Germain Pire - Week from November 12, 2018 to November 18, 2018

November 12, 2018 - November 18, 2018 (Week 46)
Public Access

Category: All

	Mon 12 Nov	Tue 13 Nov	Wed 14 Nov	Thu 15 Nov	Fri 16 Nov	Sat 17 Nov	Sun 18 Nov
	Salon de la Photo 2018	Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"	Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"	Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis" Beaujolais nouveau	Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"	Exposition "Willy Ronis par Willy Ronis"
08:00
09:00
10:00
11:00						11:00» Vernissage de l'exposition "La Ville rêvée des enfants" / PARI - Biennale 2018
12:00							12:00» Inauguration de l'Apple Store Champs-Elysées
13:00
14:00					14:00» Vernissage d'Andreas Reiter Raabe 18:00» Vernissage de Claudia Larcher "HABITAT" 18:00» Vernissage de Karine Hoffman "KOSMOS" 18:00» Vernissage de Stoul "Orient Express" 18:00» Vernissage de Yannick Langlois 18:30» Vernissage de Tarek Benaoum "Forgotten Scriptures" 19:00» Grande conférence PARI - Biennale 2018 19:00» Le Duplex s'agrandit 19:00» Vernissage de Pol-Edouard "CARBURATOR"	14:00» Finissage de Rached "L' Entre-Monde" 15:00» Performances d'Ardif, Combo, Onemizer et TocToc 16:00» Visite commentée de l'exposition de Patrick Bock et Bruno Fontana
15:00	15:30» Paris 2024 - Enjeux et défis pour le commerce parisien 18:30» Vernissage de l'exposition "Un Barbare à Paris" 19:00» Remise du prix Wepler - Fondation La Poste 19:30» Dîner caritatif de Rose-Association 20:30» Soirée de remise des prix du Fooding 2018
16:00
17:00			17:00» Soirée portes ouvertes ESMOD 18:00» Vernissage d'Astro "Levitation" 18:00» Vernissage de Gérard Rondeau 18:00» Vernissage de l'exposition "Japon-Japonismes. Objets inspirés, 1867-2018" 18:30» Conférence : Ulla von Brandenburg 18:30» Vernissage de l'exposition "L'internement des Nomades, une histoire française" 19:00» Soirée de lancement des Beaujolais Nouveaux 2018	17:00» Vernissage du Salon Animal Art Paris 2018 18:00» Bérengère Krief inaugure les illuminations de Noël du Forum Des Halles 18:00» Vernissage de Francesc Ruiz Abad "Night on Earth" 18:00» Vernissage de Julien Colombier et François Malingrëy "Les nouveaux" 18:00» Vernissage de Mieke Vasse "Foodprint & Non Food Things" 18:00» Vernissage de Roman Moriceau : Our exquisite replica of "eternity" 18:00» Vernissage de l'exposition "50 nuances de rose" 18:00» Vernissage de l'exposition "Duo Schall" 18:00» Vernissage de l'exposition "ROCK" 18:00» Vernissage de l'exposition anniversaire de l'Espace 33 18:30» Lancement du catalogue "Le centre ne peut tenir" 18:30» Vernissage d'Aïcha Aboutaleb 18:30» Vernissage d'Hélène Launois "Mon Beau Nuage" 18:30» Vernissage de Fanny Vanoye 18:30» Vernissage de l'exposition "Art Talents Experiences" 18:30» Vernissage de l'exposition "TOI ÉMOI" 19:00» Vernissage d'Emmanuel Barrouyer "Collages" 19:00» Vernissage de Proembrion "3X3X3" 19:00» Vernissage de l'exposition "fotograf:15" 20:00» Soirée de gala du Women's Forum
18:00		18:00» Vernissage de Guy de Lussigny "gouaches et aquarelles" 18:00» Vernissage du salon macparis automne 2018 18:30» Trophées des Labels VO 2018 18:30» Vernissage de l'exposition "RDV d'ART" 19:00» Prix CatalPa 2018 19:00» Vernissage de l'exposition "L'idée du beau"
19:00
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Time:: 19:00-22:00
Description:: La saison littéraire s'est poursuivie ce lundi avec l'attribution du 21e Prix Wepler-Fondation La Poste.

« C'étaient mes choix aussi, ces deux livres je les ai portés, soutenus de juillet à septembre lors des différentes rencontres avec les autres membres du jury, c'était pour moi très difficile de les départager, l'un comme l'autre méritaient je crois le Prix. »

Agnès Kulifer se souviendra longtemps de cet été 2018 passé à lire la soixantaine de livres candidats au Prix Wepler-Fondation La Poste.

Tout comme ses « collègues » membres du jury tournant de ce prix - journalistes, critiques littéraires, libraires... -, cette postière de la direction du courrier (chaque année le jury compte un collaborateur de La Poste dans ses rangs) aura vécu une expérience inoubliable.

« C'était une aventure formidable, je souhaitais y participer depuis des années, continue-t-elle, les horizons diversifiés, les écritures originales que l'on découvre à travers ce prix m'avaient depuis toujours profondément intéressée. »

Le verdict est tombé hier soir : le Wepler-Fondation La Poste récompense Nathalie Léger pour son roman La robe blanche, et la Mention (le second prix) est attribuée à Bertrand Schefer pour Série noire.

Deux livres parus aux éditions P.O.L qui s'inspirent, qui partent de faits divers.

La Robe blanche revient - mais pas seulement, la mère de l'auteure tient aussi une grande place dans le livre - sur le périple mortel dans lequel s'était engagée une jeune artiste italienne, qui voulait au départ de Milan rejoindre Jérusalem. Habillée en robe de mariée pour symboliser les unions possibles et souhaitables entre des peuples aux cultures différentes.

Elle n'aura pas eu le temps de contourner la Méditerranée, elle a été violée et assassinée en Turquie le 31 mars 2008...

Fait divers également pour Série noire, qui retrace l'enlèvement en 1960 du jeune Roland Peugeot, héritier de l'empire automobile. Un forfait fomenté par une bande hétéroclite de pieds nickelés amateurs préoccupés de singer la jeunesse dorée de l'époque.

