Germain Pire - Week from June 18, 2018 to June 24, 2018

Description:

manifestations dans les mairies pour commémorer l'appel du 18 juin 1940, vers midi environ.

ex : mairies des 3ème et 11ème arrondissements

Description:

Fête de la Constitution des Seychelles

Time:

17:00-21:00

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12ème édition des Trophées des Achats 2018

Pour l'occasion, François-Charles Rebeix, Fondateur et Directeur de la Publication de La Lettre des Achats fera une rétrospective de ces 25 dernières années. Il sera ainsi question de l'évolution du rôle des acheteurs, de leur place au sein de l'organisation, de leurs contributions dans le business, etc.
Une soirée exceptionnelle à ne manquer sous aucun prétexte !

>> RSVP

12ème édition des Trophées des Achats 2018

Time:

18:30-23:00

Description:

en présence de Philippe Caroit, Philippe Chevallier, Hervé Vilard, Anne Gravoin, Anne Roumanoff, Pierre Deny, Marie-Christine Adam, Noémie Lvovsky, Lou Gala

Les prix SACD sont des récompenses décernées par la Société des auteurs et compositeurs dramatiques dans les domaines du cinéma, de la danse, de la musique, de la radio, de la télévision et du théâtre

Ce lundi 18 juin, le conseil d'administration de la SACD s'est à nouveau réuni pour récompenser les auteurs toutes disciplines confondues, confirmés et jeunes talents, qui ont marqué l'année. Découvrez le palmarès complet.
Chaque année au mois de juin, il est temps de remettre les Prix de la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (SACD) regroupant l'ensemble des disciplines, c'est-à-dire théâtre, humour, cinéma, télévision, animation, radio, musique, danse.... Cette cérémonie a pour but d'encourager les auteurs débutants ou confirmés à poursuivre leur carrière.

La Société a donc une nouvelle fois donné rendez-vous à ses 34 lauréats dans les jardins de la SACD, à Paris ce lundi 18 juin 2018. Quelques personnalités étaient présentes, comme l'humoriste Anne Roumanoff, qui avait reçu le Prix Humour en 2017, Anne Gravoin, violoniste et productrice de spectacle, le chanteur Hervé Vilard ou encore le comédien Philippe Chevallier.

Confirmés et nouveaux talents, toutes les disciplines et répertoires de la SACD sont célébrés et récompensés par un prix : théâtre, mise en scène, cinéma, danse, animation, télévision, musique, création numérique, arts du cirque, arts de la rue, radio, humour / one man show.

Deux prix exceptionnels sont remis à l'occasion de cette grande fête : le Grand Prix qui récompense un auteur pour l'ensemble de sa carrière, et le Prix européen célébrant un auteur européen, qui souligne ainsi la dimension internationale de la SACD et son engagement pour défendre la diversité de la création en Europe. Les 25 prix de la SACD et les médailles Beaumarchais sont remis dans les jardins de la SACD, ce soir 18 juin 2018, aux 34 lauréats choisis cette année par les membres du Conseil d'administration présidé par Jacques Fansten.

Palmarès des Prix SACD 2018

Grand Prix : Georges Aperghis
Prix Européen : Fatih Akin
Prix Cinéma : Noémie Lvovsky
Prix Nouveau Talent Cinéma : Sou Abadi
Prix Suzanne Bianchetti : Camélia Jordana
Récompense une jeune comédienne débutant une carrière cinématographique prometteuse
Prix Télévision Réalisateur : Virginie Sauveur
Prix Télévision Scénariste : Antoine Lacomblez
Prix Nouveau Talent Télévision : Stephen Cafiero, Camille Rosset et Frédéric Rosset
Prix Animation : Franck Dion
Prix Nouveau Talent Animation : Mor Israeli
Prix Création Interactive : Jérôme Blanquet
Prix Radio : Katell Guillou
Prix Nouveau Talent Radio : Daniel Martin-Borret
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Prix Théâtre : François Tanguy
Prix Nouveau Talent Théâtre : Caroline Guiela Nguyen
Prix de la mise en scène : Ladislas Chollat
Prix de la Traduction et/ou Adaptation : Jacqueline Carnaud et Laurence Sendrowicz
Prix Humour/One Man Show : Blanche Gardin
Prix Nouveau Talent Humour/One Man Show : Vincent Dedienne
Prix Cirque : Raphaël Navarro
Prix Arts de la Rue : Nadège Prugnard
Prix Chorégraphie : Martine Pisani
Prix Nouveau Talent Chorégraphie : Nina Santes
Prix Musique : Nicolas Frize
Prix Nouveau Talent Musique : Julien Joubert
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Médailles Beaumarchais : Jeanne Brunfaut, Catherine Dan, Claire Diao, Alain Le Diberder, Patrick Eveno et Martine Tridde Mazloum
Honorent les personnalités qui ont œuvré pour les auteurs et pour la création

Palmarès des Prix SACD 2018

Lou Gala

Lauréats des Prix SACD 2018

Time:

19:00-22:00

Description:

Récompenses attribuées aux spectacles musicaux, au théâtre musical et aux comédies musicales à Paris ainsi qu'en France Métropolitaine.

maîtres de cérémonie : Prisca Demarez et David Alexis

#TrophéesCM2018

Time:

19:00-21:00

Description:

Par l'Art et L'etre, Philippe Fabian, Emmanuel Sarnin, Sébastien Dolidon, Mathieu Delmestre, Jean-Philippe Bouyer et Dimitri Zegboro

Retour sur toutes les expositions créées lors des précédentes Semaines Locales du Handicap. L'occasion de retrouver les regards, les rencontres, les réflexions, les situations et les émotions émises par les créations artistiques. Suivi d'un pot à la Mairie du 3e.
Vernissage le lundi 18 juin à 19h à la Mairie du 3e
Exposition du 19 au 24 juin à la bibliothèque Marguerite Audoux
et la Mairie du 3e

