Germain Pire - Week from June 7, 2021 to June 13, 2021

Description:

Inauguration de l'exposition des sculptures de Philippe Geluck

"Le Chat déambule"

Vingt statues du "chat" de Philippe Geluck exposées sur les Champs-Élysées

L'exposition "Le Chat déambule" commence vendredi 26 mars et va durer jusqu'au 9 juin sur les Champs-Élysées de Paris. Vingt statues en bronze représentant le fameux Chat de l'artiste Philippe Geluck.

Vingt "chat" vont traîner leurs pattes sur la plus belle avenue du monde pendant deux mois environ. Le dessinateur et sculpteur belge Philippe Geluck expose vingt sculptures, du 26 mars au 9 juin. Des matous en bronze, de deux mètres de hauteur et alignés tous les 20 mètres, en remontant l'avenue depuis la place de la Concorde.

Philippe Geluck dessinateur mais aussi sculpteur

Philippe Geluck avait déjà exposé une sculpture du Chat, en résine. C'était en 2003 à l'École nationale des beaux-arts. Cinq ans après, il s'essayait au bronze. Jusqu'à en accumuler plus d'une dizaine. "Je me suis dit que ça aurait de la gueule de faire 29 ans après Botero une exposition sur les Champs-Élysées avec des sculptures en bronze", explique l'artiste belge.

L'organisation de l'exposition était prête il y a un an. Elle n'était donc pas spécialement prévue pour contourner les règles sanitaires. Mais ça tombe pile poil pour Philippe Geluck et son Chat : "Aujourd'hui elle prend un autre sens. Dans une période où les musées sont fermés, où les salles de spectacles n'ouvrent plus leurs portes où les cinémas sont fermés, il n'y avait qu'une solution : que l'art descende dans la rue et soit à la disposition de tous. C'est gratuit, c'est aéré."

Sylvie et Bernard trainent devant les Chats. Ils sont venus spécialement d'Argenteuil pour ça : "Plus de musée, plus d'expo plus rien. Alors là, c'est l'idéal. Cette avenue est presque faite pour ça."

"On a largement la place, on peut se balader, confirme Houyem, qui a voulu faire découvrir le plus connu des matous belges à sa fille de 4 ans."Là, je suis à moins de 10 kilomètres de chez moi, on est bien quoi!"

Après Paris, les chats iront à Bordeaux et Caen

Après Paris, les 20 sculptures seront exposées à Bordeaux, Caen, puis dans une dizaine de villes françaises et européennes. Ensuite les chats rentreront chez eux à Bruxelles, au moment de l'inauguration du Musée du Chat et du dessin d'humour.

#lechatdeambule #lechatdeambuleaparis #lartetlechat #lechatdegeluck #expoaparis #expositionavenir #lechatsurleschampselysees #champselysees #lecat #lecatwalks #lechatleplusdrole #philippegeluck #geluck #expositionacielouvert

Inauguration de l'exposition des sculptures de Philippe Geluck

Le juste retour des choses de Geluck sur les Champs-Elysées à Paris : son coup de gueule contre les chauffards

Description:

"Le Chat déambule"

Vingt statues du "chat" de Philippe Geluck exposées sur les Champs-Élysées

L'exposition "Le Chat déambule" commence vendredi 26 mars et va durer jusqu'au 9 juin sur les Champs-Élysées de Paris. Vingt statues en bronze représentant le fameux Chat de l'artiste Philippe Geluck.

Vingt "chat" vont traîner leurs pattes sur la plus belle avenue du monde pendant deux mois environ. Le dessinateur et sculpteur belge Philippe Geluck expose vingt sculptures, du 26 mars au 9 juin. Des matous en bronze, de deux mètres de hauteur et alignés tous les 20 mètres, en remontant l'avenue depuis la place de la Concorde.

Philippe Geluck dessinateur mais aussi sculpteur

Philippe Geluck avait déjà exposé une sculpture du Chat, en résine. C'était en 2003 à l'École nationale des beaux-arts. Cinq ans après, il s'essayait au bronze. Jusqu'à en accumuler plus d'une dizaine. "Je me suis dit que ça aurait de la gueule de faire 29 ans après Botero une exposition sur les Champs-Élysées avec des sculptures en bronze", explique l'artiste belge.

L'organisation de l'exposition était prête il y a un an. Elle n'était donc pas spécialement prévue pour contourner les règles sanitaires. Mais ça tombe pile poil pour Philippe Geluck et son Chat : "Aujourd'hui elle prend un autre sens. Dans une période où les musées sont fermés, où les salles de spectacles n'ouvrent plus leurs portes où les cinémas sont fermés, il n'y avait qu'une solution : que l'art descende dans la rue et soit à la disposition de tous. C'est gratuit, c'est aéré."

Sylvie et Bernard trainent devant les Chats. Ils sont venus spécialement d'Argenteuil pour ça : "Plus de musée, plus d'expo plus rien. Alors là, c'est l'idéal. Cette avenue est presque faite pour ça."

"On a largement la place, on peut se balader, confirme Houyem, qui a voulu faire découvrir le plus connu des matous belges à sa fille de 4 ans."Là, je suis à moins de 10 kilomètres de chez moi, on est bien quoi!"

Après Paris, les chats iront à Bordeaux et Caen

Après Paris, les 20 sculptures seront exposées à Bordeaux, Caen, puis dans une dizaine de villes françaises et européennes. Ensuite les chats rentreront chez eux à Bruxelles, au moment de l'inauguration du Musée du Chat et du dessin d'humour.

#lechatdeambule #lechatdeambuleaparis #lartetlechat #lechatdegeluck #expoaparis #expositionavenir #lechatsurleschampselysees #champselysees #lecat #lecatwalks #lechatleplusdrole #philippegeluck #geluck #expositionacielouvert

Inauguration de l'exposition des sculptures de Philippe Geluck

Le juste retour des choses de Geluck sur les Champs-Elysées à Paris : son coup de gueule contre les chauffards

Time:

18:00-21:00

Description:

installation in situ

Exposition du 8 au 24 juin 2021
Vernissage le mardi 8 juin à 18h

Historiquement, la construction de serres circulaires facettées répondait à la volonté d'accroître la réverbération de la lumière par le verre, à l'image d'un prisme.
"Pièces pour un oranger" est une pièce aux dimensions du kiosque, suspendue à son dôme. Au moyen d'arêtes en bois et de fils, elle en reproduit la structure diamantaire et l'inverse, reliant directement l'architecture à l'oranger qu'elle abrite.

Si le lieu porte physiquement la proposition, en complétant le prisme dessiné par le dôme j'isole celui-ci du reste du kiosque. Le corps principal du bâtiment (vertical) dessine alors une châsse dans laquelle se distingue un double prisme. Comme si mon intervention séparait le bâtiment en deux espaces, le premier donnant naissance à un second. L'espace se fait à la fois socle, et œuvre.

A PROPOS :

Gauthier Kriaa est diplômé des Arts Décoratifs de Paris en 2019. Au gré de voyages et résidences (Corée, Inde, Tunisie), il développe un travail lié aux questions d'espace et d'évolution. Réceptifs à ce qui les entoure, ses travaux s'inscrivent dans des espaces précis dont ils s'imprègnent. Il s'intéresse en particulier à la relation entre œuvre, lieu et visiteur - cœur d'un projet doctoral qui débutera à l'automne 2021 à Montréal.

Vernissage de Gauthier Kriaa "Pièces pour un oranger"

Vernissage de Gauthier Kriaa "Pièces pour un oranger"

Time:

19:00-20:30

Description:

La mondialisation a radicalement modifié l'industrie de l'habillement et le rapport au corps. Le contenu de nos garde-robes révèle les conséquences environnementales et sociales du capitalisme de séduction. Pour assouvir les désirs, les corps des travailleurs sont consommés par le vêtement, parfois jusqu'à la mort, dans une forme d'esclavage moderne.
Les marques et les industriels cherchent à établir un code de conduite fondé sur les droits de l'homme et la durabilité, quand les acheteurs sont invités à être plus « responsables ».
Mais pour Audrey Millet, qui refuse de culpabiliser les consommateurs, c'est tout le modèle économique qui doit être repensé pour aller vers un système global de production éthique et respectueux de l'environnement.

A propos de l'auteur :
Chercheuse associée au CNRS et docteure en histoire, Audrey Millet est spécialiste de l'histoire de l'habillement. Elle connait bien les coulisses du monde de la mode car elle a exercé comme styliste chez Dior. Elle est l'autrice de Fabriquer le désir. Histoire de la mode de l'Antiquité à nos jours (Belin).

Lancement du livre "Le livre noir de la mode" et rencontre avec Audrey Millet

Lancement du livre "Le livre noir de la mode" et rencontre avec Audrey Millet

Description:

"Le Chat déambule"

Vingt statues du "chat" de Philippe Geluck exposées sur les Champs-Élysées

L'exposition "Le Chat déambule" commence vendredi 26 mars et va durer jusqu'au 9 juin sur les Champs-Élysées de Paris. Vingt statues en bronze représentant le fameux Chat de l'artiste Philippe Geluck.

Vingt "chat" vont traîner leurs pattes sur la plus belle avenue du monde pendant deux mois environ. Le dessinateur et sculpteur belge Philippe Geluck expose vingt sculptures, du 26 mars au 9 juin. Des matous en bronze, de deux mètres de hauteur et alignés tous les 20 mètres, en remontant l'avenue depuis la place de la Concorde.

Philippe Geluck dessinateur mais aussi sculpteur

Philippe Geluck avait déjà exposé une sculpture du Chat, en résine. C'était en 2003 à l'École nationale des beaux-arts. Cinq ans après, il s'essayait au bronze. Jusqu'à en accumuler plus d'une dizaine. "Je me suis dit que ça aurait de la gueule de faire 29 ans après Botero une exposition sur les Champs-Élysées avec des sculptures en bronze", explique l'artiste belge.

