Germain Pire - Week from February 17, 2020 to February 23, 2020

Description:

Jour de l'Indépendance
Dita e Pavarësisë

Time:

18:30-21:00

Description:

du mardi 18 février au samedi 28 mars 2020
Horaires: 11:00 - 19:00 du mardi au samedi
Vernissage le lundi 17 février à partir de 18h30

Commissariat : Eric Troncy

Nina Childress (née en 1961 à Pasadena, USA), vit et travaille à Paris. Elle enseigne la peinture depuis octobre 2019 à l'École nationale supérieure d'art de Paris.
Ex-égérie du groupe punk « Lucrate Milk », Nina Childress partage dans les années 80 l'aventure collective des Frères Ripoulin qu'elle croise dans les locaux du journal culte de l'époque, Actuel.
De cette époque Nina Childress garde un goût pour l'accrochage et la mise en scène foutraque qu'elle décline dans la plupart de ces expos, jusqu'à celle-ci, qui sous l'impulsion d'Eric Troncy, fait volontairement le ménage pour donner à voir la peinture et elle seule. « Une peinture conceptuelle et idiote à la fois » qui s'illustre dans les versions « good » et bad » de ses tableaux.

Vernissage de Nina Childress "Lobody Noves Me"

Vernissage de Nina Childress "Lobody Noves Me"

Nina Childress, BE (07) (fourrure), 2016. 100 x 81 c. Huile sur toile. Courtesy de l'artiste et Galerie Bernard Jordan (Paris / Zurich) © Aurélien Mole / ©ADAGP, Paris, 2020

Time:

20:00-22:00

Description:

en présence d'Elisabeth Moss

Description:

Fête nationale de Gambie

Time:

18:00-21:00

Description:

Exposition collective du 14 au 27 février
Vernissage le mardi 18 février de 18 à 21 heures
Remise des prix le soir du vernissage à 19h30 en présence du jury

Time:

18:30-21:00

Description:

Mayfly Gallery x Artistik Rezo

Une galerie & une exposition éphémères créées par le MBA marché international de l'art de l'ICART

L'ICART, école du management, de la culture et du marché de l'art a le plaisir de vous convier à la première exposition de la nouvelle galerie éphémère de ses étudiantes en MBA Marché International de l'art. La Mayfly Gallery vous donne rendez-vous du 18 février au 20 février à la galerie Artistik Rezo au 14 rue Alexandre Dumas dans le 11eme arrondissement de
Paris pour célébrer le corps. Venez vous faire charmer par les oeuvres d'artistes variés de notre époque à travers différents médiums.

LES ARTISTES :

After Affect
Sylvie bonnot
Moana Brechoteau
Diane Dedoyan
Juliette Defrance
Herman Friis
François Henri Galland
Harold Harman

Simon Lambrey
Laurent Kohler
Mara & No Luck
Clothilde Matta
Garance Matton
Marianne Mauclair
Ozmo
Gil Rigoulet
Emmanuel Saada
Souhayl
Laura Spiessert

L'EXPOSITION :

L'exposition Corpus met à l'honneur un sujet à la fois universel et très actuel : la corporalité.
La corporalité exprime, comme l'explique Frans Veldman dans Haptonomie en 2007, l'intégralité/l'unité psychophysique typiquement personnelle de l'individu qui, en se représentant, rend manifeste sa manière-d'être corporellement dans le monde, c'est-à-dire la façon particulière dont il use de son existence corporelle et dont il l'a intégrée dans son être-là. En d'autres termes, les artistes présentés questionnent et dépeignent la conscience d'avoir un corps et/ou d'être un corps.

De quelle manière notre actualité et notre époque contemporaine in-corp(s)-porent t-elles aujourd'hui notre corps ? Est-il sur inervé, connecté par le flux incessant des informations qu'il reçoit telle une ville saturée de réseaux ? Est-il une matrice où les signes s'inscrivent ? Est-il un organisme donnant à voir la synthèse, le miroir de notre temps ? Ou bien encore la partie prenante du monde auquel il appartient ?