Vernissage de l'exposition "De regard en regard"

Vernissage de l'exposition "De regard en regard"

Semaine Locale du Handicap: 10 ans après

Le Conseil Local du Handicap du 3e, 1ère instance de démocratie locale dédiée au Handicap à Paris, propose sa 10e Semaine Locale du Handicap du 18 au 24 juin.
Depuis 2008, avec les membres du conseil local du handicap du 3e arrondissement, nous proposons, tous les ans, une semaine dédiée au changement de regard sur les personnes en situation de handicap. A chaque fois, une programmation éclectique permet de mettre en lumière la place du handicap dans notre société au travers de thèmes variés comme le sport, la culture, l'accessibilité, la communication, l'art, l'évolution des droits des personnes en situation de handicap ou encore le travail.
Pour cet anniversaire, nous vous faisons (re)découvrir le fruit de ce travail avec une rétrospective des expositions des éditions précédentes, la diffusion du film "Patients",
4 fois nommés aux César 2018 ou encore un DJ set en plein air à l'occasion de la Fête de la Musique. En 10 ans, les rencontres et les échanges ont permis de créer une permanence Droit et Handicap à la Mairie du 3e avec l'aide de l'Institut Médico-Éducatif Cour de Venise, de promouvoir la pratique handisport par l'achat de fauteuil adapté pour la pratique de tennis dans le Carreau du Temple, la création d'une collection "Handicap ou Différence" à la bibliothèque M. Audoux ou encore la consultation du CHL pour les réaménagements urbains d'ampleur (ex : la Place de la République). L'objectif est toujours celui de combattre les préjugés, d'accepter l'autre quelque soit sa différence et d'apposer un nouveau regard sur l'accessibilité de nos rues et de nos commerces.

Vernissage de l'exposition "De regard en regard"

Time:

20:00

Description:

Dîner officiel de la première Commission de coordination du CIO de Paris 2024

Time:

20:15-22:00

Description:

en présence de l'équipe du film

Description:

Du 13 décembre 2017 au 20 mai 2018, prolongation jusqu'au 12 août 2018
Du mercredi au vendredi : 11h - 17h / Samedi et dimanche : 14h - 18h
Groupes : sur rendez-vous du mardi au dimanche - Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre le premier dimanche de chaque mois
Plein tarif : 4.70 € / 3.60 € pour les Isséens et GPSO
Tarif réduit : 3.60 € / 2.60 € pour les Isséens et GPSO
Gratuit pour les moins de 26 ans
Audio guide français / anglais : gratuit

Labellisée « Centenaire Auguste Rodin », cette exposition au Musée Français de la Carte à Jouer sera la dernière manifestation de cette année consacrée à l'une des figures les plus indépendantes du monde de l'art. Mêlant sculptures et photographies, elle s'accompagnera d'une riche programmation avec des conférences mensuelles et des projections.

En 1908, Auguste Rodin, qui habite la Villa des Brillants à Meudon depuis une douzaine d'années, fait installer dans les communs du château des Conti à Issy-les-Moulineaux l'atelier d'un de ses derniers mouleurs et proches collaborateurs : Paul Cruet.

Employé par le Maître, puis par le Musée Rodin de novembre 1905 à février 1940 en qualité de chef-mouleur, celui-ci devient un collaborateur précieux et estimé dont l'expertise a régulièrement été sollicitée dans différents domaines. C'est en particulier à lui qu'est confiée la tâche d'achever la mythique Porte de l'Enfer en 1917.

Jusqu'à sa fermeture en 1937, son atelier isséen compte parmi l'un des principaux lieux d'activité du Musée Rodin.

A la fin de sa vie, il possédait une collection dont donation a été faite à la Ville en 1966 et 1974. Conservé au Musée Français de la Carte à Jouer, ce fonds comprend en particulier des photographies anciennes, une aquarelle et sept sculptures en plâtre (dont un buste de Camille Claudel et une tête d'un des Bourgeois de Calais, Pierre de Wissant).

L'ensemble sera présenté au côté d'une sélection d'œuvres à la réalisation desquelles Paul Cruet a travaillé. L'exposition a en effet bénéficié de l'aide et du soutien du Musée Rodin qui a bien voulu ouvrir largement l'accès à ses archives et à ses réserves.

Elle permettra aussi sur le plan esthétique de s'arrêter sur les processus créatifs en sculpture et plus particulièrement le procédé du moulage. Le mouleur joue en effet un rôle important non seulement sur le plan technique (du fait du nombre et de la complexité des étapes mises en œuvre) mais surtout sur le plan esthétique.

#CentenaireRodin
#Rodin100
http://rodin100.org/fr/actualit%C3%A9s/auguste-rodin-et-son-mouleur-paul-cruet

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Paul Cruet procédant au moulage d'Ugolin, tirage photographique 22.4 x 17.3 cm, coll. M F C J - Issy-les-Moulineaux © F. Doury

Vernissage de l'exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), L'Âge d'airain (Grand modèle), 1877, plâtre patiné au vernis gomme laque, 180 x 68.5 x 54.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Saint Jean-Baptiste (Grand modèle), 1880, plâtre patiné au vernis gomme laque, 203 x 71.7 x 119.5 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Exposition "Auguste Rodin et son mouleur Paul Cruet"

Auguste RODIN (1840-1917), Buste de Dalou, 1883, plâtre stéariné, 52 x 43 x 24 cm. © MuMa Le Havre / Charles Maslard

Description:

Bibliothèque-musée de l'Opéra, Palais Garnier
Entrée à l'angle des rues Scribe et Auber, Paris 9e

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Du 19 juin au 16 septembre 2018
Tous les jours 10h > 17h

Tarifs de visite
Plein tarif : 12 € - Tarif réduit : 8 €
Entrée gratuite pour les moins de 12 ans, personnes en situation de handicap et leur accompagnateur, demandeurs d'emploi.