Les deux principaux protagonistes de l'affaire (dont l'un deux avouera avoir eu l'idée du rapt en lisant un roman de série noire) se feront prendre quelques mois plus tard menant grande vie avec l'argent de la rançon, flambant dans les casinos et les stations de ski, au volant de voitures de luxe et accompagnés de jolies filles dans les meilleurs palaces.

« Ce sont des auteurs qui ont déjà publié d'autres bons ouvrages et qui sont peu médiatisés, ajoute Agnès Kulifer, pour ces raisons aussi je suis d'autant plus contente qu'ils aient été récompensés. »

Rodolphe Pays

en présence de Gilbert Glavic, facteur montmartrois, Marie-Rose Guarniéri, fondatrice du Prix Wepler-Fondation La Poste, Agnès Kulifer, postière membre du jury et Philippe Wahl, président du groupe La Poste

Description:: du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Description:: du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Time:: 18:00-21:30
Description:: Vernissage public // Mercredi 14 Novembre 2018 de 18h à 21h30

Exposition du 15 Novembre au 16 Décembre de 14h à 19h
Tous les jours sauf le mardi et le mercredi.

La galerie LOFT DU 34 a le plaisir d'accueillir l'artiste Astro pour son second solo show « LEVITATION » du 15 novembre au 15 décembre 2018, où il présentera ses nouvelles oeuvres sur toile.

L'illusion et la perspective sont les maîtres mots de cette nouvelle exposition. Astro a souhaité travailler sur la légèreté en libérant les volumes et en épurant les compositions tout en les travaillant davantage.

Les visiteurs pourront ainsi découvrir une vingtaine de nouvelles toiles mélangeant ce travail sur la lévitation ainsi que son travail basé sur les vortex.
Astro est un artiste peintre graffeur français né dans la banlieue nord de Paris (Villiers-le-Bel) en 1981. Autodidacte et passionné, il a notamment trouvé son inspiration dans le travail de Victor Vasarely et Hans Hartung.

Il réalise ses premiers graffitis dans les années 2000, période au cours de laquelle il privilégiait le lettrage et le wildstyle.
Astro a rapidement développé son propre univers, s'affranchissant ainsi du lettrage, en exploitant les jeux d'ombre et lumière, la force des couleurs et la perspective des profondeurs pour construire d'impressionnantes structures en trois dimensions.

Astro est un artiste qui a fait du trompe l'oeil une technique qu'il révèle aux yeux de tous aussi bien en Europe qu'aux Etats-Unis grâce à des projets plus monumentaux les uns que les autres tout en conservant une palette de couleurs qui lui est propre (violet, turquoise, rouge) entrecoupée d'autres teintes.
Son travail se caractérise également par les formes géométriques transparaissant dans ses fresques (pyramides, triangles, cubes...), qui participent activement à l'effet trompe l'oeil et sont associées à des motifs propres à son travail qu'il réalise de manière spontanée.

Particulièrement à l'aise sur grands formats au travers des murs qu'il réalise et qui s'inscrivent pleinement dans l'espace urbain (Saint-Denis en 2016 ou Stockton en 2018), il n'en est pas moins également à l'aise s'agissant de son travail en atelier.
Le travail d'Astro en atelier fait écho à sa démarche dans l'espace urbain. Lorsqu'il travaille sur toile, Astro cherche à susciter une émotion forte au travers d'œuvres innovantes aux apparences trompeuses.

Artiste incontournable de la scène street-art et membre des CBS (crew de la côte ouest américaine), il a d'ores et déjà laissé son empreinte sur de nombreux murs et immeubles dans le monde entier.

Time:: 18:00-21:00
Description:: Japon-Japonismes. Objets inspirés, 1867-2018

du 15 novembre 2018 au 3 mars 2019

Dans le cadre de la saison « Japonismes 2018 : les âmes en résonance », le Musée des Arts Décoratifs souhaite rendre hommage au Japon et à son art et révèle à cette occasion toute la richesse de ses collections qui illustrent depuis la fin du XIXe siècle les relations artistiques entre ces deux grandes nations.

« Japon-Japonismes. Objets inspirés, 1867-2018 » met en lumière ce fonds exceptionnel d'art japonais ancien, l'un des plus importants en France, mis en regard avec les créations occidentales japonistes. L'exposition, enrichie de prêts d'institutions, de créateurs et de collections particulières venues tout spécialement du Japon, dit combien cette fascination réciproque a eu d'expressions pendant plus d'un siècle et demi, et qui donne, encore aujourd'hui, toute sa vigueur à l'imagination des artistes.

Commissaire général
Olivier GABET, directeur du Musée des Arts Décoratifs

Commissaire
Béatrice QUETTE, conservatrice des collections asiatiques

Commissaires invités
Noriko KAWAKAMI, journaliste et directrice associée du 21_21 DESIGN SIGHT
Masanori MOROYAMA, historien spécialisé dans l'artisanat d'art, ancien conservateur en chef honoraire au Musée national d'art moderne de Tokyo

Conseillère
Junko KOSHINO, créatrice de mode

Scénographie
Sou FUJIMOTO

#Japonismes_MAD

Cet événement permet d'admirer près de 1 400 œuvres d'art couvrant une grande variété de médiums artistiques parmi lesquels : objets d'art et de design, créations de mode, arts graphiques, photographies. Il fait également découvrir l'éclectisme des styles, des goûts et des créations qui ont donné tout leur éclat contemporain à ce patrimoine. Dans une scénographie confiée à Sou Fujimoto, de la nouvelle génération d'architectes minimalistes japonais, ce projet, déployé sur 2 200 m2 sur trois niveaux de l'aile de Rohan, s'articule autour de cinq thématiques : les acteurs de la découverte, la nature, le temps, le mouvement et l'innovation.

Depuis sa fondation, en 1864, le Musée des Arts Décoratifs a été pionnier dans l'initiative de conserver et présenter l'art japonais en France. Il organise, en 1869, la première grande exposition d'art oriental et notamment japonais. Les missions du musée ont été, dès lors, d'acquérir, préserver et exposer les exemplaires les plus remarquables des arts décoratifs d'Orient et d'Occident, en vue d'inspirer les créateurs contemporains. Cet attrait de l'Occident pour la composition des estampes, la préciosité des porcelaines, l'usage des techniques du grès et du métal et la délicatesse des laques, a permis de renouveler la production artistique en Europe dont l'art qui résulte de cette influence est connu sous le nom de Japonisme. Inversement, lorsque le Japon s'ouvre à l'Occident au début de l'ère Meiji, en 1868, il subit son influence : c'est sur cette période charnière que le visiteur débute son parcours.

