:00

Description:

Cérémonie des vœux de l'Association des Petites Villes de France

Time:

13:00-14:00

Description:

Défilé Aleem Yusuf "Obsession"

Time:

13:30-14:30

Description:

avec Dita Von Teese

Time:

14:30-15:30

Description:

Défilé Stéphane Rolland

Time:

15:00-16:00

Description:

'Cyber Crack' SS20 Show

Time:

15:30-16:30

Description:

Time:

16:30-17:30

Description:

Défilé Alexandre Vauthier

Time:

17:00-20:30

Description:

Vernissage de Walter van Beirendonck "W:A.R. = Walter About Rights"

21 janvier -> 22 février 2020
Vernissage le mardi 21 janvier de 17h à 20h30

Né en 1957 en Belgique, le styliste Walter Van Beirendonck a fait partie du groupe des Six d'Anvers1. Connu pour utiliser des couleurs intenses avec un style très graphique, Walter Van Beirendonck puise son inspiration dans de nombreuses sources : politique, écologie, musique, littérature, sexualité...

Artiste touchant tant au monde de la mode que du design, Walter Van Beirendonck apporte une importance équivalente à sa production

et à sa recherche. Mutations et greffes vestimentaires appliquées aux corps font entrer le spectateur dans un univers unique. Tel Le musée imaginaire d'André Malraux, Walter Van Beirendonck crée un espace « trash glamour » où les facettes multiples et la complexité de son œuvre prennent forme.

Walter Van Beirendonck a toujours créé sans jamais se préoccuper des tendances et des directions qu'aurait pu lui suggérer le marché de la mode. Mais comme l'a écrit Thessaly La Force dans le New York Times du 3 septembre 2019, « He is the last punk, one whose work can today feel predictive in its obsessions and transgressions, and to which contemporary fashion owes a debt. »

Dans un défi permanent, l'artiste présente un travail mêlant couleurs, textures, techniques, abstraction et figuration et affirme son attachement à l'art contemporain. C'est dans cette veine qu'est le sujet de la deuxième exposition personnelle à la Galerie Polaris, à compter du 21 janvier 2020, W:A.R. = Walter About Rights. Dans cette nouvelle exposition, seront présentées une série de SCARECROWS perlés et brodés à la main, portant des messages comme seul Walter van Beirendonck aime les afficher ouvertement sur les titres de ses collections : EXIGER LA BEAUTÉ, RESPECT, ARRÊTER DE TERRORISER NOTRE PLANÈTE, SAUVEGARDER LE SEXE, ainsi qu'une série de sculptures miniatures perlées à la main, lesquelles feront également référence aux messages ci-dessus et au symbole du Walterman (effigie de Walter).

Souvent considéré comme un artiste rebelle, décalé, punk-révolutionnaire, mais toujours sous la marque de la sincérité et de l'indépendance, Walter Van Beirendonck est encore aujourd'hui un des seuls perturbateurs des codes de la mode masculine. Ce n'est pas parce qu'il souhaite choquer la bourgeoisie que Walter Van Beirendonck incorpore des éléments de fétichisme sexuel. Au contraire, c'est avec humour que l'artiste fait référence à l'idée de fétichisme secret de Marx, ou encore au concept de rite fétichiste anthropologique comme charme magique. Le fétichisme apparaît alors comme un double de la mode ; un autre costume d'autorité. Dans cette volonté de dépasser le concept de normalité corporelle, une nouvelle forme de beauté apparaît.

C'est avec cette même liberté de ton attirant notre attention sur les problèmes du monde que celui ci entame un questionnement artistique majeur : celui de la place, de la fonction et de la représentation du corps dans notre époque. Tout en évoquant des tensions politiques et sociales telles que la place de la communauté LGBTQ+ ou bien l'exclusion des personnes de couleurs, l'artiste parvient à nous partager sa vision d'un monde en lutte permanente. Comme un René Magritte contemporain, Walter Van Beirendonck réinvente le surréalisme belge en ouvrant notre réalité à d'autres perspectives.

Vernissage de Walter van Beirendonck "W:A.R. = Walter About Rights"

Time:

17:15-18:15

Description:

DEFILE COUTURE PRINTEMPS ETE 2020

AVEC VAIMALAMA CHAVES EN LIVE ET SUIVI D'UN COCKAIL

Time:

18:00-19:00

Description:

Défilé RVDK Ronald Van Der Kemp

Time:

18:00-21:00

Description:

"[...] En tant que photographe, mon point de vue est celui d'un témoin, occidental, partiel et modeste des bouleversements de la Chine. C'est dans ce sens que je veux montrer ici ce que je perçois de la manière dont a changé ou non la vie quotidienne des Chinois, des gens que j'ai eu la chance de rencontrer ou simplement croiser. Des images pour parler, à ma façon, du devenir de cette civilisation et de ce grand peuple qui continuent de me fasciner et pour lesquels je conserve un très grand attachement."
Jean-Benoît Zimmermann.

Exposition
du 21 janvier 2020 au 15 février 2020

Les photographies sont extraites du livre :
Jean-Benoît Zimmermann "la Chine au tournant du siècle (1982-2018)"
(édité par les éditions photo#graphie)

Vernissage de Jean-Benoît Zimmermann "la Chine au tournant du siècle, 1982-2018"

Vernissage de Jean-Benoît Zimmermann "la Chine au tournant du siècle, 1982-2018"

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 21 janvier au 5 avril 2020
Vernissage mardi 21 janvier à partir de 18h

Du 21 janvier au 5 avril 2020, la maison des arts, centre d'art contemporain de malakoff, présente vous êtes l'heure, je suis le lieu, première exposition monographique consacrée à Louise Pressager dans un centre d'art.

Tournant majeur dans le travail de l'artiste, cette exposition donne à voir pour la première fois un ensemble de chansons et clips vidéo installés dans une scénographie spécifiquement conçue pour l'occasion. Alors qu'elle s'était toujours appliquée à contourner le genre autobiographique, Louise Pressager s'empare cette fois du micro et c'est à la première personne du singulier qu'elle chante ses textes mis en musique par le compositeur et arrangeur Ferdinand.

Dans ses nouveaux dessins, elle rompt partiellement avec le noir et blanc de son style graphique habituel pour oser les couleurs et le grand format. Des projections oniriques s'invitent dans ses installations.
À grand renfort de linoléum et de placoplâtre, elle nous propose un parcours fléché analogue à celui que l'on suit dans les magasins de mobilier et de décoration. Sauf qu'il ne s'agit pas ici de passer d'une pièce à l'autre d'un appartement, mais de naviguer entre les différentes sphères d'un univers cérébral. Chansons, clips vidéo, grands dessins colorés, objets, suivent ainsi le labyrinthe mental de l'artiste pour habiter et habiller les espaces d'expositions du centre d'art. Toutes les thématiques investies le sont sous l'angle du jeu, dans son double sens conceptualisé par le psychanalyste britannique Donald Winnicott.

Il y a d'un côté le playing, ce jeu libre, spontané et créatif auxquels se livrent les petits enfants. Certains psychothérapeutes tentent artificiellement d'en reproduire les conditions entre les murs de leurs cabinets au moyen du transfert. C'est de cet instrument psychanalytique qu'il est question dans « Rendez-vous manqué», le morceau d'ouverture de l'exposition. Dans les clips des chansons « Bouée crevée » et « Je crois que j'oserais te dire je t'aime », les couleurs chatoyantes des nombreux jouets et déguisements manipulés tranchent avec la gravité des souvenirs abordés, respectivement les violences scolaires et la découverte de l'homosexualité.

Le premier étage est le lieu d'un autre type de jeu, celui que traduit le terme game, enfermé dans les règles strictes auxquelles les adultes choisissent le plus souvent de se conformer. Les jeux de société en sont l'exemple type. Pour le clip de la chanson « Le râle du pigeon », Louise Pressager a mis au point une réplique parodique du célèbre Twister. Elle l'utilise pour raconter son expérience du travail en open space, dans un langage visuel et textuel flirtant avec les codes du hip-hop. A la faveur d'un dévoilement inédit, vous êtes l'heure, je suis le lieu, laisse le doute s'installer entre fiction et réalité, entre premier et second degré. L'humour s'efface derrière une autodérision plus discrète, les masques tombent les uns après les autres, et il n'est pas interdit de percevoir un émerveillement sincère derrière certains des artefacts rassemblés ici.

Louise Pressager,
est née à Nancy en 1985. Son activité de parolière de chansons a débuté en parallèle de ses études de droit et de sciences politiques. Elle a ensuite mené une double vie d'artiste plasticienne et d'employée de bureau avant de travailler à temps partiel dans un hôpital psychiatrique. Lauréate du salon de Montrouge en 2014, elle a bénéficié la même année d'une exposition au Palais de Tokyo. Son travail plastique est aujourd'hui représenté par la galerie Laure Roynette à Paris. Le regard qu'elle porte sur l'existence, qu'elle soit collective ou intime, est d'autant plus tranchant que ses œuvres emploient un langage visuel simple et une grande économie de moyens plastiques et formels.

http://louisepressager.fr

Vernissage de Louise Pressager "vous êtes l'heure, je suis le lieu"

Vernissage de Louise Pressager "vous êtes l'heure, je suis le lieu"

Time:

18:00-21:00

Description:

vernissage le mardi 21 janvier de 18h à 21h
exposition du 22 janvier au 29 février 2020

De retour à Paris avec cette nouvelle exposition, Rebecka Tollens investit pour la première fois en solo les quatre niveaux de la galerie Arts Factory. Projet ambitieux, dont la conception entre Stockholm et l'Andalousie aura nécessité de longs mois de travail, The Last Wedding mixe dessins à la mine de plomb et fusain, céramiques, installation vidéo, walldrawing.

Fil rouge de ses dernières productions, les très belles oeuvres consacrées au peuple Sami cèdent ici leur place à l'exploration de territoires plus intimes, où les frontières entre rêve et réalité se font de plus en plus poreuses.

Fascinante immersion dans le parcours initiatique d'une femme à l'orée de ses 30 ans, The Last Wedding célèbre l'union entre l'au-delà et notre monde : "Une manifestation du pouvoir des ombres, qui m'aide à avancer en éliminant la peur de l'obscurité et de l'inconnu".

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Née en 1990 à Stockholm, cette jeune artiste à la double culture franco-suédoise étonne par son itinéraire atypique et la maturité de sa production. Si elle se destine tout d'abord au droit international, Rebecka, après une mission humanitaire au Ghana et un road-trip de cinq mois en Amérique du Sud, change radicalement de voie en 2011, pour se lancer dans des études d'illustration à Paris. Pas vraiment à l'aise avec le formatage imposé en début de cursus, elle développe ses propres projets, réalise des pochettes de disques pour Say Lou Lou et Einleit, collabore avec Lisa Alma, crée des affiches pour Aurora ou le groupe Grand Blanc, tout en s'essayant à l'auto-édition.

A la faveur d'un stage en 2013, Rebecka rencontre Effi Mild et Laurent Zorzin, alors sur le point d'ouvrir leur nouvel espace de la rue de Charonne. Ils l'encouragent à mettre de côté les contraintes liées au contexte illustratif, pour évoluer vers un dessin plus personnel. Peu à peu les idées jaillissent, les croquis s'enchaînent, gagnent en profondeur et les deux galeristes programment la très remarquée exposition VIENS ! au mois de mars 2015, alors même que Rebecka est encore étudiante.

Des fêlures de l'enfance à l'inconstance des hommes, Rebecka Tollens livre un regard lucide et sans concession sur son éducation, l'apprentissage du désir, les rapports amoureux. De scènes de famille surréalistes en relations sans lendemain, ce quotidien parfois rugueux est dépeint avec un féminisme largement assumé. Exécutés à la mine de plomb et au fusain, portés par un indéniable sens de la composition et un ébouriffant travail sur la lumière, les sujets abordés sont adoucis par d'oniriques paysages, réminiscents de ses années passées en Scandinavie.

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rebecka tollens / expositions

2020 _ "the last wedding" - galerie arts factory, paris
2019 _ solo show - galerie l'art au centre, laval
2018 _ "the mourning dove" - galerie l'artichaut, bruxelles
2018 _ solo show - konst-ig, stockholm
2018 _ "bright / left" avec philippe dupuy - galerie arts factory, paris
2017 _ "be quiet when the light is present" - la ligne bleue, carsac
2017 _ "daydream / darkness / disgrace" avec marie-pierre brunel
& wataru kasahara - galerie arts factory, paris
2015 _ "viens !" - galerie arts factory, paris

rebecka tollens / publications

2020 _ "the last wedding" - éditions arts factory
2020 _ "the mourning dove" - éditions ripopée
2019 _ "duo zine" avec loulou picasso - éditions 476
2018 _ "mu ruoktu" - éditions atelier césure
2018 _ "bright"- éditions united dead artists
2018 _ "limbs"- éditions marguerite waknine
2017 _ "my aokigahara of love" - anne & shige éditions
2017 _ "harmoniuum" - les crocs électriques
2016 _ "same thing happened this night" - éditions atelier césure
2015 _ "tête creuse, chatte pleine" - auto-édition
2014 _ "f. jasmin" - auto-édition

Vernissage de Rebecka Tollens "The Last Wedding"

Vernissage de Rebecka Tollens "The Last Wedding"

Time:

18:30-21:00

Description:

Vœux du Ministre de l'Agriculture au monde agricole

Time:

19:00-20:00

Description:

Défilé Giorgio Armani Privé

Time:

19:00-22:00

Description:

Première édition des Oriental Fashion Awards

Cet événement aura pour but de récompenser les designers de mode et de féliciter leur travail.

Time:

19:00-21:00

Description:

Restaurant George
6e étage

Time:

20:00-21:00

Description:

avec Clare Waight Keller, Kaia Gerber

Au défilé Givenchy, Kaia Gerber et son voile défient toute concurrence

Signé Clare Waight Keller, cet impressionnant voile de mariée a été présenté dans le cadre de la semaine de la mode dédiée aux collections haute couture.

C'est ce qu'on appelle garder le meilleur pour la fin. Ce mardi 21 janvier, la couturière Clare Waight Keller, à la tête de Givenchy, a clôturé le défilé de la nouvelle collection haute couture de la maison, dans le cadre de la semaine de la mode parisienne, sur une silhouette de mariée tout à fait inédite.

Sous les yeux ébahis du public, la mannequin Kaia Gerber, choisie pour l'occasion, a foulé les marches du podium dans une robe en dentelle semi-transparente. Dotée d'un élégant décolleté, elle était surtout accompagnée d'un voile sans égal.

Délicatement niché sur le haut de la tête de la jeune femme de 18 ans, il abrite toute sa silhouette à la manière d'un petit autel.

La comparaison n'est pas anodine. Le défilé s'est déroulé dans le Réfectoire des cordeliers, dernier vestige de l'ancien couvent où les moines franciscains ont vécu plusieurs siècles dans le 6e arrondissement de la capitale.

Comme celles qui ont été brodées sur la robe que porte Kaia Gerber, les fleurs ont envahi la collection. Elles sont une référence métaphorique au "jardin", un thème cher aux yeux de la styliste britannique.

Comme le souligne Vogue, celle-ci s'est inspirée des souvenirs qu'elle garde de ses visites au château de Sissinghurst au Royaume-Uni, un lieu historique célèbre dans le pays pour son jardin aménagé à partir des années 1930 par Vita Sackville-West et son mari Harold Nicolson. "C'est l'un des endroits les plus romantiques d'Angleterre, a confié la créatrice au magazine de mode. Je suis obsédée par ce lieu."

Défilé Givenchy "Une Lettre d'Amour"

robe de mariée portée par Kaia Gerber

Défilé Givenchy "Une Lettre d'Amour"

robe de mariée portée par Kaia Gerber

Time:

10:00-11:00

Description:

Défilé Maison Margiela "Artisanal"

Time:

10:00-21:00

Description:

« The meeting place for high Fantasy & Fine Jewelry Designers »

The Mineral Collection

Founded in 2016, AXEL HUYNH PARIS, is a French design and creation brand that continues to expand into new creative territories in order to share a singular Lifestyle vision: furniture, objects, table settings, and textiles in harmony together as part of a unique style where forms and materials remind us of a natural, organic beauty. The self-taught Parisian creator and designer, Axel Huynh, is continually inspired by minerals, which he emphasizes at the core of his designs, mixing precious materials such as malachite, amethyst, and onyx...

« I want to set a creative tension between multiple influences precious materials, & mineral textures... »

Introducing its first jewelry collection, AXEL HUYNH PARIS was inspired by the Bauhaus style, which he revisited through a subtle mix of white and rose gold united with precious stones through a reinterpretation of his flagship creations. « This collection is based on his famous "Onyx Y-light" in the shape of a stylized "Y" which calls to mind an iconic Martini glass... »

The creator wanted this first collection in his image, at once minimal and contemporary, colored by a distinctly modern spirit where raw material and sleek design reign. He imagined pieces offered in limited edition where the question of gender is not a determining factor, as he dreams of creations that are universal and unisex. The expression of a non-ostentatious luxury, where elegance and simplicity join together towards infinity...

Presentation Day
10am - 7pm
Opening Cocktail
7pm - 9pm

Event coordinator: Muriel Piaser
muriel@precious-room.com
precious-room.com

DRESS CODE PRESS
T : +33 (0)1 42 33 58 89
valentine@dresscodepress.com

Time:

11:00-12:00

Description:

Défilé Franck Sorbier

Time:

11:30-12:30

Description:

DEFILE COUTURE PRINTEMPS ETE 2020
AVEC Maëva Coucke EN GUEST QUI DEFILERA POUR LA MAISON

Time:

12:30-13:30

Description:

Rotonde Alexandre III

Time:

13:30-14:30

Description:

dans l'appartement de la créatrice
75016 Paris

Time:

14:30-15:30

Description:

Julie de Libran
114 Boulevard Raspail

Julie d'Abel de Libran (née le 23 février 1972 à Aix-en-Provence) est une créatrice de mode française. Elle a travaillé pour des maisons de renommée internationale telles que Gianfranco Ferré, Gianni Versace, Prada où elle passe durant une dizaine d'années et Louis Vuitton avec Marc Jacobs. Elle est spécialisée dans le prêt-à-porter féminin, le sur-mesure, ainsi que la création pour les célébrités et l'évènementiel. Elle fonde en janvier 2014 sa propre marque à son nom2. En mai 2014 elle est nommée directrice artistique de la maison Sonia Rykiel qu'elle quitte après 5 ans. En juin 2019, elle annonce la première collection de sa marque Julie de Libran Paris.

Le 30 juin 2019, Julie de Libran présente sa première collection de robes couture sous son propre nom. Elle inscrit sa collection dans une démarche écoresponsable, chaque modèle étant réalisé sur commande et à partir de tissus d'archives afin d'éviter le gaspillage.