Corpus aspire à créer un corpus d'oeuvres de jeunes artistes et d'autres plus confirmés dont le corps est au centre des recherches spirituelles et formelles.

Dans un monde contemporain où le corps est fortement sexualisé et commercialisé, caractérisé par dichotomie, souvent idolâtré, critiqué, stigmatisé, maltraité, les artistes présentés dans Corpus aspirent à dépeindre le monde dans lequel ils évoluent en se détachant des aspirations antiques Gréco-romaines du corps parfait, ou des représentations réalistes du siècle des Lumières, mais en s'inscrivant plutôt dans les interrogations de l'art corporel du XXe siècle. Afin de comprendre et d'accepter notre propre corps, chaque artiste délivre une manière intime et unique d'appréhender le monde.

L'exposition de MayFly Gallery donne à voir la variété de postures que le corps envisage. Ce panorama plastique montre ainsi le degré de disponibilité du corps face au monde et à lui-même.

Vernissage de l'exposition "Corpus"

Description:

Fête nationale du Népal

Time:

18:00-20:00

Description:

Éditions RVB Books, 2019

Dans le cadre de l'exposition de Sabrina Vitali "Fabrica"

Résidence LVMH Métiers d'Art
Curator Léa Chauvel-Lévy

30 janvier - 22 février 2020

"Mon travail se déploie comme une image ouverte sur les profondeurs d'un corps vivant, offrant au visiteur cheminant, une expérience intérieure. Il est une réflexion sur la naissance des formes et les différents temps de l'œuvre, de la fabrication à la destruction, pour constituer un cycle de métamorphoses. Mes pièces sont des entités baroques pensées comme des architectures vivantes, activées par des performances, ou simplement par la déambulation des visiteurs. Elles sont élaborées dans un mouvement de va-et-vient de la structure à de la surface, de l'ossature au drapé, selon un processus de fabrication ritualisé, qui participe du sens et de la poésie des formes qu'il engendre."

Sabrina Vitali - Née en 1986 à Thionville. Vit et travaille à Paris.
Diplômée de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2010, Sabrina Vitali effectue de nombreuses résidences. Elle a remporté le 32ème Prix International de la Fondation Takifuji en 2011. Elle a participé à plusieurs expositions collectives, notamment au Palais de Tokyo en 2018, et a déjà réalisé plusieurs expositions personnelles en France et également au Japon.

Exposition réalisée en partenariat avec LVMH Métiers d'Art

Vernissage de Sabrina Vitali "Fabrica"

Time:

21:00-23:55

Description:

Du 21/02/2020 au 17/05/2020
À découvrir de midi à minuit, tous les jours sauf le mardi

Pour cette nouvelle exposition au Palais de Tokyo, Ulla von Brandenburg (née en 1974 à Karlsruhe, vit et travaille à Paris) a imaginé un projet total et évolutif, inspiré du théâtre, de son imaginaire et de ses conventions. Autour de la notion de rituel, entendue comme possibilité d'explorer les relations entre l'individu et le groupe, de créer ou non du commun, l'artiste invite le public à prendre part à une expérience immersive et renouvelée des thèmes, des formes et des motifs qui irriguent son œuvre : le mouvement, la scène, la couleur, la musique, le textile...

Installations, sculptures, performances et films spécialement conçus pour l'exposition se répondent et s'enchevêtrent dans un récit ouvert, entre authenticité et artifice, monde naturel et activités humaines, intérieur et extérieur, fiction et réalité.

Comme souvent dans son travail, le public est invité à pénétrer dans les œuvres présentées, à franchir des seuils matérialisés par de larges pans de tissus. Dès le hall d'entrée, une vaste installation de rideaux peints au centre percé d'un grand cercle, comme des dispositifs optiques inspirés par l'ouverture d'un objectif photographique, est ainsi présentée. Ce passage préparatoire, cette traversée du quatrième mur à la fois ouverte et fantasmée vers l'exposition, offre une première immersion dans la couleur, une réflexion sur la nature et la fragilité du matériau mais aussi sur sa capacité à évoquer immédiatement un univers, factice ou réel.