Commissariat
Bérenger Hainaut, conservateur au département de la Musique, BnF
Inès Piovesan, chef du Service des éditions, Opéra national de Paris

Catalogue
Picasso et la danse
Sous la direction de Bérenger Hainaut et Inès Piovesan BnF Éditions
22 x 27 cm, 192 pages, 100 illustrations environ, 39 €

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

David Douglas Duncan
Pablo Picasso et Jacqueline Rogue dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

David Douglas Duncan
Pablo Picasso dansant devant Les Baigneurs à la Garoupe
Juillet 1957
Photographie (reproduction)
Musée national Picasso-Paris DunDav120
© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris)
© Succession Picasso 2018

Pablo Picasso (1881-1973) est certainement l'un des artistes les plus complets du xxe siècle : à la fois peintre, dessinateur, sculpteur, graveur, il n'a cessé d'approfondir toutes les techniques, explorant les champs et les modes d'expression les plus divers. À partir des années 1910, il découvre le monde du spectacle et travaille à la création de décors et costumes qui marqueront l'histoire du ballet. Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), Mercure (1924) constituent autant de repères majeurs pour cet art. L'héritage de Picasso reste d'ailleurs vivace au sein du répertoire du Ballet de l'Opéra de Paris, témoignant de l'importance de la place qu'il occupe dans le paysage chorégraphique.
Mais il faut dépasser le cadre du ballet pour découvrir que l'intérêt de Picasso pour la danse s'est en réalité exprimé dès ses plus jeunes années. Des danseuses de cirque des années 1900 aux danses érotiques du dernier Picasso, en passant par les scènes de bacchanales des années 1940 à 1960, tout a semblé prétexte à représenter des corps en mouvement. La dynamique du mouvement dansé a ainsi traversé toute l'œuvre du maître, allant parfois jusqu'à alimenter son geste artistique.
L'exposition organisée par la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris explore les différentes facettes du rapport de Picasso à la danse, entre vie de troupe et recherches créatrices, entre beaux-arts et spectacle vivant.

I. La troupe des Ballets russes

En mars 1915, Jean Cocteau cherche à rencontrer Picasso. Le jeune écrivain, qui côtoie les Ballets russes depuis 1909, souhaite marquer les esprits et s'imposer en tant que créateur auprès de Serge Diaghilev, le directeur de la compagnie. Il imagine donc de rallier le chef de file du mouvement cubiste et de le convaincre de participer à un de ses projets scéniques : Parade. Au début de l'été, le compositeur Edgar Varèse accepte de présenter Cocteau à Picasso : cette première rencontre signe le début de la collaboration de l'artiste avec les Ballets russes.
De 1917 à 1925, Picasso partage régulièrement la vie de la troupe, à l'occasion de résidences de travail ou de tournées, en France et à l'étranger. Il incarne une forme de renouveau au sein des Ballets russes, aux côtés de Cocteau mais aussi de Léonide Massine, alors principal chorégraphe. Au fil de ces années de collaboration, Picasso noue de nombreuses amitiés, dont témoignent portraits et caricatures, ainsi qu'une abondante correspondance. Sa forte implication dans l'univers mondain du ballet s'explique aussi par sa rencontre avec Olga Khokhlova : danseuse pour Diaghilev depuis 1911, elle entame une liaison avec Picasso en 1917, avant de l'épouser le 12 juillet 1918. Jusqu'en 1924, elle sera omniprésente dans ses œuvres.
Dans ce contexte, le ballet devient une thématique à part entière : Picasso réalise de nombreuses études de mouvements dansés et multiplie les dessins de danseurs, de ballerines et de pas de deux.

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso, Danseuse ayant servi de frontispice pour le livre de Boris Kochno, Le Ballet, mars 1954 lithographie en couleur BnF, Estampes et photographie

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso (d'après), Deux danseurs (1925) reproduction issue de l'ouvrage Pablo Picasso, Grâce et mouvement Zürich, Louis Grosclaude, 1943 BnF, Réserve des livres rares
© Succession Picasso 2018

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso, Trois danseuses, [1919-1920] Crayon graphite sur trois feuilles de papier raboutées Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979
© Sylvie Chan-Liat / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

II. Travailler pour le ballet

Picasso a contribué à dix productions de ballets, dont six pour les Ballets russes. Son implication se limite parfois à un simple rideau de scène, ou à des indications pour le faire réaliser : c'est le cas par exemple pour Le Train bleu (1924) ou Le Rendez-vous (1945). Entre 1917 et 1924, il s'investit toutefois très activement dans quatre productions majeures : Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920) et Mercure (1924), ballets pour lesquels il conçoit décors, costumes et rideaux de scène.
Ces réalisations coïncident avec une prise de distance vis-à-vis de la technique cubiste. Après une dizaine d'années de recherches systématiques, qui l'ont mené du proto-cubisme des Demoiselles d'Avignon (1907) au cubisme synthétique, il commence à explorer de nouvelles directions. Des dessins naturalistes font leur réapparition dès 1915. Dans Parade cohabitent éléments néo-classiques et éléments cubistes, que Picasso n'abandonne pas pour autant : il les distille au fil des productions, par petites touches, avant de leur substituer une première forme de surréalisme dans Mercure. Le ballet accompagne ainsi les mutations successives de l'artiste.
À partir des années 1970, certains de ces ballets ont été reconstitués par l'Opéra de Paris. Après Parade, recréé en 1979 à l'occasion d'un hommage à Erik Satie, ce sont Le Tricorne, Le Train bleu et Le Rendez-vous qui intègrent simultanément le répertoire de l'Opéra en 1992. En comptant aussi Icare, dans une nouvelle production créée au Palais Garnier en 1962, cinq des ballets de Picasso sont actuellement au répertoire de l'institution.