En décembre 2019, le comité de la Chambre syndicale de la Haute Couture annonce inviter Julie de Libran pour présenter sa collection lors de la semaine de la Haute Couture parisienne en janvier 2020.

Time:

14:30-15:30

Description:

Musée des Arts décoratifs
11, rue de Rivoli

Yanina was founded in 1993 by Yulia Yanina. Throughout its 25 years of existence, the Couture House, located in a former private mansion in the center of Moscow has worked to create luxurious and elegant dresses. The small workshop has become an international fashion house and is today one of the most prestigious Russian fashion houses.

Time:

15:30-16:30

Description:

Time:

16:00-17:00

Description:

Défilé SKS Couture

Time:

16:00-17:00

Description:

Défilé Viktor&Rolf

Time:

17:00-18:00

Description:

Défilé Zuhair Murad

Time:

17:00-20:00

Description:

La sublimation du corps de la femme par les peintures de l'artiste congolaise s'achève ce 14 janvier. Une semaine plus tard, le 22 janvier à partir de 17 heures, aura lieu une soirée de lancement du catalogue qui bénéficie du soutien à la publication du Centre national des arts plastiques, comprenant un texte d'Olivier Kaeppelin, commissaire d'exposition, critique d'art et écrivain.

Un des tableaux de l'exposition personnelle "Bozenga" de Willys Kezi à la Galerie Eric DupontLe public parisien a découvert, du 30 novembre 2019 jusqu'au 14 janvier 2020, les œuvres chatoyantes de Willlys Kezi, diplômée de l'Académie des beaux-arts de Kinshasa, lors de sa première exposition personnelle à Paris, portant l'empreinte de son époque. Une époque où l'artiste peint le quotidien des réalités des femmes congolaises. Elle use d'un vocabulaire graphique autant sur des grandes peintures que sur des plus petites.

Sa dextérité et son inspiration montrent, sur fonds diversement teintés, des femmes aux courbes généreuses, vêtues tantôt de robes près du corps, tantôt de maillots chamarrés épousant leurs rondeurs. Un mélange de couleurs vives, à la manière des « sapeurs » où les créatures semblent n'avoir d'autre souci que l'apparence que leur prêtent vêtements et sous-vêtements.

Elles s'exhibent à travers les réseaux sociaux, défilant devant un étalage de bouteilles de champagne et de sacs de marques de luxe. Elles espèrent passer du virtuel via Internet au réel dans l'espoir de trouver « ailleurs un monde meilleur ». Si elles entassent des livres, ce n'est pas pour les lire mais pour s'asseoir dessus ! Des bouts de dialogue et des sigles ponctuent les œuvres.

C'était l'exposition « Bozenga » où les images de séduction ont renvoyé les visiteurs dans le réel, à savoir à la pauvreté et à l'immigration. Un catalogue, disponible à partir du 22 janvier, permettra de continuer à les découvrir sur ses pages.

Du 30 novembre 2019 au 14 janvier 2020

Vernissage le 30 novembre 2019 à partir de 15 heures
L'artiste réalisera une performance à la galerie à 19 heures.

La première exposition personnelle de Willys Kézi se tiendra à la galerie Éric Dupont du 30 novembre 2019 au 14 janvier 2020.

Elle sera accompagnée d'un catalogue publié avec le soutien à la publication du CNAP, Centre National des Arts Plastiques, comprenannt un texte d'Olivier Kaeppelin.

Vernissage de Willys Kézi

Willys Kézi, Sans titre, 2018 - 2019, 30 x 20 cm, sac en papier et technique mixte.Courtesy galerie Éric Dupont, Paris.

Time:

18:00-19:00

Description:

avec Irina Shayk, Lineisy Montero Feliz

Time:

18:00-21:00

Description:

23 janvier - 14 mars 2020

Vernissage Mercredi 22 janvier 18:00 - 21:00
Vernissage de l'exposition Le jardin, la zone d'Anna Solal aura lieu le 22 janvier de 18h à 21h à la Galerie Edouard-Manet de Gennevilliers.

Rencontre Samedi 1 février à 14:30
Rencontre avec Anna Solal à l'occasion de son exposition personnelle, « Le jardin, la zone »

Anna Solal appartient à une nouvelle génération d'artistes qui se distingue par une prédilection pour le « fait main », pour le croisement sans hiérarchie de process empruntés à l'art et à l'artisanat. Elle produit ainsi des assemblages à partir d'objets rebuts (écrans brisés de smartphones, semelles de chaussures, bouts de moquettes, etc.) qu'elle glane aux cours de ses déambulations et qu'elle combine à des objets cheap (grattoirs, peignes, barrettes à cheveux, pinces à linge, chaines de vélo) issus d'une économie mondialisée. Elle y insère des photographies de groupes d'hommes, de bâtiments désaffectés et de délicats dessins au crayon de couleur à l'iconographie toute classique, natures-mortes ou femmes à la toilette.

Entre logos industriels post-apocalyptiques et bricolages primitifs, ses œuvres déclinent un registre de motifs à l'esthétique à la fois naïve, pop et trash : des fleurs, des oiseaux, des cerfs-volants et des ruches. Aucune intention discursive ne précède le geste. Sans rapport de domination à la matière et avec une certaine empathie pour ses matériaux dénués de valeur, Anna Solal procède, pour construire ses puzzles-rébus, par hésitations et par touches successives, dans un va et vient incessant entre ce que la forme suggère et ce vers quoi elle veut aller. Nul message donc, simplement une parole emprunte de lyrisme et de poésie comme unique tentative, à son échelle, dans la sphère de l'intime et du domestique, de ré-enchanter un monde en pleine mutation.

Cette première exposition personnelle d'Anna Solal dans un centre d'art francilien s'inscrit dans projet plus global, « Une maison pour quelqu'un qui n'existe pas », dont les deux premiers opus, « La salle de bain » et « Le jardin », se sont succédés à Futura à Prague puis au centre d'art contemporain La Passerelle à Brest. Pour ce troisième volet, elle introduit une nouvelle donnée, la zone, entendue comme cet espace indéterminé et pauvre, à la périphérie du centre, et pourtant riche de potentialités d'inventions.

Lionel Balouin

Vernissage d'Anna Solal "Le jardin, la zone"

Vernissage d'Anna Solal "Le jardin, la zone"

Anna Solal, Marguerite (détail), 2020
Technique mixte
Courtesy de l'artiste et de la New Galerie, Paris

Time:

18:00-21:00

Description:

23 janvier - 5 avril 2020
Vernissage Mercredi 22 janvier à 18:00

Commissaire de l'exposition : Xavier Franceschi

Le frac île-de-france présente la première exposition en France consacrée à l'artiste américain Ben Russell. Artiste, cinéaste et commissaire d'exposition, son travail se déploie surtout in-situ, sur le lieu de projection, et nous invite à une expérience à la fois incarnée et hallucinatoire de l'image documentaire.

La montagne invisible est une installation audiovisuelle multiple conçue comme un voyage vers l'infini : une immersion dans la documentation retraçant le pèlerinage d'un voyageur finlandais en quête d'un sommet utopique, qui se déploie comme un labyrinthe vidéo, où prologues, épilogues et interludes disruptifs s'entremêlent.

Vernissage de Ben Russell "La montagne Invisible"

Vernissage de Ben Russell "La montagne Invisible"

Image du tournage de The Invisible Mountain, 2019 © Jakov Munizaba

Time:

18:00-21:00

Description:

Fluctuart renouvelle son exposition permanente.

À cette occasion vous êtes conviés le mercredi 22 janvier pour le vernissage de cette nouvelle collection.

Du graffiti au street art, des jeunes artistes émergents aux pionniers historiques, découvrez la collection permanente d'art urbain de Fluctuart.

Elle présente une vision croisée des diverses techniques et approches de l'art urbain à travers des œuvres emblématiques et originales des plus grands artistes du mouvement. Ce parcours est l'occasion pour le public de s'initier à l'art urbain et de voir cohabiter ses artistes majeurs dans un même espace.

BANKSY│C21│CLET│KEITH HARING│GéRARD ZLOTYKAMIEN│INVADER JACE│JACQUES VILLéglé│MAXIME DROUET│MARK JENKINS│MISS.TIC│MISS VAN│Os Gemeos PHASE2│RAMMELLZEE RERO│SHEPARD FAIREY│SWOON│VHILS│ZEVS

Time:

18:30-19:30

Description:

followed by a cocktail

Time:

18:30-20:30

Description:

23 janvier - 14 mars 2020

Vernissage
Mercredi 22 janvier 2020
18h30 - 20h30

En s'inspirant des bactéries comme une forme de partage, l'exposition présente du Keffir et du Kombucha, du mycelium, des poteries, des bocaux et du vin. La culture de levures sauvages formule une proposition d'économie générative.

UN SCOBY (ou SCOBAY) (pour la culture symbiotique de bactéries et de levures) est une culture syntrophique mixte de levure et de bactéries utilisées pour la production de divers aliments et boissons traditionnels.
Symbiose ( du Grec συμβιωσις « vivre ensemble », du συν « ensemble » et βι?ωσις « vivre ») comprend tout type d'interaction étroite et à long terme biologique entre deux organismes biologiques différents, qu'ils soient mutualistes, commensalistes ou parasitaires.
Syntrophie ou alimentation croisée, (du Grec « syn » signifiant ensemble, « trophée » signifiant nourriture) est le phénomène d'une espèce vivant grâce aux productions d'une autre espèce. Dans cette association, la croissance de l'un des partenaires est amélioré, ou dépend des nutriments, des facteurs de croissance ou des substrats fournis par un autre partenaire.

Les oeuvres présentées sont réalisées à partir de matériaux provenant de la terre, des mers et de matières vivantes.

Natsuko Uchino est une artiste dont la pratique se définit par l'expérience au sein de l'agriculture et de l'artisanat. Elle allie ces disciplines à une pratique contemporaine, en réévaluant les techniques de production par la collaboration, la convivialité et l'échange. Uchino présente pour la Galerie Allen, une exposition qui explore des matériaux vivants à travers leurs croissances et leurs procédés de fermentation, considèrant ainsi le terme culture dans sa résonance polysémique. Celle-ci questionne les notions de temps, de resilience et de conservation dans les contextes de l'art et de l'alimentation.

Natsuko Uchino est née en 1983 à Kumamoto, Japon. Elle vit et travaille à Saint Quentin la Poterie, France. Elle étudie au Centre pour l'Art Contemporain Kitakyushu, Japon et la Cooper Union, New York, USA. Le travail de Natsuko Uchino fait l'objet d'expositions personnelles à Tonus, Paris; Last Resort Gallery, Copenhague, au Danemark, et V8 Plattform for Neue Kunst, Karlsruche, en Allemagne. Uchino a exposé en duo avec l'artiste Matthew Lutz-Kinoy à Projektraum 45cbm, Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, Allemange; Elaine, Museum für Gegenwartskunst, Bâle, Suisse; Kunsthal Charlottenborg, Copenhague, Danemark; avec Maroussia Rebecq à Piacé le Radieux Bézard- Corbusier, Piacé, France; et mis en scène des performances avec Mehdi Brit au Jardin des Plantes, Musée National d'Histoire Naturelle, Musée de la Chasse et de la Nature, à Paris ; les Laboratoires d'Aubervilliers, France et à l'institut Goethe/Institut Français, Beijing, Chine.

Elle est intervenue lors de colloques portant sur l'art et les relations à l'écologie, la ruralité et le développement, notamment lors des conférences Ideas City Arles et New York organisées par New Museum et Luma Foundation; au CIAP, Vassivière, France; à la Fondation Van Gogh, Arles, France ; à Tsinghua University, Beijing, Chine.

Uchino a participé à des expositions collectives à Sokyo Gallery, Kyoto, Japon; CIAP, Vassivière, France; MECA Frac-Aquitaine, Bordeaux, France; la Panacée, Montpellier, France; Freedman Fitzpatrick Gallery, Paris, France; Marcelle Alix, Paris, France; Green Tea Gallery, Joshoan, Kyoto, Japon; la Friche Belle de Mai, Marseille, France; Garment District Alliance et CCNY, public art project Port Authority NY, USA.

Natsuko Uchino est Professeur d'Enseignement Artistique en Sculpture, spécialité Céramique, à l'ESAD TALM, Le Mans, France. Elle a enseigné en Europe en tant qu'artiste invitée, notamment lors de workshop à l'ENSA de Limoges, France, à la Design Academy de Eindhoven, Hollande et à l'ECAV, Sierre, Suisse.

Ses oeuvres font partie des collections publiques du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Frac Nouvelle-Aquitaine Bordeaux et du CNEAI.

La production des pièces de l'exposition a bénéficié de l'Allocation d'installation d'atelier et d'achat de matériel 2018 de la DRAC OCCITANIE.

Vernissage de Natsuko Uchino "SCOBIES"

Time:

19:00-22:00

Description:

Jean-Pierre Blanc is pleased to invite you to discover the creations of the 30 finalists selected by the fashion, photography and fashion accessories juries of the 35th International Festival of Fashion, Photography & Fashion Accessories.
Official announcement of the members of the juries, of the finalists and of the exhibitions on this occasion,
in the presence of the juries, artists and the festival's team.

Contact for invitation
j@lucienpages.com

35th International Festival of Fashion, Photography & Fashion Accessories

Time:

19:00-20:00

Description:

Défilé Guo Pei

Time:

19:00-22:00

Description:

LONDON show ROOMS at TRANOÏ RICHELIEU Opening Cocktail

Time:

19:30-22:00

Description:

Vœux du maire de Limeil-Brévannes

Boîte à Clous
Rue des Herbages de Sèze

Time:

20:30-22:30

Description:

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en présence d'Inès de La Fressange, Nikos Aliagas, Antoine de Caunes, Eva Herzigova, Louane, Carla Bruni, Ana Girardot, Baptiste Giabiconi, Lea Elui Ginet, Line Renaud, Clara Luciani, Clémence Botino, Sylvie Tellier, Laetitia Casta, Arielle Dombasle, Vincent Darré, Laury Thilleman, Mika, Karine Le Marchand, Daphné Roulier, Daphné Bürki, Jean-Paul Gaultier

avec Irina Shayk, Iris Mittenaere, Rossy de Palma, Farida khelfa-Seydoux, Gigi Hadid, Béatrice Dalle, Winnie Harlow, Amanda Lear, Cristina Córdula, Djibril Cissé, Bella Hadid

concert de Mylène Farmer, Paris-Michael Katherine Jackson, dit Paris Jackson, Boy George

Jean-Paul Gaultier dit adieu aux défilés Haute Couture

L'icône de la mode Jean Paul Gaultier, qui en 50 ans a révolutionné les codes vestimentaires et est devenu l'un des symboles du luxe français, fera mercredi à Paris ses adieux aux défilés Haute Couture pour se lancer dans un "nouveau projet" avec sa maison.

"Le 22 janvier 2020, je fêterai mes 50 ans de carrière dans la mode avec un grand défilé-show Haute Couture, au Théâtre du Châtelet. Ce sera aussi mon dernier défilé", a indiqué vendredi le couturier dans un communiqué transmis à l'AFP.

"Mais rassurez-vous, la maison de Couture Gaultier Paris continue, avec un nouveau projet dont je suis l'instigateur et qui vous sera révélé prochainement", a-t-il ajouté, sans plus de précisions.

Cette annonce intervient en pleine Semaine de la mode parisienne, juste avant l'ouverture des défilés Haute Couture qui prendront à partir de lundi le relais des défilés homme.

Le créateur français de 67 ans, qui avait fait ses débuts notamment auprès de Pierre Cardin, est une figure incontournable dans le monde de la couture, connu pour avoir bousculé les codes vestimentaires dans les années 80 au point d'être qualifié d'iconoclaste.

Il est l'auteur de créations devenues cultes comme le bustier à bonnets coniques porté par Madonna, ou son célèbre pull marin et ses marinières, un souvenir de sa grand-mère "qui l'habillait en bleu".

Depuis ses premières collections, Gaultier a l'art de mélanger les genres, les sexes, les époques, la gouaille des rues populaires et la distinction des beaux quartiers: rappeuses chic, geishas délurées, cocottes corsetées et mâles en jupe et talons hauts.

- "Garde-robe ambivalente" -

Il crée la révolution en étant l'un des premiers à faire défiler des mannequins seniors et des femmes en surpoids ou tatouées. Ainsi dans les années 1980, il passe une petite annonce dans le journal Libération: "Créateur non conforme cherche mannequins atypiques. Gueule cassées ne pas s'abstenir".

Lors de la Semaine de la mode à Paris en juillet 2014, il invite à défiler la drag queen barbue Conchita Wurst, gagnante de l'Eurovision, ainsi qu'une femme enceinte dans une robe de mariée.

"Dès votre première collection en 1976, vous avez remis en cause les critères du goût et du mauvais goût. Vous avez choqué, dérangé et agacé en vous amusant à brouiller les pistes avec une garde-robe ambivalente et interchangeable", lui lançait Pierre Cardin en 2001 en lui remettant la Légion d'honneur.

Ce fils de comptable, qui a grandi à Arcueil (Val-de-Marne), près de Paris, et qui a été initié tout petit à la couture par sa grand-mère esthéticienne, crée ainsi des jupes pour hommes dès 1984 car pour lui, "un homme ne porte pas sa masculinité sur ses vêtements, sa virilité est dans sa tête".

Considéré dans le passé comme "l'enfant terrible de la mode", son nom est devenu une vitrine du luxe français, grâce notamment à sa ligne de parfums lancée en 1991.

Il s'est aussi fait connaître par ses costumes marquants pour plusieurs films, notamment "le Cinquième élément" de Luc Besson et les films de Pedro Almodóvar "Kika", "La Mauvaise éducation" ou "La Piel que habito".

En 2003, son arrivée chez Hermès, jusque là temple officiel du luxe classique et discret, bouscule le milieu de la mode: il réussit à lui donner un sérieux coup de jeune en apportant fantaisie et fraîcheur, tout en restant dans ses codes.

Très pop culture, il joue son propre rôle dans le film "Prêt-à-Porter" de Robert Altman et avec Antoine de Caunes, il a animé l'émission britannique Eurotrash.

Il crée aussi des costumes pour de nombreux spectacles de danse dont le célèbre "Le Défilé" (1985) de la chorégraphe Régine Chopinot.

En 2018 il annonçait qu'il renonçait à la fourrure, un "geste fort" salué alors par les associations pour la protection des animaux, précisant à l'AFP qu'il préférait désormais la voie du recyclage. "Il faut recycler les vêtements, ce que j'ai fait depuis mes débuts, dans ma première collection j'ai recyclé des vieux jeans, des trucs en camouflage, je les ai coupés dans tous les sens. Je trouve qu'avec la fourrure on peut faire la même chose", disait celui qui avait raconté son parcours dans une revue haute en couleurs l'an dernier aux Folies Bergère.