L'exposition s'ouvre sur « les acteurs de la découverte » de l'art japonais et le rôle des Expositions universelles dans la transmission de cette culture à partir de 1867, date à laquelle le Japon y participe pour une première fois. Les récits et les collections rapportées par des voyageurs et marchands, à l'instar d'Henri Cernuschi, Émile Guimet, Hugues Krafft, Siegfried Bing, Florine Langweil ou Hayashi Tadamasa, ont également participé à la diffusion d'une grande variété d'objets à travers toute l'Europe : laques, céramiques, estampes, bronzes, paniers, peignes, textiles, papiers peints mais aussi katagami, kimono et tsuba.

La « nature », source d'inspiration chère aux artistes japonais et occidentaux, plonge le visiteur dans l'univers végétal, floral et animal, dont les motifs inspirés par la faune et la flore ont ouvert tout un champ lexical ornemental et symbolique qui a participé au fondement du Japonisme.

Le « temps » et les liens que les japonais entretiennent avec leur propre histoire est illustré à travers le rythme des saisons et la vie traditionnelle à l'époque d'Edō (1603-1868). Les sujets relatifs au quotidien et aux usages, tels que les cérémonies du thé, de l'encens et de la calligraphie ou liés à la spiritualité, convient le visiteur à un moment de contemplation.

En abordant le thème du « mouvement », l'exposition met en exergue la capacité de l'art japonais à saisir l'instant présent et dont les artistes européens se sont emparés. Représenté dans les spectacles de théâtre et de sumo, à travers les costumes, les masques et les estampes, le mouvement s'exprime également par les lignes de certains objets anciens et contemporains. Il se manifeste aussi à travers les échanges commerciaux et artistiques entre la France et le Japon du XVIIe siècle à nos jours. Les productions du mouvement Mingei, à l'exemple du tabouret Butterfly de Yanagi Sori et de la chaise longue en bambou de Charlotte Perriand, en offrent une parfaite illustration.

Enfin, le parcours s'achève avec « les innovations » qui s'illustrent depuis la fin du XIXe siècle avec les procédés techniques japonais traditionnels comme le grès, les laques et le métal et couvrent les domaines du graphisme, des objets et de la mode évoquant ainsi les influences artistiques qui se mêlent aux procédés les plus novateurs. Cette dernière partie convoque les grands noms de la mode des XXe et XXIe siècles ; de Issey Miyake à Junya Watanabe en passant par Paul Poiret, Junko Koshino, Rei Kawakubo (Comme des garçons) et John Galliano.

L'exposition fait voyager le visiteur d'Est en Ouest sur 150 ans d'échanges à travers une présentation inédite de par la grande variété des objets qu'elle rassemble et les œuvres d'artistes majeurs japonais et français qu'elle réunit : Hokusaï, Émile Gallé, René Lalique, Shiro Kuramata, Charlotte Perriand, Ikkō Tanaka.

Elle offre également l'opportunité de pouvoir découvrir les œuvres de sept artisans d'art français qui ont participé à l'exposition « WONDER LAB », présentée par HEART & crafts au Musée National de Tokyo en 2017 : Jean Girel, Michel Heurtault, Sylvain Le Guen, Laurent Nogues, François-Xavier Richard, Pietro Seminelli et Nelly Saunier.

Le Musée des Arts Décoratifs, en retraçant les moments forts de cette histoire d'échanges, au cœur de ses collections d'une diversité et d'une qualité remarquable, rappelle l'évidence des regards croisés entre les manifestations esthétiques entre la France et le Japon par-delà les siècles.

Hiroshige Utagawa, estampe « Le temple de Kinryuzan à Asakusa », Série des « Cent vues célèbres d'Edo », Japon, 1856
Musée des Arts Décoratifs
© MAD Paris / photo Jean Tholance

Vêtement d'armure (jinbaori), Japon
Musée des Arts Décoratifs
© MAD, Paris / Jean Tholance

Charlotte Perriand, chaise longue basculante, Japon, 1940
Musée des Arts Décoratifs
© MAD Paris / Jean Tholance Adagp, Paris, 2018

Time:: 18:30-21:30
Description:: Niveau crypte et entresol

L'internement des Nomades, une histoire française (1940-1946)

mercredi 14 novembre - dimanche 17 mars 2019

D'octobre 1940 à mai 1946, plus de 6 500 personnes, en majorité française dont un grand nombre d'enfants, ont été internées dans plus d'une trentaine de camps pour nomades situés sur l'ensemble du territoire métropolitain. En octobre 2016, le président François Hollande, dans un discours sur le site du camp de Montreuil-Bellay, admet la responsabilité de la République dans ces moments sombres de son histoire.

Avec cette exposition-événement, le Mémorial de la Shoah propose pour la première fois un éclairage complet sur la politique menée par la France entre 1939 et 1946 envers ceux que la loi française désignait sous le terme de Nomades. Si elle fut différente de la politique allemande menée dans le reste de l'Europe envers les « Zigeuner » (Tsiganes), cette politique constitue un épisode parmi les plus dramatiques de la Seconde Guerre mondiale sur notre territoire, une page terrible dont la mémoire fut longtemps occultée.

Au-delà de l'Occupation et de la présence allemande, la persécution des nomades est une histoire française qui s'amorce au tournant du 20e siècle. Dès 1895, l'Etat opère un recensement général et un fichage de tous les « nomades, bohémiens et vagabonds ». À partir de 1912, les autorités françaises identifient les familles nomades et surveillent leurs déplacements avec la mise en place du carnet anthropométrique, du carnet collectif et du carnet forain.