Parade, 1917

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso, Projet pour le rideau de scène du ballet Parade,[1916-1917] Crayon graphite et aquarelle sur papier Musée national Picasso-Paris Dation Pablo Picasso, 1979 © Succession Picasso 2018

Imaginé par Cocteau, l'argument de Parade est très simple : devant un chapiteau, les artistes tentent de convaincre le public d'entrer pour assister à leur spectacle en donnant un aperçu de leurs numéros (la « parade »). Cocteau veut puiser la « force de vie » présente dans le cirque pour « féconder » un art théâtral jugé moribond. Ce projet ne pouvait mieux convenir à Picasso : particulièrement sensible à l'univers des saltimbanques, il s'identifie à Arlequin, « double mélancolique » très présent dans son œuvre. Sollicité par Cocteau, il accepte de participer, aux côtés de Massine et du compositeur Erik Satie. Il réalise un décor cubiste, qui contraste avec le néo-classicisme de son rideau de scène. Par ailleurs, Picasso modifie le ballet de façon notable. Il introduit les personnages des managers, dont les costumes sont pensés comme des sculptures cubistes, ainsi qu'un numéro de « cheval-jupon », sur le modèle de celui qu'il a observé au cirque Medrano. Ses costumes contribuent largement au scandale de la création de Parade, qui finit néanmoins par s'imposer.

Le Tricorne, 1919

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso (d'après), Le Tricorne : maquette du décor définitif (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Paris, P. Rosenbe
© Succession Picasso 2018

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso (d'après), Projet de costume pour le ballet Le Tricorne : un voisin (1919) planche issue du portf. : Trente-deux reproductions de maquettes en couleurs d'après les originaux des costumes et décors par Picasso pour le ballet Le Tricorne Pa
© Succession Picasso 2018

Après la réussite de Parade, Diaghilev invite Picasso à participer à un second ballet, entièrement espagnol : El Sombrero de tres picos (Le Tricorne), adapté du roman picaresque de Pedro de Alarcón. Manuel de Falla compose la musique et Massine est de nouveau chargé de la chorégraphie, conseillé par Félix Fernandez, un danseur de flamenco. L'intrigue du ballet s'articule autour des personnages du meunier et de sa femme, convoitée par le gouverneur de la province. À la suite de nombreuses péripéties, le gouverneur est rossé, avant que la foule ne se lance dans une jota finale, danse traditionnelle espagnole. Picasso réalise des décors aux teintes douces, à la fois naturalistes et subtilement cubistes, sur lesquels ses costumes très colorés, d'inspiration populaire, se détachent vivement. Le Tricorne, qui lui rappelle ses racines andalouses, lui permet d'exprimer sa passion pour la corrida, qu'il fait infuser dans le ballet : il fait danser matador et picador au milieu des villageois, et représente sur le rideau de scène une arène, un jour de corrida.

Pulcinella, 1920

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso (d'après), Étude de décor pour le ballet Pulcinella [ca. 1920] Procédé Jacomet (gouache appliquée au pochoir sur impression phototypique) BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En avril 1917, les Ballets russes sont en tournée en Italie : la troupe se produit à Rome, avant de gagner Naples. Alors que Picasso travaille sur Parade, Diaghilev et Massine rassemblent des matériaux pour un nouveau ballet, inspiré de la commedia dell'arte. Adaptant une pièce du théâtre napolitain du xviiie siècle, Massine écrit l'argument de Pulcinella quelques mois plus tard. Diaghilev, de son côté, après avoir collecté des manuscrits attribués à Jean-Baptiste Pergolèse (1710-1736), propose à Igor Stravinsky de s'en servir pour composer une nouvelle musique de ballet. Picasso rejoint le projet en décembre 1919 et réalise une première série d'esquisses évoquant l'esthétique du Second Empire. Après plusieurs refus de Diaghilev, il opte pour une scène de rue nocturne : Naples est représentée selon les principes cubistes, avec vue sur le Vésuve. Les costumes qu'il conçoit empruntent à la fois aux costumes du XVIIIe siècle et aux traditions populaires napolitaines, qu'il a découvertes en 1917. Pulcinella est créé par les Ballets russes à l'Opéra de Paris le 15 mai 1920.

Mercure, 1924

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Scène de la confrontation entre Mercure (Léonide Massine)et Apollon (Boris Lissanevitch), Mercure [1927][Photographe non identifié], © BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Succession Picasso 2018

En 1924, Diaghilev et Cocteau montent Le Train bleu. Sollicité, Picasso accepte qu'un de ses tableaux soit reproduit pour servir de rideau de scène. Au même moment, le comte Étienne de Beaumont lance un projet concurrent. Pour ses « Soirées de Paris », il réunit une équipe composée de Satie, Massine et Picasso, auxquels il commande un ballet autour du dieu Mercure.
Picasso a carte blanche. S'éloignant du cubisme, il conçoit des « poses plastiques » d'allure surréaliste : les Trois Grâces apparaissent travesties ; certains personnages sont incarnés par des sculptures mobiles. L'artiste approfondit aussi une nouvelle technique, à base de lignes continues : ce style, dit « calligraphique » ou
« curvilinéaire », irriguera sa production dans les années suivantes.
Lors de la première de Mercure, le 15 juin 1924, un groupe de dadaïstes menés par André Breton et Louis Aragon déclenche une cabale visant Satie et Beaumont. Quelques jours plus tard, ils dressent toutefois dans la presse un portrait élogieux de Picasso : son dernier ballet majeur signe ainsi son entrée dans le surréalisme.