Mylène Farmer est devenue top model le temps d'une soirée pour son ami Jean Paul Gaultier. Incendiaire, l'artiste était éblouissante. Une surprise de maître orchestrée par le couturier en personne, dont c'était le tout dernier défilé.

Elle était l'une des stars du défilé qui célébrait les 50 ans de carrière de Jean Paul Gaultier le 22 janvier 2020. Le créateur français de 67 ans a invité Mylène Farmer (de son vrai nom Mylène Jeanne Gautier) sur le catwalk pour être l'invitée prestigieuse de son ultime show. Car il l'avait dit, ce défilé serait le dernier de sa carrière. L'artiste de 58 ans (et muse du couturier) a fait une arrivée magistrale sur le podium lorsque les premières notes de son tube emblématique Sans contrefaçons ont commencé à retentir.

GAUTIER POUR GAULTIER
Entourées de quatre hommes, l'interprète du titre Désenchantée et muse de "l'enfant terrible de la mode" a créé la surprise dans un élégant smoking et un pantalon métallisé. Sûre d'elle, la chanteuse a honoré en beauté le tout dernier spectacle de son grand ami Jean Paul Gaultier. Le couturier souvent confectionné les costumes de scène de Mylène, comme il y a quelques mois pour l'une de ses représentations à Paris La Défense Arena pour son album Désobéissance. Deux "enfants terribles" qui ne se sont jamais quittés tout au long de leurs parcours et qui ont un profond respect pour leurs talents respectifs.

CINQUANTE NUANCES DE GAULTIER
De nombreuses célébrités étaient également présentes pour rendre un dernier hommage à Jean-Paul. Dita Von Teese, Karlie Kloss, Gigi et Bella Hadid, Cristina Córdula, Béatrice Dalle, Rossy De Palma, Iris Mittenaere, toutes ont répondu présentes à l'appel du créateur. De même, des sportifs comme Djibril Cissé ont foulé le catwalk ou encore Kiddy Smile, Paris Jackson, Irina Shayk, Estelle Lefébure, et Amanda Lear. Un parterre de stars dans lequel on a pu également découvrir l'artiste Louane enceinte avec un petit babybump.

Un grand "défilé-show" dans lequel Jean-Paul a déclaré "Le meilleur est devant" tout en conservant encore intact ses projets pour l'avenir. Le couturier a également tenu a rappeler à son public "Il y a trop de vêtements, ne les jetez pas, recyclez-les (...) Adieu le flambant neuf, bonjour le flambant vieux!" Un show féerique qui a tenu toutes ses promesses et bien plus encore...

Défilé Jean Paul Gaultier

Mylène Farmer

Défilé Jean Paul Gaultier

Bella Hadid, Karlie Kloss et Anna Cleveland

Défilé Jean Paul Gaultier

Bella Hadid, Karlie Kloss, Anna Cleveland, Cristina Córdula, Boy George, Estelle Lefébure, Dita Von Teese, Karen Elson, Farida Khelfa, Suzanne Von Aichinger et Estelle Lefébure

Défilé Jean Paul Gaultier

Dita Von Teese et Karen Elson

Défilé Jean Paul Gaultier

Irina Shayk

Défilé Jean Paul Gaultier

Bella Hadid

Défilé Jean Paul Gaultier

Karlie Kloss

Défilé Jean Paul Gaultier

Djibril Cissé

Défilé Jean Paul Gaultier

Cristina Córdula

Défilé Jean Paul Gaultier

Joan Smalls

Défilé Jean Paul Gaultier

Kiddy Smile

Défilé Jean Paul Gaultier

Iris Mittenaere

Défilé Jean Paul Gaultier

Winnie Harlow

Défilé Jean Paul Gaultier

Amanda Lear

Défilé Jean Paul Gaultier

Béatrice Dalle

Défilé Jean Paul Gaultier

Gigi Hadid

Défilé Jean Paul Gaultier

Rossy de Palma

Défilé Jean Paul Gaultier

Bella Hadid

Défilé Jean Paul Gaultier

Catherine Ringer

Défilé Jean Paul Gaultier

Gigi Hadid

Défilé Jean Paul Gaultier

Iris Mittenaere

Défilé Jean Paul Gaultier

Dita Von Teese

Défilé Jean Paul Gaultier

Irina Shayk

Time:

21:00-23:00

Description:

Un film d'Olivier Assayas

En présence de Penélope Cruz & Olivier Assayas

Début 90. Un groupe de Cubains installés à Miami met en place un réseau d'espionnage.
Leur mission : infiltrer les groupuscules anti-castristes responsables d'attentats sur l'île.

Time:

21:00-23:55

Description:

MEPHISTOPHELES
T : +33 (0)6 85 29 28 69
greg@mephistopheles.fr

Description:

Du jeudi 23 au dimanche 26 janvier

avec Muggsy Bogues

Time:

10:00-11:00

Description:

4th Couture presentation

Time:

11:00-12:00

Description:

Défilé Juana Martin SS20 Couture show

Time:

11:00-12:00

Description:

For his first Paris show in almost 15 years, Ralph Rucci returned to his former home away from home, the Ritz Hotel, for an intimate show dedicated to his friend and muse Elsa Peretti.

Time:

12:00-13:00

Description:

Défilé Yuima Nakazato

Time:

13:00-14:00

Description:

Défilé Aelis

Time:

14:00-15:00

Description:

Défilé Rahul Mishra

Time:

15:00-16:00

Description:

Défilé Christophe Josse - annulé

Time:

16:00-17:00

Description:

Défilé Xuan

Time:

17:00-18:00

Description:

Défilé Imane Ayissi

Time:

17:00-21:30

Description:

L'enterrement se déroule au DOC, 26 rue du Docteur Potain, célèbre cardiologue du 19e siècle. Vous pouvez assister à la mise en bière pendant trois jours. Une centaine d'artistes vivants vous proposent leurs exorcismes en une seule œuvre chacun, à l'instar des salons anciens. Certains travaillent la mort d'une manière assez abstraite, telle une retraite hypothétique et inaccessible, une luciole lointaine dans la nuit. D'autres sont dans la figuration de la fin et disposent des cénotaphes en deux ou trois dimensions. Tout un chacun devrait trouver dans ce salon matière à réflexion pour de bien joyeuses funérailles.

Vernissage du Salon de la Mort

Time:

17:30-21:00

Description:

Sam Keogh - Knotworm

Sélectionnée en 2019 pour la Biennale d'art contemporain de Lyon ainsi que pour la plateforme artistique « Cosmopolis #2 » du Centre Pompidou, le CCI est ravi de présenter cette installation « obstinément alambiquée » de Sam Keogh, jeune artiste plasticien qui partage son temps entre Londres et son Wicklow natal. Sculpture, collage et peinture s'allient à une vidéo qui explore trois lieux divers du Londres d'aujourd'hui : une ancienne école, un bloc d'immeubles de luxe et un arbre mutilé. A l'image des vers, racines et tunnels qu'elles donnent à voir, les structures logiques et poétiques de Knotworm s'enroulent et s'emmêlent les unes aux autres, évoquant ainsi les faces visible et cachée de la ville.

Sculptures, collages et peintures "volontairement alambiqués" se combinent avec le travail vidéo de Sam Keogh qui explore les faces visibles et cachées de Londres.

En réponse à l'exposition Knotworm, le Poetry Jukebox sera inauguré ce soir à 17h30 par la poétesse Maria McManus. Il donnera à entendre jusqu'au 27 mars des poèmes ayant pour thèmes l'environnement et le changement climatique.

Puis, à 18h30, Sam Keogh présentera son travail (entrée libre, réservation conseillée ici - en anglais). Le vernissage sera suivi à 20h d'une after party musicale avec l'artiste électro Daithí.

Le vernissage sera également l'occasion du lancement du livre Impossible Knotworm, tiré du film projeté dans l'exposition de Sam Keogh et publié aux éditions Ma Bibliothèque de Sharon Kivland. Un nombre limité de copies signées sera disponible à la vente le soir du vernissage ; vous pouvez également le commander en ligne ici.

Durant cette soirée, les artistes en résidence Cecila Danell et Joy Gerard ouvriront les portes de leur atelier afin d'y présenter leur travail.

Vernissage de Sam Keogh "Knotworm"

Time:

18:00-21:00

Description:

La Fête du Printemps en Mairie du 13e du 20 janvier au 2 février 2020 - Année du Rat

La Fête du Printemps et de l'année du Rat
La Fête du Printemps, ou le Nouvel An chinois est la fête la plus importante pour les Chinois. Elle est également célébrée dans de très nombreux pays asiatiques, comme au Vietnam lors de la Fête du Têt. Cette tradition remonte à l'Antiquité et son origine est liée aux cycles de la production agricole.
Il commence le premier jour du premier mois du calendrier lunaire, se déroule sur quinze jours et s'achève avec la Fête des lanternes.
La Fête du Printemps 2020 tombera le 25 janvier. Le rat remplacera le cochon. Dans ce calendrier, chaque animal est en effet associé à une année et à un ensemble de traits de caractère. Dans l'astrologie chinoise, le rat c'est l'intelligence, la vitalité et la polyvalence.

Quelques célébrités nées l'année du rat : Émile Zola, Camille Claudel, Jean-Michel Jarre, Julie Gayet, Zinedine Zidane, Cristiano Ronaldo, Mark Zukerberg...

Le programme de la Fête du Printemps

Jeudi 23 janvier
Inauguration des festivités de la Fête du Printemps, Danse des lions 18h15 Parvis de la Mairie
Concert Guo Gan et ses Amis, concert fusion : Erhu, Jazz, Musique du monde, Hip-Hop,
Funk, Rock, Musique latine 19h Salle des Fêtes

Lundi 27 janvier
Conférence sur la Médecine traditionnelle chinoise : Yangsheng, l'Art de la santé du
Printemps, auto massage et diététique 19h Salle des Fêtes

Mercredi 29 janvier
Table ronde et débat avec le public - Identité et transmission 19h Salle des fêtes
Vendredi 31 janvier
Concert 1001 vibrations de bambous 19h Salle des Fêtes

Samedi 1er février
Spectacle « 13e Fête » 19h Salle des Fêtes
Pour la troisième année consécutive, le spectacle «13e Fête» est au programme de la Fête du Printemps. Cette soirée révolutionne l'histoire des fêtes traditionnelles asiatiques à Paris. Vous assisterez à un spectacle qui met en avant la richesse de la culture asiatique francophone. La musique, la danse, les arts martiaux, l'humour et cette année, des animations viendront s'ajouter à cet événement, place donc à la modernité et à l'union de talents ayant pour thème l'Asie. Nous accueillerons également les associations liées à l'Asie et la culture, tout au long du spectacle...

Les expositions
Exposition de peintures et sculptures de Qixiang ZHOU - La vie poétique
Du 20 janvier au 1er février - Galerie Athéna et Antichambre
Exposition de peintures de Yang YAN - Soyons sérieux II
Du 20 janvier au 1er février - Galerie Bièvre

Dimanche 2 février
Grand défilé du Nouvel An chinois 14h Départ du 44, avenue d'Ivry

Inauguration de la Fête du Printemps et de l'année du Rat

Inauguration de la Fête du Printemps et de l'année du Rat

Time:

18:00-22:00

Description:

Vernissage le jeudi 23 janvier à partir de 18h
Exposition du 24 janvier au 29 février 2020

Et si on refaisait le monde en 2020 ?
De plus en plus de personnes se sentent en marge ou en retrait du monde tel qu'il est aujourd'hui. Nous ne savons pas très bien, pour la plupart d'entre nous, comment faire pour apporter une contribution positive à nos sociétés.
Chez Mondapart, comme l'indique notre nom, nous avons toujours pensé que le changement commençait par la qualité du regard.
Voir le monde via la perception des artistes peut réellement contribuer à se sentir plus en harmonie avec la réalité.
Anne Emery nous invite à apporter la vivacité des couleurs à ce monde devenu illisible, abstrait, complexe, mais que nous pouvons tisser de nos propres perceptions.
Annick Mischler, déjà exposée l'an dernier, met en lumière le nomade, le temporaire, le fugace et le modeste de la vie des plus simples, qui sont pour elle des éclaireurs dans le monde frugal que nous devons désormais construire.
La galerie vous invite à cette découverte inaugurant les 20 ans du siècle.
Bienvenue !

Isabelle Lefort et Cécile Dufay

Vernissage d'Anne Emery & Annick Mischler "Vivre au bord du monde"

Vernissage d'Anne Emery & Annick Mischler "Vivre au bord du monde"

Time:

18:00-21:00

Description:

24 janvier - 7 mars 2020
Vernissage Jeudi 23 janvier 18:00 - 21:00

Elsa Werth développe un travail aux formes multiples : installations, vidéos ou créations sonores. Ses œuvres minimalistes interpellent par l'aspect dérisoire ou trivial des matériaux qui les constituent et dans lesquelles la reconnaissance de l'insignifiant agit comme une provocation, une mise à l'épreuve de l'espace et de l'environnement.

De l'ordinaire, Elsa Werth crée l'extraordinaire, à travers une économie de moyen détournant les objets de notre quotidien. Elle revendique ainsi des gestes anti-spectaculaires comme autant de tactiques de résistance qui remettent en question les conditions d'apparition d'une œuvre et les systèmes de représentations dans un environnement administré et programmé.

Dans l'œuvre centrale de l'exposition, A Land, produite par mfc-michèle didier, l'artiste use une nouvelle fois du détournement, cette fois-ci de la carte, interrogeant les notions de frontières et de territoires. Comme les détournements situationnistes et les cartographies psychogéographiques détournaient la carte officielle "pour lui faire dire ce qu'elle cache"1, Elsa Werth créé une carte où se déploie un espace imaginaire, unique et infini.

Une notion d'infini qui rappelle les propos de Gilles Deleuze sur le pli. Mais si le propre de la carte est d'être pliée et dépliée, le pli de A Land a la particularité de rapprocher les contraires, d'amenuir les distances, et de brouiller les frontières qu'elle convoque. Dépliée, la carte devient alors un espace rêvé, voire utopique.

A Land est le produit d'un collage, une énumération de tous les noms communs commençant par la lettre A, pris dans l'ordre alphabétique du dictionnaire anglais, auxquels a été ajouté systématiquement le suffixe « land ».

Abackland, Abaftland, Abandonland, Abandonmentland, Abaseland, Abasementland, ...

Construits sur la même structure que les noms de pays réels tels que Switzerland, Groenland, Holland, Poland, ces termes bien que fictifs font néanmoins du sens. Ils font se succéder différents registres métaphoriques qui évoquent alternativement liberté, oppression, absurdité, trivialité, abstraction, exotisme. Oscillant entre promesses et craintes, ces termes font écho à l'actualité et questionnent la nature et le sens même de notre rapport aux territoires.

Dans l'exposition, s'adjoint à A Land l'œuvre sonore de 48'32" intitulée Anywayland ainsi que Nœud d'arrêt, simple fil tendu dans l'espace. Sous son apparente simplicité, Nœud d'arrêt, confronte le spectateur à la notion complexe de frontière et l'invite à faire l'expérience du franchissement.

1 Emmanuel Guy, Debord(er) la carte, publié le 1er mai 2012 sur Strabic.fr

Vernissage d'Elsa Werth "A Land"

Elsa Werth, A Land, 2019
Feuillet de 99 x 69 cm, imprimé sur papier offset blanc de 70g puis façonné en plis accordéons et plis croisés
Courtesy of Elsa Werth et mfc-michèle didier

Time:

18:00-21:00

Description:

« Je veux des formes qui deviennent libres de toutes attentes. C'est comme si nous étions « contraints » par les choses que nous savons et cette condition peut restreindre l'espace que nous laissons à notre imagination. Je suis à la recherche de points non définis, vacants "ouverts" et libres. »

23 Janvier - 14 mars 2020
Horaires d'ouverture: mar-sam 11h - 19h
Vernissage 23 janvier 2020, 18h - 21h

Vernissage d'Esther Stocker "Loving imperfectly"

Vernissage d'Esther Stocker "Loving imperfectly"

Time:

18:00-21:00

Description:

Vernissage de France Mitrifanoff "le dialogue de l'arbre"

Time:

18:00-20:30

Description:

23 January - 7 March 2020

Vernissage de François Morellet "Les Jeux de la logique et du hasard"

Time:

18:00-21:00

Description:

23.01 > 08.02.2020

"I'm in the mood to dissolve in the sky" Virginia Woolf

J'ai voulu peindre des ciels. Je les regarde tous les jours.
Les ciels c'est l'expérience d'une seule fois. Sur la toile, je les ai voulu imaginaires, une impression de ciels comme autant d'expériences dont la mémoire serait empreinte, tenue par le fil des dentelles sur le point de se défaire.

Groune de Chouque

Vernissage de Groune de Chouque

Time:

18:00-21:00

Description:

Exposition jusqu'au 29 février 2020

« Another green world », la nouvelle exposition de Julien Audebert à la galerie Art : Concept fait une large place à des peintures de fleurs et des tableaux de paysage (faits à la main). Et cela pourra surprendre quand le travail s'est signalé ces dix dernières années par une analyse critique de la production et de la réception des images (mécaniques) dans divers processus de déconstructions et réagencements. L'on pourra se demander ce qui subsiste du thème de l'Histoire, jusqu'ici prédominant, dans une exposition où la figure humaine est absente et où seule une date est énoncée (1798). Aussi, cette soudaine envolée naturaliste, du moins cette ambiance bucolique, ou encore la répétition accentuée du motif floral auraient-elles définitivement soldé celui de la guerre, pourtant central dans la précédente exposition (« Périodes », 2016) - et tout cela sur un air décontracté de Brian Eno, à qui l'artiste emprunte son titre ?

Vernissage de Julien Audebert "Another green world"

Vernissage de Julien Audebert "Another green world"

Time:

18:00-21:00

Description:

EXPOSITION // 24 janvier au 1er février
VERNISSAGE // 23 janvier 18h - 21h

DÉGAGEMENT
1. Action de (se) dégager
2. Action de libérer
3. Passage, espace libre
4. Fait de se produire

www.maevaprigent.fr

Vernissage de Maéva Prigent "Dégagement"

Vernissage de Maéva Prigent "Dégagement"

Time:

18:00-21:00

Description:

24 janvier - 6 mars 2020

Venez découvrir les nouveautés de Miller Lévy à l'occasion de sa dixième exposition personnelle à la galerie Lara Vincy depuis 1995 : des travaux réalisés au cours des trois dernières années au moyen de la technique de la gravure à partir de limes à métaux (outils gravés), des paysages de couchers de soleil sur du papier abrasif obtenus par aspiration de poussières ou encore la série de "L'angoisse de la feuille blanche", des monotypes en couleur et noir et blanc, et bien d'autres surprises...