L'organisation de l'exposition était prête il y a un an. Elle n'était donc pas spécialement prévue pour contourner les règles sanitaires. Mais ça tombe pile poil pour Philippe Geluck et son Chat : "Aujourd'hui elle prend un autre sens. Dans une période où les musées sont fermés, où les salles de spectacles n'ouvrent plus leurs portes où les cinémas sont fermés, il n'y avait qu'une solution : que l'art descende dans la rue et soit à la disposition de tous. C'est gratuit, c'est aéré."

Sylvie et Bernard trainent devant les Chats. Ils sont venus spécialement d'Argenteuil pour ça : "Plus de musée, plus d'expo plus rien. Alors là, c'est l'idéal. Cette avenue est presque faite pour ça."

"On a largement la place, on peut se balader, confirme Houyem, qui a voulu faire découvrir le plus connu des matous belges à sa fille de 4 ans."Là, je suis à moins de 10 kilomètres de chez moi, on est bien quoi!"

Après Paris, les chats iront à Bordeaux et Caen

Après Paris, les 20 sculptures seront exposées à Bordeaux, Caen, puis dans une dizaine de villes françaises et européennes. Ensuite les chats rentreront chez eux à Bruxelles, au moment de l'inauguration du Musée du Chat et du dessin d'humour.

#lechatdeambule #lechatdeambuleaparis #lartetlechat #lechatdegeluck #expoaparis #expositionavenir #lechatsurleschampselysees #champselysees #lecat #lecatwalks #lechatleplusdrole #philippegeluck #geluck #expositionacielouvert

Inauguration de l'exposition des sculptures de Philippe Geluck

Le juste retour des choses de Geluck sur les Champs-Elysées à Paris : son coup de gueule contre les chauffards

Time:

10:00-19:00

Description:

Ouverture au public : 11-12 juin, 11h-20h et 13 juin, 11h-19h

>> RSVP
>> invitation

Time:

11:00-20:00

Description:

22 ARTISTES
10 NATIONALITES
4 CONTINENTS

Anton Alvarez - Sylvie Auvray - J.-B. Bernadet
Johan Creten - Sophie Dries - EMEMEM - Alice Gavalet
Faye Hadfield - Roger Herman - Luigi Mainolfi - Simon Manoha
Tony Marsh - Julien Michaud - Jolie Ngo Jongjin Park - Zizipho Poswa
Brian Rochefort - Anthony Sonnenberg - Philippe Spé
Superpoly - Tamara Van San - Alex Zablocki

Commissaires d'exposition: Raphaella Riboud-Seydoux & Florian Daguet-Bresson

8 Juin - 17 Juillet 2021

Time:

17:00-22:00

Description:

42 rue Faubourg Saint-Antoine
75012 Paris

17h : remise du Prix DRAWING NOW 2020-2021

DU 11 AU 13 JUIN 2021

Vendredi 11 au dimanche 13 juin 2021 : de 11h à 20h

Mardi 8 juin 11h-20h et mercredi 9 juin 10h-13h : Preview VIP et presse
Sur invitation et réservation uniquement.
Mercredi 9 juin 13h-22h, et du jeudi 10 au dimanche 13 juin 2021 : Invitations professionnelles
Sur invitation et réservation uniquement.

DRAWING NOW Art Fair, première foire d'art contemporain exclusivement dédiée au dessin en Europe, renouvelle exceptionnellement sa formule pour son édition 2021 et présente DRAWING NOW Alternative !

34 galeries se rassemblent pour vous proposer un événement alternatif au sein d'un ancien grand magasin au 42 rue du Faubourg Saint-Antoine, Paris 12e.
Les visiteurs seront invités à s'inscrire par créneaux horaires afin de bénéficier d'un grand confort de visite dans le respect des protocoles sanitaires.

Les mardi 8 et mercredi 9 juin seront réservés pour des visites encore plus privilégiées.
Avec ce nouveau format, l'équipe du salon du dessin contemporain renoue avec son ADN après avoir investi différents lieux à ses débuts.
DRAWING NOW Alternative s'adapte afin de garantir un espace de découverte et de rencontres avant l'été autour de la diversité du dessin contemporain de ces 50 dernières années.
À cette occasion, le Prix DRAWING NOW 2020 reporté en 2021 sera remis à l'un des artistes nommés : Nicolas Daubanes représenté par la Galerie Maubert, Odonchimeg Davaadorj représentée par la Galerie Backslash, Mathieu Dufois représenté par la Galerie C, Delphine Gigoux-Martin représentée par la Galerie Claire Gastaud et Julien Tiberi représenté par la Galerie Semiose.

Le Printemps du dessin et sa programmation riche à Paris et en région vient compléter cette démarche autour de la promotion du dessin contemporain !

Rendez-vous du jeudi 10 au dimanche 13 juin au 42 rue du Faubourg Saint-Antoine, Paris 12e, M°Bastille, parking juste en face.

https://www.drawingnowartfair.com

Time:

18:00-21:00

Description:

du 9 au 13 juin
vernissage le mercredi 9 juin à partir de 18h

Time:

18:00-21:00

Description:

AGORA DU DESIGN
Exposition présentée à partir du 10 juin jusqu'au 18 juillet

Interroger la production, l'utilisation et le recyclage de nos appareils électroniques et des technologies numériques ; chercher des micros-sources d'énergie dans l'habitat individuel ; relire une exposition oubliée de Jean Prouvé ; questionner l'acte d'offrir des fleurs et le design floral ; expérimenter la circulation de la lumière diurne de l'urbain à l'habitat ; explorer le potentiel de l'algue marine comme matériau... le Pavillon de l'Arsenal expose six projets lauréats de la bourse Agora du design.

Depuis 1983, Agora du design soutient et accompagne les designers émergents dans leurs projets de recherche appliquée, que le design soit graphique, industriel, interactif, artisanal, numérique... Les recherches exposées pour la première fois au Pavillon de l'Arsenal font de l'environnement une source d'inspiration et de création pour mener des explorations et expérimentations.

_Électronique artisanale résiliente / Martin De Bie, lauréat Recherche 2019
L'électronique et les technologies numériques sont omniprésentes autour de nous. Peut-on ré-interroger la fabrication et l'utilisation de ces objets connectés en prenant en compte les réalités environnementales actuelles ?

_ Le Pavillon des rêves / Pablo Bras, lauréat Recherche 2019
Les pavillons résidentiels sont inscrits dans des milieux où les forces naturelles existent. Alors pourquoi ne pas les capter et ainsi faire par exemple d'une gouttière une source d'énergie ?

_ Un exposition oubliée : Jean Prouvé industriel du bâtiment. Réussite ou échec ? / Laure Garreau, lauréate Prix de l'écriture remarquable 2019
Redécouvrir une exposition oubliée de Jean Prouvé permet-il de questionner tant le passé que le présent du design ?

_ Offrir des fleurs / Christopher Dessus, lauréat Curateur 2019
Un geste anodin pour certains mais qui recouvre de nombreuses questions sociales, esthétiques, durables, économiques. Alors, entre la terre et le bouquet : le design ?

_ A 17h00, le soleil entre par la fenêtre Nord / Nathanaël Abeille, lauréat Recherche 2015
La lumière rebondit parfois sur une fenêtre et apporte ce faisant un rayon lumineux vers un espace ombragé. Est-il possible de maîtriser ce phénomène naturel et de proposer une réponse pratique, poétique, artistique et sociale?

_ Alga 2017-2021 / Samuel Tomatis, lauréat Recherche 2017
L'algue est une plante marine qui prolifère avec le changement climatique. Peut-on la considérer comme une ressource ?

Au travers de vidéos, installations échelle 1, prototypes, expérimentations de matériaux, l'exposition ouvre des horizons et propose de nouvelles initiatives de design plus durables, plus engagées et plus collectives.

Vernissage de l'exposition "Agora du design"

Vernissage de l'exposition "Agora du design"

Time:

18:00-21:00

Description:

Après deux déprogrammations dues à la crise sanitaire, le site SOPHOT
- dédié à la photographie sociale et environnementale -
vous invite au vernissage de l'exposition
des deux lauréats du Concours 2020

LE MONDE SELON DOWN
Belgique, 2016 / 2019
Photographies de Bénédicte Thomas

PADIÈS
HIER JUSQU'AU BOUT
France, 2017 / 2019
Photographies de Loïc Trujillo

Vernissage le mercredi 9 juin de 16h à 20h

Exposition du jeudi 10 juin au samedi 10 juillet
réouverture le mercredi 8 septembre jusqu'au samedi 2 octobre 2021

Vernissage de l'exposition des lauréats du Concours SOPHOT 2020

Vernissage de l'exposition des lauréats du Concours SOPHOT 2020

LE MONDE SELON DOWN
Etre autonome... un rêve, un combat, une quête, une fierté...Jour après jour, à force de détermination et de courage, les adultes porteurs de la trisomie 21 acquièrent davantage de confiance et surmontent les difficultés les unes après les autres, inlassablement. Guidés par leur entourage dès le plus jeune âge, ils développent peu à peu leurs compétences, s'adaptent à leur handicap, acceptent leurs différences et s'épanouissent. © Bénédicte Thomas

Vernissage de l'exposition des lauréats du Concours SOPHOT 2020

PADIÈS
HIER JUSQU'AU BOUT
Tous ces villages, ces hameaux, ne sont aujourd'hui que des petits bouts de territoire qui témoignent d'un monde qui n'existe plus. Ce travail évoque le dépeuplement de nos campagnes, ces lieux perdus, l'isolement et la solitude que cela induit. © Loïc Trujillo

Finalistes

LE MARTYR DES SYRIENS DU KHABOUR
Depuis le début du conflit syrien en 2011, les assyriens se retrouvent coincés au milieu des
belligérants. Implantés dans le Nord-Est du pays, leur sort s'est aggravé avec la question du
Rojava Kurde et l'arrivée en masse des djihadistes dès 2013.
Syrie
Chris Huby