Ce double rapport à l'image, à la construction d'un cadre de représentation et à l'engagement du corps se poursuit dans une très grande installation textile, qui met par ailleurs à jour l'intérêt de l'artiste pour ce matériau transportable et modulable, qui circule, s'échange et se métamorphose au fil des époques et des communautés qui le produisent. Celle-ci se déploie à travers cinq environnements réalisés avec des tissus colorés provenant de pièces antérieures de l'artiste. Chacune de ces cabanes à la géométrie incertaine est dotée d'une fonction ou d'une temporalité : action, figure, rituel, nuit, habitat. Chaque samedi pendant toute la durée de l'exposition, cinq danseur.se.s construisent et déconstruisent ces espaces en manipulant à travers un certain nombre d'actions ritualisées les œuvres-accessoires qui y sont présentées : morceaux de craie surdimensionnés, cordes, cannes à pêche, quilts, poupées jumelles des interprètes, bols, botte de foin, nasses, tissus déchirés envahissant progressivement le sol, etc. L'exposition affirme ainsi sa capacité de transformation, créant des récits sans cesse renouvelés, des combinaisons singulières.

Par des jeux de récurrences de gestes, de costumes et d'accessoires, ces performances hebdomadaires annoncent le film situé au cœur de l'exposition, tourné en pellicule couleur avec ce même groupe de comédien.ne.s / danseur.se.s. au Théâtre du Peuple de Bussang dans les Vosges. Erigé à flanc de montagne à la fin du XIXème siècle, ce théâtre populaire et humaniste, dont la devise inscrite sur le fronton annonce : « Par l'art pour l'humanité » possède entre autres particularités d'avoir un fond de scène s'ouvrant sur la forêt, afin, selon son créateur, « d'assainir l'art par la nature ». En investissant ce lieu chargé historiquement et symboliquement d'un « idéal tout à la fois humaniste et artistique [qui] consistait à créer dans les montagnes vosgiennes une fête théâtrale destinée à l'ensemble du peuple, dans toutes ses composantes sociales », Ulla von Brandenburg imagine un conte comme un rite de passage, une ethnologie fantasmagorique. Il s'agit en effet pour l'artiste de filmer une « micro-société, comme s'il s'agissait de la dernière de son espèce, de témoigner de son fonctionnement, de ses valeurs mais aussi de sa capacité à changer et à s'ouvrir sur l'extérieur. » Elle actualise par ailleurs une pensée du populaire, du commun, de la communauté, cherchant à abolir les distinctions entre le public et le privé, le professionnalisme et l'amateurisme, la sédentarité et le nomadisme, la nature et la culture. On peut alors y voir de nombreuses variations sur la perte, le don, la transmission, l'abandon, la fuite ou encore une chorégraphie sans autre objet qu'elle-même.

Ouvrant sur une dimension plus onirique, la dernière partie de l'exposition est composée d'une installation labyrinthique dont les pans de tissus bleu délavés, eux aussi recyclés, accueillent cinq projections de films tournés sous l'eau dans lesquels des objets (un miroir, un escarpin, une robe...) apparaissent et disparaissent comme à la suite d'un naufrage. En contrepoint au monde terrestre et rural du début de l'exposition, ces visions subaquatiques évoquent alors tout à la fois un au-delà, une disparition de l'humain ou une plongée dans son inconscient.

« Le tissu me permet de camoufler, de cacher, d'habiller le cube blanc du musée et par là de changer les systèmes de valeurs et les cadres de pensée. J'utilise des tissus pour créer des espaces dans lesquels on peut prétendre se trouver ailleurs, tomber pour ainsi dire dans d'autres mondes. (...) Dans un espace où sont suspendus des rideaux, la séparation entre intérieur et extérieur, ou entre différents mondes, devient floue. Et ce flou amène à se demander où l'on est. »
Ulla von Brandenburg