Quand Léonard de Vinci écrivit que l'art est chose mentale, c'est à Miller Lévy qu'il pensait. Il fut entendu par Youri Vincy qui comprit que l'art mental est infiniment plus aérien que le conceptuel aux lourdes intentions. À force d'inciter à des expositions, le propos de Léonard devint scie, ou plutôt : devint lime. Et du limage procède l'image.

Car, comme disait l'autre, le véritable ôteur est celui qui supprime. « Attention ! auteur limité » écrivit Miller Lévy. Aujourd'hui il ôte, il limite, il lime, il érode, il abrase, il incise, il grave. Pour ses gravures il utilise des plaques en forme de lime et il y grave des meules : des meules de foin - que les bons entendeurs saluent comme meules à meuler ; et quand ces meules prennent la forme de collines leurs pentes bien pentues disent encore l'érosion. C'est au point que la lime, considérée comme outil de graveur, est chargée de démontrer La Supériorité de la gravure sur la peinture, car elle permet au prisonnier que nous sommes tous peu ou prou de scier les barreaux de sa cellule alors que le pinceau ne fait que les enjoliver. D'autres limes sont par Miller Lévy découpées dans des gravures classiques dont les hachures forment surface limante (Limage de l'image). Parfois des limes liment par des fragments de gravures réagencés (Les Outils du cubisme), voire par les stries d'un carton ondulé lui-même sérieusement érodé. Une Lime clean 1944 est un ready-made à double entente, une lime bien propre car purgée de son calcaire par l'emploi d'un adoucisseur, un lime cleaner. On sait que, par ailleurs, Miller Lévy est producteur de « produits d'entretiens ».

Tout acte de gravure aggravée laisse des empreintes, qu'on appelle estampes. Celles-ci sont réclamées par le vide papier que sa blancheur ne défend pas, au contraire, car c'est la page blanche qui est en proie à L'Angoisse du même nom. Génitif subjectif. L'ôteur, lui, ne s'angoisse pas ; il peut même redevenir auteur, c'est-à-dire augmentateur, quand il ajoute de la matière pour réaliser ses monotypes. Étranges monotypes, pourtant, dont les titres imprimés sont en fait des polytypes. Ils ont été tirés en nombre pour que chaque exemplaire reçoive son monotype, unique, lui. Certains titres ont même été gravés et l'ôteur - le creuseur de métal - pour faire face à l'inversion que subit la plaque lorsqu'on imprime a écrit en miroir, de droite à gauche. Toujours Léonard de Vinci.

Certaines de ces estampes sont enrichies - ou faut-il dire signées ? - d'une empreinte digitale, qui forme empreinte sur empreinte. Le coupable a laissé la même et provocatrice empreinte sur la couverture d'un petit ouvrage de la collection Que sais-je ? intitulé La Police scientifique. Voilà qui recoupe les Que sais-je ? recomposés qui composaient les Oulipismes. Miller Lévy a signé ses aveux.

Il avoue que ses œuvres ne sont pas des œuvres au sens palpable. Léonard avait raison de penser à lui. Ses œuvres, choses mentales, se situent quelque part dans la conjonction de mots, d'actions et de ces menus indices : les images qu'il présente à notre attention. L'image = 'Limage. Tout est dans ce léger déplacement de l'apostrophe. Encore le public qui perçoit ce jeu ne perce-t-il pas l'allusion : la précession de l'apostrophe renvoie à la pataphysique ou mieux : à la 'pataphysique puisque telle est son « orthographe réelle » selon Alfred Jarry. Apostrophe qui distingue la 'pataphysique qu'on fait volontairement, comme le Régent Miller Lévy, de la pataphysique involontaire, « substance de ce monde » - ainsi a statué le Collège de 'Pataphysique. Au Calendrier du Collège Léonard de Vinci est qualifié d' « illusionniste ».

Aussi légères et élégantes qu'elles paraissent, les œuvres de Miller Lévy sont aussi une confession, une discrète confession personnelle, car miller c'est justement le meunier, celui qui meule.

Thieri Foulc
Satrape

Miller Lévy
Né en 1950.
Vit et travaille à Paris.

Parce qu'il fait des choses très variées, Miller Lévy se présente comme artiste de variétés, ce qui lui permet d'aborder les divers aspects de l'art contemporain : peinture, sculpture, vidéo, dessin, installation, design, photo.
De cette variété, il ressort une constante, une volonté de logique qui lui fait chercher la justification pour chacune de ses créations, comme autant de modèles réduits ou agrandis de la réalité, mêlant poésie, humour et ironie.

Expositions personnelles :

2015 Autour de la philosophie floue, Maison de la Poésie, Paris.
2014 Comment vivre au dessus de ses moyens, galerie Lara Vincy, Paris.
2009 Minimalismes, salon Drawing Now, one man show, stand galerie Lara Vincy, Carreau du Temple, Paris.
2008 Minimalismes, galerie Lara Vincy, Paris.
2007 Monochromes, gallery Atski, University of Art and Design, Helsinki, Finlande.
2004 La place du sujet est devant le verbe ou derrière l'objectif, Mois de la Photo, galerie Lara Vincy, Paris.
La dynamique des couleurs, galerie Lara Vincy, Paris.
2001
Ozokérit, galerie Lara Vincy, Paris.
Galleria dell'Immagine, Cesena, Italie.
1999 La philosophie floue, galerie Lara Vincy, Paris.
L'Aprèshistoire, Maison Européenne de la Photographie, Paris.
1998 Les enquêtes du commissaire Dekspo, galerie Lara Vincy, Paris.
1996 Les nouveautés du Moi, galerie Lara Vincy, Paris.
1995 Artiste de variétés, galerie Lara Vincy, Paris.
1988 Sur la route de Mylar, Centre Georges Pompidou, Atelier des enfants et Forum, Paris.

Collections publiques :

Fonds national d'art contemporain, Paris / Maison Européenne de la Photographie, Paris / N.S.M. Vie, Paris / Bibliothèque Nationale, Cabinet des Estampes, Paris / Collection Polaroid, Cambridge, Etats Unis / Fonds d'art contemporain - Paris Collections, Paris / Frac Alsace, Sélestat / Cité des Sciences et de l'Industrie, La Villette, Paris.

https://www.millerlevy.com

Vernissage de Miller Lévy "L'IMAGE - 'LIMAGE"

Vernissage de Miller Lévy "L'IMAGE - 'LIMAGE"

Time:

18:00-21:00

Description:

Robert Devriendt
The Missing Script
3. The Scent of Burning Wood

24.01.2020 - 07.03.2020
Vernissage / Opening 23.01.2020
Galerie Loevenbruck, Paris

Robert Devriendt est connu pour ses séries de petits tableaux, qui, par leur perfection picturale et par leur aspect tactile, trahissent ses racines flamandes, tandis que leur caractère cinématographique et séquentiel renvoie au monde du septième art. Avec quelques rares éléments, il suggère souvent des lignes narratives que le spectateur peut étoffer en un plus vaste récit. Outre l'exécution technique, l'ordre selon lequel il présente les œuvres - qui font surtout penser à des photogrammes - est d'une importance capitale. Devriendt opère presque comme à une table de montage.
À la galerie Loevenbruck, l'artiste expose « The Scent of Burning Wood », le troisième volet du projet The Missing Script, après « Blind Seduction » (Bruxelles, galerie Albert Baronian, 17 janvier 2017 - 4 mars 2017) et « Through the eyes of David X » (Bruxelles, galerie Baronian Xippas, 5 avril 2019 - 18 mai 2019).

Vernissage de Robert Devriendt "The Missing Script"

Vernissage de Robert Devriendt "The Missing Script"

Robert Devriendt, THE MISSING SCRIPT / Part 3. The scent of burning wood, 2019, oil on canvas, 21.5 x 16.5 cm

Time:

18:00-23:00

Description:

Du 24 janvier au 25 avril 2020
Du mardi au samedi, de 11h à 18h

Art Azoï et la Mairie du 20e présentent l'exposition "LIGNÉES" par Romain Froquet du 24 janvier au 25 avril 2020 au Pavillon Carré de Baudouin

VERNISSAGE
Jeudi 23 janvier 2020, à partir de 18h
ENTRÉE LIBRE

Sur l'invitation d'Art Azoï, sous le commissariat d'Elise Herszkowicz et en collaboration avec la Mairie du 20e, ROMAIN FROQUET présente LIGNÉES, une exposition au sein de laquelle il continue d'explorer la ligne, articulée autour d'installations monumentales et de propositions artistiques inédites.
À travers des représentations plastiques et picturales créées in situ Romain Froquet donnera à voir et à vivre une expérience esthétique inattendue.

VISITES COMMENTÉES
Des visites guidées et gratuites sont proposées par l'association Paris Culture 20e tous les samedis à 11h.
Pour les groupes scolaires, des visites sont organisées en semaine sur réservation. Pour les inscriptions et demandes d'informations : reservation.pcb@gmail.com

MUR
Romain Froquet a réalisé une fresque sur le mur de l'enceinte du Pavillon Carré de Baudouin visible pendant toute la durée de l'exposition.

CONFÉRENCES
Chaque mois une conférence thématique sera proposée en accès libre dans l'auditorium.

Vernissage de Romain Froquet "Lignées"

Time:

18:00-21:00

Description:

Vernissage le jeudi 23 janvier à partir de 18 heures
Exposition du jeudi 23 janvier au dimanche 2 février 2020

Après avoir étudié le graphisme et parcouru un temps le milieu du cinéma, Sax s'est lancé dans Street Art au début de l'année 2019 en créant chaque semaine pendant un an des rencontres inattendues entre les passants et des animaux sauvages aux couleurs éclatantes, collés sur les murs de Paris ou d'ailleurs.

Dès son plus jeune âge, il a progressivement lié la peinture à sa passion pour la nature et ainsi développé un style où les formes, les couleurs et les mots s'associent pour alerter sur la situation des espèces face aux activités humaines.

Dans une recherche constante d'expressivité et au moyen de techniques diverses (peinture au couteau, graffitis, aquarelle, encre de chine, etc.), il puise son inspiration dans les questions contemporaines sur l'environnement mais également dans l'enfance, ou la pop culture.

Cette première exposition solo au cabinet d'amateur intitulée « Émotions sauvages » est le fruit d'un travail sur le geste, les couleurs et la matière, visant à saisir sur la toile toute la profondeur et la force des émotions instinctives de ces animaux sauvages.

De la férocité du tigre à la douceur des inséparables, leurs regards et leurs attitudes remplis d'humanité nous poussent à la réflexion en faisant écho à nos propres sentiments.

Vernissage de SAX "Émotions sauvages"

Time:

18:00-21:00

Description:

du 17 au 28 janvier de 12h à 22h

Time:

18:00-21:00

Description:

Beat Re-Generation
Feat. Jean-Michel Alberola

Jean-Michel Alberola | Mary Beach
Wallace Berman | William S. Burroughs
Henri Chopin | Félix Fénéon
Paul-Armand Gette | Allen Ginsberg
John Giorno | Brion Gysin
Keith Haring | Yayoi Kusama
Arnaud Labelle-Rojoux
Mohamed Mrabet | Claude Pélieu

23 janv. - 29 févr. 2020
Vernissage le 23 janvier à partir de 18h

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 23 janvier au 22 février 2020
du mardi au samedi de 14h à 19h

Dans le cadre de l'année Afrique France et en partenariat avec la Communauté d'agglomération de Cergy-Pontoise et le l'Espace culturel Gincko'Art de Pontoise, nous consacrons notre première exposition à trois artistes de Porto Novo (Bénin) :
Louis Oke Agbo (photographie)
Rafiy Okefolahan (peinture)
Syl Pâris Kouton (peinture)

Avec Haïti, le Bénin est le grand pays du vaudou, qui imprègne et rythme toutes les strates de la société. Les oeuvres des trois artistes que nous présentons, originaires de Porto Novo, en sont profondément imprégnés, bien que de façon différente...
Rafiy Okefolahan travaille ses toiles au sol avec les matériaux des féticheurs vaudou (marc de café, pigments, sable, etc) pour se faire le miroir de la société béninoise et de ses contradictions.

Louis Oke-Agbo, photographe ayant beaucoup travaillé autour du handicap mental et fondateur du centre d'Art Thérapie de Porto Novo, fait ressurgir le lien sacré entre l'homme et son environnement.

Syl Pâris Kouton présente lui un travail silencieux et intime, qu'il vit comme une porte d'entrée vers sa spiritualité.

Vernissage de l'exposition "Empreintes Vodou"

Vernissage de l'exposition "Empreintes Vodou"

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 24 janvier au 22 février

Avec :
Pierre Bettencourt
Mario Chichorro
Dado
Erro
Ljuba
Henri Michaux
Josette Rispal
Ody Saban
Claude Tarnaud
Paul-Emile Victor
Yoshiko

Time:

18:00-20:30

Description:

Du 23 janvier au 7 mars
Vernissage le jeudi 23 janvier 2020 de 18h à 20h30

La galerie Jean Fournier est heureuse de présenter pour la première fois, une exposition de l'artiste Hélène Valentin (1927-2012). Hélène Valentin, New York, 1973-1978, propose un corpus de dix œuvres, dont deux monumentales, emblématique de l'apogée de l'artiste, entre 1973 et 1978. Elle rend hommage à cette artiste française ayant trouvé la reconnaissance à New York.

Hélène Valentin est une artiste française, héritière de plusieurs cultures. De la France, elle reçoit une formation académique respectivement aux Beaux-arts de Nancy, de Bourges et de Paris. Du Maroc, où elle réside de 1949 à 1959, elle reçoit un choc esthétique immense dont l'empreinte ne la quittera jamais. Là, elle voyage, surtout dans le sud, s'imprègne de la lumière et des couleurs intenses. A partir de 1963, elle vient vivre à New York qui a alors volé l'idée d'art moderne, selon le titre du célèbre ouvrage de Serge Guibault. Elle trouvera des conditions favorables pour son travail dans un contexte artistique particulièrement foisonnant.

Au début des années 1970, Hélène Valentin utilise l'acrylique et développe sa technique des glacis. L'artiste développe une palette de couleurs nuancées jouant sur les « inter-tons ». De grand format, les toiles sont peintes à même le sol. « Les couleurs, pigments purs, mêlées aux véhicules acryliques, sont déposées sur la toile par terre avec de larges brosses. Le liquide accumule ou disperse les pigments d'une façon changeante» (1).

En 1973, Max Hutchinson lui propose une exposition personnelle dans sa galerie de SoHo qui connait un vif succès d'estime, mais également commercial. Leur collaboration durera jusqu'en 1984 à la fermeture de la galerie et se concrétisera par huit expositions personnelles. Au cours de cette période, riche et créative, elle travaille le pastel et perfectionne sa technique de l'acrylique. Elle s'intéresse à la danse, à la musique, à la performance très développée à cette époque.

Ses œuvres sont résolument abstraites, au sens philosophique du terme : elles retranscrivent un phénomène perçu par les sens extrait du monde réel mais sans réalité physique concrète. « Le résultat est un objet. Quelque chose d'immobile, de permanent, de fixe, que seules les couches très fines, translucides, superposées, font vibrer. L'œil reçoit les rayons lumineux par vagues changeantes qui s'effacent et se refont au fur et à mesure qu'il perçoit » (2). Elles évoquent un état d'impermanence, de transcendance et de changement.

On y distingue aussi les éléments qui témoignent de la sensibilité spirituelle de l'artiste et de sa relation intime avec la nature. Ils sont souvent utilisés pour décrire ses peintures. Tout particulièrement l'eau, l'élément du changement, avec lequel Hélène Valentin a une affinité toute particulière « Je rêve finalement d'un matériau impermanent, qui se transforme, impossible à retenir. L'eau ? L'eau dont je me sers pour peindre ... » (3).

Lorsque la galerie Max Hutchinson de New-York a fermé en 1984, Hélène Valentin a exposé plusieurs fois en Australie. Une nouvelle période a commencé dans son travail, avec des toiles de petites dimensions peintes à l'huile. Parallèlement, elle a poursuivi la création tout au long de sa carrière de ce qu'elle nommait des Nomadics, tableaux sur toiles libres, qui pouvaient voyager, introduits dès 1973 dans son travail. En 1988, Hélène Valentin est rentrée définitivement en France. Vivant entre Paris et la Drôme, elle a participé à quelques expositions en Provence.

1 Extrait d'un entretien avec Suzanne Loin, Musée de Toulon, 1980.
2 Ibid.
3 Ibid

Vernissage de l'exposition "Hélène Valentin, New York, 1973-1978"

Vernissage de l'exposition "Hélène Valentin, New York, 1973-1978"

Time:

18:00-21:00

Description:

Château de la Fresnaye
1 place de la Fresnaye

DU 22 JANV. AU 16 FÉVR. 2020 | MERC. AU DIM. DE 14H À 18H

Présentée par l'association APACA (Association pour la Promotion de l'Art Contemporain Africain).

Pour un début d'année tout en couleurs, 23 artistes (de l'Algérie au Congo) viennent exposer leurs oeuvres toutes plus explosives les unes que les autres.

La Migration des Couleurs

Prend en considération des processus d'élaboration d'oeuvres, au cours desquels la manipulation des couleurs primaires, qu'elles soient soustractives ou additives par l'artiste, donne naissance à des couleurs secondaires puis tertiaires dans une variété de tonalités infinies.

Vernissage : le jeudi 23 janvier 2020, à 18h

Time:

18:00-22:00

Description:

VARIATION présente l'exposition "Paysage".
Un parcours à travers les œuvres de:
Camille Romagnani
Magali Brueder
Gilles Invernizzi
Victor Levai

Vernissage jeudi 23 janvier 2020. 18h - 22h
Exposition du 23 au 30 janvier 2020.
De 11h à 19h

"Tout est paysage", Jean Dubuffet

Vernissage de l'exposition "Paysage"

Time:

18:00-21:00

Description:

21 janvier - 29 février 2020
Vernissage jeudi 23 janvier à partir de 18h

Yvon Taillandier, peintre, sculpteur, écrivain Français, Paris 1926 - Avignon 2018
1942 Première exposition personnelle à la galerie L'art Français à Lyon.
Dans les années 1950, Yvon Taillandier abandonne la peinture au profit de la Littérature (critique d'art, histoire de l'art).
Collaboration pendant quatorze ans à la Revue Connaissance des Arts et à la Revue XXe siècle.
Secrétaire du Comité du Salon de Mai pendant 44 ans.
La peinture d'Yvon Taillandier est figurative, constamment narrative et crée un monde imaginaire avec ses personnages, ses événements.Inventeur du "Taillandier-land", le peintre décrit ce monde inventé avec ses habitants, son univers. Mélangeant image et langage, Yvon Taillandier se réclame d'une peinture littéraire.