Assignés à résidence, enfermés dans des camps, les nomades, hommes, femmes et enfants sont spoliés, internés dans des conditions indignes, empêchés de travailler librement, sous-alimentés et contraints aux travaux forcés. Nombre d'entre eux décèdent dans ces camps. A partir de 1943, certains internés sont déportés vers l'Allemagne dans le cadre du travail forcé. D'autres, libérés des camps français, sont raflés dans le nord de la France et déportés vers Auschwitz en 1944. L'internement des nomades se poursuit après la fin de la guerre et le dernier camp français ferme en mai 1946.

Cette histoire tragique est évoquée dans l'exposition par le biais de témoignages et photographies inédits, de documents d'archives personnels ou administratifs, qui attestent de la souffrance morale et du dénuement matériel des internés. Demandes de libération, pétitions collectives, tentatives d'évasions, actes de rébellion sont autant de manifestations de résistances et de solidarités déployées par les familles internées dans les camps.

Après les expositions Le premier génocide du XXe siècle - Herero et Nama dans le sud-ouest africain allemand (1904-1908), Le génocide des Arméniens de l'Empire ottoman : stigmatiser, détruire, exclure et Rwanda 1994 : le génocide des Tutsi, le Mémorial de la Shoah perpétue avec L'internement des nomades, une histoire française (1940-1946) sa mission primordiale pour l'étude et la mémoire de tous les génocides.

*Les Sinti désignent à l'heure actuelle les membres de la minorité vivant en Europe occidentale et centrale et les Roms ceux d'origine orientale et sud-européenne. Roma est utilisé comme un nom pour la minorité complète en dehors des régions germanophones.

VISITES GUIDÉES

Visites guidées gratuites de l'exposition pour les individuels les jeudis 15 novembre et 6 décembre 2018 à 19 h 30.
Sans réservation préalable.

Visites guidées sur demande pour les groupes.
Sur réservation au 01 53 01 17 38 ou par email à reservation.groupes@memorialdelashoah.org

Commissariat scientifique :
Ilsen About, chargé de recherche, CNRS, Centre Georg Simmel, EHESS
Henriette Asséo, professeure agrégée, EHESS
Jérôme Bonin, président du Mémorial des Nomades de France
Alexandre Doulut, historien, doctorant, université Paris 1
Emmanuel Filhol, enseignant chercheur, université Bordeaux 1
Monique Heddebaut, historienne
Marie-Christine Hubert, historienne et archiviste
Théophile Leroy, agrégé d'histoire

Coordination scientifique :
Théophile Leroy.

Coordination :
Sophie Nagiscarde, Mémorial de la Shoah
Bruna Lo Biundo et Sandra Nagel, Past / Not Past

Graphisme et scénographie :
ÉricandMarie

Photo : Détenus au camp de Montreuil-Bellay, Maine-et-Loire, 3 septembre 1943.
© Denise Doly, membre de l'ordre des franciscaines missionnaires de Marie. Collection Jacques Sigot / Soeurs franciscaines missionnaires de Marie.

Description:: du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Time:: 18:00-21:00
Description:: 11 rue Sainte-Anastase

Exposition : 16 Novembre - 15 Décembre, 2018
Vernissage le jeudi 15 Novembre 18h à 21h

Commissariat Marie Maertens

Cela n'explique pas tout, mais Francesc Ruiz Abad vient de Palamós, en Espagne, où Salvador Dalí séjournait souvent et où un richissime excentrique, Alberto Puig Palau, lui avait fait construire un atelier, avec une porte inclinée, en clin d'œil surréaliste... En guise de style, l'artiste né en 1990, mixte tout autant ses couleurs vives et franches, qu'une pâte qui peut référer à de nombreuses histoires de la peinture.

A qui découvrira ses œuvres, viendront en tête les noms de George Condo, Martin Kippenberger, Marcel Broodthaers, Paul McCarthy, Georgia O'Keeffe, mais aussi la culture BD, manga ou autres monstres 2.0... Comme nombre de plasticiens de sa génération, Francesc Ruiz Abad est au-delà des problématiques de réappropriation. Nous avons dépassé depuis un siècle les « ismes », mais aussi les dernières avant-gardes et commençons à regarder loin derrière ces classifications de « post », modernisme ou structuralisme... Le travail se constitue donc d'une connaissance boulimique d'images, découvertes parfois de visu, mais surtout sur l'écran d'un smartphone, avant de passer au plaisir de la production. Francesc Ruiz Abad est à ce niveau très prolixe et totalement décomplexé face à son sujet. Il me rappelait avoir reçu à l'Université de Barcelone, puis au HGB de Leipzig, un apprentissage conceptuel, et a donc accru sa dextérité de manière autodidacte. Quand il ne peint pas, il dessine, développant les mêmes thèmes, ou en abordant d'autres, très vite. Il veut conserver ce qu'il nomme « la liberté de la forme » et insiste sur le coté « ludique » de sa pratique. Ses œuvres dialoguent entre elles, se répondent et se construisent petit à petit. Alors, la répétition permet de deviner ce qu'il ne veut pas expliquer trop frontalement. Qu'il traite, notamment, des questions de genre et de masculinité à travers les œufs dégoulinants souvent peints dans ses tableaux. En Espagne, l'œuf symbolise le testicule, quand leurs formes tombantes ne peuvent que rappeler les Montres Molles de Salvador Dalí. Si elles représentaient une sorte de vanité contemporaine, mémoire du temps qui passe, d'aucuns avaient aussi remarqué qu'elles pouvaient insuffler le doute quant à la virilité de leur auteur... Mais en 2018, c'est surtout pour Francesc Ruiz Abad, une interrogation sur le fait que le monde ait été vu depuis toujours par le « Male gaze », soit le point de vue d'un homme blanc hétérosexuel... Tout comme dans des petits formats qui semblent innocents, et même joyeux, il réfère au temps du colonialisme, s'étant basé sur des photographies prises durant les anciens Empires, où les autochtones, privés de leurs libertés, étaient mis en scène.