Ulla von Brandenburg

Ulla von Brandenburg est une artiste allemande née en 1974 à Karlsruhe et installée à Paris depuis 2005. Après une formation en scénographie à Karlsruhe et une brève incursion dans le milieu théâtral, elle se forme à la Hochschule für Bildende Künste à Hambourg. Son œuvre se caractérise par la diversité des supports et des médiums (installations, films, aquarelles, peintures murales, collages, performances...) qui se répondent les uns aux autres et qu'elle met en scène en fonction des espaces d'exposition. Maîtrisant parfaitement les codes de la scénographie, nourrie de littérature, d'histoire des arts et d'architecture mais aussi de psychanalyse, de spiritisme et de magie, elle emprunte aussi bien aux rituels ésotériques et aux cérémonies populaires qu'aux mécanismes et aux codes du théâtre pour explorer la construction de nos structures sociales. Masques, costumes, décors et accessoires relevant de différentes traditions populaires lui permettent ainsi de transgresser symboliquement les normes et les hiérarchies en mêlant subtilement la réalité et les apparences dans des mises en scènes théâtrales.

Reconnu internationalement, son travail a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles, comme récemment au MRAC à Sérignan (2019), à la Whitechapel Gallery à Londres (2018), au Musée Jenisch Vevey en Suisse (2018), au Kunstmuseum de Bonn (2018), au Perez Art Museum de Miami (2016) ou encore au Contemporary Art Museum de Saint Louis (2016). Ses œuvres font partie de collections prestigieuses comme celle de la Tate Modern à Londres, du Mamco à Genève, du Centre Pompidou à Paris ou du Mudam à Luxembourg. Son travail est représenté par la galerie Art:Concept à Paris, la galerie Pilar Corrias à Londres, la Produzentengalerie à Hambourg et la galerie Meyer Riegger à Karlsruhe.

Vernissage d'Ulla von Brandenburg "Le milieu est bleu"

Vernissage d'Ulla von Brandenburg "Le milieu est bleu"

Ulla von Brandenburg, C, Ü, I, T, H, E, A, K, O, G, N, B, D, F, R, M, P, L, II, 2019 Tissus teints, cordes, film super 16 mm, couleur, son (10'), dimensions variables photo : Andrés Lejona, Casino Luxembourg courtesy de l'artiste and Art : Concept, Paris

Time:

21:00-23:55

Description:

Du 21/02/2020 au 17/05/2020
À découvrir de midi à minuit, tous les jours sauf le mardi

#KevinRouillard

Kevin Rouillard - Le Grand mur
Lauréat du PRIX SAM pour l'art contemporain 2018

Essentiellement sculpturale, la pratique de Kevin Rouillard est inscrite dans un processus de prélèvement et de récupération, qui questionne d'une part le contexte d'émergence des formes qu'il récupère, et d'autre part les conditions d'apparition des œuvres qu'il crée. Ses grands assemblages de panneaux métalliques, carcasses de bidons brûlés et dépliés, sont pour lui une manière d'évoquer le monde ouvrier et la circulation des biens à travers le monde. Lauréat du Prix Sam pour l'Art Contemporain 2018, Kevin Rouillard a conçu son exposition au Mexique, au cours d'un voyage qui lui aura autant fait rencontrer l'imaginaire sculptural précolombien que la réalité politique d'un pays partageant sa frontière avec les États-Unis. Intitulé « Le Grand mur », ce nouveau projet fait donc résonner le contexte géographique et social mexicain dans la pratique de l'artiste, faite de grands assemblages de tôles monochromes, qui viendront dessiner un paysage absent de signes et de repères.

Kevin Rouillard (diplômé de l'ENSBA Paris en 2014) est né en 1989 à Vendôme. Il vit et travaille à Marseille.