Je peins pour faire partager aux autres le plaisir que j'éprouve à la simple action de regarder et de voir. Comme mon ami Giacometti, je me suis aperçu que le travail qui consiste à créer une image, peinte, sculptée ou dessinée, améliorait considérablement la faculté de vision.

Telle est une des raisons pour lesquelles je m'adonne à la peinture. Une autre raison est qu'elle me permet de satisfaire la passion que j'éprouve pour le dessin.
La couleur, qu'on oppose souvent au dessin, m'est longtemps apparue comme cette chose que Gauguin qualifiait de "mystérieuse" et qu'il fallait, disait-il "utiliser mystérieusement !". Toutefois, je ne partage plus cette opinion. Je me contente de constater que la couleur solidifie les lignes qui, sans elles, sont d'une extrême fragilité. Or, le graphisme me permet de donner forme à des personnages que j'invente et que je qualifie de progressifs. Très simples à certains endroits, ils se compliquent et s'élargissent jusqu'à occuper et animer toute la surface de la toile, n'y laissant que des vides très réduits.
J'ai opté pour des couleurs simples, pures et gaies, parce que mes tableaux, si chargés qu'ils semblent parfois, refusent de paraître lourds et se veulent des chants joyeux, voire des hymnes à la joie.
Je voudrais qu'ils disent aux spectateurs : "Nous vous aimons, et la vie que nous vous montrons mérite d'être vécue avec ingéniosité et allégresse Y.T

Vernissage d'Yvon Taillandier

Time:

18:30-21:00

Description:

44, rue du Four

Les parisiens ont rendez-vous les jeudi 23 et vendredi 24 janvier 2020 en plein cœur du quartier de Saint-Germain pour pousser les portes de ST-Germain L'Adresse, un lieu éphémère et caché mettant à l'honneur la célèbre liqueur française.

ST-Germain L'Adresse est à découvrir pendant deux jours seulement dans le mythique quartier parisien de Saint-Germain des Prés. Derrière cet évènement, on retrouve la fameuse liqueur française qui a décidé d'investir un lieu éphémère et caché du 6ème arrondissement les jeudi 23 et vendredi 24 janvier 2020.

Ouvert au public en soirée, cet espace confidentiel, à la décoration végétalisée et florale, sera l'occasion de (re)découvrir l'univers de la liqueur aux mille fleurs de sureau à travers un parcours unique, où seront proposées des découvertes sensorielles et gustatives inédites.

De la cour intérieure hivernale à l'étage aux accents Art déco, venez déambuler au sein de ST-Germain L'Adresse. Venez également découvrir l'histoire de cette liqueur et siroter de savants breuvages de saison sans oublier d'assister à divers ateliers.

Pour plonger dans l'univers de la marque le temps de deux soirées seulement, rendez-vous donc les 23 et 34 janvier prochains au N°44 de la rue du Four, dans le 6ème arrondissement de la capitale.

Notez que ST-Germain L'Adresse sera accessible de 21h30 à 1h du matin le jeudi 23 janvier et de 18h30 à 1h du matin le vendredi 24 janvier.

En présence de Clara Luciani, Augustin Trapenard, Karima Charni, Alexandre Le Strat

Time:

18:30-21:00

Description:

AWA
African Women Artist

Exposition du 23 janvier au 29 février 2020
Vernissage le jeudi 23 janvier à partir de 18h30 en présence des artistes

Oeuvres de Lucy Broderick, Alice Eyidi, Angela Jimu, Davina Jogi, Annie Mpalume, Kresiah Mukwazhi, Catherine Olivier, Géraldine Tobe, Yveline Tropéa, Diane Victor, Olga Yaméogo.

Vernissage de l'exposition "AWA / African Women Artists"

Vernissage de l'exposition "AWA / African Women Artists"

Time:

18:30-22:00

Description:

OFF THE WALL
Urban art group exhibition

avec
Chanoir, Bishopparigo, Debens, Kelkin, Nasty, Retro, Stew...

Vernissage Jeudi 23 Janvier de 18h30 à 22h00
Exposition jusqu'au Samedi 29 Février

L'expression « Off The Wall » a été créée par des skateurs au milieu des années 70. En essayant des nouvelles figures avec leurs planches dans des piscines vides, ils se détachaient du mur et allaient, littéralement, « hors du mur ». Ils n'étaient pas seulement les pionniers du skateboard mais les interprètes d'un esprit original de rébellion et d'expression où la créativité à travers l'art, la musique et la mode donnait libre cours à la culture populaire. Depuis, Off The Wall fait référence à ce qui est inhabituel et plutôt insolite, capable d'amuser et attirer l'attention.

Avec Off the Wall, le propos de la galerie Exit art contemporain est de faire parler l'âme de la rue, qui, encore aujourd'hui, libre et authentique, révèle sa parole sur les murs. Ainsi la représentation iconique devient une occasion de retour à l'enfance, avec Chanoir et Bishopparigo ; le pouvoir hypnotique du motif, du tracé et de la ligne de Kelkin nous guide vers les possibilités infinies de nos dédales intérieurs ; l'autoréflexivité des compositions de Retro fait écho aux enjeux de nos folies intimes ; les constructions géométriques par aplats de couleurs de Debens sont une ouverture vers la beauté intemporelle de l'abstraction ; entre collage et pochoir, l'esthétique douce et raffinée des montages de Stew renoue avec l'envie d'évasion et d'ailleurs ; les couleurs vives et le lettrage généreux de Nasty, graffeur de la première génération, nous invitent au voyage et au dialogue avec l'espace urbain.

Aujourd'hui, ces expressions multiples se sont affichées tout d'abord dans les espaces publics avant de se rencontrer sur les murs de nos espaces intérieurs.

Vernissage de l'exposition "Off The Wall"

Vernissage de l'exposition "Off The Wall"

Time:

19:00-21:30

Description:

La galerie a le plaisir d'accueillir Christophe Blain pour une exposition des planches originales de Une aventure du Lieutenant Blueberry tome 1 - Amertume Apache, dessiné par Christophe Blain et scénarisé par Joann Sfar et Christophe Blain, d'après l'oeuvre de Jean-Michel Charlier et Jean Giraud.

L'exposition réunira près de cinquante planches originales de l'album réalisées à l'encre de Chine ainsi que les couvertures originales des différentes éditions de l'album.

À l'occasion de l'exposition, la galerie publie un tirage de luxe de Une aventure du Lieutenant Blueberry tome 1 - Amertume Apache en noir et blanc, limité à 350 exemplaires. Cette édition comporte une couverture inédite et est enrichie de cinquante pages de storyboards, croquis et esquisses et accompagnée d'une sérigraphie inédite numérotée et signée par Christophe Blain.

Le vernissage est ouvert au public et se tiendra, en présence de Christophe Blain et Joann Sfar, le jeudi 23 janvier de 19h à 21h30.

Exposition : du 24 janvier au 22 février 2020

Vernissage de Christophe Blain "Amertume Apache"

Vernissage de Christophe Blain "Amertume Apache"

Time:

19:00-21:30

Description:

Vœux du maire du 10ème arrondissement

Alexandra Cordebard, Maire du 10e arrondissement, et les élus du 10e vous souhaitent une belle et heureuse année 2020, et ont le plaisir de vous convier à la cérémonie des vœux aux habitants, qui se tiendra le jeudi 23 janvier 2020, à 19h, en salle des fêtes de la Mairie du 10e.

Voeux du maire du 10ème arrondissement

Time:

19:30-23:55

Description:

en présence de Line Renaud, Françoise Barré-Sinoussi, Pascal Obispo, Julie Obispo, Eric Cantona, Rossy de Palma, Jean-Paul Gaultier, le prince Joachim de Danemark, Amira Casar, Guillaume Gallienne

Aux fourneaux : le duo Amandine Chaignot, cheffe du restaurant Pouliche et Christelle Brua, cheffe pâtissière du Palais de l'Elysée et meilleure cheffe pâtissière de restaurant au monde 2018

Line Renaud et le prix Nobel Françoise Barré-Sinoussi, codécouvreuse du VIH, toutes deux à la tête de Sidaction, présideront le 23 janvier à Paris la 18e édition du Dîner de la mode au profit de l'association de lutte contre le sida, ont annoncé mercredi les organisateurs.

Destinée à récolter des fonds pour la recherche et l'aide aux malades, cette soirée organisée depuis 2003 en partenariat avec la Fédération française de la Haute Couture, parmi les principaux événements de bienfaisance en France, a permis de récolter l'an dernier 650.000 euros.

La moitié des dons récoltés finance des programmes de recherche et de soins et l'autre moitié des programmes de prévention et d'aide aux malades en France et dans les pays en développement.

Christelle Brua, cheffe pâtissière du Palais de l'Elysée et meilleure cheffe pâtissière de restaurant au monde 2018, et Amandine Chaignot, cheffe du restaurant Pouliche (Paris), seront associées aux fourneaux.

Selon Sidaction, 770.000 personnes sont décédées de maladies liées au sida dans le monde en 2018 et 1.7 million de personnes ont découvert leur séropositivité.

En France, près de 150.000 personnes vivent avec le VIH, tandis que 6.000 contaminations supplémentaires sont diagnostiquées chaque année.

Description:

Vivez Nature, le salon de l'écologie urbaine vous donne rendez-vous à la Grande Halle de la Villette en janvier 2020 avec ses 130 exposants et 80 animations.
Votre entrée vous donne également accès à Permae, le premier salon de la permaculture, de l'agroécologie et du jardinage au naturel.

>> Téléchargez votre entrée gratuite

Salon Vivez Nature

Description:

Du jeudi 23 au dimanche 26 janvier

avec Muggsy Bogues

Time:

16:00-19:00

Description:

9 rue Française
Paris

Time:

18:00-21:00

Description:

Vernissage de l'exposition "Dauphins, Dauphines", première exposition personnelle de l'artiste en résidence Charlotte Khouri

"Dauphins, Dauphines"
Charlotte Khouri

Jeux de langage, détails architecturaux, gestes du quotidien, postiches et autres accessoires s'entremêlent habilement dans la pratique performative, filmique et sculpturale développée par Charlotte Khouri (née en 1985, vit et travaille à Paris). Tour à tour speakerine, thérapeute pour œuvre d'art ou imitatrice hors-pair, Charlotte Khouri aime à déjouer nos présupposés en vrillant les sens et en débusquant des perceptions inattendues pour produire un subtil jeu d'équilibre où les champs sémantique et visuel se complètent et se contredisent à la fois.

Pour sa première exposition personnelle, Charlotte Khouri propose une installation immersive à partir d'un film inédit qui prend corps avec l'espace du centre d'art contemporain. « Dauphins, Dauphines » s'inspire du nom d'un jeu d'enfant pour lequel un objet est lancé en l'air par un joueur qui nomme un autre joueur pour qu'il le rattrape. Ce type de géométrie verticale (ascendante et descendante) dessine le rapport de l'artiste à l'héritage historique et à l'Histoire.

Vernissage de Charlotte Khouri "Dauphins, Dauphines"

Vernissage de Charlotte Khouri "Dauphins, Dauphines"

Time:

18:00-21:00

Description:

Micheline Gropman
Peintures récentes

Du 22 au 26 janvier de 15h à 19h et sur rdv (0663077452)
Vernissage le vendredi 24 janvier à partir de 18h

Artiste invitée : Dominique Pillet - céramiste

Vernissage de Micheline Gropman

Time:

18:00-21:00

Description:

Aile Sully, 1er étage, escalier du Midi

Elias Crespin, L'Onde du Midi
Un nouveau décor pérenne pour le palais du Louvre

À l'occasion des 30 ans de la Pyramide, le musée du Louvre renoue avec les grandes commandes publiques et invite l'artiste contemporain Elias Crespin à concevoir un nouveau décor pérenne pour le palais. Au sommet de l'escalier du Midi, à l'angle sud-est de la cour Carrée, Elias Crespin crée une oeuvre cinétique, L'Onde du Midi, composée de 128 tubes métalliques, suspendus à des fils animés par des moteurs, qui dessinent une subtile chorégraphie. Il suit ainsi les traces de figures majeures de l'art contemporain qui ont investi le palais, comme Anselm Kiefer (2007), François Morellet (2010) ou encore Cy Twombly (2010).

L'Onde du Midi
La sculpture, qui appartient à la catégorie des « Plano Flexionante », consiste en un alignement parallèle de 128 tubes cylindriques suspendus dans les airs par des fils invisibles. Céleste et aérien, le mobile se présente au repos comme un plan horizontal rectangulaire d'une longueur de près de 10 mètres ( 1,50 L x 9,50 l mètres). Pris dans un mouvement permanent, il semble échapper aux lois de la gravitation et s'anime dans l'espace sur une amplitude de 3 à 4,50 mètres de haut, au rythme de séquences déterminées par des algorithmes numériques. Cette chorégraphie ondulatoire, qui se déploie sans aucune linéarité mécanique, privilégie la lenteur et favorise la contemplation et l'émerveillement.
En prise directe avec l'oeuvre, comme hypnotisé, le spectateur est embarqué dans la danse lente et gracieuse des formes dont le jeu infini des combinaisons ne peut être anticipé. Les configurations spatiales du mobile ne cessent effectivement de surprendre, selon que les formes se dilatent, s'aplanissent, se diffractent, passant ainsi de l'ordre au chaos, du simple au complexe. L'escalier du Midi offre ainsi au visiteur une halte dans son parcours, en devenant le théâtre d'un ballet silencieux.

L'univers artistique d'Elias Crespin
Entre le monde de la science et celui de l'art, les créations d'Elias Crespin instaurent un dialogue avec le spectateur et interrogent les concepts de forme, d'espace, de mouvement et de temps. Dans L'Onde du Midi, l'intuition créatrice et la rigueur scientifique se rencontrent pour rendre visibles les lois de l'univers, suivant les préoccupations de l'artiste qui fut, à une autre période de sa vie, ingénieur en informatique. « J'ai toujours été intéressé par les formes et la logique. Je suis sensible à la sensualité et à la perception des choses, comme apprécier un beau coucher de soleil. Mais je m'intéresse aussi à des choses plus complexes, comme les fonctions, les propriétés d'un cercle ou d'un triangle, le dessin que peut générer une relation mathématique particulière », explique-t-il.

Les décors pérennes d'art contemporain au Louvre
Ce projet s'inscrit dans la continuité de l'histoire du palais du Louvre qui est, depuis sa création, un cadre architectural idéal pour les commandes de décors peints ou sculpté à des artistes vivants. Lieu d'inspiration, le palais abrite des décors réalisés par Charles Le Brun et Eugène Delacroix dans la galerie d'Apollon, de Georges Braque (Les Oiseaux, peint en 1953 sur le plafond de la salle Henri II) et, plus récemment, d'Anselm Kiefer (Athanor, 2007, escalier nord-est de la cour Carrée), de François Morellet (Esprit d'escalier, 2010, escalier Lefuel) et de Cy Twombly (The Ceiling, 2010, salle des Bronzes).

Biographie d'Elias Crespin
Né au Venezuela en 1965, Elias Crespin a reçu une formation d'ingénieur informatique à Caracas. Fils de mathématiciens et petit-fils d'artistes, il intègre dans sa démarche ces deux univers, la science et l'art. Il commence à développer sa première oeuvre en 2002, Malla Electrocinética I qu'il présente en 2004, après deux ans de recherche. Ses sculptures mobiles ont, depuis, intégré de prestigieuses collections, parmi lesquelles celle du Museum of Fine Arts de Houston, du Museo del Barrio de New York et du MALBA de Buenos Aires. En 2018, Elias Crespin participe à l'exposition « Artistes et robots » au Grand Palais, dans laquelle il présente son oeuvre Grand HexaNet. Il réside et travaille à Paris depuis 2008, où il est représenté par la galerie Denise René.

L'oeuvre a bénéficié du soutien du fonds ARTEXPLORA.

Chiffres clés de L'Onde du Midi :
- 128 tubes en aluminium
- 256 moteurs
- durée de la séquence : environ 30 minutes

#EliasCrespinAuLouvre

Vernissage de l'exposition "Elias Crespin, L'Onde du Midi"

Vernissage de l'exposition "Elias Crespin, L'Onde du Midi"

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 24 janvier au 29 février 2020
Du mercredi au samedi de 14 à 19 heures

2020 marquera le 10ème anniversaire de la galerie Mathgoth qui a décidé de débuter l'année sous les auspices de 11 peintres à la technique incroyable et dont les œuvres flirtent en permanence avec l'hyperréalisme. D'où le titre évocateur de cette exposition collective : « Réalités », à découvrir du 24 janvier au 29 février.

Le réalisme est de plus en plus présent dans l'art urbain et le nombre de peintres qui s'y adonnent ne cesse de s'accroître. Pour ce group show le choix des artistes s'est volontairement porté sur un panel original, mettant en avant des approches particulières du vivant.

Cette line up internationale réussit à nous offrir une trentaine de pièces aux techniques étonnantes, déployant des styles et univers très différents. Si on retrouve deux habitués des cimaises de la galerie (l'Allemand Akut et le Cubano-Américain Jorge Rodriguez-Gerada), de nouveaux talents viennent compléter le tableau. Des lettrages dits « ballons d'hélium » créés par le Suédois Huge aux effets (sacs) plastiques du Russe Shozy, le spectateur pourra également admirer les portraits déstructurés du Français Kogaone et de l'Espagnol Belin. S'ajouteront à cela les peintures aux accents radiographiques de l'Anglais Shok-1 et les superpositions en rouge et bleu du Grec Insane51 - pour voir pleinement ces dernières, il faudra s'équiper de lunettes 3D !

Les cranes acidulées de l'Anglais SmugOne feront écho aux corps expressifs de la New-Yorkaise BKFoxx, seule femme représentée, dont la touche naturaliste donne littéralement vie aux supports. Enfin, les explosions multicolores du Brésilien L7matrix viendront compléter ce portfolio d'ouvrages à l'aune duquel le public mesurera sans peine les prouesses des artistes en matière de jeux visuels.

Avec Akut, Belin, BKFoxx, Huge, Insane51, Jorge Rodriguez-Gerada, Kogaone, L7matrix, SHOK-1, Shozy et Smug

Vernissage de l'exposition collective "Réalités"

Vernissage de l'exposition collective "Réalités"

Time:

18:30-21:00

Description:

Vernissage de l'exposition "Nous travaillons ici, artistes et artisans du quartier Sainte-Marthe"

grand hall

Du jeudi 23 janvier au jeudi 20 février 2020
Vernissage le vendredi 24 janvier 2020, à 18h30

À partir de ce jeudi 23 janvier et jusqu'au jeudi 20 février prochain, artistes et artisans des abords de la place Sainte-Marthe investissent le hall de la Mairie du 10e, et présentent leurs œuvres.