LE VISAGE DU CHARBON
L'Inde est le deuxième plus grand producteur de charbon après la Chine. Il fait partie
intégrante de la vie quotidienne de la population dans et autour de la "capitale du charbon",
Dhanbad, dans l'État du Jharkhand en Inde. Son extraction est considérée comme l'un des
métiers les plus dangereux au monde.
Inde
Ann Johansson

LES DERNIERS GLACIERS TROPICAUX DE COLOMBIE
Les glaciers de Colombie ont un rôle crucial pour les populations locales :
ils sont une source d'approvisionnement en eau potable et en irrigation d'agriculture pour
des millions de personnes. Ils ont un très grand rôle symbolique, spirituel et culturel auprès
des communautés autochtones.
Colombie
Antoine Kremer

COMMENT LA DESHUMANISATION DE LA POLICE
EXACERBE LA VIOLENCE DANS LES MOUVEMENTS SOCIAUX
"Depuis des années est appliquée une sorte de « Starwarisation » des unités qui encadrent
les mouvements sociaux. Un équipement de plus en plus impressionnant, des armes
disproportionnées. Petit à petit, le rapport humain est complètement effacé."
France
Edouard Monfrais

GÉNÉRATION TANGANYIKA
Avec ses 677 kms, le Tanganyika est le plus long lac d'eau douce du monde ;
Sous ses eaux turquoises, un véritable bouillon de culture se multiplie avec
les effets du réchauffement climatique et l'augmentation des activités humaines.
République Démocratique du Congo
Isabelle Serro

DENGUE : TERRITOIRES ÉPIDÉMIQUES
La dengue est le virus transmis par les moustiques le plus répandu dans le monde.
Elle touche 390 millions de personnes par an et en tue près de 70 par jour.
La photographe a documenté les causes et conséquences de la dengue dans quatre régions du monde.
Bangladesh, La Réunion (France), Fidji, Nouvelle-Zélande, Nouvelle-Calédonie et Brésil
Adrienne Surprenant

Description:

Célébration de la mort du poète Luis de Camões (1580)

Luís Vaz de Camões, dit le Camoëns, est un poète portugais né vers 1525 et mort en 1580 à Lisbonne.

Il est l'auteur de poèmes dans la tradition médiévale (redondilhas) ou pastorale, de sonnets inspirés de la Renaissance italienne, et de l'épopée nationale de Lusiades (en 1572 mais aurait déjà été achevée en 1556).

Grand poète, cet auteur fait l'objet d'un véritable culte de la part du peuple portugais en général, et des gens de Lettres en particulier. Un peu comme Shakespeare en Grande-Bretagne. Son nom est toujours cité avec révérence et gravité. L'épopée des "Lusiades" est associée au renforcement du sentiment national portugais et a contribué à son essor.

Il est considéré comme le plus grand poète du Portugal et un des plus grands de l'humanité. Son génie est comparable à celui de Virgile, de Dante ou de Shakespeare. Parmi ses œuvres, l'épopée des Lusiades est la plus représentative.

Time:

11:00-22:00

Description:

Vernissage : 10 juin 2021 de 11h à 22h

Ouverture au public : 11-12 juin, 11h-20h et
13 juin, 11h-19h

Vernissage de la 5ème édition de la foire Urban Art Fair

Time:

14:00-22:00

Description:

Time:

14:00-19:00

Description:

Du 10 juin au 24 juillet 2021

"Mike MacKeldey a passé sa vie à détromper son entourage, à dire et à redire, confirmer à tous ceux qu'il rencontrait : « Aber ich bin deutsch ! ».

Ce Mike qui ne porte pas un blaze du coin où il a grandi peint des portraits flous, griffés, grotesques, des portraits agrémentés de lettres de noms perdus, manquantes ou en désordre, des portraits indatables, rudoyés, ayant été assaillis. Il peint des portraits qui ont un air ancien, généalogique, légitime pourtant, des gens de quelque part, des gens respectables, mais des gens dont on s'est moqués, à qui l'on a fait la misère, ridiculisés, que l'on a maquillés visiblement de force, façon clowns de cirque. On les sent tristes et meurtris." (Marc Molk)

Vernissage de Mike MacKeldey "Parasite Paradise"

Vernissage de Mike MacKeldey "Parasite Paradise"

Time:

15:00-21:00

Description:

Vernissage de Jean-Michel Bacquet "saisons"

Les Plainons, matin d'été, temps dégagé, 2007 - 2008 - Huile sur papier - 21 x 34 cm

Exposition du 10 juin au 10 juillet 2021

Catalogue préfacé par Lydia Harambourg

Vernissage de Jean-Michel Bacquet "saisons"

Le Château de Selle, soir d'été, 2011 - 2020 - Huile sur papier marouflé sur bois - 21 x 100 cm © J.-L. Losi, 2021

Vernissage de Jean-Michel Bacquet "saisons"

Le Château de Selle, matin d'été, 2011 - 2019 - Huile sur bois - 21 x 100 cm © J.-L. Losi, 2021

Time:

15:00-20:00

Description:

Friday 11th June - Saturday 24th July

Time:

16:00-21:30

Description:

Ouverture au public : 11-12 juin, 11h-20h et 13 juin, 11h-19h

>> RSVP
>> invitation

Time:

16:00-21:00

Description:

« Cette exposition reflète un moment donné dans mon travail. Il s'agit de montrer un ensemble, un corpus d'œuvres dans lequel le visiteur pourra s'immerger en perdant la notion des profondeurs. La transfiction à travers l'imitation la transformation, permet d'établir des liens entre gravures des cavernes, nouvelle technologie et personnages de fiction. En élaborant des ponts entre notions distantes, cette exposition est la rencontre du nucléaire et du rupestre. »

Vernissage d'Alexander Raczka "Transfiction"

Vernissage d'Alexander Raczka "Transfiction"

Time:

16:00-22:00

Description:

En présence de son Excellence Monsieur Dae-jong YOO
Ambassadeur de la République de Corée en France

Guillaume Sébastien
a le plaisir de vous inviter au vernissage de l'exposition

Bang Hai Ja
À la merveille

Jeudi 10 juin 2021
de 16h à 22h

Exposition du 11 juin au 29 juillet 2021
Du mardi au samedi de 14h à 19h

Dans cette journée ensoleillée de fin d'hiver, Bang Hai Ja nous dit, avec son sourire paisible, à peu près ceci : « Je ne peux pas décrire ce mouvement. Je ne le connais pas. Ce n'est pas moi qui peins. Je suis, avec mes pigments naturels, mes pinceaux, mon papier de mûrier, le takchi ou ce géotextile que j'utilise, traversée par la lumière. Comme eux, je suis traversée par la lu- mière qui se propage, qui s'écoule ou qui s'élève. Je fais les gestes du peintre mais quelque chose peint pour moi. Est-ce la nature... le divin... la pensée, la contemplation de la lumière qui me donnent la vie et donnent la vie à la peinture... ? »

Olivier Kaeppelin (extrait du texte Emerveillement lent pour le catalogue de l'exposition)

Vernissage de Bang Hai Ja "À la merveille"

Vernissage de Bang Hai Ja "À la merveille"

Transformation, 2020, pigments naturels sur papier mûrier, 82x60cm

Time:

16:00-20:30

Description:

Exposition du 11 juin au 11 septembre 2021
avec la collaboration de la Fondation Louis Roederer

La galerie Polka est heureuse d'annoncer l'exposition de la nouvelle série de Sebastião Salgado, Amazônia, présentée du 11 juin au 11 septembre 2021.

Organisée, en marge de la grande installation de la Philarmonie de Paris qui accueille plus de 200 photographies , l'exposition de la galerie Polka rassemble des tirages inédits ainsi qu'une sélection réalisée en étroite collaboration avec le photographe et son épouse Lélia Wanick Salgado.

Le reportage de Sebastião Salgado en Amazonie débute en 1986. Ce premier contact avec le peuple Yanomami, l'un des plus grands groupes ethniques du Brésil, à la frontière avec le Venezuela, aura un rôle capital dans son travail. Par delà la frontière de la langue et les coutumes, un langage commun s'est progressivement établi, celui des émotions : « J'étais comme chez moi, dans ma propre tribu, celle des êtres humains, celle où tous les systèmes logiques et rationnels se mêlent les uns aux autres, aux miens, à ceux de l'Homo Sapiens ».

Dès lors, le photographe franco-brésilien retournera sans cesse en Amazonie, à la rencontre de peuples et de traditions menacés de disparition. Dans un territoire qui fait plus de 8 fois la France, 370 000 Indiens subsistent encore (quand cette population était estimée à 5 millions au XVI eme siècle, lors de la conquête du Brésil) répartis en 188 groupes, parlant 150 langues différentes. Et on estime que 114 groupes n'ont jamais été contactés à ce jour.

Grâce au soutien précieux de la FUNAI (Fondation nationale de l'Indien), Sebastião Salgado a organisé, durant ces dix dernières années, des expéditions à faire pâlir d'envie Levi-Strauss : traducteurs, cuisiniers, guide de haute montagne mais aussi scientifiques (ethnologues, linguistes, anthropologues) l'ont accompagné à la rencontre des peuples isolés au cœur du poumon de la planète. Les Macuxi, les Zoé, les Korubo, les Waura, les Yawanawa... En tout plus d'une douzaine de communautés dont il a partagé la vie quotidienne.

Pour l'exposition à la galerie Polka, Sebastião Salgado a souhaité partager un peu de ce quotidien avec les visiteurs : le studio photo installé lors de plusieurs voyages en 2018 est une invitation à vivre au cœur des images.

Si l'Amazonie fascine Sebastião Salgado, ce n'est pas pour son côté sombre -incendies volontaires, déforestation, empoisonnement des sols et rivières par les orpailleurs et autres trafics en tout genre- mais pour sa beauté inégalée, majestueuse qu'il est encore temps de sauver si le monde se mobilise. Salgado nous offre des vues aériennes, spectaculaires et inédites, de la canopée amazonienne, des montagnes qui la dominent et de ces rivières aériennes qui charrient des millions de mètres cubes d'eau, davantage encore que le fleuve Amazone.