Francesc Ruiz Abad a beaucoup voyagé, vécu à New York, puis entrepris un parcours le menant de Barcelone à Hong Kong. Huis mois durant lesquels il s'est laissé surprendre par les hasards de ses rencontres, tout en testant une forme de survie. D'avoir nourri ses multiples points de vue se ressent dans ce corpus où il n'impose aucune clé de lecture, pour permettre à différents niveaux d'interprétation de naître. Une sorte de surréalisme contemporain, un automatisme d'aujourd'hui, qui laisse émarger « l'imagination en miroir » du regardeur.
- Marie Maertens, Novembre 2018

Francesc Ruiz Abad, La dernière, 2018

Francesc Ruiz Abad, After Ja Je Ji Jo Ju, 2018

Time:: 18:30-21:00
Description:: "Le Centre ne peut tenir" paraît suite à l'exposition éponyme qui s'est tenue à Lafayette Anticipations du 20 juin au 9 septembre 2018.

Intégralement imprimé sur place en risographie, cet ouvrage contient à la fois le récit en textes et en images de l'exposition et le témoignage de tous les événements qui se sont déroulés pendant sa période d'ouverture au public.
Toutes les oeuvres de l'exposition étant de nouvelles commandes, et certaines ayant été réalisées sur place dans les ateliers de la fondation, le catalogue lui-même a été pensé comme un objet artistique, produit sur place, en risographie, une technique d'impression parmi les plus prisées des artistes ces dernières années. Contenant plus de 60 planches photographiques en couleurs, l'ouvrage est une prouesse technique et se révèle être le plus gros livre en quadrichromie jamais réalisé en riso à ce jour dans un centre d'art.

18h30 : présentation à la presse et visite de l'atelier de production
19h30 : lancement et conférence de Pap Ndiaye, l'un des auteurs du livre
L'historien et spécialiste des situations minoritaires en France et aux États-Unis abordera les questions du rapport à la couleur de peau et au colonialisme dans les sources d'inspiration des artistes contemporains.

L'accès à cet évènement est libre et gratuit dans la limite des places disponibles.

Suite à l'exposition "Le centre ne peut tenir"

LE CENTRE NE PEUT TENIR
Exposition du mercredi 20 juin au dimanche 9 septembre 2018

Le centre ne peut tenir est la première exposition collective dans le bâtiment rénové de Lafayette Anticipations, rassemblant une nouvelle génération d'artistes français et internationaux. L'exposition réagit à la simplification des débats socio-politiques actuels, au renforcement des catégories culturelles, sociales et politiques, et à la peur de la différence.

« Tournant, tournant dans la gyre toujours plus large ; Le faucon ne peut plus entendre le fauconnier. Tout se disloque. Le centre ne peut tenir. L'anarchie se déchaîne sur le monde », écrit le poète W. B. Yeats au lendemain de la Première Guerre mondiale, alors présentée comme « la guerre pour mettre fin à toutes les guerres ». Cent ans plus tard, un profond sentiment de désorientation plane à nouveau sur nos sociétés. Pourtant, le centre devrait-il toujours tenir ? Ou serait-ce l'opportunité de rééquilibrer les pouvoirs ?

L'exposition rassemble les oeuvres de :
Isabelle Andriessen, Lucy Beech, Ève Chabanon, Julien Creuzet, Danielle Dean, Kenny Dunkan, Cooking Sections (Daniel Fernández Pascual et Alon Schwabe), Rana Hamadeh, Paul Maheke en collaboration avec Ligia Lewis et Nkisi, Jumana Manna et Yuri Pattison. Avec la participation d'Andrés Jaque / Office for Political Innovation.

Andrés Jaque, The Transvector
© Andrés Jaque and Office for Political Innovation

Kenny Dunkan, Music Temple © Mathieu Faluomi

Lucy Beech, Vue du film produit dans le cadre du Centre ne peut tenir, 2018
© Lucy Beech

Description:: du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Time:: 18:00-21:30
Description:: 17 novembre 2018 - 13 janvier 2019
Vernissage vendredi 16 novembre 18h - 21h30

Texte de Théo-Mario Coppola

Karine Hoffman vit et travaille à Paris. Figure rare de la peinture européenne, elle nourrit son œuvre de traces de mémoire fantôme. Pour sa première exposition à la Galerie Dix9, sont présentées des peintures récentes, construites telles des équations impossibles faisant référence à des lieux ou des vies oubliés, de Lodz à Vilnius. Karine Hoffman définit sa peinture comme un filtre qui révèle ce qui est tombé dans l'oubli, un endroit étranger à elle-même où surgissent des fragments narratifs et des obsessions personnelles...la peinture comme monde et comme lieu d'une quête perpétuelle où l'action est relayée à la marge, faisant place à la fantasmagorie et au jeu.

Enquête
Les contradictions animent le processus de création picturale de Karine Hoffman. Chaque paradoxe fait écho à la philosophie existentialiste, porté par le souffle d'un empirisme noir : la chair sans ombre est un cadavre sans désir. Ce sont les égarements qui signent la possible construction d'un récit, ce sont eux qui laissent des marges amples au creux desquelles se déversent des fantasmes, des farces, des jeux de mots, des idées grotesques. C'est ainsi que procède Karine Hoffman. Par enquêtes. Des recherches qui se construisent par tâtonnements, par accumulation d'idées et de situations. Chaque peinture s'inscrit dans un parcours, est une étape de cette enquête. Les titres marquent la confusion entre les langues, l'impossibilité de la traduction, la dimension affective des mots. La peinture conserve ainsi son ontologie primordiale, celle du sens caché et non de la révélation nécessaire ou de l'explication forcée.

Dédoublement à l'Est
Avant de connaître la Pologne, de s'y rendre, Karine Hoffman en a livré une vision fantasmée par des éléments épars. Les scènes représentées, abandonnées par l'action principale, suspendues dans un temps incertain, livrent des objets, des mots, comme autant d'indices d'une enquête sur sa destinée personnelle et le passé de la Pologne. Pour Karine Hoffman, la peinture permet de vivre un dédoublement, la fiction d'une autre elle-même vivant l'étrangeté de la peinture, la toute-puissance de la sensation. Exister autrement à travers la peinture lui permet de mettre à distance sa propre histoire, de la vivre comme une invention, un rêve. Cette méthodologie personnelle rappelle que la peinture est œuvre de mensonge et de secret. Elle procède de la même manière à son retour de Vilnius, avec une série d'œuvres qui réinterprète un voyage devenu fantasme.