L'esprit d'un quartier

Sainte-Marthe, ancienne cité ouvrière du XIXe siècle, abrite depuis son origine des artisans dans ses locaux de rez-de-chaussée. Aujourd'hui encore, de multiples métiers (sculpteur, vitrailliste, peintres, ébéniste, photographes, dessinateurs, plasticiens...) s'exercent dans ces ateliers. Artistes et artisans résistent aux menaces qui pèsent sur leurs activités, donnant son esprit à ce quartier, et garantissant une vraie richesse à tout l'arrondissement.

Pour mieux faire connaître leur travail et leur savoir-faire, la Mairie du 10e arrondissement a choisi de donner aux artistes et artisans des abords de la place Sainte-Marthe l'occasion de présenter à toutes et tous leurs créations. La diversité des œuvres présentées est l'expression de la vitalité de ce quartier.

Les artistes

Sadio Bee - Lætitia de Bazelaire - Nadine Boisseau - Béatrice Desrousseaux - Geneviève de Divonne - Véronique Déro - Jérôme Gorin - Maëlenn Le Clainche - Marianne Marcuse - François Mattei - Laura Merenda - Pascale Piron - Adriana Popovic - David Porchy - Michèle Rizet - Grégoire Romanet - Alex Sanders - Jean-Paul Santini - Aurélie Thomas - Hélène Vitali - Michaël Zumstein

Vernissage de l'exposition "Nous travaillons ici, artistes et artisans du quartier Sainte-Marthe"

Time:

20:00-23:00

Description:

#NBAParis 2020 #nbaparisgame

match de basket entre les Milwaukee Bucks de Giannis Antetokounmpo, Eric Bledsoe, George Hill, Ersan Ilyasova, Brook Lopez et Khris Middleton et les Charlotte Hornets de Nicolas Batum, Bismack Biyombo, Willy Hernangomez, Malik Monk

en présence de Teddy Riner, Tony Parker, Kareem Abdul-Jabbar, Michael Jordan, propriétaire des Hornets, DJ Cut Killer, Jamel Debbouze, l'ancien premier ministre Lionel Jospin, les joueurs du PSG (Kylian Mbappé, Neymar Jr, Layvin Kurzawa, Marco Verratti, Thiago Silva, Marquinhos, Mauro Icardi), Caroline Receveur, Nikola Karabatic, Luka Karabatic, Dell Curry, Bruce Bowen, Rony Turiaf, Anne Hidalgo

Kylian Mbappé, Jamel Debbouze, Tony Parker

NBA Paris Game 2020 : Milwaukee Bucks vs Charlotte Hornets

Tony Parker, Kareem Abdul-Jabbar

NBA Paris Game 2020 : Milwaukee Bucks vs Charlotte Hornets

Kylian Mbappé, Neymar Jr, Layvin Kurzawa, Marco Verratti, Thiago Silva, Marquinhos, Mauro Icardi

NBA Paris Game 2020 : Milwaukee Bucks vs Charlotte Hornets

Charlotte Hornets

NBA Paris Game 2020 : Milwaukee Bucks vs Charlotte Hornets

Giannis Antetokounmpo

Teddy Riner et les Milwaukee Bucks de Giannis Antetokounmpo lors de leur routine d'avant-match : un combat de catch

Description:

Du jeudi 23 au dimanche 26 janvier

avec Muggsy Bogues

Description:

Vivez Nature, le salon de l'écologie urbaine vous donne rendez-vous à la Grande Halle de la Villette en janvier 2020 avec ses 130 exposants et 80 animations.
Votre entrée vous donne également accès à Permae, le premier salon de la permaculture, de l'agroécologie et du jardinage au naturel.

>> Téléchargez votre entrée gratuite

Salon Vivez Nature

Time:

11:00-21:00

Description:

25 janvier - 7 mars 2020
vernissage samedi 25 janvier de 11h à 21h

Semiose a le plaisir de présenter la quatrième exposition personnelle de Julien Tiberi dans sa galerie de la rue Chapon. Articulée autour des dessins de l'ensemble Symphonic Lava tout récemment publiés dans le premier livre de l'artiste, l'exposition réunit également de grandes peintures sur toile et un bronze représentant un petit tapir noir posé sur un rocher. Çà et là, de curieux disques mous colonisent les œuvres, augmentant encore l'atmosphère d'étrangeté qui nimbe l'exposition.

Les dessins qui composent la suite Symphonic Lava de Julien Tiberi s'envisagent comme une traversée onirique et hallucinée « d'un pavé de temps de quatre secondes, étiré en 96 planches ». Le monde erratique de Symphonic Lava évolue dans une instabilité périlleuse. Désorienté, on y erre d'une crevasse habitée à un vide désolé, et distinguer le vivant et les choses ne se fait pas d'instinct. L'artiste retient des lambeaux de réel qu'il prolonge dans le surnaturel. De cela et plus encore, le magma sensuel de papier noirci qu'est Symphonic Lava invite à faire l'expérience.

Au printemps 2018, Julien Tiberi est invité par la compagnie du Zerep à jouer de la batterie dans Les Chauves-souris du volcan, un spectacle de Sophie Perez en collaboration avec Xavier Boussiron. Pendant plusieurs mois, l'artiste arpente la scène et les coulisses du spectacle, découvre les ressorts et techniques dramaturgiques, ainsi que la prégnance des éléments périphériques comme les lueurs, la fumée, les intensités. Un soir, en résidence de création avec l'équipe, il esquisse au crayon un personnage du spectacle. Ce portrait lui donne l'idée d'une suite dessinée puis l'envie d'un livre, dans le style gonzo, forme de journalisme ultra-subjectif qui allie méthode d'enquête et écriture journalistique, sous l'angle du récit autobiographique. Cette forme n'ayant, à sa connaissance, pas d'équivalent dans le champ de la production graphique, il va l'inventer. Le premier livre de Julien Tiberi sera donc un « gonzo graphique ».

C'est dans cet état d'esprit qu'il réalise la suite Symphonic Lava, suivant un protocole strict : de mémoire, à l'encre de Chine noire, sur la face soyeuse d'une feuille de papier blanc Barbizon 250g/m2. Un dessin par jour : une cadence qui fait écho à celle de ses « dessins d'un jour » produits au tribunal de grande instance lors du procès Clearstream en 2009, et qu'il s'ingéniait à faire apparaître plus rapidement que les croquis d'audience circulant dans les médias.

Cependant, le type de dessin que produit Julien Tiberi pour Symphonic Lava est aux antipodes du storyboard. De l'impulsion première à la touche finale, le geste est traversé par le hasard. Cette manière de faire « passer la main avant tout le reste », comme à la batterie et comme en improvisation, favorise l'inscription immédiate d'étrangetés sur le papier, fait varier le style des planches, rend irrégulière la densité de leur encrage. Et fascine l'artiste. L'utilisation de l'encre lui permet de « viser les dispositifs du spectacle » comme le clair-obscur, les flashs et les contrastes, et par analogie avec la manière dont ces dispositifs fonctionnent, de passer de l'obscurité à la lumière dans une infinité de gris produits à la gomme, par effacements successifs. En travaillant les noirs redoublés par l'obscurité, Julien Tiberi mime les moyens du théâtre. L'encre, oblitérant ou révélant des zones du papier, procède comme l'éclairage scénique focalisant sur un pan de la scène et obscurcissant les autres. Contrairement au crayon qui, « gommé, produit vite du brouillard », l'alliance encre-gomme permet « d'accrocher le squelette du dessin et de travailler les contours par retraits », produisant ainsi « un dispositif de lecture à même de parler du grain de la lumière ».

En oscillant d'un gros plan à un panoramique sans repères, d'un mollusque à une quasi abstraction, les planches de Symphonic Lava rappellent les peintures médiumniques de William S. Burroughs dont le but magique visait à produire (sur nous) l'effet qui était représenté (dans le dessin). Livré sans indication, ni explication, ce type de dessin était entièrement dédié à l'expérience. En retenant l'attention, lentement décillée par ce qui se joue dans la scène, les dessins de Tiberi fonctionnent de manière similaire. Ils nous perdent. Et nous tiennent. Quel est ce lieu ? Plus tout à fait celui du spectacle, mais plutôt celui, épars, imparfait et dilaté, que les souvenirs de Julien Tiberi ont recréé et dont les dessins imbibés d'encre attestent, notamment avec ses explosions fixes, récurrences morphéiques et enfouissements successifs ; autant de tentatives esquissées de contournement d'un espace sans bords. De là les auras ectoplasmiques qui envahissent la page, comme des émanations brumeuses.

À un certain point du processus de création de Symphonic Lava, la vue d'ensemble est devenue nécessaire à l'artiste. Disposées d'après la chronologie de leur réalisation, les planches ont révélé des évènements séquentiels : l'évanouissement progressif du personnage du premier dessin dans des volutes de fumée, l'apparition et la disparition d'un poulpe dans des lueurs sombres, une main surgissant de l'obscurité, etc. Si cette matière était issue du spectacle, nourrie par ses tableaux vivants, manquaient cependant pour interrompre ce flux continu des « points d'ancrage », ou des « points de fixation » reconnaissables et suffisamment fréquents pour dynamiser la narration et accrocher l'œil. Les animaux vivant à proximité des volcans ont servi de prétexte : l'artiste a découvert des espèces peu étudiées et physiquement fascinantes. Sans recherche d'exactitude, altérant délibérément leur souvenir, il en a dessiné certaines, avec la volonté de créer des portraits de genre animalier, « des animaux qui nous regardent en face ». Stratégiquement insérées dans la série, ces planches ont commencé à fonctionner comme une « hallucination d'après spectacle », comme des images subliminales ou déformées par la prise d'acide. L'artiste a par la suite complètement remanié l'ordre des planches pour la maquette du livre, lors d'une « recréation totale », comme la réécriture d'une partition.

Visions troublées, sensations confuses, spectres et ombres, certains détails sont directement issus du panthéon artistique de Julien Tiberi, qui cite comme lointaines réminiscences les créatures au bord du gouffre d'Alfred Kubin (période 1902-1907), les textures pulp occultantes des planches fantasy de Virgil Finlay des années 1950, ou encore des souvenirs d'aquarelles de paysages hirsutes des années 1930 de Charles Burchfield dépeignant « le son et les ondes des choses ». Autant de signes résiduels sortis de la chambre noire de l'artiste, qui, s'ils renouent avec l'âge d'or du fantastique, le font en mode opacifié. Telle une matière brute encrée que la lumière ne parviendrait pas à toucher et dont les noirs seraient « traversés par de l'obscurité », les planches de Symphonic Lava attendent qu'on en « précise la vue », c'est-à-dire qu'on s'approprie les rapports entre mise en lumière et obscurité. Alors seulement se dessinera un rapport au temps dont on puisse faire l'expérience, page après page, et s'installera la désorientation propre à un espace devenant accessible par le fait même de ne plus être là.

- Alexis Vaillant

Alexis Vaillant est curator et critique. Ses travaux abordent les points de rencontre entre art, politique et nouvelles réalités - là où l'intelligence et l'instinct ne font qu'un. Aujourd'hui basé à Lisbonne, Alexis Vaillant a été Chief Curator au CAPC, Musée d'art contemporain de Bordeaux (2009-2016), Curator à Toasting Agency à Paris (1999-2009), et Assistant Curator au Mamco de Genève (1995-1999). Il prépare actuellement l'exposition « Hook Up », Gregor Staiger, Zurich ainsi que les publications Sylvia Sleigh: Monograph, Marc Camille Chaimowicz: Anthology of Texts (1971-2020), et The First Time I got Paid For It.

Vernissage de Julien Tiberi "Symphonic Lava"

Vernissage de Julien Tiberi "Symphonic Lava"

Julien Tiberi, Symphonic Lava, 2019
Encre et mine de plomb sur papier

Time:

14:00-21:00

Description:

25 janvier -> 22 février 2020
Mardi - Samedi : 14h à 19h
vernissage le samedi 25 janvier de 14h à 21h

Deux expositions conjointes, au même moment, dans deux villes différentes. L'autrichien Clemens Wolf propose de jumeler sa troisième exposition à Backslash à celle qu'il inaugure au même moment à la galerie Steinek de Vienne. Réfléchies comme un seul ensemble, "Can't Touch This" à Paris montre de fragiles peintures de pigments bleu électrique, tandis que Can Touch This en Autriche propose des carrés d'argile noirs métallisés. L'artiste joue sur les contrastes et avec les œuvres : un espace dans chaque galerie est esthétiquement identique à l'autre, de sorte que l'on sort de l'exposition à Vienne pour entrer dans celle de Paris.
A Backslash, Can't Touch This rassemble des œuvres délicates et précieuses. Wolf utilise de l'huile et des pigments sur aluminium, leur conférant ainsi un aspect velouté et une douceur de matière soutenue par la couleur bleue vive. Pour la série des œuvres murales, le motif géométrique est réalisé à l'aide d'une pièce de métal qu'il déplace, comme un pinceau, sur la surface de la toile. L'artiste commence par appliquer une couche épaisse de peinture à l'huile, puis crée une composition monochrome très texturée en imprimant le métal dans la peinture. Il ajoute ensuite le pigment bleu et la composition finale, à la fois abstraite et figurative, se réalise sans toucher le support. Très en matière, ces tableaux présentent des couches épaisses d'abstractions monochromes. Wolf décline également cette technique à travers des sculptures expressément pensées pour la galerie parisienne. Des monolithes du même bleu intense se dressent tels des statues qui rythment l'exposition. Cette couleur caractéristique de la palette de Wolf se définit comme une volonté chromatique proche de l'International Klein Blue et rappelle les recherches obsédantes du maître niçois.

Ces œuvres se déploient comme des paysages à la fois intrigants et inquiétants. L'aspect vaporeux des pièces de l'autrichien semble issu d'un songe ou d'un lointain souvenir, et exacerbe cette impression nébuleuse. La couleur bleue électrique fascine et attire inexorablement le regard tandis que les motifs qui apparaissent rappellent des grilles. Fasciné par les ruines et l'idée de frontière, Wolf multiplie de manière obsessionnelle les motifs de barrière dans ses séries et crée ainsi une distance optique entre le spectateur et le sujet.

La série viennoise sera présentée dès l'entrée de l'exposition parisienne. Tels des carrelages de revêtement de sol, les pièces reprennent des techniques séculaires de construction. Elles sont réalisées en argile chamottée puis peintes à la main et enfin brûlées à la façon de l'émaillage du raku japonais, méthode de cuisson à très haute température. Ces œuvres à l'aspect métallique et incandescent contrastent fortement avec les tableaux fragiles et vaporeux accrochés aux murs.

Tandis qu'à Vienne, l'artiste transforme ces carrés d'argile en œuvres en les plaçant aux murs, à Paris il les fait sculptures. Les différentes séries se révèlent les unes aux autres et ouvrent de multiples dimensions de lecture.

Le travail de Clemens Wolf a été récompensé par plusieurs prix en Autriche et a été exposé dans de nombreux pays, notamment l'Allemagne, la Suisse, la Chine, Israël ou encore les Etats-Unis et Hong Kong. Ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques autrichiennes, dont celle du prestigieux Albertina Museum et celle du Musée Essl de Vienne.

Vernissage de Clemens Wolf "Can't touch this"

Vernissage de Clemens Wolf "Can't touch this"

Time:

14:00-20:00

Description:

Vernissage de Viriya Chotpanyavisut "Circling"

Time:

15:00-19:30

Description:

Vernissage le mardi 10 décembre 2019 de 18h à 21h30
Exposition du 11 décembre 2019 au 26 janvier 2020
du mardi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

H Gallery présente la première exposition personnelle à Paris du jeune peintre Bilal Hamdad, récemment diplômé de l'École des Beaux-Arts de Paris. Le travail de cet artiste interroge la notion de non-lieu conceptualisée par l'anthropologue Marc Augé qui définit un non-lieu comme un espace interchangeable où l'être humain reste anonyme.
Sous le pinceau de Bilal Hamdad, ces non-lieux prennent la forme d'un quai de métro, d'un squat ou d'un bâtiment abandonné. Le sujet de prédilection de l'artiste est la métropole parisienne qu'il dépeint en utilisant l'«herméneutique de la surface» théorisée par le sociologue Siegfried Kracauer.

Vernissage de Bilal Hamdad "Quatre Chemins"

Vernissage de Bilal Hamdad "Quatre Chemins"

Bilal Hamdad - Sans titre - 2018 - Huile sur toile - 200 x 200 cm
Bilal Hamdad - Entre les murs - 2018 - huile sur toile - 146 x 114 cm

Time:

15:00-20:00

Description:

LAIA ABRIL
A history of Misogyny,
Chapter Two : On rape

Exposition du 25 janvier au 22 février 2020
Vernissage Samedi 25 janvier 2020 de 15h à 20h en présence de l'artiste

La galerie Les filles du calvaire annonce la prochaine exposition personnelle de l'artiste Laia Abril. Le premier chapitre de son œuvre sur l'histoire de la misogynie On Abortion a été exposé mondialement après l'émotion provoquée aux Rencontres d'Arles en 2016. Laia Abril présente à la galerie le second chapitre : On Rape.

L'artiste continue d'élargir ses archives visuelles sur le contrôle systémique du corps des femmes à travers le temps et les cultures. Sur son nouveau travail, l'artiste dit : « En scrutant, conceptualisant et visualisant les échecs judiciaires, en tenant compte des réglementations historiques, des dynamiques toxiques et des témoignages de victimes, le projet pointe la culture du viol institutionnel répandue dans les sociétés du monde entier. Je développe ce travail en explorant les liens entre mythes, pouvoir et droit et les notions de masculinité et de violence sexuelle. J'ai choisi ce sujet de la même manière que le premier chapitre sur l'avortement. J'ai été saisie par un fait divers local qui m'a profondément marquée. En 2018, le tribunal espagnol a libéré cinq hommes qui avaient violé une jeune femme de 18 ans, jugés pour abus sexuel plutôt que viol, remettant en question la jurisprudence espagnole face au viol. »

« En pleine apothéose du mouvement #MeToo, je voulais comprendre pourquoi certaines structures institutionnelles telles que la justice, le droit et la politique échouaient non seulement face aux victimes de viol, mais encourageaient en réalité la violence en préservant les rapports de pouvoir et le viol comme norme sociale. Au regard de l'histoire, j'ai pu identifier les stéréotypes et les mythes fondés sur le genre, les préjugés et les fausses idées qui ont maintenu et perpétué la culture du viol. À travers une recherche minutieuse sur les erreurs judiciaires et l'accusation répétée des victimes, ce projet montre à quel point la société blâme encore aujourd'hui les victimes d'agression sexuelle, tout en normalisant la violence sexuelle. »

On Rape se compose d'un ensemble de photographies, d'objets et de témoignages. Le projet est pensé comme une véritable installation dont l'agencement dans l'espace constitue le cœur plastique. Ces éléments interconnectés n'offrent pas une approche linéaire ou chronologique mais permettent au contraire plusieurs niveaux de lecture. En créant des ponts entre l'histoire, les lieux et les cultures, Laia Abril rappelle l'universalité du drame du viol.