Icare, 1962

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Attilio Labis dans le rôle-titre d'Icare Palais Garnier, Paris, 1962 BnF, Bibliothèque-musée de l'Opéra © Roger Pic/ BnF © Succession Picasso 2018

En 1962, Serge Lifar est invité par l'Opéra de Paris à remonter son ballet Icare. L'argument qu'il a conçu s'inspire de la mythologie grecque : grâce aux ailes fabriquées par son père Dédale, Icare s'élance dans les airs ; mais grisé par le vol, il s'approche trop près du soleil, la cire de ses ailes fond et il tombe dans la mer. Créé en 1935, le ballet est un manifeste où la danse s'écrit indépendamment de la musique : outre la chorégraphie, Lifar est responsable des « rythmes » qui l'accompagnent, orchestrés par Arthur Honegger.
Pour cette reprise, l'ancien danseur conçoit lui-même de nouveaux costumes et propose à son ami Picasso, rencontré grâce aux Ballets russes dans les années 1920, de réaliser décor et rideau de scène. Depuis 1924, Picasso n'a plus travaillé pour le ballet, à l'exception d'un rideau pour Le Rendez-vous (1945) de Roland Petit, qui reprend une toile existante. L'artiste accepte pourtant d'imaginer ce nouveau décor : il fournit à Lifar une esquisse rappelant une autre « chute d'Icare », celle de la fresque qu'il a peinte en 1958 pour le siège de l'Unesco.

III. Représenter la danse

Au-delà de l'univers du ballet, Picasso a représenté un grand nombre de scènes de danses. Dès la fin des années 1890, des danseuses de cabaret apparaissent dans ses œuvres. L'artiste fréquente alors beaucoup music-halls et cafés-concerts : les danseuses de french cancan mais aussi les bals populaires qu'il dépeint, sont autant de témoins de sa vie de bohème, en prise avec le monde de la nuit et de la fête. Ces premières thématiques laissent ensuite la place à d'autres sujets, prétextes à l'introduction de nouvelles danses : danses orientales, danses mythologiques, danses traditionnelles espagnoles comme le flamenco, la jota ou encore la sardane, liée à la
« ronde de la paix »...
Réalisé entre 1904 et 1972, l'œuvre gravé de Picasso accompagne l'évolution de son rapport au mouvement dansé et permet de proposer un aperçu de la présence continue de la danse dans sa production, à travers quatre thématiques majeures.

Au cirque - Forains et saltimbanques

Picasso a toujours été fasciné par le monde circassien. À Paris, dès 1904, il est un habitué du cirque Medrano. Cette fréquentation assidue se ressent dans sa création : en 1905, les saltimbanques deviennent omniprésents dans ses œuvres. Suivant les traces de Toulouse-Lautrec, Picasso dessine ses premières « danseuses à cheval » ou « écuyères à panneau », du nom de la selle plate sur laquelle ces baladines se produisent. Au fil des années, il convoquera souvent cette figure, que l'on retrouve notamment sur le rideau de Parade.

Les danses mythologiques

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso, Faunes et chèvres, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso, Grand nu dansant, 1962 linogravure en couleurs, BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso, Centaure dansant, fond noir, octobre 1948 lithographie BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso Bacchanale avec une femme assise tenant un bébé, 1959 linogravure en couleurs BnF, Estampes et photographie
© Succession Picasso 2018

La mythologie gréco-latine a profondément nourri l'œuvre de Picasso. Si le minotaure, alter ego de l'artiste, domine les années 1930, ce sont les bacchantes et l'ensemble du cortège dionysiaque qui s'imposent à partir des années 1940. Les bacchantes sont ces femmes enivrées qui pratiquent une danse rituelle en l'honneur de Dionysos-Bacchus, dieu du vin et du théâtre. Picasso s'inspire des bacchanales du classicisme français pour représenter ce nouveau type féminin. En août 1944, dans l'euphorie de la Libération de Paris, il reproduit Le Triomphe de Pan de Nicolas Poussin (1594-1665), qu'il réinterprète d'une manière cubiste : célébrant la joie de vivre retrouvée, cette peinture initie un nouveau départ dans son œuvre. À la faveur du retour à la paix et de séjours réguliers à Antibes, satyres, centaures, faunes et bacchantes s'affirment alors dans des compositions mêlant musique, danse et fête, dans lesquelles on voit parfois poindre l'influence du néo-classicisme de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

Danser la corrida

Dans la culture populaire espagnole, les affinités entre danse et tauromachie sont nombreuses : les paroles et les figures du flamenco font souvent référence à la corrida ; le paso doble évoque le tercio de muleta, combat final du matador contre le taureau. Réciproquement, un certain nombre de musiques de danse sont jouées tout au long de la corrida. Lorsque le matador choisit de poser lui-même les banderilles, il le fait au son d'une valse ou d'une jota issue du folklore espagnol, dansant et virevoltant devant le taureau pour provoquer sa charge. Puis, alors que l'orchestre interprète un paso doble, le matador exécute, avec une cape rouge, une série de passes parfois comparées à des mouvements de flamenco, avant l'estocade finale. Picasso a pleinement intégré le potentiel dansant de la corrida. Si les danseurs des Ballets russes incarnaient matador et picador dans Le Tricorne, ce sont ici les toréros qui se font danseurs. Les banderilleros sont suspendus dans des postures qui semblent chorégraphiées, tandis que chevaux et taureaux se figent au milieu de pas de deux brutaux.