Des paysages-mondes
Horizons entravés par la présence d'un mur, impossible percée vers la lumière, fumée profonde perturbant la vision. Tout ce qui restreint la vue augmente la complexité du paysage. Cryptés, inclusifs, secrets, kabbalistiques, les paysages-mondes de Karine Hoffman contiennent des procédés alchimiques. La translation d'un monde à l'autre, d'un paysage à l'autre, d'un état à l'autre annonce un moment de basculement. La représentation ne doit pas être véridique ou authentique. Chaque peinture est au contraire un monde autonome, constitué de fantasmes et d'apories. Dans la série KOSMOS, si l'horizon semble s'ouvrir, c'est pour prolonger la distance, multiplier les gestes et les textures picturales, les effets de matière par lesquels certains détails des œuvres tendent à l'abstraction occulte.

Ce que nous devons à Witold Gombrowicz
Witold Gombrowicz est un auteur clef pour saisir l'œuvre de Karine Hoffman. Il refuse comme elle l'idée de la pureté, l'idée même qu'il puisse exister un état flottant et intact de la pensée, détaché du réel. Au contraire, c'est la contamination des termes, la perturbation perpétuelle et le sacré des énigmes moribondes qui règnent tous ensemble. La forme, sans cesse pareille, sans cesse étrange est inédite. Seule expression possible de notre condition. Une obsession polymorphe, certaine, inexorable. Ni moderne, ni traditionnelle, Cosmos est une œuvre singulière qui défie les avant-gardes comme les pourfendeurs d'un retour au classicisme. Elle échappe à la catégorisation. Le style vif et enlevé brutalise l'entendement, provoquant une accélération de la compréhension du réel même. Les scènes sont racontées avec une vigueur qui oscille entre le pittoresque outré et le symbolisme démoniaque, entre la recherche d'un état et l'impossible préscience du réel.

Résonnances littéraires
L'œuvre de Karine Hoffman est traversée par une tradition narrative littéraire, un espace mental textuel dans lequel se côtoient Franz Kafka, Bruno Schulz, Jorge Luis Borges, Philip. K. Dick et Witold Gombrowicz. Chacun d'entre eux avance avec des enquêtes sans solution, poursuivant des quêtes inabouties, construisant des récits qui se bousculent dans des impasses. L'impossible n'est pas une complication mais une méthode de travail, une manière de construire une réflexion sur le monde. Répondre à une interrogation par une autre interrogation prolonge sans cesse l'énergie du questionnement. Le présent n'existe que dans la mesure où il conserve un ensemble d'énigmes, une kyrielle d'indices.

L'Histoire, territoire des abysses
Les scènes représentées semblent échapper à la caractérisation du lieu. Aucun élément d'architecture, aucun repère cartographié. Seuls les indices du temps (mais aussi de l'époque) permettent de saisir une partie de l'enquête. Les titres activent cette narration non conventionnelle, en rupture avec la chronologie ou la véracité des faits, indices et anecdotes à l'appui. Un gant usé, un arbre luminescent, un piolet assassin, une palissade de guingois s'imposent en indice d'une énigme, un territoire des abysses. Tandis que dans les séries précédentes, l'objet demeurait à la mesure humaine, qu'il était encore simple outil, la série Kosmos en démontre la démesure, la distorsion, la délirante présence. Ce sont les objets qui façonnent la dramaturgie. Le monde submerge l'espace, écartant la possible présence humaine. Ce n'est plus l'action abandonnée, la scène délaissée par ses acteurs qui dominent mais l'étrange emprise des objets. Ces scènes opèrent le prolongement d'un rêve, d'une angoisse, d'un trauma: elles marquent l'impossible quiétude des destinées personnelles traversées par l'Histoire.

Théo-Mario Coppola

Like a cigarette under the ashes of Vilnius, 2018, 200x160 cm

Time:: 18:30-22:00
Description:: Vernissage le vendredi 16 novembre en présence de l'artiste
Exposition du 16 novembre au 22 décembre 2018

Seriez-vous prêt à délaisser votre esprit cartésien et discursif au profit d'un voyage dans l'inconscient collectif sur les traces de l'humanité ? C'est ce que vous propose le peintre et calligraphe Tarek Benaoum au travers de sa nouvelle exposition « Forgotten Scriptures ». Une invitation au rêve et à l'introspection par la redécouverte d'un langage cosmique, témoin d'un récit oublié au plus profond des temps anciens.

Tarek Benaoum présente ici les rapports que ses écritures hybrides entretiennent avec l'image, la langue et la culture dans les différentes traditions qu'il a pu rencontrer au cours de ses nombreux périples. Ses peintures témoignent d'une communion, d'un message universel représentant l'Homme et la diversité de ses cultures. Il illumine et éclaire avec maestria ses calligraphies primitives avec des mouvements subtils de couleurs vives, fluorescentes et profondes. Les couleurs de l'abstraction s'imposent dans ses œuvres, elles sont des paraboles et des allusions mystiques.

Inspiré par les écrits de ses auteurs de prédilections tels que William Blake, Jack Kerouac, James Allen ou encore T. S. Eliot, l'artiste pare les textes qu'il a choisi avec soin de dorures, de couleurs, de dessins et transforme la lettre classique en un mystérieux art pictural. Ces lettres hybrides, ces nouveaux idéogrammes, invitent le spectateur à exprimer sa propre vision et son individualité en tentant de les interpréter. Les toiles et les stèles, habillées de ces multiples formes, intriguent et déconcertent. Le lecteur doit ouvrir ses horizons et ses axes de réflexions.

Dans cette nouvelle exposition Tarek Benaoum semble utiliser chaque trait, chaque signe comme une clé d'entrée vers un système de pensée et une dimension de l'écrit.
Ces écritures primitives, oubliées telles les premières peintures pariétales, peuvent être déchiffrées grâce à une absence totale de rationalité. L'artiste utilise son propre langage au travers de ses écritures oubliées comme un manifeste ancestral, un témoignage précieux de son exploration intime et onirique aux origines des civilisations.