Ses images donnent le vertige. Et nous éclairent. Elles nous font prendre conscience de la force et de la fragilité de ce que le photographe appelle la Dernière Frontière : « Un univers mystérieux dans lequel la puissance de la nature est ressentie comme nulle part ailleurs sur Terre. Ici s'étale à l'infini la forêt qui abrite un dixième de toutes les espèces animales et végétales. Le plus grand laboratoire naturel au monde. »

http://www.polkagalerie.com/fr/exposition-amazonia-de-sebastiao-salgado2.htm?display=1

Vernissage de Sebastião Salgado "Amazônia. La dernière frontière"

Vernissage de Sebastião Salgado "Amazônia. La dernière frontière"

Luísa se peint devant un miroir. Territoire indigène Kampa do Rio Amônea, État d'Acre, Brésil, 2016

Vernissage de Sebastião Salgado "Amazônia. La dernière frontière"

Indienne Yawanawa. Acre, Brésil, 2016

Vernissage de Sebastião Salgado "Amazônia. La dernière frontière"

Rivière Cauaburi, Territoire indigène yanomami. État d'Amazonas, Brésil, 2018

Vernissage de Sebastião Salgado "Amazônia. La dernière frontière"

Maria Yawanawá, avec le corps peint d'une couleur sombre, tient un pot en argile. Village de Mutum. Territoire indigène Rio Gregório, État d'Acre, Brésil, 2016

Time:

18:00-21:00

Description:

Nouveau Réalisme = nouvelles approches perceptives du réel

Arman, César, Christo, Gérard Deschamps, François Dufrêne, Raymond Hains, Yves Klein, Martial Raysse, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé

11.06 - 24.07.2021
Vernissage Jeudi 10 juin 2021 à partir de 18h

En ce mois de juin et de ré-ouverture, la galerie célèbre ses 30 ans d'activité avec ce qui fait partie de son ADN depuis 1990 : le Nouveau Réalisme, un groupe d'artistes (8 puis 13) qui se sont réunis autour de la signature d'un manifeste le 27 octobre 1960 pour mieux « s'empoigner » dans les minutes qui suivirent !

Le Réel des Nouveaux Réalistes est perturbateur, querelleur, politique, accumulateur, destructeur, poétique, festif, humoristique, inventif.... Terriblement vibrant et vivant !

Time:

18:00-21:00

Description:

Vernissage : jeudi 10 juin de 18h à 21h en présence de l'artiste
(en collaboration avec les Éditions Casterman)
Exposition : 11 juin au 3 juillet 2021

La galerie Barbier a le plaisir d'accueillir AJ Dungo pour l'exposition In Waves, qui réunit quarante dessins inédits à l'encre de Chine, réalisés spécialement pour l'occasion.

Deux récits s'entremêlent dans In Waves. Celui du surf, autour des deux figures tutélaires Tom Blake et Duke Kahanamoku, et celui de l'amour, fou et tragique, de AJ et Kristen. Tandis que se déploie une chronologie linéaire de l'histoire du surf, AJ Dungo dévoile, en quelques scènes d'une grande pudeur, sa relation avec Kristen, de leur rencontre à son dernier souffle. Du récit historique au deuil personnel, la houle narrative transporte et propulse le lecteur sur une planche de surf. Le temps se dilate, se fragmente jusqu'à s'abolir dans le va-et-vient des vagues. L'exposition se veut à la fois un hommage à Kristen et une ode au surf.

Vernissage d'AJ Dungo "In Waves"

Tirage de luxe de In Waves

A l'occasion de l'exposition, la galerie publie une édition de luxe en noir et blanc de l'album In Waves. L'ouvrage, préfacé par Antoine de Caunes, reprend la version publiée par Nobrow et Casterman pour l'édition française, enrichie de quarante dessins inédits.

Tirage limité à 270 exemplaires numérotés, chacun accompagné d'une sérigraphie inédite, numérotée et signée par l'artiste. 17 x 22,7 cm - cartonné avec jaquette. 424 pages. PVP : 120 €.

« C'est quand même une bien belle chose que l'art, qui autorise - je me permets d'enfoncer des portes ouvertes, on est en pleine mer - de transcender des douleurs aussi profondes par la force du trait et de la narration. Celui de AJ Dungo est un enchantement paradoxal : il célèbre la vie en étant hanté par le deuil. Il est à la fois mélancolique et vif, en mouvement constant comme s'il savait que la mer l'emportera toujours sur la mort. »
Antoine de Caunes (extrait de la préface du tirage de luxe de In Waves, Éditions Barbier, 2021)

Séance de dédicaces : samedi 12 juin
AJ Dungo viendra dédicacer le tirage de luxe de l'album In Waves (ce titre uniquement) le samedi 12 juin de 15h à 18h.

Time:

18:00-21:00

Description:

Exposition du 10 juin 2021 au 22 juillet 2021

Yan Marczewski

Né en 1968 à Bayonne

Rien ne se fige, tout se transforme, tel l'alchimiste, Marczewski, crée et fabrique la couleur. Si le gris se teinte de bleu et de vert, le noir révèle des tonalités aubergines et rouge.

En perpétuelle mutation, ses œuvres reflètent l'émotion d'un moment.
L'artiste matérialise ses toiles à partir d'aplats de pigments, une technique qui affirme la matière, et donne une illusion de crépit ou de pierre.

La peinture de Yan Marczewski est dépouillée et aérienne, elle laisse libre cours à toutes formes d'interprétation

Vernissage de Yan Marczewski "Confinement Paintings"

Vernissage de Yan Marczewski "Confinement Paintings"

Time:

18:00-21:30

Description:

Ouverture au public : 11-12 juin, 11h-20h et 13 juin, 11h-19h

>> RSVP
>> invitation

Time:

12:00-21:00

Description:

Après Subito Presto #2 en novembre 2017 dont Claire Colin-Collin était la commissaire puis sa participation à « L'autre partie du ciel » en mai 2018, progress gallery accueille Claire Colin-Collin pour la présentation des œuvres réalisées lors de sa résidence de septembre à décembre 2019 au domaine de Kerguéhennec.

« J'avais le fantasme de faire à Kerguéhennec ce que je ne peux pas faire "le reste du temps". Un temps - un séjour - ailleurs - qui me permet de sortir de la ville pour me plonger dans une nature inconnue, qui allait infuser ma recherche.
Là-bas, j'ai vite perçu que ce que j'avais imaginé était bidon: être en résidence n'a pas changé mon travail, sauf que je faisais encore plus que d'habitude, dans un luxe émerveillant du temps ininterrompu.
En l'écrivant dans un carnet, j'ai pensé que mon projet de résidence était ce que me propose parfois mon ordinateur : « Continuer en tant que Claire Colin-Collin ».
Plus tard, revenue dans l'atelier familier, j'ai eu beaucoup de mal à recommencer à peindre. Alors j'ai pensé que finalement les peintures que j'avais faites à Kerguéhennec avaient quand même eu lieu dans ce paysage, s'y étaient prononcées, comme s'il en était le fond.
...
Le fond est devenu un dessin qui disparaît dans la fluidité d'une peinture qui coule, qui mélange deux couleurs à même la surface. Glissant en dehors du tableau dans la chute du fluide . C'est un choix de peindre sans tracer, en abandonnant la puissance de la main, en laissant faire la couleur dans l'eau, avec la pesanteur. Ce territoire forme un précipité, un spasme, une sédimentation. C'est le point de départ d'un geste qui s'y inscrit ensuite. Ce geste se fait en totale concertation et en totale déconcertation avec le fond. Il l'annule tout en lui appartenant et en le révélant. Ce geste se dépouille, mincit, devient un trait, à la recherche du premier geste. (Celui des préhistoriques face à la paroi). Il se réduit presque à la façon de prendre contact avec la toile : toucher la surface. »
Claire Colin-Collin

Vernissage de Claire Colin-Collin "En revenir"

Vernissage de Claire Colin-Collin "En revenir"

Sans titre,
Peinture acrylique sur toile,
35 x 27 cm,
2019
photo © Bruno Vacherand-Denand

Time:

14:00-21:00

Description:

11 juin - 24 juillet
Vernissage vendredi 11 et samedi 12 juin de 14h à 21h

Natsukashii est un concept japonais dont il n'existe pas de traduction dans nos sociétés occidentales. Il décrit un état de l'humeur qui pourrait se rapprocher de la saudade brésilienne mais avec une différence notoire tant le natsukashii est un état émotionnel qui n'exprime aucun regret. C'est le sentiment joyeux d'un souvenir passé.

Le choix de ce titre d'exposition colle parfaitement avec la période de silence que l'artiste a vécue cette dernière année si étrange pour tout le monde. France Bizot a profité de ces moments étouffés de confinement imposé pour essayer de sortir d'elle-même une positivité et un nouveau souffle artistique, notamment par le biais de la céramique, pratique totalement nouvelle pour elle.

Pour sa cinquième exposition à Backslash, France Bizot convoque une pléiade de sentiments heureux, retranscrits notamment dès la première installation faite de marguerites qui flottent sur une planète stylisée. Cet astre peuplé de fleurs renvoie directement à l'histoire du Petit Prince dont l'image plane sur la totalité des oeuvres réunies. Il abrite une série de marguerites qui, telle la rose du petit personnage, sont chacune « unique au monde ».

Des grands dessins accrochés aux murs, telles les peintures anciennes de vanités de musées, montrent des fleurs qui s'effondrent et sont déposées sur une pierre, une météorite. L'astre référent de France Bizot, son astéroïde Saint-Exupérien, provient d'une météorite trouvée en forêt.
À propos de concept japonais, ces mêmes morceaux d'étoiles côtoient des coraux accrochés par des câbles électriques, à la manière du bondage nippon. Telle une muse d'Araki, ces éléments terrestres sont présentés au monde de manière sensuelle et subtile, révélant la fragilité de chacun d'entre eux. Tout est lévitation, tout est accroché à un fil, il suffit d'un rien pour que tout s'effondre.