Vernissage de Laia Abril "On Rape : A history of Misogyny chapter two"

Vernissage de Laia Abril "On Rape : A history of Misogyny chapter two"

Laia Abril, Ala Kachuu (Bride Kidnapping), 2019. From series Power Rape
Photographie, 160,5 x 107 cm, édition de 3
Courtesy Galerie Les filles du calvaire

Time:

15:00-21:00

Description:

Exposition du 25 janvier au 22 février 2020
Vernissage : samedi 25 janvier à partir de 15 heures

Vernissage de Taysir Batniji "Entre(voir)"

Taysir Batniji, Zéro, Dollars 1, 14 x 19 cm, Courtesy galerie Eric Dupont, Paris

Vernissage de Taysir Batniji "Entre(voir)"

Taysir Batniji, Sans Titre, série Zéro, aquarelle et encre de chine sur papier, 14 x 19 cm, Courtesy galerie Eric Dupont, Paris

Time:

15:00-21:00

Description:

Exposition collective en collaboration avec Luc Bellier

25 janvier - 14 mars 2020

Rembrandt VAN RIJN - Otto DIX - James ENSOR - George GROSZ
Kerstiaen DE KEUNINCK - George SHIRAS III - Jan TILIUS
Richard AVEDON - Maxime BONDU - Babi BADALOV - Jim CAMPBELL
Joana CHOUMALI - Robert CRUMB - Vincent DESIDERIO - Philip-Lorca DICORCIA
Nikita KADAN - Kapwani KIWANGA - Lawrence LEMAOANA - Kori NEWKIRK
Paul PFEIFFER - POPE.L - Sophie RISTELHUEBER - Andres SERRANO
Georges Tony STOLL - Marion VERBOOM - Dario VILLALBA

"Je suis plein de doutes, de rêves et de peur."
Gustave Flaubert, Correspondances, 1862

La peur est première dans l'échelle des émotions. Elle n'épargne aucune espèce, ni aucun ordre social dont elle est un des puissants facteurs de cohésion. Et de destruction. Aucun pouvoir, qu'il soit religieux, politique, militaire ou économique, n'a jamais hésité à gouverner en utilisant sur les foules et les individus une émotion aussi contagieuse.

La peur est la part maudite de la sensibilité. Elle est conscience du monde avant d'en être le rejet, par l'état d'alerte aigu dans lequel elle nous plonge. Le monde se révèle aux peureux comme aux curieux.

Face à elle, l'homme se rêve en héros téméraire, capable d'affronter et de vaincre les démons qui l'assaillent. En prêtant corps et visage aux angoisses humaines, l'artiste occupe une place singulière dans ce combat. Mais son courage ne se mesure pas à sa témérité. L'artiste serait au contraire plus proche de la figure de l'anti-héros. Il assume sa peur non dans le refus et la négation mais dans l'acception et la reconnaissance de sa valeur sensible.

Cette exposition est organisée à l'initiative et en partenariat avec le marchand d'art et collectionneur Luc Bellier, qui en 2004, avait invité Jérôme Poggi à travailler avec lui pendant un an sur un projet de publication sur le thème de la peur.

Quinze ans plus tard, cette collaboration donne lieu à cette exposition mêlant aussi bien l'art contemporain que moderne et ancien.

Vernissage de l'exposition collective "La peur au ventre"

Vernissage de l'exposition collective "La peur au ventre"

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt au bonnet coupé, 1630.
Courtesy Collection Luc Bellier

Time:

15:00-22:00

Description:

Exposition du 26 janvier au 2 février 2020
Du mardi au dimanche, de 11h à 19h
Vernissage le samedi 25 janvier de 15h à 22h

La 69e édition de Jeune Création inaugurera le nouvel espace d'exposition « La chaufferie » de la Fondation Fiminco à Romainville du 25 janvier au 2 Février 2020.

Du samedi 25 janvier au dimanche 2 février 2020, la 69e édition de Jeune Création présente dans l'enceinte de la Fondation Fiminco à Romainville un paysage subjectif de la scène artistique émergente, à travers les projets originaux d'une sélection d'artistes internationaux.

La commission de sélection est composée majoritairement d'artistes bénévoles des éditions précédentes et d'une personnalité invitée.

L'association Jeune Création met l'accent sur les collaborations qui participent au parcours des artistes. Dans cet esprit Jeune Création renforce les mutualisations et le tissage de réseaux d'expériences. Suite à cette 68e édition, plus de trente partenaires indépendants, avec chacun leur identité et leurs moyens, vont accompagner les réalisations des artistes de leur choix au cours de l'année 2020.

Cette constellation de prix indépendants témoigne de la vivacité des initiatives artistiques ainsi que de la multiplicité des circulations entre les acteurs du monde de l'art. Les prix indépendants prendront des formes diverses, mettant en adéquation les souhaits des artistes et des partenaires : résidences, bourses de création, expositions personnelles ou collectives, éditions, mise à disposition d'ateliers, reportage média, ...

Pendant toute la durée de l'exposition
Photographie - Programmation curatée par Pierre-Marie Drapeau-Martin
« Ce qui est encore présent » regroupe une sélection de 10 photographies de 26 artistes et un collectif qui seront présentées sous la forme d'un diaporama photo au sein de l'exposition.

Vidéo - Programmation curatée par Laure Catugier et Guillaume Gehannin
Une sélection de vidéos d'artistes émergents seront présentés au sein de l'exposition.

Les Rendez-Vous de la médiation
Des visites sont oraganisées tous les jours à 14h et 17h et sur simple rendez-vous.

La boutique
Un espace boutique présentant des éditions, des multiples et des œuvres uniques à des prix très accessibles, permet aux passionnés de soutenir l'économie des jeunes artistes.

Liste des artistes sélectionnés :
Manon Balay, Néphéli Barbas, Victoire Barbot, Ludovic Beillard, Francois Bellabas, David Berweger, Cécile Bouffard, Zoé Brunet-Jailly, Madison Bycroft, Tanguy Clerc, Côme Clérino, Daniel Costa, Pauline D'Andigné, Jérôme De Vienne, Hugo Deverchère, Fanny Durand, Elsa Fauconnet, Hilary Galbreaith, Terencio Gonzalez, Juan Gugger, Shani Ha, Sally Hackett, Jingfang Hao, My-Lan Hoang-Thuy, Olivier Jonvaux, Raphael Julliard, Stefanie Kägi, Kitty Kamp, Tzu-chun Ku, Pauline Lecerf, Vincent Lemaire, Gwilherm Lozac'h, Adrian Mabileau, Karen Amanda Moser, Faye Mullen, Chrystele Nicot, Deirdre O'Leary, Gwendoline Perrigueux, Emilie Pierson, Justine Pillon, Anthony Plasse, Plume Ribout Martini, Winnie Rielly, Guilhem Roubichou, Matthieu Sanchez, Stefanie Schwarzwimmer, Raphael Sitbon, Marcos Uriondo, Camille Varenne, manuel vieillot, Charlotte Vitaioli, Michael Wall, Dagmar Weiss, Takeshi Yasura, Manuel Zapata, Mathieu Zurcher.

Vernissage Samedi 25 janvier 15:00 - 22:00
19h : Dévoilement des prix indépendants

Jeune Création - Les Universités de la Jeune Création
Rencontre Dimanche 26 janvier 15:00 - 19:00
Débats entre partenaires, artistes et public.

Jeune Création - Projection vidéos
Evénement Mardi 28 janvier 19:00 - 22:00
Projection vidéos de la programmation organisée par Laure Catugier et Guillaume Gehannin.

Jeune Création - Performances
Performance Samedi 1 février 17:00 - 19:00
Performances - Fondation d'entreprise Ricard

Jeune Création - Les Universités de la Jeune Création
Rencontre Dimanche 2 février 15:00 - 19:00
Débats entre partenaires, artistes et public.

Vernissage de la 69ème édition de Jeune Création

Vernissage de la 69ème édition de Jeune Création

Time:

16:00-20:00

Description:

25 janvier - 22 février 2020
Vernissage le 25 Janvier de 16h à 20h

Des rues désertes. Aux carrefours clignotent encore des feux de circulation. Les vitrines des magasins, pillées, vidées, ont déversé leurs bris de verre sur la chaussée où gisent des chiens affamés. Dans une maison abandonnée grésille un poste de télévision laissé allumé tandis qu'au loin, terrible et menaçante, la montagne tremble et fume, annonçant le pire.

Fermez les yeux et voyez ces images qui flottent au revers des paupières. Elles glissent comme des ombres, se figent un instant avant de s'évanouir. Fixez à présent le ciel clair et les astres qui s'y accrochent. Voyez comme ils s'alignent et profilent les destins des hommes. Saisissez au passage la volée d'étourneaux qui, au-dessus de la ville, forment des augures indicibles. D'aucuns y décèleront des avertissements, des prémonitions. De ces images qui nous guettent et nous hantent ; qui conservent leur mystère, tracé d'un trait dans l'indistincte nuit du temps. Quelle qu'en soit la nature, elles surnagent entre deux mondes. Quel que soit l'ordre du monde, elles en signalent une autre version possible. A l'envers et à rebours.

Durant l'été 1976, Werner Herzog se rend à Basse-Terre, en Guadeloupe. Toute la ville vient d'être évacuée alors que le volcan de la Soufrière menace d'exploser. Informé de la présence sur place de plusieurs habitants ayant refusé de partir, le réalisateur allemand décide d'aller à leur rencontre et de filmer les dernières heures de la ville. Les images qu'il nous lègue sont celles d'une cité fantomatique, pétrifiée par le silence. C'est Pompéi retrouvée avant même sa disparition.

De ces images spectrales, Aurore Pallet fait collection, cheminant à travers elles comme en un territoire saturé. Elle y prélève des fragments qu'une accumulation intuitive épuise avant de les métamorphoser. Chaque œuvre de cette nouvelle série renferme ainsi plusieurs fantômes, qu'accaparent et saisissent les passages successifs de peinture à l'huile. Ici, un souvenir de carte postale se superpose au langage : une phrase comme un écho captif de l'image qui la frôle. Ailleurs, la trame affleure ou se résorbe, scintillante ou hésitante. Non sans douceur, le chaos des réminiscences se substitue à toute cohérence et laisse poindre alors les signes étranges d'un renversement à venir. L'imposture du temps se révèle et la ligne courbe que les œuvres d'Aurore Pallet tracent à travers lui semble vouloir signaler que c'est toujours la fin d'un monde. Et que tout cela a peut-être déjà eu lieu.

Dernières images des fumées de souffre. Dernier travelling sur un paysage de début du monde. Mais rien n'advient et le volcan se rendort. Alors la voix du narrateur conclut : « Maintenant, ce sera un documentaire sur une catastrophe inévitable, qui ne s'est jamais produite. »

1 Les passages en italique font référence au documentaire de Werner Herzog « La Soufrière » (1977)

Thibault Bissirier, décembre 2019

Vernissage d'Aurore Pallet "Les terres jaunes"

Vernissage d'Aurore Pallet "Les terres jaunes"

Aurore Pallet, Sans titre, 2019
Huile sur papier marouflé sur toile - 120 x 100 cm
Courtesy of the artist & Galerie Isabelle Gounod, Paris

Time:

16:00-20:00

Description:

Commissaire :
Henri-François Debailleux

Sur une proposition de Kim Back Sung - SEMY -

Vernissage
Samedi 25 janvier, 16h/20h
Exposition
25 janvier > 22 février 2020

Vernissage de Kim Chun Hwan

Time:

17:00-21:00

Description:

25 janvier - 28 mars 2020
du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous
Vernissage samedi 25 janvier de 17h à 21h

Pour son retour à Paris où elle a souvent exposé et a même séjourné quelques temps en résidence à la Cité Internationale des Arts, l'artiste estonienne Katrin Koskaru propose une installation immersive qui prolonge ses réflexions et expérimentations autour des limites de la représentation en peinture, tout en les ouvrant à l'appréhension de sa physicalité, et, conséquemment, sa profonde humanité.

Bien sûr, il y a toujours, au-dessus de son bureau, dans son atelier niché au cœur du dédale de couloirs et de pièces de la Bibliothèque Nationale d'Estonie, des coupures de presse et des images des conflits en cours, des drames écologiques qui y sont souvent associés, et aux murs, des collages où celles-ci disparaissent, effacées, ou partiellement recouvertes de peintures. (...) On retrouve partout dans les sources de Katrin Koskaru, cette même fascination pour les trésors de beauté déployés afin d'assoir toute forme de domination. L'architecture constitua longtemps un point de départ édifiant, au propre et au figuré, pour l'artiste qui en souligne souvent le rôle symbolique majeur dans la construction (et la destruction d'ailleurs) des idées/discours politiques.

Les nouvelles propositions plastiques de l'artiste délaissent la forme-tableau, et investissent les espaces d'exposition où elle est invitée à intervenir. Elle y installe des pans et/ou des rouleaux de tissus travaillés à la colle, à l'encre et à la peinture par tant et tant de passages qu'ils en ressemblent à des bâches plastiques aux arrangements chromatiques pourtant trop lumineux, trop complexes, pour de tels matériaux. Là encore, adossés contre les cimaises, les objets picturaux produits évoquent des corps fatigués - une stase en plein mouvement chorégraphique.

- Extrait du communiqué de presse, L'ahah, décembre 2019

« Dans la rue de l'un des espaces d'exposition de L'ahah, il y a un coiffeur. À l'intérieur, entre les miroirs et la vitrine, sont fixés trois crochets où pendent des serviettes - une verte, une bleue, une orange vif. Je n'ai pas vu tout de suite que c'était un salon de coiffure, ni même de serviettes. À la place, j'ai pensé : une galerie, une œuvre, un rythme coloré sous l'éclairage trop blanc, une réussite, entrons. C'est là que j'ai compris.

Quelques minutes plus tard, à L'ahah, j'ai appris que les pièces de Katrin Koskaru prendraient forme sur les lieux de l'exposition, au moment du montage. Les anticiper était impossible puisque la pratique de Katrin était en train de se modifier entièrement. On savait seulement qu'il s'agirait de tissus retravaillés installés dans l'espace par l'artiste - des toiles colorées devenant volumes, des effets de densité, des transparences, des présences.

En repartant, je me suis dit que parler des trois tissus sous la lumière du salon de coiffure serait une des manières d'écrire sur l'exposition sans mentir, de cheminer sur ses bords, de viser à côté sans la manquer tout à fait. »

- Nina Léger, texte écrit pour l'exposition The line of little figures, L'ahah, #Moret, 2019

Vernissage de Katrin Koskaru "The line of little figures"

Katrin Koskaru

Time:

17:00-21:00

Description:

25 janvier - 28 mars 2020
du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

Vernissage samedi 25 janvier de 17h à 21h
Performance inédite de Eric Giraudet de Boudemange à 19h

Résolument radicale dans son accrochage, l'exposition personnelle de Ran Zhang, Resolution of Traits, déploiera dans l'espace immaculé de L'ahah #Griset des pièces de la nouvelle série d'œuvres éponymes de l'artiste. Chacune de ces œuvres s'inspire de modélisations scientifiques de protéines motrices disponibles en ligne sur des sites dédiés : des banques de vues en trois dimensions telle la Protein Data Bank où la communauté scientifique planétaire peut les télécharger, les utiliser avec différentes combinaisons de couleurs (dont la fonction n'est en aucun cas symbolique mais purement pratique, permettant dès lors de parer ces fascinantes arborescences d'une touche résolument psychédélique) mais également contribuer en en ajoutant et/ou améliorant certaines... Chaque œuvre rejoue une image d'un fragment, isolé sous un certain angle et selon des choix formels spécifiques (avec ou sans ombre, brillance, quadrillage, etc.) d'une modélisation de protéine motrice (...) Poursuivant sa réflexion sur ce que serait une méta image, l'artiste brouille peut-être ici encore davantage la lecture. Sont-ce de réelles modélisations scientifiques ? Ces impressions ont-elles été retouchées et si oui, à l'aide d'un pinceau numérique ou bien d'encre et de peinture dilués ? (...)
Dans l'atelier berlinois de Ran Zhang, il y a, évidemment, un microscope. L'artiste y soumet quotidiennement le banal et l'extraordinaires, avide des visions proprement incroyables qui adviennent là. Nombre de ses œuvres en témoignent d'ailleurs. Pourtant, c'est sur Internet qu'elle aspire la matière première de Resolution of Traits, complexifiant encore l'analyse de l'image d'une réflexion sur le partage et la transmission des connaissances.

- Extraits du communiqué de presse, L'ahah, décembre 2019

"Ran et moi avons entamé un dialogue intéressant sur l'idée de boucle dans son travail. Chaque fois que Ran regarde dans son microscope, elle peut voir ses propres cils projetés à l'envers et les myodésopsies fixées sur les sujets observés. Elle voit à travers son propre corps les sujets étudiés de l'autre côté des lentilles. La micro-perspective est à jamais enfermée dans la possibilité de la machine, de même que la perspective atomique est à jamais enfermée dans la connaissance (biologie, chimie, etc.). Ainsi, les formes peintes qu'elle crée sont d'une part, ses propres myodésopsies combinées avec ce qui pourrait être vu, et d'autre part, elles marquent et tracent l'emplacement où la vue peut atterrir sur les structures moléculaires en 3D, faisant de l'information (ces structures moléculaires 3D de la protéines motrices) une image. Les sources deviennent des matériaux ou des objets à entrelacer. Le travail (les photos) est une possibilité de voir ces connexions en une seule fois."

- Julia Geerlings, texte écrit pour l'exposition Resolution of Traits, L'ahah #Griset, 2019.

Vernissage Samedi 25 janvier 17:00 - 21:00
A l'occasion du vernissage de l'exposition personnelle de Ran Zhang « Resolution of traits » l'artiste Eric Giraudet de Boudemange proposera à 19h une performance inédite, en dialogue avec le travail exposé. Les deux artistes feront le récit d'une métamorphose contemporaine empreinte de mythologie, de science et de culture pop.

Les œuvres d'Eric Giraudet de Boudemange naissent d'un travail de terrain, une recherche ethnographique qu'il transforme à l'atelier en récits personnels et poétiques. Elles prennent diverses formes: films, installations, sculptures, performances, jeux vidéos. Son travail s'articule à travers des réflexions autour du folklore et des savoirs séculaires dans un contexte économique et culturel globalisé.