Texte de Cindy Charlotte Rocher

Details « Cherish your visions, cherish your ideals, cherish the music that stirs in your heart » text by James Allen Mural 10 x 9 meters for the Nasimi festival in Baku (Azerbaïdjan)

Description:: du 27 avril au 29 septembre 2018, prolongée jusqu'au 2 janvier 2019
du mardi au samedi de 11h à 18h

Personnage clé de l'histoire de la photographie française, Willy Ronis (1910-2009) est l'une des plus grandes figures de cette photographie dite « humaniste », attachée à capter fraternellement l'essentiel de la vie quotidienne des gens. À partir de 1985, Willy Ronis se plonge dans son fonds photographique pour sélectionner ce qu'il considère comme l'essentiel de son travail. Il réalise une série de six albums, constituant ainsi son « testament photographique ». Ces albums inédits sont la matrice de cette exposition.

À l'invitation de Frédérique Calandra, Maire du 20e arrondissement, Willy Ronis par Willy Ronis est à voir et à écouter du 27 avril au 29 septembre 2018, au Pavillon Carré de Baudouin, qui fête ses dix ans cette année, au cœur de ce quartier de Paris qu'il aimait tant.

Devenu reporter photographe en 1936, Willy Ronis mène de front commandes et recherches personnelles. Observant le monde, ses photos dressent une sorte de portrait à la fois intimiste et profond de la société et de l'époque. Elles constituent un immense travelling qui donne à voir, à comprendre et à aimer les gens dans l'ordinaire de leur vie. En plaçant l'homme au centre de son œuvre, en posant sur lui un regard optimiste et bienveillant, Willy Ronis n'en néglige pas pour autant de rendre compte de la dureté de l'époque, d'où ces nombreuses images sur le monde du travail et les luttes ouvrières, marquant son empathie et un engagement social qui perdure tout au long de son œuvre.

Outre les photographies exposées, près de deux cents, réalisées entre 1926 et 2001, le public pourra également feuilleter les albums à partir de bornes composées de tablettes interactives. Par ailleurs, une série de films et de vidéos réalisés sur Willy Ronis sera projetée dans l'auditorium selon une programmation particulière. Une occasion unique d'entrer de plain-pied dans l'univers personnel de l'artiste.

Neuf ans après le décès de Willy Ronis, cette exposition célèbre la clôture de la succession et l'entrée de l'œuvre dans les collections de la MAP, l'établissement du ministère de la Culture qui gère, entre autres, les grandes donations photographiques faites à l'État. Le commissariat de cette exposition est assuré par Gérard Uféras, photographe, l'un des plus proches amis de Willy Ronis, et par Jean-Claude Gautrand, photographe, journaliste et historien de la photographie française. Toutes les photographies exposées font l'objet d'un travail exceptionnel au sein du laboratoire de l'Agence photographique de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, qui les diffuse en exclusivité.

Willy Ronis, Pendant le défilé de la victoire du Front populaire, rue Saint-Antoine, Paris, 14 juillet 1936
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Les Amoureux de la Bastille, Paris, 1957
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Willy Ronis, Le Café de France, L'isle-sur-la-Sorgue, 1979
© Ministère de la Culture - Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, dist. RMN-GP, donation Willy Ronis

Time:: 11:00-12:30
Description:: Vernissage de «La Ville rêvée des enfants» une maquette géante en terre cuite réalisée par 71 classes de 18 écoles du 10 arrondissement de Paris
- Commissariat : Emmanuel Leroy
- Briquettes de terre fournies par la FFTB
- Avec le soutien du Conseil régional de l'Ordre des architectes d'Île-de-France, Crédit Mutuel, Autodesk et Mairie du 10e arrondissement de Paris.

Exposition du 17 au 19 novembre
Vernissage samedi 17 novembre à 11h

dans le cadre de PARI - Biennale 2018
4e Biennale du Réseau des maisons de l'architecture

Le Réseau des maisons de l'architecture

Constitué en 2004 autour de l'objectif de mettre en lien les Maisons de l'architecture et de mutualiser leurs actions, le Réseau est une association nationale qui occupe une place unique et bien spécifique dans le paysage de la médiation architecturale et urbaine. Il est aujourd'hui présidé par Anne-Sophie Kehr.

Les 33 associations qui en sont membres sont des acteurs remarqués de la diffusion de la culture architecturale. Chaque année ce sont des centaines de milliers de personnes qui témoignent leur intérêt en assistant ou en participant à des expositions, des débats, des visites, des actions pédagogiques, des voyages, des séances de cinéma, des ateliers, des palmarès d'architecture contemporaine... Elles sont réparties sur l'ensemble du territoire, et même au-delà, puisque la Maison de l'architecture du Québec a rejoint le Réseau en 2013.

La Maison de l'architecture Île-de-France, présidée par Dominique Boré, est la coorganisatrice de la Biennale 2018.
Tous les deux ans depuis 2012 un événement national met l'accent sur la transversalité de l'architecture; il prolonge et amplifie la mobilisation quotidienne des Maisons de l'architecture sur les territoires.

Du 15 au 19 novembre 2018, Paris accueille PARI, la 4e Biennale du Réseau des maisons de l'architecture, après Strasbourg, Marseille et Nantes. Intitulée PARI, cette 4e édition, dont le commissariat est assuré par Christopher Dessus, entend explorer les grands défis du 21e siècle et témoigner d'une «nouvelle architecture» qui fait le PARI de la transversalité, de la collaboration, de la sensibilisation, de la résidence, ou encore de la co-construction. La Biennale PARI se déroule dans quatre lieux phares : la Maison de l'Architecture Île-de-France, l'École nationale supérieure d'architecture Paris-Belleville, le DOC! et l'Espace Niemeyer, ainsi que dans plusieurs lieux partenaires et un lieu OFF, le Dock B à Pantin.

Time:: 12:00-20:00
Description:: Apple Champs-Elysées
114 Avenue des Champs-Elysées
75008 Paris 8

Apple ouvre sa plus grande boutique Française sur l'avenue des Champs-Elysées à Paris ce dimanche 18 novembre 2018 à 12h. A cette occasion, Apple propose une semaine d'animations gratuites avec au programme des performances live et des séances de créations interactives!