Un ensemble de dessins sur couvertures de livres, série emblématique du travail de France Bizot, rend également hommage à la poésie de Saint-Exupéry. Le Petit Prince devient l'écrin des promenades intellectuelles de l'artiste, des idées qu'elle glane le long de ces journées de silence. Ainsi Jean-Michel Basquiat incarne la candeur du héros de l'aviateur disparu. Une carcasse équarrie présente une chair qui fait presque corps avec l'astéroïde du Petit Prince. Des fleurs fanées, ou sous le souffle du vent, entendent au loin les déclarations passionnées du petit personnage pour sa rose.

Puis arrivent les céramiques, nouveau medium pour l'artiste. Ce sont des formes oblongues, pareilles à des aubergines généreuses, fruit qui hante l'artiste depuis des années. Elles matérialisent le ventre de la femme mais également la verge de l'homme. A cheval entre deux genres, elles s'inscrivent dans les réflexions de notre époque sur l'androgynie.

Ce sont aussi des coraux qui s'alanguissent sur des gouttes fragiles, des Vénus préhistoriques ou la pin-up des fifties.

Toute la vacuité des choses, à l'image des vanités de bulles de savon ou d'une plume, semble réunie dans l'exposition de France Bizot sur laquelle plane l'idée de Natsukashii.

Vernissage de France Bizot "Natsukashii"

Vernissage de France Bizot "Natsukashii"

Time:

17:00-19:00

Description:

Imane Farès et Dongola Limited Editions ont le plaisir d'annoncer le lancement à Paris du premier livre d'artiste d'Ali Cherri intitulé The Book of Mud.
Le lancement aura lieu à la galerie Imane Farès le 11 juin, de 17h à 19h, et débutera par une courte présentation (en français) d'Ali Cherri sur le processus, la création et la matérialisation du livre.

Lancement du livre d'artiste "The Book of Mud" d'Ali Cherri

Lancement du livre d'artiste "The Book of Mud" d'Ali Cherri

Time:

17:00-21:00

Description:

Vernissage de l'exposition "Birds is the new black"

Pour cette Carte Blanche proposée par Le Lavo//Matik à PARVATI, l'Oiseleuse a donc choisi pour thématique sa couleur préférée : le Noir.

A travers l'histoire, le noir n'a cessé d'opposer : non-couleur selon Leonardo Da Vinci, reine des couleurs selon Auguste Renoir. Absence de tout ou mélange total, le zéro ou l'infini : tout un programme... Le grand mystère de cette teinte sous le pinceau réside dans le fait que les peintres n'utilisent que très rarement le pigment noir pour raconter le noir. Le bleu sombre, le brun, le violet viennent murmurer au regardeur qu'il s'agit bien du noir le plus pur. Il ne cesse d'échapper, file entre les cils, et pourtant il s'impose, envahit, met en exergue tout le champ chromatique.

Du Vantablack de Anish Kapoor à l'Outrenoir de Pierre Soulages, certains artistes en ont même fait leur obsession...

Pour PARVATI, le noir c'est l'ultime, l'éclipse, le chant de l'obscurité. Le noir c'est l'amant de la lumière, son écrin, sa chair, sa ténèbre amoureuse. Le noir, c'est la nuit, le lit des étoiles, l'ombre totale, la face cachée de la lune. Oui, le noir est une couleur, c'est même LA couleur.

Vernissage de l'exposition "Birds is the new black"

Parvati

Le noir c'est aussi la teinte que certains oiseaux choisissent pour séduire. Le paradisier superbe a des plumes si noires qu'elles absorbent 99,95% de la lumière visible. Durant sa spectaculaire parade nuptiale l'œil de sa belle ne distingue plus que l'émeraude de sa gorge, soleil bleu-vert, l'œil du monde au milieu de l'infini.

D'autres oiseaux noirs choisissent d'habiller leurs plumes de reflets chatoyants verts, mordorés, bleus...

Vernissage de l'exposition "Birds is the new black"

Dano Masala

Et quitte à peindre ces oiseaux noirs, leur offrir aussi un fond noir. Pour mieux honorer la couleur absolue. Une carte blanche de noir vêtue.

Sur ce terrain d'exploration fascinant, Parvati a invité 3 autres peintres à jouer avec elle : MS BÉJA et ses plumages lumineux, DANO MASALA et sa poésie mystique, K.YÔO et ses runes célébrant les couleurs du monde sauvage.

Vernissage de l'exposition "Birds is the new black"

K.Yoô

Exposition-hommage, au noir, aux oiseaux, aux amours de l'ombre et de la lumière, BIRD IS THE NEW BLACK sera présentée à la galerie LE LAVO//MATIK du 11 au 24 juin, sur le passage de l'été, et inclura la nuit la plus courte de l'année, beaucoup de lumière, et toute la joie des chants d'oiseaux.

Vernissage de l'exposition "Birds is the new black"

MS Béja

L'expo sera présentée du vendredi 11 juin au samedi 26 juin, chaque artiste proposant des œuvres originales ainsi que des prints ou sérigraphies numérotés et signés.

Time:

18:00-22:30

Description:

Exposition du 12 juin au 2 octobre, du mercredi au dimanche, 12h-19h
Soirée d'ouverture le vendredi 11 juin, 18h-22h30
Festival du 10 septembre au 2 octobre (dates et programmation détaillée à venir)

Les Magasins généraux inaugurent leur troisième saison culturelle, qui explore et interroge les imaginaires dont le Sahara fait l'objet depuis l'Europe, mais aussi depuis l'Afrique et ses diasporas.
Présentée du 12 juin au 2 octobre, "Hotel Sahara" se compose d'une exposition imaginée lors d'une résidence de dix jeunes artistes aux portes du désert, d'un festival pluridisciplinaire, ainsi que d'un programme de médiation et d'ateliers.
Les artistes de l'exposition, issus de différents champs de la création, sont originaires de sept pays en partie traversés par le Sahara.

Après les succès de Par amour du jeu 1998-2018 en 2018 et de Futures of Love en 2019, les Magasins généraux présentent leur troisième saison culturelle d'été, qui explore et interroge les imaginaires dont le Sahara fait l'objet depuis l'Europe, mais aussi depuis l'Afrique et ses diasporas.

Labellisée dans le cadre de la Saison Africa2020, Hotel Sahara se compose d'une exposition imaginée lors d'une résidence de dix jeunes artistes aux portes du désert, d'un festival dédié à la performance, à la musique, au cinéma, à la poésie et à la parole, ainsi que d'un programme de médiation et d'ateliers. Les artistes de l'exposition, issus de différents champs de la création, sont originaires de sept pays en partie traversés par le Sahara.

Artistes de l'exposition :
Alex Ayed - Tewa Barnosa - Salim Bayri - Tayeb Bayri - Hiba Elgizouli - Famakan Magassa - Sara Sadik - Ahmed Serour - Hanin Tarek - Ismail Zaidy

Parmi les invités du festival :
Abdellah ag Alhousseini (musicien), Omar Berrada (poète, écrivain et performeur), Abdessamad El Montassir (artiste et chercheur), Hawad (poète et peintre), Élisabeth Leuvrey (documentariste), Wana Mohamed Nour (écrivain, poète et performeur), Dighya Mohammed Salem et le Dghiya Moh-Salem Band (musique et chant), Amina Weira (documentariste)...

Commissaires : Anna Labouze & Keimis Henni, directeurs artistiques des Magasins généraux
Commissaire scientifique : Maïa Hawad, philosophe, doctorante en philosophie politique

L'exposition

Une exposition initiée lors d'une résidence artistique à la lisière du désert

En février 2020, les artistes et les commissaires de l'exposition « Hotel Sahara » ont participé à une résidence d'une semaine aux portes du désert, dans la région de M'Hamid El Ghizlane, au Sud-Est du Maroc. C'est au cours de ce séjour qu'ils ont commencé à imaginer l'exposition.

Parmi les artistes, un peintre, un photographe, une danseuse, une chanteuse, une vidéaste, un designer, une calligraphe, des musiciens et des plasticiens. Âgés de 22 à 36 ans, ils sont originaires du Maroc, de la Tunisie, de l'Algérie, de la Libye, de l'Égypte, du Mali et du Soudan. Pour la plupart d'entre eux, le Sahara occupe une place ambiguë : géographiquement voisin de leurs régions d'origine, ils en ont néanmoins une perception lointaine.

Sonder et repenser les projections exotisantes liées au Sahara

Les artistes ont été invités à explorer et à interroger, à partir de leurs vécus et de leurs expériences personnelles, les imaginaires majeurs du vaste espace saharien : ce qu'ils révèlent, indiquent, mais également ce qu'ils occultent.

Ils se sont saisis de cette réflexion commune en imaginant une installation collective monumentale, qui abrite à la fois des projets personnels et collaboratifs. Elle s'inscrit dans leurs univers respectifs avec détournement, décalage, ironie ou encore au prisme de fictions. Une grande diversité de médias est convoquée : peinture, installation, vidéo, photographie, danse, son, musique, performance, écriture, programmation informatique, modélisation et impression 3D, témoignages récupérés sur internet et les réseaux sociaux... De cet ensemble émerge une esthétique bouillonnante et impétueuse, reflet des préoccupations et de la culture visuelle de leur génération.

À travers les œuvres présentées se dessinent autant de questions ouvertes, de portes d'entrée sensibles vers les enjeux complexes que soulèvent les représentations du Sahara et de ses habitants. L'exposition « Hotel Sahara » est ainsi pensée comme un récit poétique collectif, une réflexion en devenir, qui tente de forcer des passages et des chemins alternatifs vers une géographie désarticulée et méconnue.

Le festival

Le festival « Hotel Sahara » amplifie l'exposition le temps de quatre soirées présentées entre le 10 septembre et le 2 octobre.