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Pablo Picasso
Tauromaquia : suerte de muleta
1957
Aquatine au sucre
BNF, Estampes et photographie

Le pouvoir érotique de la danse

Au cours des années 1960, la présence de l'érotisme dans les œuvres de Picasso s'intensifie considérablement. L'artiste revisite les sujets qui lui sont chers pour en proposer une nouvelle interprétation, fortement sexualisée. En particulier, il explicite beaucoup plus que par le passé le caractère sensuel voire luxurieux de la danse : bacchantes, circassiennes et danseuses orientales apparaissent nues, leurs attributs sexuels exacerbés. Plus encore, ses représentations mettent en scène avec insistance le pouvoir érotique de la danse. Les danseuses adoptent des poses lascives, attirant de façon magnétique le regard de spectateurs concupiscents, auxquels Picasso paraît une nouvelle fois s'identifier. Ces jeux de séduction fascinent diverses figures incarnant l'autorité ou le pouvoir, captives de ces visions érotiques, tel Hérode face à Salomé. Le public lui-même est renvoyé à sa posture de voyeur, à l'image de ce cavalier, échappé de l'univers de Rembrandt (1606-1669), qui surprend une bacchanale nocturne dans une composition de 1971.

IV. De la danse au geste dansé

Vernissage de l'exposition "Picasso et la danse"

Picasso Pablo (dit), Ruiz Picasso Pablo (1881-1973). Paris, musée national Picasso - Paris. MP819. © René Gabriel Ojéda / RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2018

Amateur de bals populaires et de fêtes mondaines, Picasso a dansé toute sa vie. Sur certains clichés, on le voit, amusé, tenter un levé de jambe maladroit en pleine rue, ou ébaucher un pas de danse en compagnie de Jacqueline Roque, sa dernière égérie. Pour autant, cette affinité avec le mouvement dansé peut-elle avoir influencé sa pratique artistique ?
La série de photographies réalisée par Gjon Mili pour le magazine Life en août 1949 apporte quelques éléments de réponse. À l'aide d'un crayon lumineux, Mili invite Picasso à exécuter des dessins immatériels. Constitué d'une ligne ininterrompue de lumière, chaque motif est fixé sur la pellicule grâce à une durée d'exposition très longue. Parfois, une succession de flashs permet de capturer différents états de la gestuelle de l'artiste : son corps apparaît tourné dans plusieurs directions à la fois, à la façon d'un tableau cubiste.
Cette technique du trait continu, Picasso l'a expérimentée dès la fin des années 1900 : la pointe du crayon se pose sur le papier et ne le quitte qu'une fois le dessin achevé. Entre 1917 et 1924, l'artiste s'en sert de nouveau, aboutissant au « style curvilinéaire » de Mercure. Mais la proposition de Mili implique une nouveauté de taille : cette fois, le tracé s'épanouit dans un espace à trois dimensions. Mouvements amples des bras, extension maximale, le corps de Picasso semble se projeter dans une sphère pour déployer une imagerie en volume. Son geste devient, en quelque sorte et pour un bref instant, un geste de danseur, immortalisé par l'œuvre photographique, comme une esquisse de notation chorégraphique.

https://www.operadeparis.fr/visites/expositions/picasso-et-la-danse

Time:

08:00-18:00

Description:

Les ambitions d'une Ville-monde, les conditions pour transformer l'essai

La Tribune organise le 19 juin sa première édition du Sommet du Grand Paris. Tous les grands enjeux de la Région Île-de-France et de la métropole du Grand Paris seront passés au crible : Grand Paris Express, CDG Express, JO 2024, développement des quartiers d'affaires (La Défense) et des territoires de demain (Plaine Commune, Saclay...). Deux ans après le Brexit, la région Capitale déploie ses ambitions de ville monde en matière d'attractivité, de transports et de mobilités, de logements et d'infrastructures. Ce nouveau rendez-vous vous permettra d'entendre et de rencontrer les principaux acteurs économiques, privés comme publics, du Grand Paris, débattre des défis du futur.

>> RSVP

#SommetGParis

Time:

14:00-22:00

Description:

Vernissage de l'exposition "Le centre ne peut tenir"

LE CENTRE NE PEUT TENIR
Exposition du mercredi 20 juin au dimanche 9 septembre 2018

Le centre ne peut tenir est la première exposition collective dans le bâtiment rénové de Lafayette Anticipations, rassemblant une nouvelle génération d'artistes français et internationaux. L'exposition réagit à la simplification des débats socio-politiques actuels, au renforcement des catégories culturelles, sociales et politiques, et à la peur de la différence.

« Tournant, tournant dans la gyre toujours plus large ; Le faucon ne peut plus entendre le fauconnier. Tout se disloque. Le centre ne peut tenir. L'anarchie se déchaîne sur le monde », écrit le poète W. B. Yeats au lendemain de la Première Guerre mondiale, alors présentée comme « la guerre pour mettre fin à toutes les guerres ». Cent ans plus tard, un profond sentiment de désorientation plane à nouveau sur nos sociétés. Pourtant, le centre devrait-il toujours tenir ? Ou serait-ce l'opportunité de rééquilibrer les pouvoirs ?

L'exposition rassemble les oeuvres de :
Isabelle Andriessen, Lucy Beech, Ève Chabanon, Julien Creuzet, Danielle Dean, Kenny Dunkan, Cooking Sections (Daniel Fernández Pascual et Alon Schwabe), Rana Hamadeh, Paul Maheke en collaboration avec Ligia Lewis et Nkisi, Jumana Manna et Yuri Pattison. Avec la participation d'Andrés Jaque / Office for Political Innovation.