Commissaire : Franck Balland

Cette exposition bénéficie du soutien de :
SAM Art Projects

Vernissage de Kevin Rouillard "Le Grand mur"

Vernissage de Kevin Rouillard "Le Grand mur"

Vue d'exposition, « Le Nouveau Monde Industriel », GALLERIA CONTINUA / Les Moulins, France, 2016 Crédit photo : Oak Taylor-Smith

Time:

21:00-23:55

Description:

Du 21/02/2020 au 17/05/2020
À découvrir de midi à minuit, tous les jours sauf le mardi

#NicolasDaubanes

Nicolas Daubanes - L'Huile et l'Eau
Prix des Amis du Palais de Tokyo 2018

Les sources conceptuelles du travail plastique de Nicolas Daubanes se situent dans l'histoire des formes de résistance et de résilience.
À travers le dessin et la sculpture, ses médiums de prédilection, l'artiste développe depuis plusieurs années une recherche plus spécifique sur la question de l'enfermement et ses conséquences tant physiques que psychologiques. Métaphore d'un monde où la liberté est en constante négociation, cette recherche l'engage à observer la manière dont les dispositifs de contrôle ont envahi les espaces publics mais également privés, et comment certaines stratégies d'opposition s'organisent pratiquement.

Lauréat du Prix des Amis du Palais de Tokyo 2018, Nicolas Daubanes s'est intéressé à différentes manifestations populaires (de la Commune de Paris aux actions récentes pour les droits identitaires) pour extraire des gestes, des slogans et des stratégies de résistance. Il croisera ces citations surgies de la rue avec le langage du rap, autre forme populaire de révolte poétique.

Nicolas Daubanes (diplômé de la HEART Perpignan en 2012) est né en 1983. Il vit et travaille à Marseille.

Commissaire : Franck Balland

Vernissage de Nicolas Daubanes "L'Huile et l'Eau"

Vernissage de Nicolas Daubanes "L'Huile et l'Eau"

Prison Saint-Michel, Toulouse, 200x280 cm, 2017 Vue de l'exposition du Grand Prix d'Art Contemporain Occitanie, Lieu-Commun, Toulouse, 2017. Crédit photo : Damien Aspe

Time:

21:00-23:55

Description:

Du 21/02/2020 au 17/05/2020
À découvrir de midi à minuit, tous les jours sauf le mardi

Notre monde brûle
En collaboration avec le MATHAF

L'exposition Notre monde brûle propose un regard engagé sur la création contemporaine depuis le Golfe Persique où les guerres et les tensions diplomatiques n'ont cessé de déterminer l'histoire de ce début de XXIe siècle. Le titre fait explicitement référence aux drames humains que génèrent les conflits successifs dans cette région tout en intégrant de manière plus large les catastrophes écologiques incarnées par les immenses feux de forêt destructeurs de l'Amazonie à la Sibérie en passant par la Californie. Mais le feu n'est pas uniquement l'affirmation d'un péril. De façon ambivalente, il est aussi le symbole du formidable élan démocratique que connait cette même région à travers les Printemps arabes.

De la destruction des trésors irakiens (Michael Rakowitz) au sort des réfugiés syriens (Monira Al Solh) en passant par le financement des Talibans à travers l'exploitation du lapis lazuli en Afghanistan (Asli Cavusoglu), Notre monde brûle présente un maillage complexe d'évènements auxquels les oeuvres d'art se réfèrent tout en offrant de multiples échappées poétiques. L'exposition ouvre d'ailleurs sa réflexion à la problématique de l'Anthropocène (John Akomfrah, Yto Barrada, Raqs Media Collective) et à la question de l'usage des ressources naturelles (Monira Al Qadiri, Sammy Baloji, Fabrice Hyber) afin de participer au débat sur la nécessité de changer notre rapport exclusivement utilitariste à l'environnement.

Avec :
John Akomfrah, Mustapha Akrim, Francis Alÿs, Kader Attia, Mounira Al Solh, Bouthayna Al Muftah, Monira Al Qadiri, Sophia Al Maria, Sammy Baloji, Yto Barrada, Aslı Çavuşoğlu, Faraj Daham, Bady Dalloul, Inji Efflatoun, Khalil El Ghrib, Mounir Fatmi, Fabrice Hyber, Dominique Hurth, Amal Kenawy, Amina Menia, Shirin Neshat, Otobong Nkanga, Sara Ouhaddou, Michael Rakowitz, Younes Rahmoun, Wael Shawky, Oriol Vilanova, Danh Vo, Raqs Media Collective

Programmation culturelle avec :
Bolatito Aderemi-Ibitola, Francis Alÿs, Tania Bruguera, Bady Dalloul, Irreversible Entanglements, Jane Jin Kaisen, Katia Kameli, Basim Magdy, Amina Menia, Sara Ouhaddou, Raqs Media Collective et Ben Russell.