Dédiées à la performance, à la musique, au cinéma, à la poésie et à la parole, ces soirées rassemblent des artistes et des penseurs dont les pratiques, les sujets de réflexion et les expériences sont intimement liés à l'espace saharien.

Ces événements sont pensés, dans leur déroulement, comme les différents épisodes d'une émission dédiée aux voix et à la création sahariennes. Chaque soirée alterne des temps de conversations, de performances, de projections, de lectures ou de concerts. Elles ont vocation à ouvrir les réflexions esquissées par les artistes au sein de l'exposition et à proposer, à travers leurs invités, différentes portes d'entrées sur les réalités complexes des géographies sahariennes.

Qu'est-ce que signifie être Saharien au 21e siècle ? Comment penser aujourd'hui cet espace au cœur d'enjeux globalisés qui a souvent été réduit à un paysage de carte postale ? Comment les voix de ces habitants tentent-elles de résonner et de se faire entendre à l'échelle mondiale ?

À travers ce fil de questions, seront ainsi abordées une partie des défis contemporains auxquels font face les populations sahariennes, que ce soit au niveau politique, économique, écologique ou culturel.

Parmi les sujets abordés :
- Marginalisation politique d'une géographie au cœur d'enjeux globalisés
- Exploitation minière pollution et défis écologiques
- Nomadismes et État nations
- Archives et mémoires immatérielles au Sahara
- La création saharienne en question : quel accès aux scènes d'expression artistiques mondialisées ?

Parmi les invités :
Abdellah ag Alhousseini (musicien), Omar Berrada (poète, écrivain et performeur), Abdessamad El Montassir (artiste et chercheur), Hawad (poète et peintre), Élisabeth Leuvrey (documentariste), Wana Mohamed Nour (écrivain, poète et performeur), Dighya Mohammed Salem et le Dghiya Moh-Salem Band (musique et chant), Amina Weira (documentariste)...

Soirée d'ouverture de la saison "Hotel Sahara"

Soirée d'ouverture de la saison "Hotel Sahara"

Time:

19:00-21:00

Description:

Benjamin Karim Bertrand (Performance)
Jacob Eisenmann (Auction / vente aux enchères)

19:00 - Performance
Benjamin Karim Bertrand présentera ses nouvelles recherches chorégraphiques à travers une performance au sein de l'espace d'exposition du 239 rue Saint Martin. Inspirée du film « Tongues untied » de Marlon Riggs, cette nouvelle suite de mouvements (en partie improvisé) se déroulera en parallèle d'extraits du film projetés.

20:00 - Vente aux enchères
En 2017, Jacob Eisenmann fonde VE Holdings, une entreprise englobant plusieurs activités: production de musique, confection de gants, écriture de scénarios et réalisation de sitcoms - dont le fameux épisode pilote de Costards. Pour la présente exposition, il montre une série de gants unisexes et toutes saisons. En vue de la relocalisation imminente de VE Holdings à New York pour son développement à l'international, Eisenmann liquide ses stocks français et organise une vente aux enchères exceptionnelle des gants exposés dans le cadre de "The Negative Version of the Official version of things." Cette vente aura lieu dans la galerie et sera modérée par Eisenmann lui-même.

Description:

Déclaration d'Indépendance en 1898

Description:

Déclaration d'Indépendance de l'URSS en 1990

Time:

11:00-21:00

Description:

Perrotin Paris présente une exposition exceptionnelle de Hans Hartung conçue en trois temps : une performance d'Abraham Poincheval inaugurera Hartung 80, une présentation des derniers travaux de l'artiste franco-allemand. Enfin, Rothko - Hartung, une amitié multiforme (sous le commissariat de Thomas Schlesser) fera dialoguer l'œuvre des deux maitres, notamment grace au prêt exceptionnel de l'œuvre de Rothko, N°14 Browns over Dark, par le Musée national d'art moderne - Centre Pompidou.

Vernissage samedi 12 juin, 11h - 21h

12 juin - 31 juillet 2021

Explosive, aérienne, vitaliste : la terminologie qui permet de qualifier la production de Hans Hartung dans les années 1980 est complètement à rebours de ce qu'on pourrait imaginer d'une « dernière période » d'un artiste. Sur un découpage en sept séquences organisées par types de formes et de techniques, l'occasion sera donnée de découvrir plus en profondeur cette partie trop méconnue de l'œuvre de Hartung dont la rétrospective au Musée d'art moderne de Paris de 2019 avait déjà montré toute l'envergure.

https://leaflet.perrotin.com/fr/view/144/hartung-80

Performance
Abraham Poincheval
Hartung

11 - 18 juin 2021

À l'invitation de la Fondation Hartung-Bergman, et en collaboration avec la galerie Semiose, l'artiste Abraham Poincheval s'immobilisera dans une sculpture inédite (mimétique de sa propre enveloppe corporelle) dans laquelle il a sous les yeux, en continu, sept jours entiers durant, une seule et même œuvre de Hans Hartung. L'artiste ne la découvrira qu'au moment d'entrer en performance.

Time:

11:00-21:00

Description:

Perrotin Paris présente une exposition exceptionnelle de Hans Hartung conçue en trois temps : une performance d'Abraham Poincheval inaugurera Hartung 80, une présentation des derniers travaux de l'artiste franco-allemand. Enfin, Rothko - Hartung, une amitié multiforme (sous le commissariat de Thomas Schlesser) fera dialoguer l'œuvre des deux maitres, notamment grace au prêt exceptionnel de l'œuvre de Rothko, N°14 Browns over Dark, par le Musée national d'art moderne - Centre Pompidou.

ROTHKO - HARTUNG
UNE AMITIÉ MULTIFORME

Commissaire de l'exposition :
Thomas Schlesser
Avec le prêt exceptionnel du Musée national d'art moderne - Centre Pompidou

Vernissage samedi 12 juin, 11h - 21h

12 juin - 31 juillet 2021

Pour la première fois, une rencontre Rothko-Hartung sera l'objet d'une exposition à part entière, ce sujet inédit étant pourtant essentiel pour comprendre une part de l'art du XXe siècle. En effet, alors que l'Europe et les États-Unis se concurrencent pour dominer la scène de l'art après la deuxième guerre mondiale, Rothko et Hartung tissent un lien discret. Cette exposition dossier donnera à voir N°14 Browns over dark de Mark Rothko de 1963 que le musée d'art moderne - Centre Pompidou - prête de façon tout à fait exceptionnelle à la galerie, en dialogue avec quatre œuvres de Hartung peintes la même année.

https://leaflet.perrotin.com/fr/view/147/rothko-hartung-une-amitie-multiforme

Time:

14:00-21:00

Description:

11 juin - 24 juillet
Vernissage vendredi 11 et samedi 12 juin de 14h à 21h

Natsukashii est un concept japonais dont il n'existe pas de traduction dans nos sociétés occidentales. Il décrit un état de l'humeur qui pourrait se rapprocher de la saudade brésilienne mais avec une différence notoire tant le natsukashii est un état émotionnel qui n'exprime aucun regret. C'est le sentiment joyeux d'un souvenir passé.

Le choix de ce titre d'exposition colle parfaitement avec la période de silence que l'artiste a vécue cette dernière année si étrange pour tout le monde. France Bizot a profité de ces moments étouffés de confinement imposé pour essayer de sortir d'elle-même une positivité et un nouveau souffle artistique, notamment par le biais de la céramique, pratique totalement nouvelle pour elle.

Pour sa cinquième exposition à Backslash, France Bizot convoque une pléiade de sentiments heureux, retranscrits notamment dès la première installation faite de marguerites qui flottent sur une planète stylisée. Cet astre peuplé de fleurs renvoie directement à l'histoire du Petit Prince dont l'image plane sur la totalité des oeuvres réunies. Il abrite une série de marguerites qui, telle la rose du petit personnage, sont chacune « unique au monde ».

Des grands dessins accrochés aux murs, telles les peintures anciennes de vanités de musées, montrent des fleurs qui s'effondrent et sont déposées sur une pierre, une météorite. L'astre référent de France Bizot, son astéroïde Saint-Exupérien, provient d'une météorite trouvée en forêt.
À propos de concept japonais, ces mêmes morceaux d'étoiles côtoient des coraux accrochés par des câbles électriques, à la manière du bondage nippon. Telle une muse d'Araki, ces éléments terrestres sont présentés au monde de manière sensuelle et subtile, révélant la fragilité de chacun d'entre eux. Tout est lévitation, tout est accroché à un fil, il suffit d'un rien pour que tout s'effondre.

Un ensemble de dessins sur couvertures de livres, série emblématique du travail de France Bizot, rend également hommage à la poésie de Saint-Exupéry. Le Petit Prince devient l'écrin des promenades intellectuelles de l'artiste, des idées qu'elle glane le long de ces journées de silence. Ainsi Jean-Michel Basquiat incarne la candeur du héros de l'aviateur disparu. Une carcasse équarrie présente une chair qui fait presque corps avec l'astéroïde du Petit Prince. Des fleurs fanées, ou sous le souffle du vent, entendent au loin les déclarations passionnées du petit personnage pour sa rose.

Puis arrivent les céramiques, nouveau medium pour l'artiste. Ce sont des formes oblongues, pareilles à des aubergines généreuses, fruit qui hante l'artiste depuis des années. Elles matérialisent le ventre de la femme mais également la verge de l'homme. A cheval entre deux genres, elles s'inscrivent dans les réflexions de notre époque sur l'androgynie.

Ce sont aussi des coraux qui s'alanguissent sur des gouttes fragiles, des Vénus préhistoriques ou la pin-up des fifties.

Toute la vacuité des choses, à l'image des vanités de bulles de savon ou d'une plume, semble réunie dans l'exposition de France Bizot sur laquelle plane l'idée de Natsukashii.

Vernissage de France Bizot "Natsukashii"

Time:

14:00-21:00

Description:

Jun 12TH - Jul 24TH 2021

Alberta Pane Gallery is pleased to present the sixth solo exhibition by Marie Denis in its Paris venue.