Vernissage de Ran Zhang "Resolution of Traits"

Vernissage de Ran Zhang "Resolution of Traits"

Ran Zhang, Resolution of Traits, 2019

Time:

18:00-21:00

Description:

25 janvier - 29 février 2020
Vernissage le 25 janvier de 18h à 21h

Scènes dans une bulle de cristal - Seen in a crystal ball

La description par Bosch des plaisirs du monde [...] est d'abord un appel adressé au spectateur pour qu'il restaure la capacité originelle de l'homme prélapsaire de pratiquer une vision spéculative, c'est-à-dire pour qu'il libère son esprit et puisse voir au-delà du monde illusoire et fantasmatique induit par le mal.1

Pour commencer la nouvelle année avec quelques réflexions sur un monde idéal, la galerie Chantal Crousel présente Scènes dans une bulle de cristal - Seen in a crystal ball, une exposition qui invite le visiteur à explorer des œuvres offrant quelques suggestions pour transcender l'univers dont nous faisons partie autour de la figure tutélaire de Bosch.

Fluides ou trajectoires gelés dans du verre, ces turbulences contribuent à un présent, un futur qu'elles propulsent. Le parcours d'une goutte d'eau, les phénomènes métaphysiques, le tangible ou encore le passage par la chambre noire et la cristallisation capturent un éternel présent.

Le visiteur est confronté à de nouvelles dimensions, à un environnement qui annonce les passages des ouragans (Haegue Yang), à une expérience sonore contemplative (Tomoko Sauvage), à une distillerie d'eau de rose (Rirkrit Tiravanija) et à des globes transcendants (Melik Ohanian). Les univers mis en scène par ces artistes sont à la fois parallèles et convergents. Les œuvres de Abraham Cruzvillegas, David Douard et Liliane Lijn nous encouragent à dépasser le familier et à nous refléter dans le réel pour mieux l'explorer. José María Sicilia, Anri Sala, Jean-Luc Moulène et Willem de Rooij transgressent les limites physiques de la matière et leur confèrent des existences nouvelles.

L'illusion contribue à libérer l'esprit. Les sculptures de Mona Hatoum et de Hassan Khan évoquent une cristallisation de l'instant, parfait et vulnérable. Comme décrit dans Le manifeste cristalliste 2 signé par l'artiste soudanaise Kamala Ibrahim Ishag, la perception du temps et de l'espace se doit de rester infinie.

Il n'y a pas d'expérience ordinaire. De même dans les instantanés des photos énigmatiques de Hassan Khan, Gabriel Orozco et Wolfgang Tillmans.

Cette exposition se concentre sur une représentation intérieure et extérieure du monde. Elle fait écho au voyage infernal de l'humanité, tel qu'évoqué dans Le jardin des délices de Jérôme Bosch.

1 Bosch, Le jardin des délices / Reindert Falkenburg ; traduit de l'anglais par Jean-François Allain, Paris : Hazan, DL 2015, 279 pages. Page 13.

2 Le manifeste cristalliste, cosigné par Muhammad Hamid Shaddad, Kamala Ibrahim Ishag et Naiyla Al Tayib a été publié pour la première fois en arabe à la fin des années 1970.

Time:

18:00-20:00

Description:

25 JANVIER - 29 FEVRIER 2020
VERNISSAGE SAMEDI 25 JANVIER 2020, 18 - 20H

Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter Self-ironing Pants and Other Paintings une exposition de nouvelles oeuvres de l'artiste Américain David Salle. Dans cette série de tableaux, David Salle aborde l'espace de façon radicalement nouvelle en juxtaposant des caricatures tirées de numéros du New Yorker des années 1950, et des objets du quotidien démesurément agrandis. En jouant sur ces différents régimes d'images, Salle déploie un univers plein d'humour caractérisé par une succession de saynètes en suspens - comme si une histoire interrompue devait recommencer à un autre endroit. Ces images sont à l'origine d'un univers pictural délibérément fragmentaire, un ensemble de différents codes picturaux qui rappellent le vocabulaire du Pop Art, du Surréalisme, et de l'Expressionnisme Abstrait.

Dans les peintures de David Salle des objets aux couleurs vives issus du monde publicitaire flottent les uns devant les autres dans un espace virtuel, tantôt grossièrement agrandis, tantôt présentés à l'envers ou de biais. En combinant des images apparemment sans rapport les unes avec les autres - des voitures, des aliments, des cigarettes ou des tasses de café - Salle joue avec l'attente esthétique du spectateur. Il attire son regard simultanément sur plusieurs éléments aux effets de style contrastés, traduisant parfois une dynamique d'accélération ou de ralentissement, entre réalisme et abstraction. « Depuis que j'ai commencé à peindre, j'ai essayé d'obtenir une forme de fluidité et de surprise dans la manière dont les images se connectent, la simultanéité du montage cinématographique dans la peinture. » (David Salle, 2003)

Le titre de l'exposition Self-ironing Pants and Other Paintings évoque une forme de distanciation ironique vis à vis des images qui nous sont présentées, distanciation renforcée par l'humour parfois grinçant des caricatures du New Yorker. Ces oeuvres remettent en question la notion même de narration, en présentant divers fragments liés aux stéréotypes du mode de vie américain des années 1950 et 1960. Revenant sur cette série, David Salle précise: « Ce n'est pas historiser le moment présent ou un passé récent; c'est la reconnaissance que 'la grande déstabilisation' a déjà eu lieu. »

Pour David Salle, la peinture, comme le langage ou la poésie, réside dans la mise en exergue de différents éléments opposés: « la compression, la juxtaposition, la simultanéité, la résistance à tout élément définitif, la dissonance [...] Elle fait usage libre de surprenants ou brusques moments de transitions et de juxtapositions. Peindre c'est chercher à distiller des blocs entiers d'émotion et des expériences complexes dans un seul détail révélateur, là où le fragment rappelle à un tout. » L'oeuvre de David Salle produit un effet kaléidoscopique qui reflète le flux constant de nos pensées, sentiments et impressions, tout en constituant une représentation à la fois intense, énergétique et humoristique de notre expérience contemporaine.

A propos de l'artiste

David Salle est né en 1952 à Norman, Oklahoma aux Etats-Unis. Il vit et travaille à Brooklyn, New York. Il fait ses études au California Institute of the Arts sous la direction de l'artiste conceptuel John Baldessari où il apprend les techniques cinématographiques qu'il reprendra dans ses toiles, tel que le montage.

Au début des années 1980, il est l'un des protagonistes de la Pictures Generation, un groupe d'artistes américains remettant en question l'idée d'authenticité et d'appropriation en détournant des images issues de la société de consommation en réaction à l'art minimal et conceptuel.

Les peintures de David Salle se font remarquer par une juxtaposition d'éléments extraits de la culture populaire : la bande dessinée, la publicité, le graffiti et d'images issues de l'histoire de l'art. « David Salle se moque de l'histoire de l'art, traitant le canon de l'art mondial comme un gigantesque catalogue écorné poussant à la consommation. Les sélections de Salle de ce catalogue sont d'une brillante perversité. Les connections entre chaque élément individuel ne sont pas évidentes, et tout brille avec ironie et une mélancolie presque glaciale. » écrit Janet Malcolm dans The New Yorker en 2014.

Les oeuvres de David Salle sont présentes dans les collections permanentes de nombreux musées à travers le monde : Museum of Modern Art, New York; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Museum of Contemporary Art, Chicago; Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, New York; Tate Modern, Londres; National Gallery of Australia, Canberra.

Depuis sa première exposition personnelle muséale au Musée Boymans-van Beuningen, Rotterdam, en 1983, David Salle a exposé dans de nombreux musées internationaux : Whitney Museum, New York; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; le Museum of Contemporary Art, Chicago; Stedelijk Museum, Amsterdam; Menil Collection, Houston ; Dallas Contemporary, Dallas ; Haus der Kunst, Munich; Tel Aviv Museum of Art ; Castello di Rivoli, Turin; Kestner Gesellschaft, Hanovre; Guggenheim de Bilbao ; Centre d'Art Contemporain de Malaga. Il a participé à de nombreuses expositions internationales telles que documenta 7 (1982), à la Biennale de Venise (1982 et 1993), à la Biennale du Whitney (1983, 1985 et 1991) et au Carnegie International (1985).

En 2017, il a fait partie des expositions thématiques Fast Forward Paintings from the 1980s au Whitney Museum of Art, New York et en 2018 Third Space/Shifting Conversations about Contemporary Art au Birmingham Museum of Art, Birmingham, USA.

David Salle est aussi un essayiste prolifique sur l'art. Ses essais et interviews sont publiés par Artforum, Art in America, Modern Painters, Town and Country, The Paris Review et The New York Review of Books ainsi que dans de nombreux catalogues d'expositions et anthologies. Son dernier recueil d'essais critiques, How to See, a été publié chez W.W. Norton en 2016.

Vernissage de David Salle "Self-ironing Pants and Other Paintings"

Vernissage de David Salle "Self-ironing Pants and Other Paintings"

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 25 janvier au 20 février

Les œuvres de Laurie van Melle se situent au croisement de l'univers domestique et de l'abstraction. Si les objets familiers sont toujours le point de départ, ces motifs-source sont systématiquement condensés en des représentations schématiques minimum, avant d'être transposés en peinture ou en volume. En résultent des œuvres aux formes nettes et géométriques, où cohabitent vocabulaire abstrait et présence figurative.

Sheets est une série de tableaux jouant sur l'ambiguïté entre abstraction et représentation. Largement inspirés par l'abstraction géométrique et par les artistes post-modernes qui ont interrogé ce courant (John Armleder, Bertrand Lavier, Daan van Golden, plus récemment Quentin Lefranc), ils cherchent la limite où le vocabulaire abstrait vient se heurter aux représentations. La forme non-orthogonale du châssis, qui évoque un bloc en perspective, est un indice qui pousse à chercher un sens à la forme, à voir le tableau en dehors de la catégorie « art abstrait » ; on y reconnaît alors éventuellement la forme d'un lit, le motif faisant presque office de couvre-lit. Ce court-circuitage de la représentation, qui a lieu non pas au niveau de ce qui est peint mais dans le rapport entre la forme du tableau et son motif, reconnecte l'œuvre avec une fonction figurative et souligne la frontière ténue entre motif abstrait et tissu d'ameublement, entre artistique et décoratif.

Laurie van Melle est née en 1993 à Lille. Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2019, elle vit et travaille à Paris, où elle est en résidence à la Cité Internationale des Arts.

Vernissage de Laurie van Melle "HM SWT HM (Home Sweet Home)"

Vernissage de Laurie van Melle "HM SWT HM (Home Sweet Home)"

Laurie van Melle, Sheets #7
Huile sur toile - 82 x 59 cm
Courtesy of the artist & Galerie Laure Roynette, Paris

Time:

18:00-21:00

Description:

Vernissage samedi 25 janvier de 18h à 21h en présence des artistes
exposition jusqu'au 22 février

La Galerie LJ présente « 980 Degrés », une exposition consacrée aux trois céramistes parisiens Agathe Brahami Ferron (née en 1992), Julien Cadou dit EARL (né en 1974) et Etienne Pottier (né en 1983).

980 degrés - température de première cuisson dite «biscuit» de la céramique - rassemble des installations murales, des totems, des personnages grandeur nature, des armures exubérantes, le tout présenté sous la forme d'une joyeuse conversation dont la narration en filigrane lie le travail profondément figuratif de ces trois artistes attachés à l'image à 180 degrés.

Après l'obtention d'un Diplôme National Supérieur d'Arts Plastiques en 2016, Agathe Brahami Ferron effectue un post-diplôme à l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris au sein de l'atelier Claude Dumas. Lauréate de la Biennale de la jeune création de Houilles en 2018, elle conçoit sa première exposition personnelle, « Woolloomooloo Bay », lors de sa résidence à La Graineterie à Houilles en 2019. Agathe Brahami Ferron tire son inspiration d'une observation du réel. Axée sur une recherche technique, formelle et picturale, sa pratique quasi exclusive de la céramique lui permet de mener, avec des oeuvres figuratives, une réflexion sur des enjeux sociologiques, psychologiques et environnementaux contemporains. La notion de conscience de soi est ici centrale, portant en elle les codes et contraintes qui encadrent la perception que nous avons de nous-mêmes et des autres, notre relation au corps

Attiré par l'art modeste, les travaux d'Hervé Di Rosa ou de Grayson Perry, JC Earl a développé une sensibilité particulière pour l'art populaire. S'il privilégie la sculpture comme moyen d'expression principal - il pratique la céramique depuis l'âge de 8 ans - il s'affirme également par la peinture et l'illustration. Se voyant comme un animal instruit, il a aiguisé au fil des ans son écriture « énervée » pour s'exprimer « par urgence ». Depuis quelques années, il présente de façon volontaire les œuvres qu'il sculpte avec le ventre, proposant un art « cru, mais un peu éduqué ». Issu de la culture graffiti et d'univers multiples, l'artiste développe un imaginaire habité de monstres de terre, d'une gent héroïque de lapinozores grotesques et de super-héros déglingés. Armées de sourires féroces, ses figurines expressives surprennent par les détails incongrus et croustillants de leurs costumes vernis et colorés. En tant que céramiste, il s'intéresse à la matière, l'accident, à l'imperfection : tout ce qui donne une expression et une personnalité à son travail.

Diplômé de l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 2009, Étienne Pottier commence dans le milieu du roman graphique indépendant, puis se lance dans la photographie, délaissant le dessin quelques années. Il y revient malgré tout en montant un atelier de gravure, puis découvre la céramique qu'il pratique rageusement depuis. Inﬂuencé tant par les gravures apocalyptiques de Dürer que par les peintures acidulées de Peter Doig, Étienne Pottier crée un univers sombre et fantasque : il aspire à traiter les sujets prosaïques d'une manière spirituelle, à conférer à des thèmes quotidiens une dimension presque sacrée, sans pour autant y déceler une portée religieuse.

Vernissage de l'exposition "980 Degrés"

JC Earl

Etienne Pottier

Vernissage de l'exposition "980 Degrés"

Agathe Brahami-Ferron

Vernissage de l'exposition "980 Degrés"

JC Earl

Etienne Pottier

Vernissage de l'exposition "980 Degrés"

Etienne Pottier

Time:

18:00-22:00

Description:

Du 25 au 31 janvier

Time:

18:00-21:00

Description:

One of the crucial debacles of our time revolves around national borders, ironically these boundaries that so strongly define human existence are merely a construction. It is often factors such as history, power or economics that help institutions impose these notions upon us. Our upcoming exhibition 'Radical Hope' aims to reiterate the place of art as a tool for resistance against these forces. The works of Uriel Orlow, Carlos Motta, Rossella Biscotti, Bouchra Khalili, Teresa Margolles, Marwa Arsanios, Daniel Otero Torres and Paz Errázuriz explore the complexities that surround us while proposing new ways of understanding the challenges of today. 'Radical Hope' opens January 25 at 6pm

Vernissage de l'exposition "Radical Hope"

Vernissage de l'exposition "Radical Hope"

Time:

18:30-21:00

Description:

Le CSC Madeleine Rebérioux accueillera la 11e édition de l'Exposition des photographes amateurs du Val-de-Marne, autour du thème "Double je", du lundi 20 janvier au jeudi 6 février 2020.

Rendez-vous annuel incontournable, il rassemble une sélection de photographies et textes de qualité, riches en émotion et humour. Ce sera également l'occasion de découvrir une sélection de photos des Lusitanos de Créteil, par les photographes de Photovision France. Médiation et visites adaptées sont proposées aux groupes sur réservation au 01 41 94 18 15.

Vernissage le samedi 25 janvier 2020 à 18h30

Informations au 01 41 94 18 15 ou par mél à photovisionfrance2014@gmail.com

>> en savoir plus sur Photovision France
https://www.facebook.com/PhotovisionFrance-157541131109864/

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Proclamation de la république en 1950

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Vivez Nature, le salon de l'écologie urbaine vous donne rendez-vous à la Grande Halle de la Villette en janvier 2020 avec ses 130 exposants et 80 animations.
Votre entrée vous donne également accès à Permae, le premier salon de la permaculture, de l'agroécologie et du jardinage au naturel.

>> Téléchargez votre entrée gratuite

Salon Vivez Nature

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Du jeudi 23 au dimanche 26 janvier

avec Muggsy Bogues

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Débarquement des premiers colons anglais en 1788

Time:

11:00-17:00

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Créé en 1920 pour honorer l'engagement des Etats-Unis dans la Première Guerre Mondiale, le Grand Prix d'Amérique est la plus grande course de trot au monde. Epreuve reine du trot attelé, elle met aux prises les dix-huit meilleurs cracks mondiaux sur une distance classique de 2700 mètres.

www.prix-amerique.com

Time:

14:00-18:00

Description:

Dans le cadre du Nouvel An Chinois à la Mairie du 3e

Une semaine festive et culturelle sous le signe du rat de métal.

Du 3 au 8 FÉVRIER
Exposition des oeuvres des élèves du Centre d'Art de Pékin
et du Guanzhou

MARDI 4 FÉVRIER
19h : En partenariat avec la semaine LGBT chinoise, conférence de Yu Zhou, Qing et Zhang Yi sur l'humour en Chine : les différentes formes d'art comique, peut-on rire de tout en Chine ? www.facebook.com/semaineLGBTchinoise

MERCREDI 5 FÉVRIER (programme dédié aux enfants)
12h : Cours de danses folklorique par l'association France Chine Culture
13h : Cours de yoga
14h : Atelier de découpe de papier
15h-16h30 : Lecture de contes et fabrication d'une marionnette dragon à la bibliothèque Marguerite Audoux (à partir de 7 ans sur réservation au 01 44 78 55 20)
17h : Spectacle musical d'enfants par l'association des petits
trilingues

JEUDI 6 FÉVRIER
19h : Soirée des voeux à la communauté chinoise qui débutera par la danse du Lion dans la cour d'honneur de la mairie suivie d'un spectacle de danses traditionnelles salle des fêtes par l'association des chinois résidents en France et l'association pour les Échanges Artistiques entre la France et la Chine

VENDREDI 7 FÉVRIER
19h : Concert de piano par l'association France Chine Culture

SAMEDI 8 FÉVRIER
9h-13h : Ateliers sportifs enfants/adolescents : Gongfu,
arts martiaux, hip-hop, Kpop.
Ateliers culturels intergénérationnels : la calligraphie et la
peinture chinoise, la langue chinoise

DIMANCHE 26 JANVIER
14h : Rendez-vous sur la place de la République pour le célèbre défilé du Dragon. Avec maquillages pour enfants gratuits de 10h à 12h au siège de l'association Pierre Ducerf 29, rue Michel Le Comte 75003 Paris.

Toutes les activités ont lieu à la Mairie du 3e sauf les contes du mercredi 5 février qui auront lieu à la bibliothèque Marguerite Audoux et les festivités du dimanche 26 janvier.

Entrée libre