Commissaire : Abdellah Karoum
Co-commissaire : Fabien Danesi

Elle affirme justement que les oeuvres ont une puissance d'intervention en prenant position face aux désordres du monde. Le feu revient alors à l'intensité de la création artistique - à l'image des oeuvres qui s'inscrivent dans la lignée des soulèvements populaires du monde arabe (Shirin Neshat, Amal Kenawy, Bady Dalloul) et témoignent d'un profond désir de justice sociale (Mustapha Akrim, Danh Vo, Faraj Daham, Kader Attia). Dans une visée post-coloniale, la démultiplication des récits historiques (Amina Menia, Bouthayna Al Muftha, Wael Shawky, Dominique Hurth) est alors une façon d'affirmer des narrations alternatives et par là même de tracer les prémisses d'une société pluraliste, aux structures moins hiérarchiques et plus horizontales.

Notre monde brûle est une exposition d'Abdellah Karroum, fondateur de l'Appartement 22 à Rabat en 2002, curateur de la Triennale aux côtés d'Okwui Enwezor en 2012, et actuellement directeur du Musée Arabe d'Art moderne et contemporain (MATHAF) à Doha. Fondé en 2010 à partir de la collection privée du Sheikh Hassan Bin Mohamed bin Ali Al Thani, le MATHAF se concentre plus particulièrement sur les pratiques artistiques du Moyen-Orient, d'Afrique du Nord et de sa diaspora en présentant une écriture de l'histoire de l'art polyphonique qui propose une autre lecture que celle déterminée par le point de vue occidental. Engagé dans une approche post-coloniale, le MATHAF insiste sur les échanges culturels et interroge l'héritage artistique du Qatar en lien avec la globalisation. Prônant l'essor de la modernité dans les pays arabes, il développe ses activités dans le domaine éducatif et se veut une institution à la fois localisée et ouverte dans un monde aux multiples centres. Le MATHAF se définit ainsi comme un musée non hégémonique et non normatif qui appelle de « nouvelles relations de pouvoir et des traductions culturelles » dans la lignée de la pensée d'Okwui Enwezor.

Vernissage de l'exposition "Notre monde brûle"

Vernissage de l'exposition "Notre monde brûle"

Wael Shawky, Al Araba Al Madfuna III, 2016 Installation vidéo, 27'02"
Courtesy de l'artiste

Time:

21:00-23:55

Description:

Du 21/02/2020 au 17/05/2020
À découvrir de midi à minuit, tous les jours sauf le mardi

Ulla von Brandenburg "Le milieu est bleu"
Kevin Rouillard "Le Grand mur"
Nicolas Daubanes "L'Huile et l'Eau"
"Notre monde brûle"

Et aussi :

- Performance de Tania Bruguera
Œuvre performative en collaboration avec le Dr Julia Shaw. Sessions collectives proposées au public toutes les 30 minutes.

- R22 Art Radio
Pendant toute la durée de l'exposition, la R22 Art Radio s'installe au Palais de Tokyo. Plateforme de débats, d'interviews et d'archives, la R22 proposera au public de suivre les différents temps forts de l'exposition à travers de nombreux podcasts et émissions, tout en offrant une lecture parallèle riche en idées et analyses.

Description:

Anniversaire de l'Indépendance

Description:

Salon de l'Agriculture

du 22 février au 1er mars

https://www.salon-agriculture.com

Salon International de l'Agriculture 2020

Time:

18:00-22:00

Description:

Vernissage de l'exposition "L'art animalier"

Description:

Fête nationale de Brunei

Description:

Fête nationale du Guyana

Description:

Salon de l'Agriculture

du 22 février au 1er mars

https://www.salon-agriculture.com

Salon International de l'Agriculture 2020

Time:

18:00

Description:

Fête nationale de Brunei