Marie Denis has always worked on metamorphoses. Those that the time and her taste for paradox impart to materials, those that the artist brings to plants, since nature is at the center of her work. She explores different techniques to fix the images of an ephemeral world on more or less conventional supports.

For this exhibition, the artist invites us to dive into her plant universe using the technique of printmaking in an "unorthodox" way. She also presents a series of "masks" resulting from the sensations experienced during the confinement.

"There will also be full color or black and white masks, the herbarium always on the bone that mixes the tangible with the abstract, the graphite in black thread, and also the mineral dream that dialogues with the amazing pen. In this idea of the biologist, who under the magnifying glass of his microscope captures life under glass, here stratified in a cabinet of the botanist, landing in the space of the gallery, in the purity of it as in a chapel. 'Alma Herbarium' invites us to look behind the glass and enter."
Marie Denis, May 2021

Vernissage de Marie Denis "Alma Herbarium"

Vernissage de Marie Denis "Alma Herbarium"

Time:

15:00-18:00

Description:

Dans le cadre de l'exposition d'AJ Dungo "In Waves"

Vernissage d'AJ Dungo "In Waves"

Vernissage : jeudi 10 juin de 18h à 21h en présence de l'artiste
(en collaboration avec les Éditions Casterman)
Exposition : 11 juin au 3 juillet 2021

La galerie Barbier a le plaisir d'accueillir AJ Dungo pour l'exposition In Waves, qui réunit quarante dessins inédits à l'encre de Chine, réalisés spécialement pour l'occasion.

Deux récits s'entremêlent dans In Waves. Celui du surf, autour des deux figures tutélaires Tom Blake et Duke Kahanamoku, et celui de l'amour, fou et tragique, de AJ et Kristen. Tandis que se déploie une chronologie linéaire de l'histoire du surf, AJ Dungo dévoile, en quelques scènes d'une grande pudeur, sa relation avec Kristen, de leur rencontre à son dernier souffle. Du récit historique au deuil personnel, la houle narrative transporte et propulse le lecteur sur une planche de surf. Le temps se dilate, se fragmente jusqu'à s'abolir dans le va-et-vient des vagues. L'exposition se veut à la fois un hommage à Kristen et une ode au surf.

Vernissage d'AJ Dungo "In Waves"

Tirage de luxe de In Waves

A l'occasion de l'exposition, la galerie publie une édition de luxe en noir et blanc de l'album In Waves. L'ouvrage, préfacé par Antoine de Caunes, reprend la version publiée par Nobrow et Casterman pour l'édition française, enrichie de quarante dessins inédits.

Tirage limité à 270 exemplaires numérotés, chacun accompagné d'une sérigraphie inédite, numérotée et signée par l'artiste. 17 x 22,7 cm - cartonné avec jaquette. 424 pages. PVP : 120 €.

« C'est quand même une bien belle chose que l'art, qui autorise - je me permets d'enfoncer des portes ouvertes, on est en pleine mer - de transcender des douleurs aussi profondes par la force du trait et de la narration. Celui de AJ Dungo est un enchantement paradoxal : il célèbre la vie en étant hanté par le deuil. Il est à la fois mélancolique et vif, en mouvement constant comme s'il savait que la mer l'emportera toujours sur la mort. »
Antoine de Caunes (extrait de la préface du tirage de luxe de In Waves, Éditions Barbier, 2021)

Séance de dédicaces : samedi 12 juin
AJ Dungo viendra dédicacer le tirage de luxe de l'album In Waves (ce titre uniquement) le samedi 12 juin de 15h à 18h.

Time:

15:00-21:00

Description:

Les Plainons, matin d'été, temps dégagé, 2007 - 2008 - Huile sur papier - 21 x 34 cm

Exposition du 10 juin au 10 juillet 2021

Catalogue préfacé par Lydia Harambourg

Vernissage de Jean-Michel Bacquet "saisons"

Le Château de Selle, soir d'été, 2011 - 2020 - Huile sur papier marouflé sur bois - 21 x 100 cm © J.-L. Losi, 2021

Vernissage de Jean-Michel Bacquet "saisons"

Time:

15:00-20:00

Description:

12 juin - 24 juillet 2021
Vernissage samedi 12 juin, 15h - 20h

Vernissage de Roger-Edgar Gillet

Roger-Edgar Gillet, La Grande fête chez Pollak, 1968
Huile sur toile, 200 x 300 cm
Courtesy du Fonds Roger-Edgar Gillet et Galerie Nathalie Obadia, Paris/Bruxelles

La Galerie Nathalie Obadia est heureuse de présenter pour la première fois l'œuvre de Roger-Edgar Gillet (1924-2004), peintre de la seconde Ecole de Paris à la trajectoire singulière, allant de l'abstraction lyrique dans les années 1950 à une figuration expressionniste proche d'Eugène Leroy, Jean Fautrier, Paul Rebeyrolle et Zoran Mušič.
Une exposition de Roger-Edgar Gillet aura lieu en parallèle chez rodolphe janssen à Bruxelles.

En collaboration avec la Succession, l'exposition à la Galerie Nathalie Obadia présente un ensemble emblématique de la production figurative de Roger-Edgar Gillet, du début des années 1960 aux œuvres de la maturité, fin des années 1990. Témoin de son engagement absolu dans la peinture, cette exposition met en lumière un artiste en marge des avant-gardes, qui a marqué d'une empreinte très personnelle le paysage artistique d'après-guerre.

Diplômé de l'Ecole Boulle, Roger-Edgar Gillet travaille d'abord comme décorateur avant de se consacrer à la peinture, à laquelle il s'adonnera pendant un demi siècle entre Paris, Sens et la région de Saint-Malo. Marqué par sa rencontre avec les critiques Charles Estienne et Michel Tapié, théoricien de l'art informel, l'artiste développe au début des années 1950 une peinture abstraite dans cette mouvance alors en plein essor. Il est exposé par la galerie Evrard à Lille aux côtés de Georges Mathieu en 1952 et bénéficie d'une première exposition personnelle dans la galerie Craven, à Paris, en 1953. L'année suivante, Roger-Edgar Gillet reçoit le prix Fénéon puis le prix Catherwood en 1955, qui lui permet d'entreprendre un voyage de plusieurs mois aux Etats-Unis et de visiter, notamment, les grandes collections américaines. Sa rencontre avec le Greco, à travers le regard du Cardinal Fernando Niño de Guevara conservé au Metropolitan Museum of Art le trouble en profondeur et joue un rôle décisif dans son orientation vers une figuration où le portrait occupera une large place. Au tournant des années 1960, conscient d'en avoir personnellement fini avec l'abstraction, l'artiste se lance progressivement dans cette nouvelle aventure esthétique avec un esprit libre et réfractaire au diktat des tendances. Après avoir été défendu plusieurs années par la Galerie de France, présentant Hans Hartung, Pignon, Alechinsky ou encore Maryan, c'est la galerie Ariel, fondée par le marchand d'art Jean Pollak, qui le suit sans réserve dans cette évolution et assure à partir de 1964 son entière représentation.

« Tout se passe comme si la main de l'artiste rêvait d'un monde que son va-et-vient s'apprêtait d'effacer. »*
Si Roger-Edgar Gillet se tourne vers la figuration avec le désir de « retrouver le regard », nombre de portraits en sont à première vue privés, point commun qu'il partage avec plusieurs de ses contemporains (« le regard pénètre le corps »). Chaque œuvre met en lumière ce moment précis d'avènement ou de dissipation du sujet, à l'instar du portrait de 1991 où trois coups de lame de couteau viennent effacer un visage - ce qui a fait dire à l'artiste, ayant découvert Francis Bacon dans les années soixante, qu'il « tyrannisait le portrait ». Une mince tension entre abstraction et figuration continue ainsi de se jouer dans ces œuvres, à travers l'épaisseur de la matière picturale d'où émergent des silhouettes, où s'esquisse une scène. Dans un esprit proche d'Eugène Leroy, Roger-Edgar Gillet manifeste un rapport primordial au geste pictural qui, de l'inerte, décide de la représentation. Faisant l'objet d'un traitement expressionniste, la peinture apparaît comme une pâte, modelée, écrasée, travaillée, malmenée avec une assurance qui va à l'essentiel. Il y est aussi question de lumière. Dans une palette sourde faite de tons naturels, ocres, bruns, terre de Sienne, blonds, beiges, celle-ci émerge des figures qui s'extraient de la profondeur d'un fond sombre, clin d'œil aux primitifs flamands ou, au contraire, plonge ces silhouettes dans l'ombre et tend vers un clair-obscur dont on trouve une expression similaire chez Jean Fautrier. Cette indécision de la ligne, en prise avec l'informe originel, peut trouver un autre écho dans les célèbres nus métaphysiques de Georg Baselitz.

« Un défilé carnavalesque, tout à la fois tragique et bouffon, de personnages que leur apparence invraisemblable voue, cependant, à la vérité, va jaillir du corps de la peinture comme autant de tumeurs insolites. »**
De cette puissante germination se dégage une vision de l'humanité ironique et mordante, ravivant le souvenir des caricatures et études de mœurs de Daumier ainsi que des inquiétantes foules du peintre et graveur belge James Ensor. Lointaines héritières des portraits de groupe hollandais, les compositions irrévérencieuses de Roger-Edgar Gillet mettent en scène des bigotes (1975-1976), des gens d'église, des magistrats dans l'exercice de leur fonction (1971-1981), des « Philosophes » et toute une galerie de personnages qui tissent la trame d'une forme de comédie humaine. Le tempérament sombre et grinçant de nombre de ces toiles révèle une filiation assumée avec Francisco Goya et en particulier ses Peintures noires, visions mi-cauchemardesques mi-satiriques autour de la religion et de la société : on y retrouve les mêmes visages distordus, amassés, grotesques, dans une gamme chromatique faisant se côtoyer ténèbres et lumière. Surgissant des empâtements, la figure humaine, dans ses déformations ou malformations substantielles, s'apparente à un étrange bestiaire, ce qui n'étonne guère quand on sait que l'artiste a dans un premier temps abordé la figuration par le biais d'animaux imaginaires aux apparences d'insectes, de coléoptères.