Vernissage de l'exposition "Le centre ne peut tenir"

Andrés Jaque, The Transvector
© Andrés Jaque and Office for Political Innovation

Vernissage de l'exposition "Le centre ne peut tenir"

Kenny Dunkan, Music Temple © Mathieu Faluomi

Vernissage de l'exposition "Le centre ne peut tenir"

Lucy Beech, Vue du film produit dans le cadre du Centre ne peut tenir, 2018
© Lucy Beech

Time:

16:00-17:00

Description:

Stade Bauer (Red Star FC)

Défilé Arthur Avellano

Time:

17:00-20:00

Description:

Atelier Brancusi

Time:

18:00-20:00

Description:

"C'est avec un grand plaisir que je vous annonce la parution le 30 mai chez Flammarion de mon livre l'Ami intérieur, « Libérer le meilleur de soi », fruit de nombreuses années d'observation, d'étude et de réflexion sur le soin et le développement personnel. C'est à la fois, un bout d'autobiographie, un voyage initiatique, un conte métaphorique et un manuel d'évolution personnelle avec de nombreux outils pratiques."
Dr Halim Youcef-Dumez

Présentation, signature et cocktail pour le roman "L'Ami intérieur"

Présentation, signature et cocktail pour le roman "L'Ami intérieur"

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 15 au 28 JUIN 2018
Vernissage mardi 19 JUIN de 18h à 21h

Time:

18:00-21:00

Description:

Du 19 au 24 juin 2018 de 10h30 à 18h30, la galerie Beauté Du Matin Calme propose une exposition collective organisée par la commissaire d'exposition Juanita Sonigo :
- Mona Boitière
- Marie Dubor
- Nathaniel
- Lolo

A cette occasion, nous organisons un vernissage le soir même de l'ouverture de l'exposition le 19 juin 2018 de 18h à 21h. Certains de ces artistes seront présents, nous comptons donc sur votre présence afin de venir les soutenir et découvrir ou (re)découvrir leurs travaux.

De plus, pour la fête de la musique le 21 juin, la galerie fera nocturne jusqu'à 21h.

Vernissage de Sonigo Juanita

Time:

18:00-21:00

Description:

19 > 23 juin 2018
Vernissage mardi 19 juin 2018 à partir de 18h

Vernissage de Marie-Claude Bugeaud

Time:

18:00-21:00

Description:

Exposition en entrée libre, galerie de photographies du Centre Pompidou

20 juin - 15 octobre 2018

L'exposition présentée au public dans la Galerie de photographies rassemble près de quatre-vingts photographies vintage, pour la plupart inédites, de Sabine Weiss sur le thème de la rue et couvre les années de 1945 à 1960. Les photographies présentées sont issues d'un achat par le musée national d'art moderne et d'un don récent de la photographe, qui a souhaité confier un ensemble significatif de photographies au Centre Pompidou. Sabine Weiss est aujourd'hui la dernière représentante du grand courant de la photographie dite humaniste. Ce courant, typiquement français, a souvent été à tort réduit à des images sentimentalistes.

Les photographes humanistes français, pour la plupart réunis au sein de l'agence Rapho (Edouard Boubat, Robert Doisneau, Jeanine Niepce, Willy Ronis...) ont rendu compte de leur époque en adoptant une démarche d'observation sociologique et non critique. Sabine Weiss, comme ses collègues, s'intéresse au quotidien. Dans ces photographies, réalisées pour elle-même, dans les moments libres, elle pose un regard à la fois doux et compréhensif sur les habitants de sa ville. Sabine Weiss est à la recherche des beautés simples des moments suspendus, de repos ou de rêverie sans pour autant cacher la pauvreté du quotidien de l'Europe de l'après-guerre. Ses œuvres sont pleines de lumière, de jeux d'ombres et de flous mais elles témoignent aussi et surtout d'un engagement de la photographe en faveur d'une réconciliation avec le réel.

L'exposition propose de réactualiser le regard posé sur cette production, riche et variée, qui par bien des aspects dépasse le seul contexte de la photographie humaniste. Cette nouvelle lecture du travail de Sabine Weiss est rendue possible par la mise en regard de ses archives personnelles avec ses œuvres et celles de quatre artistes contemporains - Viktoria Binschtok, Paul Graham, Lise Sarfati et Paola Yacoub - qui travaillent sur la thématique de la rue et de la ville contemporaines, avec des approches radicalement différentes, mais qui font écho à la démarche de la photographe.

Née en 1924, en Suisse, Sabine Weiss s'intéresse très tôt à la photographie et décide de faire de sa passion un métier. Durant la guerre, elle est apprentie au studio Boissonnas, à Genève, et décide de s'installer à Paris après l'armistice. Elle travaille quelques années avec le photographe Willy Maywald qui l'introduit dans le milieu de la mode et de la haute société parisienne. Peu après, elle devient photographe indépendante et publie abondamment dans la presse illustrée : Paris Match, The New York Times, Life, Picture Post, Die Woche. Sabine Weiss publie son premier reportage photographique à vingt et un ans, en 1945. À vingt-huit ans, elle participe à l'exposition « Post-War European Photography » au MoMA New York et rejoint l'agence Rapho. En 1954, l'Art Institute of Chicago lui consacre une exposition individuelle qui fera le tour des États-Unis. L'année suivante, en 1955, trois de ses photographies figurent dans l'exposition « The Family of Man » au MoMA. Elle travaille également pour l'édition française de Vogue tout au long des années 1950 et réalise des reportages à l'étranger et des publicités pour de grandes agences de communication. En parallèle, Sabine Weiss se consacre à des travaux plus personnels. Elle photographie des enfants jouant dans les terrains vagues de son quartier, Porte de Saint-Cloud mais aussi la ville de Paris, son quotidien, son métro, ses marchés aux puces...