Avis aux nombreux fans de la marque Apple ! Le géant américain installe une nouvelle boutique à Paris. A découvrir dès ce dimanche 18 novembre 2018 à 12h sur la plus belle avenue du monde, cette nouvelle adresse sera la plus grande d'Apple en France !

La boutique Apple des Champs-Elysées, située au N° 114, propose notamment un Genius Groove, ainsi qu'un grand écran permettant d'organiser des retransmissions et des événements. À l'occasion de cette inauguration, Apple voit les choses en grand et organise une semaine d'animations gratuites mêlant performances live et séances de créations interactives.

Avec cette nouvelle adresse, Apple dévoile non seulement sa plus grande boutique française mais aussi sa plus atypique. Niché dans un bel immeuble haussmanien, on y découvre une volonté de la part du géant de s'adapter à la culture parisienne. Cette boutique qui s'étend sur trois étages dévoile l'ensemble des produits de la marque répartis en plusieurs espaces mais pas seulement.

Des salles dédiées à des formations diverses vous permettent de pouvoir mieux exploiter le potentiel de vos produits. La marque a également reproduit le style typique d'un appartement parisien afin de mieux vous immerger dans ce lieu insolite. Au total, ce sont 260 produits qui sont disponibles en démonstration. Le lieu inclue également le fameux Genius Bar, désormais bien connu des fidèles de la marque.

À travers cette boutique, Apple semble également vouloir montrer patte blanche sur les questions environnementales. Dans la cour intérieure on remarque une sculpture au plafond qui diffuse une lumière semblable à celle du jour et qui nous donne l'illusion d'être en plein air. La boutique est alimentée à 100% grâce aux énergies renouvelables à l'aide, entre autres, de panneaux photovoltaïques. L'eau de pluie y est également recyclée pour permettre d'alimenter les sanitaires ainsi que d'arroser les plantes qui parsèment le lieu.

Le programme Give Back est également disponible dans ce lieu. Il vous permet de rapporter vos anciens produits apple et selon leur état, de bénéficier d'un crédit qui vous permettra de troquer l'ancien pour le nouveau. Si l'état du produit en question ne vous permet pas de bénéficier de ce fameux crédit, il peut tout de même être repris dans le but d'être recyclé. Une démarche ecofriendly donc.

Deux exclusivités sont à découvrir dans ce nouveau QG d'Apple. La première se trouve dans la Hermès Room : il s'agit d'une collection d'Apple Watch réalisée en collaboration avec la marque Hermès. La seconde, c'est le HomePod, la nouvelle enceinte intelligente d'Apple que vous aurez l'occasion de tester dans l'appartement parisien situé au premier étage.

Découvrez le programme des animations :

Art en direct : Une fresque, douze artistes
Dimanche 18 novembre de 13h à 16h - Entrée libre selon les places disponibles
Guidez les artistes qui ont animé les façades du nouveau magasin sur les Champs-Élysées tandis qu'ils réinventent le jeu du cadavre exquis sur le mur vidéo. À l'aide d'un iPad et de Procreate, ils ajouteront un personnage sur la carte de Paris en dessinant suivant vos propositions.

Labo musique : Créez votre remix avec Sônge et Myd
Dimanche 18 novembre de 18h à 19h30
Venez rencontrer la chanteuse R&B Sônge et le producteur de musique Myd. Ils évoqueront leur travail et leurs sources d'inspiration puis vous apprendront à créer un remix basé sur un titre de l'album de Sônge avec GarageBand sur iPad. Pour finir en beauté, ils interprèteront leur version remixée créée lors de ce Labo musique.

Performance : 10LEC6 sound system et The Bells Angels
Mercredi 21 novembre de 19h à 20h
Musique, danse et arts visuels sont réunis ici pour une représentation unique. Observez comment les musiciens et danseurs électro de plusieurs collectifs collaborent. Vous découvrirez comment ces danseurs improvisent une chorégraphie pendant le set de 10LEC6 sound system, tandis que les artistes de The Bells Angels créent une œuvre visuelle en direct sur iPad avec l'Apple Pencil et Procreate.

Performance : Flash mob en musique avec Léonie Pernet
Jeudi 22 novembre de 19h à 20h
Retrouvez Léonie Pernet et découvrez de quelle manière la shuffle dance a inspiré son dernier clip, Butterfly, réalisé par Marco Dos Santos. Tous deux partageront leur expérience avant de laisser les danseurs s'exprimer lors d'un flash mob en direct pour un moment de folie partagé.
L'atelier des enfants : Réaliser un personnage en stop motion avec Amaël Isnard
Samedi 24 novembre de 11h à 12h30 - Recommandé aux enfants de 8 à 12 ans, et leurs parents
Les enfants vont choisir leur personnage préféré et le fabriquer en pâte à modeler. Ensuite, en suivant pas à pas les conseils d'Amaël Isnard, ils l'animeront sur un iPad en utilisant l'Apple Pencil et l'app Stop Motion. Le matériel leur sera prêté.

Labo musique : Créez votre bande-son urbaine avec Inès Mélia
Samedi 24 novembre de 16h à 17h30
Promenez-vous sur les Champs-Élysées, enregistrez les sons autour de vous : voitures, vent, foule... Puis, en discutant avec Inès Mélia, utilisez GarageBand sur iPhone ou iPad pour créer une bande-son unique, comme un carnet de voyage sonore que vous pourrez emporter chez vous.

L'atelier des enfants : Inventer un animal fantastique avec Ana Tortos
Dimanche 25 novembre de 14h à 15h30 - Recommandé aux enfants de 6 à 12 ans, et leurs parents
Guidés par Ana Tortos, illustratrice de Tony les animots, les enfants imagineront leur personnage avant de le créer sur iPad à l'aide de l'Apple Pencil et Procreate. Ils pourront même rapporter leur création chez eux. Le matériel sera prêté.
On rappelle que, en parallèle de cette ouverture, le Apple Store du Louvre, inauguré en novembre 2009, a fermé ses portes le 27 octobre 2018 en raison de sa petite superficie.

Aujourd'hui, la capitale compte donc trois boutiques Apple avec la nouvelle sur les Champs-Élysées, mais aussi celle du côté de l'Opéra, puis la boutique au marché Saint-Germain.

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