Vernissage de Roger-Edgar Gillet

Roger-Edgar Gillet,Les Apôtres, Vers 1998
Huile sur toile, 81 x 116 cm
Courtesy du Fonds Roger-Edgar Gillet et Galerie Nathalie Obadia, Paris/Bruxelles

La peinture occidentale traverse de manière plus ou moins consciente l'œuvre de Roger-Edgar Gillet. Ainsi, très tôt après son retour à la figuration, les sujets religieux sont l'occasion pour l'artiste de rendre hommage aux « maîtres anciens » comme Titien, qu'il a beaucoup regardé. Les scènes canoniques, Crucifixions, Mises au Tombeau, ponctuent sa production picturale, marquée dès 1963 par une très grande Cène dont les premiers portraits d'Apôtres constituent les études préliminaires. Certains thèmes profanes comme La Piscine (1970) s'approprient non sans un certain humour des chefs d'œuvre classiques, en l'occurrence ici Le Bain Turc d'Ingres. Le monde du spectacle vivant fait par ailleurs l'objet de nombreux tableaux et, une fois n'est pas coutume, d'un regard approbateur, en écho là aussi à une longue tradition picturale.

Roger-Edgar Gillet creuse dans la matière, scrute et dénude l'homme avec un œil décapant. Ainsi revient-il toujours à une nature profonde : en ce qui concerne la peinture, celle du geste et de la matière. Par un cheminement qui résume et questionne toute une époque, l'œuvre de Roger-Edgar Gillet se situe au-delà des frontières entre abstraction et figuration, classique et moderne, proposant « une expérience existentielle totale de la peinture »***.

* Anne Tronche, R.E. Gillet, Centre national des arts plastiques, Paris, 1987
** idem
*** Gérard Gassiot-Talabot, R.E. Gillet, Centre national des arts plastiques, Paris, 1987

Né en 1924 à Paris, Roger-Edgar Gillet a vécu entre Paris, Sens et la région de Saint-Malo, où il est décédé en 2004.

Diplômé de l'École Boulle et ancien élève de l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Roger-Edgar Gillet a d'abord travaillé comme décorateur avant de se consacrer à la peinture. Très tôt défendu par Michel Tapié et Charles Estienne, il a fait partie d'une génération de peintres français de l'après-guerre, celle de la Seconde École de Paris, et s'est démarqué par une pratique allant de l'abstraction lyrique à une figuration expressionniste dans la veine de Jean Fautrier, Paul Rebeyrolle et Jean Dubuffet.
De 1951 à 1957, Roger-Edgar Gillet a participé à de nombreuses expositions dans des galeries historiques telles que Craven, Claude Bernard, Rodolphe Stadler et Jeanne Bucher, avant d'être représenté par la Galerie de France (1956-1963) et la Galerie Ariel, incarnée par le marchand d'art Jean Pollak (1964-2002) qui lui consacra 18 expositions personnelles.

L'artiste a également collaboré de manière régulière avec la galerie Stéphane Janssen à Bruxelles à partir de 1967, ainsi qu'avec plusieurs galeries étrangères comme Lorenzelli Arte en Italie et la Galerie Nova Spectra à La Haye. Roger-Edgar Gillet a par ailleurs participé à un certain nombre d'expositions collectives consacrées à la scène parisienne à la Redfern Gallery à Londres, à la Marlborough-Gerson Gallery à New York ou encore à la Galerie Bussola à Milan.

Roger-Edgar Gillet a par ailleurs fait l'objet d'expositions institutionnelles d'envergure, en France comme à l'étranger : Gillet-Dodeigne au Musée Galliera (1971, Paris), Rétrospective au CNAP (1987, Paris), La Marche des oubliés au Centre d'art contemporain de Saint-Priest (1989), Roger-Edgar Gillet, Cinquante ans de peinture au Musée du Palais Synodal (1999, Sens), Je Garderai un Excellent Souvenir de vous ! au Musée Estrine (2005, Saint-Rémy de Provence), Un Regard au Centre d'art contemporain du Parc Caillebotte (2009, Yerres), Exercices de survie, œuvres graphiques au Musée du Mont de Piété (2017, Bergues) ; et aux États-Unis, March of the forgotten au Musée de l'Université d'Oklahoma et Stéphane Janssen Collection au Centre des Arts de Scottsdale (1990).

L'artiste a également bénéficié d'importantes expositions collectives comme : 10 ans d'art français au Musée de Grenoble en 1956, Les uns par les autres au Palais des Beaux-Arts de Lille en 1979, Aspect de la peinture contemporaine 1945-1983 au Musée d'Art Moderne de Troyes, Face à face, tête à tête au Musée Ingres de Montauban en 2004, L'Envolée Lyrique, Paris 1945-1956 au Musée du Luxembourg à Paris, Salah Stétié et les peintres au Musée Paul Valéry de Sète en 2012 ; ainsi qu'à l'étranger, plusieurs expositions au Louisiana Museum au Danemark dont Les nouveaux expressionnistes en 1985.

Plus récemment, le travail de Roger-Edgar Gillet a été présenté au sein des expositions Construire une collection au Musée des Beaux-Arts de Rennes et De Tiépolo à Richter au Musée d'Art et d'Histoire de Bruxelles en 2018 ; ainsi qu'Acquisitions récentes du cabinet d'art graphique en 2018 et Galeries du XXe siècle en 2019 au Centre Pompidou.

Roger-Edgar Gillet a également été lauréat en 1954 du Prix Fénéon et en 1955 du Prix Catherwood.

Son œuvre est présente dans des collections publiques majeures : en France, le Musée National d'Art Moderne - Centre Pompidou, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Centre National des Arts Plastiques (Paris), les Musées des Beaux-Arts de Lyon, Rennes, Rouen et le Palais des Beaux-Arts de Lille, le Musée de Sens, le Musée Estrine (Saint-Rémy de Provence), le Musée Paul Valéry (Sète), LAAC Musées de Dunkerque ; au Danemark, le Louisiana Museum of Modern Art (Humlebaek) ; en Norvège, l'Oslo Museum (Oslo) ; en Belgique, les Musées royaux des Beaux-Arts (Bruxelles), le SMAK Musée municipal pour l'art actuel (Gand), la Fondation du roi Baudouin, Collection Neyrinck (Mons) ; et au Brésil, le Museu de Arte de Sao Paulo.

Time:

15:00-19:00

Description:

Annabel Faustin, Ryol, Ayaïro, Toxic, Timm Blandin, KeanTVC, Debbie Reda, Sophie Giet, Le Module de Zeer, Maxwell McMaster, Noritoshi Mitsuuchi, Jenna Krypell

Vernissage de l'exposition "SWEET AS SUMMER"

Vernissage de l'exposition "SWEET AS SUMMER"

Time:

16:00-22:00

Description:

La Yellow Cube Gallery à le plaisir de vous convier au ce samedi 12 juin au vernissage de l'exposition du "FINAL ACT BEYOND BORDERS".
"Beyond Borders" started last year and it's time for the great final !

Cette exposition fait communiquer la France et le Liban, l'Europe et l'Orient. Des artistes d'horizons différents autour de leurs réflexions sur un même thème: le territoire. C'est l'occasion de revoir des artistes et d'en découvrir de nouveaux puisque le projet Beyond Borders regroupe une vingtaine d'artistes aussi bien émergents que confirmés.

Ce dernier acte de Beyond Borders réunira tous les artistes présentés durant les 4 expositions l'occasion pour celles et ceux qui ont raté certains artistes de les découvrir et pour d'autres de revoir les oeuvres des artistes qui les ont marqué.

Exposition :
8 au 19 juin 2020
Du Mardi au samedi: 10h à 19h
Dimanche: 15h à 20h

Vernissage de l'exposition "Beyond Borders FINAL ACT"

Vernissage de l'exposition "Beyond Borders FINAL ACT"

Cet exposition représentera tous les artistes des autres actes précédents autour de leurs réflexions sur un même thème: le territoire. C'est l'occasion de (re)voir des artistes et d'en découvrir de nouveaux puisque le projet Beyond Borders regroupe une vingtaine d'artistes aussi bien émergent.es que confirmés. Pour cet acte, seront exposés : Charles Khoury, Simon Mhanna, Jean-Marc Nahas, Annie Kurkdjian, Fatima Mortada, Shawki Youssef, Ryan Eid et les artistes français tel qu'Alain Buhot, AM Shar, Emmanuel Mousset , Jean Robert Alcindor, Jing Wang, Les Sœurs Siamoises, Valérie Evrard, Xavier Vantaggi. Cette exposition collective sera une fois de plus pluridisciplinaire puisque cet accrochage mêlera sculpture, dessin, peinture, et photographie.

Time:

18:00-23:00

Description:

Finissage de l'exposition OMNIPRÉSENCE - Joachim Romain le samedi 12 juin à partir de 18h en présence de l'artiste et DJ set de Ben Vedren. Fast_Shop Collector est le fruit d'une rencontre créative entre un artiste plasticien, un DJ et un vidéaste. La galerie Vincent Tiercin soutient ce projet grâce à la collaboration avec TokenArt* qui a rendu possible le lancement de cette première collection de NFT.

Joachim Romain, le DJ Ben Vedren et le vidéaste Gustavo Almenara ont développé une série exclusive qui permet aux collectionneurs d'acquérir à la fois le Fast_Shop_NFT ainsi que le tirage photographique rattaché.

Laissez-vous séduire par ce nouveau format artistique et rejoignez-nous le 12 juin pour découvrir les nouveautés que nous vous avons préparées !

*TokenArt : pionnier français dans le création de Physical NFT

Finissage de Joachim Romain "OMNIPRÉSENCE"

Finissage de Joachim Romain "OMNIPRÉSENCE"