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Sabine Weiss, Paris, France, 1954
Epreuve gélatino-argentique - 21 x 30,3 cm
Collection Centre Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP © Sabine Weiss

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Sabine Weiss, Paris, France, 1952
Epreuve gélatino-argentique - 21 x 27,4 cm
Collection Centre Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP © Sabine Weiss

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Sabine Weiss, Moscou, URSS, 1961
Epreuve gélatino-argentique - 23,8 x 29 cm
Collection Centre Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP © Sabine Weiss

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Sabine Weiss, Manifestation, New York, Etats-Unis, 1955
Epreuve gélatino-argentique - 24 x 30,5 cm
Collection Centre Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/ Dist. RMN-GP © Sabine Weiss

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Sabine Weiss, New York, Etats-Unis, 1955
Epreuve gélatino-argentique - 23,3 x 30,3 cm
Collection Centre Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/ Dist. RMN-GP © Sabine Weiss

Vernissage de Sabine Weiss "Les Villes, la rue, l'autre"

Sabine Weiss, Petit matin brumeux, Lyon, France, 1950
Epreuve gélatino-argentique - 30,5 x 24,1 cm
Collection Centre Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP © Sabine Weiss

Time:

18:30-21:30

Description:

Afin de célébrer les 115 ans du Faubourg Saint-Honoré

Le Comité organise la Summer Time 2018 et met cette année le début du XXème siècle à l'honneur !

Summer Time 2018

Mardi 19 juin
de 18h00 à 21h30

Rue du Faubourg Saint-Honoré
75008 Paris

Le Faubourg Saint-Honoré, exceptionnellement rendu aux piétons, fait un pas dans le passé, et vous propose une soirée unique et surprenante ponctuée de happenings festifs"

Time:

19:00-20:00

Description:

CMMN SWDN Spring/Summer 2019 Paris

rsvp : cmmn-swdn@starworksgroup.com

Défilé CMMN SWDN

Time:

19:00-22:00

Description:

Il y a 25 ans, le monde de la photographie a changé pour toujours - quand un groupe d'amis passionnés s'est métamorphosé en un important mouvement de l'argentique et du heureux hasard - grandissant en une communauté qui s'engage à être à contre-courant et à développer une photographie expérimentale, argentique dans le monde entier. Les LomoWalls sont les symboles de Lomography : les kaléidoscopiques témoins visuels de sa présence.

Mi-exposition, mi-expérience, le LomoWall est né du désir de Lomography de trouver une manière plus folle et éloquente d'exposer des photos, plus démocratique et interactive. Un quart de siècle après sa création, Lomography célèbre l'amour de la photographie avec un LomoWall en plein air au Point Éphémère !

Nous vous invitons à le mardi 19 Juin à partir de 19h, à admirer vos plus beaux clichés !

N'oubliez pas de participer à notre compétition afin que votre photo soit intégrée à ce LomoWall :
https://www.lomography.fr/competitions/3208-le-lomowall-au-point-ephemere

Inauguration du LomoWall

Time:

19:00-21:00

Description:

exposition du 19 juin au 15 juillet
vernissage mardi 19 juin 19h

"Un monde d'hommes"
Cet ensemble, sur lequel je travaille actuellement, est la prolongation d'un thème que jʼavais exploré : l'attente. Ce sont des hommes assis sur des chaises, dans des positions similaires, portant leurs lunettes noires et leurs uniformes. Ils pourraient être des hommes de pouvoir, des hommes dʼautorité, des dictateurs, des chefs mafieux. Mais ils pourraient aussi être des hommes normaux. Leur pouvoir patriarcal est limité par la géométrie des cadres. Les lignes qui dessinent leurs corps se chevauchent parfois tellement qu'on oublie leur présence dans un espace dominé par le noir et le blanc.

Mohamad Omran
Né à Damas en 1979, vit à Paris.
Diplômé de la Faculté des beaux-arts de Damas, Mohamad Omran commence une carrière de sculpteur immédiatement acclamée sur la scène artistique locale. En 2007, il quitte la Syrie pour entreprendre un master puis une thèse en histoire de l'art à l'Université Lyon II. Le début 2011 marque un tournant dans son travail artistique. Ses œuvres sur papiers sont vite remarquées et Mohamad Omran multiplie les expositions individuelles ou collectives : atelier La Façon à Lyon, Galerie Europia et Institut des Cultures d'Islam à Paris, Le Rocher de Palmer à Bordeaux, Forum Factory à Berlin, Galerie Al Mashrek à Amman, Art on 56th à Beyrouth, Round Tower à Copenhague, Halles de Schaerbeek à Bruxelles. Son travail fait partie de nombreuses collection privées et publiques notamment le British Museum et la Fondation Atassi.

Vernissage de Mohamad Omran "Un monde d'hommes"

Vernissage de Mohamad Omran "Un monde d'hommes"

Time:

19:00-22:00

Description:

Biographie

Après un parcours scolaire chaotique et un BTS en Design Graphique, je me suis lancée dans le tatouage. Mes études m'ont montré l'importance de l'expérimentation dans le dessin, on peut donc dire que mes œuvres ne sont qu'une compilation d'expériences visant à construire, petit à petit un style qui un jour me sera propre.

Je trouvais intéressant de travailler sur ma vision de l'érotisme, thème que je n'aborde presque jamais et qui pourtant est à la fois universel et personnel à chacun.

Mon rapport au corps est assez similaire au rapport que j'ai au dessin : timide, douloureux, organique, amoureux.

Site Internet
https://www.instagram.com/soh.mayy

Vernissage de Soh May

Time:

19:30-21:30

Description:

Mardi 19 juin, nous aurons la joie d'accueillir Louis-Stéphane Ulysse, de bref passage à Paris, autour de la réédition de son somptueux "Harold" (aux éditions de La Bibliothèque). Il serait étonnant que l'on n'évoque pas aussi un peu The Cramps, et le magnifique "Médium les jours de pluie".

Rencontre avec Louis-Stéphane Ulysse

Time:

20:00-21:00

Description:

GmbH Spring Summer 2019
show tonight at 8 pm
RSVP PRESS: events@ritualprojects.com